Iluminação Cênica

A Magie Nouvelle é uma arte ilusionista, da qual algumas variações cênicas se apoiam em ilusões de ótica e na perturbação das referências. O blecaute trazido à sua cena oferece um ambiente propício para revelar as aparições mais irreais: os corpos no palco, livres das restrições do real, provocam o encontro com o sentimento mágico. Através de uma experiência sensorial, o espectador mergulha em um universo irracional e cativante que tem o poder evocatório da imagem aberta (Georges Didi-Huberman). O blecaute imersivo tem a faculdade de transformar a opacidade da tela do visível até adquirir as qualidades do visual. Espetáculos como Vibrations (2010) e Notte (Cia 14:20) ou ainda Les Limbes (Cia Mosntre[s], 2014) permitirão demonstrar suas ocorrências. No entanto, se essa abordagem mágica do blecaute parece das mais novas, sua mobilização marcou a história da magia. Esse artigo vai se debruçar, portanto, num primeiro momento, sobre uma recontextualização do uso do blecaute na história d...

A escenografía teatral viviu diversos momentos ó longo da súa historia en relación co texto teatral. Desde non ser máis ca un mero decorado ou fondo para a acción, a ser un espacio actuante no que se desenvolve o drama ou a acción, poderíanse considerar diversos graos de relación. Veremos que actualmente transcende estes límites.

A presente investigação se baseia em um relato de experiência realizada durante a disciplina “Iluminação, projeções e efeitos II” no curso de Direção de Arte da Universidade Federal de Goiás, na qual introduzimos o uso de micro-controladores arduino e o uso de sensores para acionar lâmpadas de LED através de gestos, agenciamentos e dados captados no meio ambiente. Como resultados obser vamos o quanto o ensino sobre iluminação através do uso desses dispositivos pode ser versátil, bem como exige uma maior integração, desde o momento da montagem,
entre movimentos dos atores, dados fornecidos pelo espaço cênico, figurinos, adereços ou relação com os espec tadores. Não acreditamos, de modo algum, que o ensino através do arduino deve substituir o ensino em seu formato tradicional de iluminação cênica, mas poderá vir posteriormente como um adicional ao conhecimento. Por fim, percebemos que o uso do micro-controlador arduino pode promover uma maior autonomia na aquisição de um sistema de iluminação, bem como, impelir a uma maior experimentação com espaços, pessoas, materiais, tipos de lâmpadas e refletores.

Cet entretien a été réalisé en septembre 2019 par José Ronaldo Faleiro et Priscila Costa, lors de l'événement A Luz em Cena qui s'est tenu du 2 au 6 septembre 2019 au Centre des Arts (CEART) de l'Université d'État de Santa Catarina (UDESC) au Brésil. Dans un discours passionné et didactique, Véronique Perruchon expose des données sur l'enseignement, la formation et la pratique des éclairagistes en France du milieu du XXe siècle à nos jours. Elle décrit avec clarté sa recherche d'une dimension sensible dans la relation entre la lumière et le noir.

Esta entrevista foi realizada em setembro de 2019, por José Ronaldo Faleiro e Priscila Costa, durante o evento A Luz em Cena, realizado de 02 a 06 de setembro de 2019 no Centro de Artes (CEART), da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC) - Brasil. Em uma fala lírica e didática Véronique Perruchon expõe dados sobre o ensino, formação e prática das iluminadoras e iluminadores na França desde a metade do século XX até o presente. A entrevistada relata com clareza sua busca pela dimensão sensível da relação entre a luz e o escuro.

Luz e visualidade: desvios do espetáculo A última virgem O artigo discute as principais estratégias da iluminação cênica na composição da visualidade de A Última Virgem, encenação baiana da peça Os sete gatinhos, escrita por Nelson Rodrigues. Baseando-se na noção de desvio, formulada pelo teórico francês Jean-Pierre Sarrazac, o estudo reflete sobre a articulação da luz com o texto, com a direção da montagem e com os principais elementos visuais da cena.

Valendo-me de  conceitos próprios à prática dos Viewpoints e relacionando-os à criação dramatúrgica em campo expandido, durante um processo de desconstrução onde miro minha própria trajetória artística, rememoro os passos como pistas para desvendar esse processo trilhado de Desmontagem Cênica, buscando tornar visível o invisível, pra poder me perder e reencontrar, enquanto rascunho a cartografia de uma um processo criativo e de pesquisa em artes da cena.

O estudo recupera algumas das principais definições de dramaturgia, compreendida como princípio que organiza a ação em função da cena, seja ela feita pelo autor dramático, encenador ou autor cênico, e visa compreender as relações que se estabelecem durante o processo dramatúrgico na elaboração da ação cênica, para além da noção dualista e arcaica que distingue texto dramático e encenação. Utiliza-se, para tanto, de casos do teatro de narração e do teatro de testemunho, ilustrativos do panorama das escrituras teatrais contemporâneas.  

Este texto se propõe, seguindo o fluxo da memória, compartilhar os processos de busca, investigação, de duvidas, caminhos, erros e acertos do processo de criação da desmontagem cênica: Um Grito, e seus desdobramentos, sugerindo um experimento artístico que se propõe como uma ação poética disruptiva.

RESUMO O artigo trata da recepção teatral do espetáculo A Filosofia na Alcova, do grupo Pigmalião Escultura que Mexe, sob a perspectiva de dois autores: uma atriz-pesquisadora brasileira que apresenta para o público francês; um espectador-filósofo francês que assiste a um espetáculo brasileiro. Para tanto, a autora brasileira constrói uma escrita introdutória sobre o processo de criação do espetáculo e as repercussões da peça junto ao público. Em um segundo momento, o artigo se abre para que o autor francês deambule sobre as impressões que teve do espetáculo, ao assisti-lo em Charleville-Mézières, em 2015. O objetivo do texto é provocar reflexões a partir da justaposição desses dois olhares, situados em terrenos geográficos, políticos e culturais distintos, sobre a montagem de um texto francófono por brasileiros.

Este artigo debate o funcionamento do encontro entre a representação e o olho do espectador. Este pequeno Mostruário explora as condições de percepção do olho do espectador, com o objetivo de compreender as interações entre o olho e a luz em cena. 

Este artigo tem como escopo discorrer sobre o texto Dei lumi artificiali delle scene, composto no século XVI italiano, obra literária do preceptor, pintor e arquiteto Sebastiano Serlio, que trata de uma série de assuntos referentes à arquitetura a partir da figura do pintor. Na distinção das artes a prescrição do lume para o “disegno visivo” seguirá preceitos do tratado Da pintura de Alberti. No crescente da construção retórica discursiva, tal proposição é suplantada quando se trata dos lumi da scena, ou seja, “luzes que se vêem”, obtidas pelo fogo, que incidem sobre tintas coloridas, como formas de ornatos materiais, amplificam o relevo e dão a ver os volumes superando, por emulação, as próprias coisas naturais.

O texto sintetiza o primeiro ano de trabalho do ILUMILUTAS, projeto de pesquisa e extensão ligado ao curso de graduação em Artes do Corpo em Cena da Universidade Federal do Sul da Bahia, no Campus Sosígenes Costa. Fundado em 2018, o grupo tem como marca o cruzamento dos estudos da iluminação cênica com os processos sociais, desempenhando ações de investigação teórica e de suporte artístico laboratorial das matizes de luz e gênero, luz e sexualidade, luz e classe social, luz e processos étnico-raciais, etc. Sendo o primeiro projeto pedagógico de iluminação cênica no país dedicado exclusivamente aos processos sociais, o ILUMILUTAS destaca-se por assumir a pesquisa das visualidades da cena a partir de corporalidades não-hegemônicas, instaurando no campo da luz uma episteme tecnopolítica e uma pedagogia sócio-crítica.

A luz como encruzilhada do corpo tem sido um aspecto fundamental de encenações contemporâneas que buscam visualidades dissidentes. Quais os traços de expressão visual de corporalidades diaspóricas? Como desmontar poeticamente um corpo caracterizado por processos performativos étnico-raciais e de gênero hegemônicos? Este artigo pretende discutir o papel da iluminação cênica na construção de visualidades diaspóricas a partir de suas dimensões políticas e estéticas. Pretende-se verificar o potencial da luz cênica em apurar efeitos visuais de corporalidades em suas incidências indisciplinares. Trataremos, então, de três aspectos da iluminação cênica como encruzilhada do corpo: sincretismo, abstrusidade e contágio. Almejamos, assim, refletir sobre os vetores sensíveis da luz cênica na expressão visual de corporalidades diaspóricas no quadro da produção teatral, de dança, cinematográfica e performativa.Palavras-chave: iluminação cênica, poéticas do corpo, visualidades diaspóricas.

O principal objectivo desta tese é apresentar o primeiro estudo sistemático sobre os materiais e as técnicas da pintura a óleo, em Portugal, tendo por base fontes documentais. O período analisado vai desde a criação das Academias de Belas Artes de Lisboa e do Porto, em 1836, até ao início da Primeira Guerra Mundial, em 1914. Este trabalho contempla quatro temas fundamentais: 1) a transmissão e difusão do conhecimento a partir da literatura técnica, onde se incluem manuais e tratados de pintura; 2) o ensino e os recursos disponibilizados aos estudantes de pintura portugueses nas Academias de Belas Artes; 3) os materiais da pintura a óleo descritos ou indicados nas fontes: os seus usos, propriedades e problemas, como a alteração de cor, a autenticidade e a adulteração; 4) o acesso aos materiais da pintura em Portugal. As informações que suportam esta investigação foram reunidas e introduzidas numa base de dados a partir da documentação consultada em arquivos e bibliotecas. Os document...

A luz como encruzilhada do corpo tem sido um aspecto fundamental de encenações contemporâneas que buscam visualidades dissidentes. Quais os traços de expressão visual de corporalidades diaspóricas? Como desmontar poeticamente um corpo caracterizado por processos performativos étnico-raciais e de gênero hegemônicos? Este artigo pretende discutir o papel da iluminação cênica na construção de visualidades diaspóricas a partir de suas dimensões políticas e estéticas. Pretende-se verificar o potencial da luz cênica em apurar efeitos visuais de corporalidades em suas incidências indisciplinares. Trataremos, então, de três aspectos da iluminação cênica como encruzilhada do corpo: sincretismo, abstrusidade e contágio. Almejamos, assim, refletir sobre os vetores sensíveis da luz cênica na expressão visual de corporalidades diaspóricas no quadro da produção teatral, de dança, cinematográfica e performativa.Palavras-chave: iluminação cênica, poéticas do corpo, visualidades diaspóricas.

O artigo busca tecer relações entre o trabalho da iluminação cênica e a natureza site specific de algumas obras teatrais. Partindo do princípio de que a obra teatral se constitui com base na interação de suas partes, busca-se compreender a iluminação como elemento articulador da espacialidade. Tendo em conta um referencial conceitual sobre o termo site specific, o artigo apresenta três espetáculos como exemplos concretos dessas relações: O Paraíso Perdido, O Livro de Jó e Apocalipse 1,11, criações do Teatro da Vertigem com iluminação de Guilherme Bonfanti.

Este artigo analisa algumas cenas do espetáculo Vestido de Noiva, peça de Nelson Rodrigues (1912-1980), com o olhar voltado para a sua iluminação, a fim de perceber a atividade da luz na expressão dos espaços (ambientes) através do contraste entre luz e sombra. Para tal fim, utiliza-se metodologicamente os conceitos de luz ativa e luz passiva do suíço Adolphe Appia (1862-1928) para análise da planta de luz de palco e do roteiro de operação de luz original da estreia do espetáculo em dezembro de 1943, descobertos no acervo de João Angelo Labanca (1913-1988) e disponíveis no Centro de Documentação da Fundação Nacional de Arte.

Resumo: O artigo desenvolve um exercício de pensamento sobre o princípio da artificialidade intencional depreendido da obra de Edward Gordon Craig com o objetivo de fazer mover o corpo na formação docente. As noções foucaultianas de corpo dócil, corpo utópico e heterotopia são postas em operação em lateralidade com as propostas craiguianas da Übermarionnette e do Projeto Scene, com intuito de pensar o corpo artificial da marionete em relação ao corpo orgânico das estudantes de Pedagogia. Conclui-se que há duas vias coexistentes e conflitivas que operam nos processos de subjetivação, uma relacionada à ordem disciplinar e outra que aciona o corpo para a criação.

Resumo: O presente artigo, na proposta de uma história do pensamento sobre o fazer da iluminação cênica moderna, debruça-se sobre o contexto da cena moderna italiana do início do século XX, utilizando-se da dramaturgia metateatral de Luigi Pirandello como fonte documental para a história do teatro. Assim, trata inicialmente das questões metodológicas aí implicadas para, posteriormente, empreender análises das peças que compõem sua trilogia do teatro no teatro, tendo como foco a articulação entre as noções de visibilidade e visualidade, propondo-as como conceitos-chave para a compreensão da luz na cena moderna, para além da dicotomia luz para ver e luz narrativa ou de efeito.

O presente artigo propõe apresentar uma reflexão sobre a cena moderna, forjada ao final do século XIX, a partir dos impactos das novas tecnologias da iluminação elétrica. Analisando tal contexto, procuraremos repensar o comum antagonismo entre os movimentos naturalista e simbolista enquanto fundadores da referida modernidade, propondo que, para além de suas oposições, a parceria entre tecnologia e cena marcariam seus aspectos comuns, determinando exatamente o que poderíamos chamar de moderno, mais a partir de um modo de fazer do que dos resultados estéticos visuais almejados. Para tal, revisaremos alguma bibliografia já consagrada no que concerte à história e estética da cena moderna, outra mais atual de revisão da questão e, por fim, verificaremos a questão central aqui proposta na proposição de cena de André Antoine e Loie Fuller.

O presente artigo propõe apresentar uma reflexão sobre a cena moderna, forjada ao final do século XIX, a partir dos impactos das novas tecnologias da iluminação elétrica. Analisando tal contexto, procuraremos repensar o comum antagonismo entre os movimentos naturalista e simbolista enquanto fundadores da referida modernidade, propondo que, para além de suas oposições, a parceria entre tecnologia e cena marcariam seus aspectos comuns, determinando exatamente o que poderíamos chamar de moderno, mais a partir de um modo de fazer do que dos resultados estéticos visuais almejados. Para tal, revisaremos alguma bibliografia já consagrada no que concerte à história e estética da cena moderna, outra mais atual de revisão da questão e, por fim, verificaremos a questão central aqui proposta na proposição de cena de André Antoine e Loie Fuller.