Anti-hero

Senaryosunu Hakan Günday’ın yazdığı, yönetmenliğini ise Onur Saylak’ın yaptığı ‘Şahsiyet’ adlı dizinin ilk sezonu 2018’de, ikinci sezonu ise 2023 yılında dijital platformlarda yayınlanmıştır. Dram ve suç türündeki dizi, kolektif suçluluğu ve adalet arayışını odağına koymaktadır. Dizinin konusu kâtip memurluğundan emekli bir karakterin geçmişte yaşanan ve örtbas edilen tecavüz vakasında sorumluluğu olanları intikam duygusuyla öldürme planlarına dayanmaktadır. Emekli kâtibin yanı sıra gazeteci, polis, iş insanı gibi birden fazla aktör de dizide temsil edilmektedir. Dizi, birden fazla temayı içinde barındırmaktadır. Bu bildiri, diziyi sapma davranışı ve bu davranışın toplumsal bağlamını ele alan suç sosyolojisiyle sınırlı bir analiz çerçevesine sahiptir. Grupların koyduğu kuralların ihlali anlamına gelen ‘sapma’ davranışı, kural koyan ve uygulayan ile onu ihlal edenlerin karşılıklı ilişki ve etkileşimlerini merkeze alan etkileşimsel sapma sosyolojisi bu bildirinin perspektifini teşkil etmektedir. Dizideki kural koyucular, uygulayıcılar ve ihlal edenler arasındaki ilişkiler ve etkileşimler ekseninde sapma ve suç temsilleri bildiride yorumlanmaktadır. Genel olarak kural ihlali olarak ‘sapma’ ve hukuki açıdan ise ‘suç’ teşkil eden fiillere dair pek çok göstergeye dizide yer verilmiştir. Özellikle kolektif suçluluk ve bunun bastırılmasına yönelik kolektif yalan üretme, başka bir sosyal grubu günah keçisi şeklinde sunma, damgalama gibi suç ve sapmaya dair önemli bazı toplumsal örüntüler dizide temsil edilmiştir. Belli bir sapma ve suç davranışın sosyal ilişki ağları sayesinde üzerinin örtülmesi aynı zamanda zincirleme başka sapma ve suç pratiklerini beraberinde getirebilmektedir. Dizi, sapma ve suç odaklı davranışların toplumsal bağlamlarla ve etkileşimler ekseninde analiz edebilme imkânı sunması açısından dikkate değer temsiller barındırmaktadır.

Bu araştırmada, süper kahraman temalı film türünde anti kahraman olgusunun
inşasını, transmedya hikâye anlatıcılığı perspektifiyle ortaya koymak amaçlanmaktadır. Araştırma evrenini oluşturan Deadpool hikâye evreni çok sayıda
mecraya tümleşik gelişim gösteren bir anti kahraman karaktere özgü unsurlar
barındırmaktadır. Araştırmanın metodolojisi için niteliksel ve niceliksel içerik
analizi yöntemi kullanılmaktadır. Yapılan analizler sonucunda anti kahraman
Deadpool karakter inşasında transmedya hikâye anlatıcılığı yaklaşımının uygulandığı tespit edilmiştir. Araştırmada mecranın gelişim süreçleri incelendiğinde, Deadpool transmedya ekosisteminin 8 aşamadan oluştuğu görülmektedir. Bu ekosistemin gelişiminde mecranın yapısı ve üretilen içeriğin niteliği açısından boyut değişimleri saptanmıştır.

My essay intends to explore the definition of the anti-hero and the narrative function of this figure. The concept of anti-hero clearly has a central role as a tool of both narrative structures and genres. Starting from the typology of the anti-hero and some literary examples I will analyse the many adaptations of this narrative device into different forms of expression like theatre, literature and cinema, and in particular, TV series.

René Girard (1923-2015), a French literary critic and member of the Académie Française, has drawn attention especially with his studies in the field of anthropology and anthropological philosophy. In addition to his important contributions to the field of anthropology, Girard also provided a rich conceptual content to literary criticism with the theories he asserted in his works. The theory of "mimetic desire" (triangle of the mimetic desire/ triangular desire), which Girard put forward in his book Romantic Lie and Romanesque Truth, is currently used as a method of analysis in analyzing literary works. Although not as widespread as the "mimetic desire" theory as a method in literary work analysis, Girard's "scapegoat" theory, is new and stands out as an approach quite consistent for literary criticism, which he discussed with all its conceptual aspects in his works titled The Scapegoat, Things Hidden Since the Foundation of the World, and Violence and the Sacred. In this article, Girard's "scapegoat" theory is used as a theoretical approach to analyze the story of Oğuz Atay's Beyaz Mantolu Adam [The Man with the White Coat] in his book Korkuyu Beklerken [Waiting for Fear]. The process of transforming the unnamed hero of the story (the man with the white coat) into a scapegoat that draws the anger of the community/mass is discussed in the axis of the concepts of alienation, estrangement, anti-hero, self-problem and modernism.

Bu makalede Girard’ın “günah keçisi” teorisi Oğuz Atay’ın Beyaz Mantolu Adam hikayesini çözümlemek üzere kuramsal bir yaklaşım olarak kullanılmıştır. İsimsiz hikâye kahramanının (beyaz mantolu adamın) topluluğun/yığının öfkesini üzerine çeken bir günah keçisine dönüştürülmesi süreci ötekileşme, yabancılaşma, anti-kahraman, kendilik sorunu ve modernizm kavramları ekseninde ele alınmıştır.

sinecine, Cilt 13 Sayı 2, Ekim 2022

Öz
Gerçekliğe en yakın görsel illüzyonu meydana getirebilme kabiliyetine sahip sinema sanatı, birincil kaynak olarak yaşamın kendisini kullanarak gündelik hayatta karşılaşılabilecek olayları, karakterleri, durumları yeniden üretir. Dolayısıyla; korkma, şaşırma, kızma, ağlama, gülme vb. gibi insani davranışsal/duygusal dışavurum ifadeleri, sinemasal anlatıların karakter oluşumlarında temel yapı işlevi görür. Bununla beraber, çok az film söz konusu davranışsal/duygusal dışavurum ifadelerinden herhangi birini doğrudan doğruya anlatısının harekete geçirici merkezi olarak inşa etmiştir. Bu yapımlardan biri olan  Joker’de (2019) gülme olgusu, başkarakterin başlıca ayırt edici dışavurum niteliğidir. Onun gündelik rutininin zorunlu bir parçası olan bu olgu, fiziksel düzeyde bedeninin, manevi boyutta ise kişiliğinin ayrılmaz bir özelliğidir. Joker filminin ana karakterini gülme fenomeninin varoluşsal felsefi tartışmaları çerçevesinde analiz etmeye odaklanan bu çalışma, aynı zamanda karakterin anlatısal dönüşümünü de trajik anlam olasılıkları bağlamında irdelemeyi amaçlamıştır. İlk bakışta tümüyle ayrıymış gibi görünen bu iki irdeleme noktası, başkarakterin oluşum nitelikleri ile anlatıdaki karakter dönüşümü arasındaki direkt bağlantıdan ötürü analize dair özgün bir bakış açısı sağlamıştır. Filmin analizinde metodoloji olarak ise, kuramsal açıklamaları temel alan niteliksel görsel metin analizi benimsenmiştir. Ortaya çıkan değerlendirmeler doğrultusunda, Joker filminde gülme olgusunun karakterin psikopatolojik içsel konumunu imlediği gibi, öyküsel çizgide onun trajik bir kurbandan trajik bir kahramana, en sonunda da bir anti-kahramana dönüşümünde de önem arz ettiği sonucuna varılmıştır. Karakterin bu yönde değişen duygu durumuyla, aksiyonlarının niteliğinin yanı sıra gülme olgusunun anlamı da değişir. Anlatının başında uyumsuzluğu, çaresizliği, yalnızlığı ve acıyı simgeleyen gülme olgusu, final bölümünde erke, liderliğe, hazza ve coşkuya işaret eder. Film, istemsiz kahkaha krizlerinden muzdarip başkarakter aracılığıyla varoluşsal temelde yeni bir benlik inşası olasılığının altını çizer.

Abstract
Cinema is the art that most closely imitates actual life, capturing the reality of daily human experience and reproducing it in two dimensions. In doing so, it takes the behavioral and mental building blocks of the way humans relate to the world—horror, confusion, anger, laughter—and uses them to create characters we can identify with and stories that engage us. The fictional characters in films laugh where we would. They cry when sad. They get angry, and sometimes violent. They flinch when threatened. They are surprised by the unexpected. In a word, they display the full gamut of human behavior and emotion, and it is only through this display that a film’s narrative can be constructed. This article uses visual narrative analysis to explore this process through a focus on one particular behavior, laughter, in a film where that behavior is especially salient: Joker (2019), directed by Todd Phillips. In doing so, it aims to reveal the connection between laughter and the dramatic transformation of the main character in the narrative. The article’s scope thus covers both the film’s narrative and existential philosophical arguments about the phenomenon of laughter. For its methodology, this study relies on qualitative visual text analysis based on sequential and syntagmatic codes. Actions belonging to the narrative and story line are analyzed in specific scenes and in dialogue with the visual and audio content of the film. Laughter is the hallmark of the film’s main character, Arthur Fleck. His untimely fits of laughter suggest he is mentally unbalanced, even pathological, and play a vital role in displaying his existential self-formation over the course of the story. Indeed, his laughter is perhaps the core element of his character, vital to our understanding of his emotional life. Its transformation into violent, loud laughter functions as an embodiment of his existential misery, too. Ironic uses of laughter represent the externalization of Arthur’s inner reactions in the face of daily life. I examine how the film uses laughter to transform Arthur from a tragic victim into a tragic hero, and ultimately into a tragic anti-hero, over the course of its story arc. The meaning of his laughter evolves over the course of the film in tandem with Arthur’s changing emotional condition and his actions. Tragic breaking points in Arthur’s character transformation occur alongside crises of severe and loud laughter. Laughter reflects Arthur’s existential disharmony with the social order; it also accompanies tragic turning points in his character transformation.  While at the beginning of the film it reflects Arthur’s agony and weakness, by the end it becomes a manifestation of his strength and brutality. Laughter thus serves as a proxy for his transformation from tragic victim to tragic anti-hero. This movie proceeds through the hero’s journey to the point of anti-hero through the ironic use of laughter.

Bu çalışmada felsefede kendilik sorununa dair ortaya konan açıklamaların iki hareket noktası bulunduğu ve söz konusu açıklamaların, merkezlilik-merkezsizlik ekseninde gerçekleştirilen düşünme biçimlerinin birer sonucu olarak değerlendirilebileceği ileri sürülmektedir. Kendiliğin bu iki düşünülüş tarzı kimdir? sorusunun nereye ait olduğunu, temelini nerede bulduğunu ve bu temelin onu nasıl şekillendirdiğini sorgulayan daha genel bir çerçevede, kurmacayı da kuşatacak biçimde kim'lik sorgulaması başlığı altında ele alınmaktadır. Sorunun felsefede ben ve kendi olarak karşılık bulan yanıtları, bu yanıtların felsefe tarihindeki önemli uğrakları olan Descartes ve Heidegger üzerinden konu edilmektedir. Ben ve kendi, sırasıyla biri dışarıya kapalı ve değişmez bir merkeze, diğeri ise dışarıya açık ve ilişkisellik içindeki bir merkezsizliğe işaret eden, dolayısıyla klasik anlamda tanımlanmaya izin verip vermemeleri bakımından birbirinden farklılaşan kavramlardır. Ben ve kendinin yukarıda dile getirilen eksendeki edebi eşleri olarak konumlandırılan kahraman ve antikahraman ise Campbell'ın monomit kuramından ve anti-ön ekinin Derridacı bir okumasından hareketle, kimdir?'in kurmacadaki ve felsefedeki yolculuklarının paralel rotasına işaret etmek için kullanılmaktadır. Bu rotayı takip eden çalışma, kim'lik sorgulamasını kurmacada ve felsefede ortaya konan yanıtların kutuplar arası yelpazesinde serimlemeyi amaçlamaktadır.

O presente trabalho pretende discutir a categoria do insólito a partir da ideia de não-naturalidade, explorando a presença de estratégias narrativas consideradas não-naturais nos níveis da história e do discurso, além da sua conformação na ficção policial. Para demonstrar como o emprego de estratégias não-naturais pode afetar a própria adequação de uma obra literária ao gênero ao qual ela estaria filiada, utiliza-se como exemplo o romance português O Delfim, de José Cardoso Pires, buscando aporte teórico, sobretudo, na Narratologia Não-Natural.

The real events that make up the plot of the first two seasons of Narcos (Dynamo, Netflix, 2015–2016) and Fariña (Atresmedia/Bambú, Netflix, 2018)—the establishment of the Medellin Cartel in Antioquia, Colombia, with Pablo Escobar as the main figure and the introduction of cocaine into Europe by the La Ros clan led by the Galician Sito Miñanco, respectively—reinforce the cultural character of these two hit TV series. This metaphorical turn can only be understood by the adoption of a myth-based perspective, because, as stated by Eliade: “myth always refers back to realities” (1968, 19). In this case, the criminal nature of these realities represented by myth should not seem strange, as this is part of the history of both regions. Despite how “heinous, instinctive and monstrous” the historical facts may be, they lose that unbearable quality, “to reveal themselves as cultural events” (Eliade 1968, 16).

Il saggio intende affrontare la definizione del concetto di antieroe e comprenderne la funzione narrativa. Il concetto di antieroe sembra infatti svolgere una funzione centrale come strumento di sovversione delle strutture e dei generi narrativi. Partendo da una tipologia dell'antieroe e da alcune sue esemplificazioni letterarie vengono passate in rassegna le numerose migrazioni del dispositivo narrativo in differenti forme espressive (teatro, letteratura, cinema) fino a giungere al suo uso più recente nelle serie televisive.

Sadallah Wannous (1941-1997), the Arab World’s most celebrated dramatist, gave up on the didactic art of the ‘theater of politicization’, in the middle of his career, in favor of a freer introspection of human psyche and passions. He spent his most prolific late years searching for new aesthetics and promoting a culture of free thinking. Abandoning his prior commitment to achieving the modern state, Arabic unity, the liberation of Palestine and the triumph of communism, he started creating individuals who are caught up in conflicting passions, loyalties and choices. However, his new themes will still betray a will to reform the many ailments in Arabic culture and politics, such as politico-religious coalitions and colonialism. This article will study the artistic and ideological transformation in Wannous’s later drama. It will also explore the later pro-democracy trends through analyzing the emerging individualism in characterization and the plurality of discourses in the plays of t...

Negli ultimi venti anni la serialita televisiva ha prodotto una forma di neo-folklore attorno al quale si aggregano avidi consumatori di tutto il mondo. Questa televisione di qualita ha manifestato sin da subito una certa predilezione per personaggi complessi, dotati di una terza dimensione, quelli che genericamente definiamo antieroi. Essi costituiscono un espediente narrativo che permette la creazione di personaggi interessanti dal punto di vista emotivo e ambigui dal punto di vista morale e nelle serie tv si manifestano in protagonisti in cui convivono qualita positive e, soprattutto, qualita negative. Ma perche questi personaggi, che hanno caratteristiche che criticheremmo severamente nella realta, ci piacciono cosi tanto? Quali sono i meccanismi che favoriscono una profonda affezione nei confronti di questi antieroi televisivi? L’affective disposition theory e i sistemi di identificazione e di disimpegno morale potrebbero aiutarci a rispondere a questi interrogativi. In the las...

O temor da morte e da doença são medos muito latentes no ser humano. Uma forma de exorcizar esses medos passa pela ficção. Por isso, a partir do diálogo entre os contos “Demônios”, de Aluísio de Azevedo, e, “Cidade Adormecida”, de Marcel Schwob, o presente  artigo abordará questões intrínsecas ao medo da peste e da morte, sobretudo, o silêncio que tal medo enseja, como consequência das insólitas “epidemias” presenciadas pelos narradores. Trata-se de questões que se aproximam de experiências vividas em situações extremas, a exemplo, de outras pestes, como a que hoje presenciamos, isto é, a pandemia de Covid-19. Embasamos esse diálogo nos estudos seminais acerca do fantástico, bem como nos estudos de Jean Delumeau (2009), Eni Orlandi (2008) e Edgar Morin (1970). 

My final dissertation as part of my Bachelor's Degree in Lingue e Culture Europee, Euroamericane ed Orientali with 110/110 e lode (magna cum laude), Università degli studi di Catania. The present dissertation is mainly focused on the Old English poem Beowulf and, in particular, on the relationship between the Geatish warrior, Beowulf, and the Danish þyle, Unferþ. In fact, the encounter between the two characters reveals a specific pattern based on the contrast between protagonist and antagonist. Indeed, this pattern is reiterated throughout the text, mainly when Beowulf proves his valour and his strength on his path towards glory by fighting all the monsters he meets. However, what is really interesting is that, before the vassal of King Hroþgar, that is Unferþ, physical opposition becomes verbal, contributing to the construction of a real verbal duel made up of insults and rhetorical leaps, known as flyting.  In order to analyse both pattern and relationship, I organised the present study around two main thematic axes, which are, the critical interpretation of Unferþ as (anti)-hero and the contextualisation and the description of flyting within the poem's textual reality, the Germanic culture and the broader group of verbal duelling.

Bu çalışmada, Şahsiyet (2018) dizisi bağlamında polisiye türünde anti
kahraman karakterlerin temsil biçimlerinin araştırılması amaçlanmaktadır. Şahsiyet dizisi, polisiyede bir alt tür olan seri katil polisiye dizisidir. Birden fazla işlenen cinayetlere dayanan öyküsüyle, cinayetlerin işlenme biçimi kadar, polis/dedektif karakterlerin katilin
kimliğini ortaya çıkarma çabaları, ipuçlarının takip edilmesi ve katilin
seri cinayetleri işlemesinin arkasındaki gizem gibi unsurlar bu dizi
bağlamında ele alınacaktır. Şahsiyet dizisinde tipikleşmiş polisiye
anlatısı, “dedektif/polis, katil, kurban” üçgenine göre çözümlenecektir.
Dizide ana karakter olan seri katil Agâh Beyoğlu, kendi adaletini
kendisi sağlama amacıyla suça bulaşmış anti kahraman karakterdir. Bu
çerçevede, Agâh Beyoğlu karakteri üzerinden, polisiye türünde anti
kahraman karakter modelinin izleri irdelenecektir....

This paper is a critical reading of Angela Carter’s The Passion of New Eve and the major concern of this paper is the projection of Evelyn as a subversive Anti-hero. The researcher claims that, Evelyn is portrayed as a subversive Anti-hero because he acts as a misogynist, immoral and unethical man. Furthermore, the researcher adds that- the depiction of Evelyn as an egoistic male chauvinist is enough to show subversive anti-hero elements. To support the claim, the researcher draws some theoretical insights drawn by Joseph Campbell’s The Hero with Thousand Faces, which will be the foundation to analyze, examine and evaluate the text.

Esta investigación tiene como objetivo analizar la figura del villano en el cine español entre 1982 y 2015. Se seleccionan las películas más taquilleras de cada década, y se lleva a cabo un análisis textual de estos personajes teniendo en cuenta su evolución, valores, objetivos y relación con el protagonista. Se demostrará que la figura del villano ha experimentado cambios importantes en cada etapa analizada y que estos cambios están influidos por la situación social y cultural del país.

Traditionally, in fantasy, the wizard figure is related to the elderly sage who directs the hero towards adventure. His role, from medieval Merlin to important contemporary rereadings, such as Gandalf the Grey, in The Lord of the Rings, by J.R.R. Tolkien, or Albus Dumbledore, in Harry Potter, by J.K. Rowling, may present a few ambivalent traces, but he is, in general, the authority figure who has the necessary knowledge to the hero’s journey, whose major interest is usually the community and the common good. Nevertheless, the wizard also exists as an anti-hero figure, according to a much more recent tradition, typical in the contemporary literature of fantasy. In this paper, I analyse Tiago Boanerges, an exorcist wizard, in Exorcismos, Amores e Uma Dose de Blues (2014), by Eric Novello (1978), in comparison to wizards from both traditions. Novello’s lead character displays some particularities along the narrative, presenting only a distant relation to the great wizards of Western literature, while identifying with his peers from contemporary anglophone works, like Hellblazer’s John Constantine, and Jim Butcher’s Harry Dresden, in The Dresden Files book series.

In 1991, Anthony Hopkins’ portrayal of Hannibal Lecter in The Silence of the Lambs introduced the character to the big screen and turned him into a worldwide phenomenon. In 2013, Bryan Fuller revived the franchise with a completely new perspective, bringing Hannibal Lecter into the spotlight once again. Since then Mads Mikkelsen’s performance as Hannibal has fascinated and captivated the audience, as he successfully carries Hopkins’ legacy forward. Although Hannibal Lecter is a cannibal serial killer, the audience does not seem to care about this fact in the show; IMDB reviews show that the majority of the audience likes him no matter what he does. He manipulates, cheats, kills and eats people, yet somehow he still manages to earn respect, and perhaps even admiration from the audience. Due to the exploration of certain concepts such as the antihero and postmodern villains in modern stories, the line between good and evil has become blurrier than ever. Citing these concepts and linking them with Hannibal will be the first step of this study. Secondly, analyzing the promos, the scenes, and the dialogues will provide some evidence about the true nature of Hannibal in the show. Within the scope of this study the main questions to be asked will be “Is he really a villainous character as he is considered to be?” and “If Hannibal Lecter is such a villainous character, why does the audience like him?”. Finally, the reasons why the audience likes him will be determined and revealed.

Keywords: Hannibal Lecter, Serial Killer, Antiheroes, Cannibal, Villain

Posto che il denominatore comune delle nuove serie tv è la messa in scena di mondi selvaggi nei quali il modo più sicuro per soccombere è attenersi alle regole della società civile, l’immoralità dei personaggi non può essere misurata con il metro dei valori supposti universali. Nel vuoto normativo degli universi darwiniani, le qualità vincenti sono proprio quelle che definiscono il profilo della sociopatia: smisurato amore di sé, impulsività, mancanza di empatia, opportunismo, attitudine alla manipolazione, aggressività e assenza di rimorsi; guarda caso i valori del business. Poco tagliati per la vita in tempo di pace, i rough heroes sono perfettamente compatibili con il nuovo disordine mondiale: altamente performativi proprio in quanto sociopatici, e sociopatici solo in rapporto a un sistema di regole che in quei contesti non hanno più presa. Di qui il quesito fondamentale con cui le serie di ultima generazione interpellano gli spettatori contemporanei: “Quanti dei vostri bei princìpi sareste disposti a sacrificare pur di raggiungere il vostro obiettivo?”.

Il problema del rapporto tra valori etici ed estetici in relazione al fascino del Rough Hero è ormai saldamente al centro degli studi sulle serie tv, e in generale per le opere estetiche che contribuiscono a formare l’immaginario collettivo. Eaton, nel fornire una silloge di tutte le posizioni in campo, dal moralismo radicale all’immoralismo, avanza l’ipotesi che il fascino dei “cattivi eroi” sia dovuto al contrasto tra moralità e immoralità, lasciato irrisolto. Bernardelli accetta l’idea del contrasto, ma contesta che lo spettatore sia soddisfatto di restare in un limbo interpretativo, appellandosi alla dinamica dubbio-credenza di Peirce. La sua idea è che il Rough Hero vada interpretato come eroe tragico, che inevitabilmente va incontro al suo infausto destino, proprio sulla base delle strategie testuali che caratterizzano le narrazioni di cui è protagonista. Contestualmente, egli suggerisce, in accordo con Kieran, che seguire le vicende di un eroe moralmente “difettoso” abbia un esplicito valore conoscitivo nei confronti della realtà che ci circonda.
L’ipotesi che vorrei discutere qui riconosce a Bernardelli e Kieran di aver evidenziato un punto centrale nel rapporto tra etica e valori estetici. Tuttavia, tutte le posizioni in campo condividono grosso modo lo stesso punto di partenza, ossia che l’orientamento generale degli spettatori sia naturaliter dalla parte di valori etici positivi e, per dir così, desiderabili. È probabile che una solida base del nostro senso etico rimanga ancora inalterato; ma Mazzarella, nel seguire il tragitto che l’idea del male ha percorso da Dostoevskij fino a oggi nelle opere letterarie e artistiche, rileva il continuo “progresso” del male prima come ideale di ribellione (Dostoevskij, Baudelaire), poi come valore cui essere condiscendenti (Gadda, Beckett); infine, con la fine delle Grandi Narrazioni novecentesche (Lyotard, Bauman), come necessità. La frantumazione dell’esperienza (intesa come aisthesis) cui le società odierne sono soggette, insieme alla regressione della ragione a “ragion privata” (Sloterdijk), ha condotto alla precarizzazione della condivisione di valori normativi. Anche nei fondamentali contributi all’etica narrativa (Ricoeur, McIntyre), mentre si attribuisce alla narrazione un valore anche normativo, si evoca il male come presenza ubiqua e pervasiva. Ciò lascia sul campo il male come unico principio unificatore, non più così ammantato di un’aura di scandalo (e i media ne sono testimoni), sempre lo stesso per tutti e per ognuno. Il male è ciò che è in grado di stimolare le fibre di un corpo sociale esausto, che ha perso gran parte della propria capacità di istituire nessi e correlazioni di senso generale; è l’unica vera esperienza condivisa. In questa prospettiva, il Rough Hero non solo risulta affascinante, ma è il solo eroe possibile; da questo punto di vista l’industria culturale sembra anzi ancora largamente conservatrice. Nel generale “distacco sensoriale” (Mazzarella) di un mondo di soggetti connessi ma isolati, il male non sembra più aver bisogno di giustificazioni; esso giustifica gli atti, che in mancanza di schemi più generali, sembrano gratuiti.
Se assumiamo che Mazzarella abbia individuato una tendenza operante nella società, è necessario riportare il suo discorso su un piano meno generico. Accostando la sua idea al panorama delle teorie sui rapporti etica-estetica, otterremmo un immoralismo cognitivo sotto qualche aspetto vicino alle posizioni di Bernardelli e Kieran, non più per «experiencing what’s bad to understand the good», ma per “experiencing what’s bad to understand ourselves” e per rappresentarci la nostre indebolite capacità di dare un senso al mondo.

Negli ultimi due decenni gli spettatori di serie televisive si sono abituati alla presenza di un nuovo genere di protagonista, certamente non tradizionale. Si tratta di personaggi spesso asociali, antipatici, cattivi e moralmente discutibili che vengono definiti genericamente antieroi. Ma perché ci appassioniamo alle vicende di Tony Soprano, di Dexter Morgan, di Walter White o di Ciro Di Marzio? Attraverso quali meccanismi gli sceneggiatori ci portano ad accettare e spesso a giustificare le loro azioni criminali o comunque eticamente scorrette? Una questione la cui risposta coinvolge le relazioni tra etica ed estetica, tra narratologia e semiotica, tra Cognitive Media Theory e Television Studies. Il volume definisce in primo luogo le peculiarità delle diverse tipologie di protagonista antieroico, delle sue diverse sfumature e caratterizzazioni, per poi esplorare il panorama degli studi dedicati all’argomento dei rough heroes, di quegli eroi che sono dei “duri”, degli “amabili cattivi”. Le teorie illustrate sono inoltre messe alla prova applicandole ad alcune produzioni della recente serialità televisiva italiana, come L’ispettore Coliandro, Romanzo criminale. La serie e il discusso Gomorra. La serie.

Questo straordinario romanzo offre uno spaccato della società giapponese e descrive le conseguenze dell’intolleranza, dell'ingiustizia e del pregiudizio verso le persone innocenti colpevoli di un solo, involontario crimine: quello di essere imparentati con un omicida. L'autore ribalta il punto di vista al quale siamo soliti assistere attraverso i media, quello cioè della famiglia della vittima, descrivendo la travagliata vita del fratello minore di un assassino.

L’anti-eroe dai mille volti.
La migrazione di un dispositivo narrativo dalla letteratura alla serialità televisiva.

Andrea Bernardelli


L’intervento intende sottolineare l’importanza della figura dell’antieroe nella costruzione di testi parodici o satirici. L’antieroe è di fatto un dispositivo narrativo fondamentale per costruire ogni forma di anti-narrazione, quest’ultima intesa come il rovesciamento di una sequenza narrativa stereotipata fondata sulla centralità di un protagonista carico di ogni tipo di caratterizzazione positiva (“l’eroe senza macchia e senza paura”).
Una sommaria definizione dell’antieroe – da non confondere con il semplice oppositore o antagonista dell’eroe -, consiste nella rappresentazione di una figura investita di caratteristiche che siano in tutto o in parte il rovesciamento dei caratteri positivi dell’eroe. Al protagonista bidimensionale (il tradizionale personaggio eroico “piatto”) si contrappone quindi una figura dotata di complessità e di profondità (il personaggio “tondo” di Forster 1927), un protagonista del racconto caratterizzato da luci ed ombre.
Esiste una ampia tradizione di antieroi nella storia letteraria, in particolare nel romanzo. Di fatto il primo uso del termine è in Memorie del sottosuolo di Dostoevskij (1864), ma sembra che la stessa tradizione della forma romanzo sia legata a questa costruzione “al negativo” della figura del protagonista, basti ricordare, risalendo ad alcune opere ritenute all’origine del genere romanzo, la figura di Don Chisciotte o le protagoniste “negative” di Defoe, Moll Flanders e Roxana.
A partire dagli esempi letterari è possibile ricostruire una tipologia o fenomenologia dell’antieroe, caratterizzazioni che hanno avuto un’ampia fortuna anche in altre forme di espressione narrativa. In particolare la figura dell’antieroe è stata ampiamente utilizzata nel cinema e nel fumetto, soprattutto quando queste forme narrative hanno raggiunto una certa maturità espressiva.
L’ultima “migrazione narrativa” del dispositivo dell’antieroe consiste nel suo utilizzo nella più recente serialità televisiva (quella post-Sopranos, 1999), in cui il protagonista antieroico è diventato un fondamentale strumento per mettere in discussione non solo stereotipi narrativi televisivi consolidati (dr. Kildare vs. dr. House), ma anche per riflettere, attraverso la parodia o la satira, sulla rappresentazione di modelli culturali altrimenti semplicemente rispecchiati senza profondità (vedi il caso della serie italiana L’ispettore Coliandro).

Resumen. Clint Eastwood es todo un icono del Séptimo Arte, identificado fácilmente como el actor que interpretó a unos personajes característicos, polémicos y legendarios, como El hombre sin nombre en los años 60 o el inspector de la Policía de San Francisco Harry Callahan en los años 70 y 80. Pero en nuestros días se ha superado con creces este reconocimiento, y se destaca sobre todo su faceta de director con unos cuarenta años de experiencia, siendo considerado uno de los últimos clásicos y un ejemplo paradigmático de cómo compaginar dirección e interpretación de forma exitosa. Gran Torino (2008) es probablemente su film más personal, una especie de homenaje a sus grandes personajes, y también una reflexión sobre grandes temas que ha planteado en sus filmes, como la madurez, la soledad, el concepto de antihéroe frente al héroe clásico, las dudas sobre la naturaleza de la ley frente a una correcta diferenciación entre el bien y el mal y una crítica al fin del sueño americano. Además de ser el mayor éxito de taquilla de su carrera tras las cámaras hasta el momento, es su más que probable último papel protagonista, convirtiéndose así, a la vez, en un verdadero epitafio interpretativo y en una especie de resumen de sus inquietudes como director a lo largo de su carrera.
Palabras clave. Interpretación, dirección, racismo, cosmopolitismo, madurez, antihéroe, ley, violencia, sueño americano, hmong.

Abstract. Clint Eastwood is such an icon of the Seventh Art, easily typecasted as the actor who played the role of so many troubled and legendary characters. Worthy of mention are movies like The man with no name dated from the 1960s or his play of SFPD inspector Harry Callahan during the 1970s and 1980s. Nowadays his recognition increased even more and is due mainly to his long carrer of director of almost forty years. Public acknowledgement is based on his merits as one of the great classic actors and a paradigmatic example of acting and directing in a successful way. Gran Torino (2008) is probably his most personal film, a sort of homage to the great characters he played throughout his remarkable carrer and also a dissertation upon the great issues discussed in his films, like maturity, solitude, the concept of anti-hero instead of classic hero, the doubt about the nature of law, the right demarcation between the good and evil and a critical attitude towards the end of the American dream. Despite this film being the major box-office success of his career, probably will be his last role as protagonist, converting this production in a true interpretive testament of his main dilemmas as movie director.
Palabras clave. Acting, direction, racism, cosmopolitanism, maturity, anti-hero, law, violence, American dream, Hmong.