Cinema Contemporâneo

This dissertation aims to analyze flux cinema, to understand how it manifested itself in recent brazilian production and to propose a film analysis approached through the sentience. In order to achieve that, at first, we will conceptualize flux cinema, seeking for its main characteristics. We then present a theoretical debate around the idea of real, time and sentience and the construction of meaning at flux cinema. For this, we rely in authors such as André Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia and Jacques Rancière. Finally, we make an analysis, built on the concept of filmic figure (from Philippe Dubois), on a corpus consisting of two fiction features, representatives of Brazilian flux cinema: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti and Ricardo Pretti, 2011) and Histórias que só existem quando lembradas (Julia Murat, 2011).
Keywords: Cinema. Flux Cinema. Real. Sentience. Time.

Resumo: Através da utilização do conceito de olhar masculino (male gaze) formulado por Laura Mulvey, assim como outras reflexões sobre gênero e sexualidade no cinema, esse artigo se propõe a analisar o papel narrativo dedicado às mulheres no filme Me chame pelo seu nome (Luca Guadagnino, 2017), assim como as dinâmicas de gênero e as representações visuais do sexo e dos corpos manifestas na obra. Palavras-chave: olhar masculino; representação; cinema LGBT, cinema queer.

Abstract: Through the concept of the male gaze, coined by Laura Mulvey, as well as other reflections about gender and sexuality in cinema, this paper aims to analyze how women are used as narrative devices in the movie Call me by your name (Luca Guadagnino, 2017), as well as the gender dynamics and the visual representations of bodies and sex in the film.

Este ensaio propõe reflexões sobre questões de semiótica e de análise do discurso no cinema de Pedro Almodóvar, em particular no filme "Carne Trêmula", para destacar aspectos narrativos e conceituais que evidenciam estratégias poéticas e procedimentos autorais presentes na obra do diretor e roteirista. ISSN/ISBN: 15177726

This essay proposes reflections on issues of semiotics and discourse analysis in Pedro Almodóvar's cinema, in particular in the film "Carne Trémula", to highlight narrative and conceptual aspects that show poetic strategies and authorial procedures present in the work of the director and screenwriter. ISSN/ISBN: 15177726

Graças ao abrandamento das crises econômicas por que passavam os países da América do Sul e à implementação de melhores políticas de apoio ao cinema, a produção cinematográfica da região começou a retomar o seu ritmo nas últimas duas décadas. Esta atividade vem recebendo o apoio de algumas iniciativas da região. O debate em torno da idéia de integração fomentado pelo Mercosul, bem como os acordos que daí têm resultado, oferecem oportunidades de fortalecimento para a indústria cinematográfica e de ampliação de mercado através da entrada nos países vizinhos. Ainda que estabelecidos à margem de um programa comum com objetivos coordenados, os desafios apresentados a partir do Mercosul Cultural levaram a iniciativas que tecem redes e têm instalado circuitos para ocupar o espaço quase vazio de trânsito cultural entre os países mercosulinos.

El presente artículo pretende abordar un fenómeno emergente propiciado por las nuevas formas de producir, exhibir y colaborar en el audiovisual contemporáneo vasco que se han ido instituyendo en los últimos años. Abordado desde un enfoque interdisciplinar, el estudio parte de la hipótesis de que la estructura nodal que se crea entre instituciones públicas, directores y creadores ha posibilitado tejer una red conjunta y ha propiciado un considerable auge en la producción y exhibición de parte del cine experimental y del audiovisual contemporáneo en el contexto del País Vasco. La presente comunicación tratará de arrojar luz sondeando, indagando, analizando y construyendo una posible cartografía configurada por los diferentes agentes implicados: directores, festivales de cine, productoras independientes, centros de producción y exhibición artística, televisiones y otras instituciones e invita a reflexionar sobre la sostenibilidad de muchos de los proyectos que se llevan a cabo gracias a las relaciones de confianza y de interdependencia que se generan entre los diferentes agentes. El exhaustivo análisis de los agentes, sistemas y procesos de creación implicados aseverará que la red o estructura rizomática, en términos deluzianos, que se establece, resulta clave para entender el tan productivo momento por el que el cine más innovador y arriesgado transita actualmente en el contexto vasco. Todo ello nos llevará a la conclusión de que esta cuestión se presenta como un tema relevante en el futuro de los contenidos audiovisuales del País Vasco, y por ende, se convierte en un tema que incluso debería implicar cambios en las actuales y futuras políticas que los regulan.

O objetivo desta dissertacao e analisar o cinema de fluxo, compreender como o mesmo se manifestou na producao recente do Brasil e propor uma analise filmica a partir do sensivel. Para isso, em um primeiro momento, buscamos conceituar o cinema de fluxo e apreender suas principais caracteristicas. Em seguida, apresentamos um debate teorico em torno da ideia de real, tempo e sensivel e a construcao de sentido no cinema de fluxo. Para tanto, nos apoiamos em autores como Andre Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia e Jacques Ranciere. Por fim, faremos uma analise, erguida sobre o conceito de figura filmica (de Philippe Dubois), sobre um corpus composto por dois longas-metragens de ficcao, representantes do cinema de fluxo brasileiro: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti e Ricardo Pretti, 2011) e Historias que so existem quando lembradas (Julia Murat, 2011).

Na cultura visual estadunidense, percebe-se reiterações no modo de representação dos espaços do país; reiterações essas que implicam numa ideia de nacionalidade e identidade nacional e que agenciam considerações históricas, geográficas e formais sobre uma imagem que foi aos poucos criada acerca dos espaços do país. Esta dissertação, busca analisar essa cultura visual da paisagem estadunidense a partir do cinema de Kelly Reichardt, uma cineasta contemporânea que apresenta, em seus filmes, um conjunto diverso dessas paisagens. Para traçar essa relação entre o cinema de Kelly Reichardt e a cultura visual estadunidense, a pesquisa se desenvolve a partir de um exercício de cinema comparado, reconhecendo semelhanças e diferenças entre as imagens de Kelly Reichardt e outras representações do espaço estadunidense no cinema, na literatura, na pintura e na televisão. Nossa hipótese é a de que o cinema de Kelly Reichardt apresenta uma relação distinta com a paisagem estadunidense que se inscreve por cima de outras aparições dessa paisagem. Além disso, consideramos também a relação entre a forma da representação dessas paisagens e os reconhecimentos históricos e geográficos dos espaços do país.

Este livro, organizado por Maria Esther Maciel, inclui ensaios de colaboradores de áreas distintas, que enfocam  os filmes, óperas, trabalhos de artes plásticas, textos literários e instalações do diretor britânico, a partir de uma perspectiva aberta e transdisciplinar.
Além de incluir um ensaio de Greenaway (Cinema: 105 anos de texto ilustrado), publicado em 2001 na revista americana Zoetrope All-Stories Magazine, e a entrevista Cinema e novas tecnologias – conversa com Peter Greenaway por Maria Dora Mourão, o livro traz os seguintes textos e autores:
Greenaway, a estilização do caos (Ivana Bentes);  Essas "coisas que fazem o coração bater mais forte" (Evando Nascimento); Cinema e pintura: ubiqüidades e artifícios (Magali Arriola);  Os infernos de Peter Greenaway (Maria Esther Maciel );  C é de corpo, G de Greenaway (Cristiano Florentino);  O zoológico barroco de Peter Greenaway (Susana Dobal); O barroco tecnológico: A última tempestade (Prospero’s books) e outras obras/óperas (Jair Tadeu da Fonseca);  Greenaway e as influências das novas tecnologias na linguagem cinematográfica (Maria Dora Mourão );  Eisenstein como livro de cabeceira (Yvana Fechine);  As cenas fulgor em O livro de cabeceira (Lúcia Castello Branco );  Filme de arte – um breviário para Peter Greenaway (Elisa Arreguy Maia);  O cozinheiro é Peter Greenaway? (Wilton Garcia ).
A título de suplemento ao conjunto de textos, dois anexos foram incluídos no livro: um com a listagem de obras do diretor e outro com um roteiro teórico-ficcional da “enciclopédia” greenawayana.

O artigo se propõe a discutir as diferentes incorporações da fotografia no processo de criação, bem como na dimensão estético-política do cinema contemporâneo. Para isso, concentra-se em dois momentos da obra do português Pedro Costa: o caderno de Casa de Lava
(2013) e o filme Cavalo, Dinheiro (2014). A fotografia permeia os trabalhos citados como instrumento de mediação social junto aos sujeitos retratados, pelo diálogo com a obra do fotógrafo dinamarquês Jacob Riis ou por meio de correspondências entre as imagens em estase e em movimento. A fim de seguir com a proposta, o artigo privilegia a análise das propriedades visuais das obras, notadamente na representação do outro cultural ou de classe.

This article aims to analyse the cinematic practice of the filmeur through two of its top representatives in the French space: Joseph Morder and Alan Cavalier. Its purpose is, therefore, to determine the epistemological approaches and the aesthetic characteristics of this filmic experience developed in solitude, in which the filming becomes a “corporal and aesthetic act” characterised by subjectivity, privacy, immediacy and observation. The analysis of different works pertaining to both filmmakers—Lettre de Joseph Morder à Alain Cavalier (2005), Joseph Morder par Alain Cavalier (2006), J’aimerais partager le printemps avec quelqu’un (2007), Le Filmeur (2005) and others—will show how these experiences of reality go beyond the diaristic or autobiographical practices, since the narration is relegated in favour of the present and spontaneous experience of placing oneself “within the act of filming”. These intimate and minimalist practices of a filmic gesture of relinquishment are determined by the evolution of the technology used and its automatisms: in Morder’s case from the Super 8mm to the mobile phone and in Cavalier’s through his small digital camera. This filmic experience is defined by an epistemology of non-manipulation that becomes a transgression of the cinematic orthodoxy.