Spanish Music

Autor de numerosas obras destinadas a la sala de conciertos y de más de un centenar de bandas sonoras para cine y televisión, Carmelo A. Bernaola (Otxandio, 1929-Madrid, 2002) fue uno de los compositores más representativos de la Generación del 51. Formado inicialmente en el Conservatorio de Madrid con Julio Gómez, la consecución del Premio Roma le llevó a realizar una estancia de dos años en Italia (1960-1962) que resultaría fundamental en la evolución de su lenguaje compositivo. A partir del contacto con figuras como Goffredo Petrassi o Bruno Maderna, Bernaola desarrollará dos características muy presentes en toda su producción: el uso de un estructuralismo interválico en el que un número reducido de distancias gobierna la elección de las alturas de la obra; y la flexibilización de parámetros como el tempo o la sincronía de las partes, en su particular adaptación de las corrientes internacionales de la música abierta y aleatoria. Su triple faceta de compositor, clarinetista y pedagogo fue fraguando una convicción de que la música debía ser ante todo un conocimiento práctico, basado en la actualización de la tradición y relacionado con el contexto cultural de su propio tiempo. En el perfil estético del autor podemos rastrear la huella del talante humanista de Petrassi, que Bernaola también supo transmitir a los numerosos alumnos que asistieron a sus clases en Madrid, Granada y Vitoria. El presente libro está consagrado al estudio de la música académica de Bernaola, desde su temprano Cuarteto núm. 1 (1957) hasta su última obra orquestal, Fantasías (2001), pasando por títulos como Superficie núm. 1 (1961), Espacios variados (1962), Sinfonía en Do (1974) o Villanesca (1978). Junto a este corpus significativo, se abordan también otros géneros poco conocidos como su música sacra o la composición de himnos, marchas y sintonías, fruto de diversos encargos. Para analizar la producción bernaoliana nos valemos de metodologías como la PC Set Theory, el análisis textural o algunas tipologías derivadas de la semiótica. El recorrido por las obras del autor permite asimismo entrar en los principales hechos que jalonaron el desarrollo de la vanguardia musical en España durante la segunda mitad del siglo XX. Así, prestamos atención a la relación de Bernaola con otros compositores generacionales; su participación en organismos como el Ateneo de Madrid y el Servicio Nacional de Educación y Cultura; la recepción y adaptación de corrientes como el dodecafonismo, el serialismo o la música abierta; y, de manera más general, la opinión que la crítica musical sostuvo sobre el concepto de vanguardia y su evolución a lo largo de los años.

Este volumen quiere aportar nuevos datos e hipótesis sobre la convergencia de músicos, literatos y artistas plásticos en la vanguardia española de las tres primeras décadas del siglo XX. Para ello se centra en ámbitos concretos de la creación en los que concurrieron diferentes figuras y se trazaron diversas corrientes e ideologías artísticas.

Recuerdos de la Alhambra (Memories of the Alhambra) was written in the key of A by the Spanish composer Francisco Tárrega. In 2007, the Australian composer Le-Tuyen Nguyen has arranged this famous tremolo study in the key of D using the scordatura DADGBD.

Aproximación a las prácticas interpretativas de los actores y cantantes del género chico finisecular, en el marco de las Jornadas de Zarzuela 2020 de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero.
(Libro programa con motivo del concierto "Retrato del género chico", que incluye diversos artículos relacionados sobre los aspectos inéditos de la propuesta, las singularidades instrumentales del repertorio, sobre el programa y los intérpretes. Eds.: Alberto González Lapuente y Miguel Ángel Muñoz Ríos. Madrid: Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, 2020, pp. 46-61. ISBN: 978-84-09-18440-8).

artículos principales
Programa del concierto
Sobre las obras interpretadas
Enrique Mejías García: Medio siglo en una hora
Miguel Ángel Ríos Muñoz: El foso "chico": la orquesta den los teatros por horas
Mario Lerena: Los astros "chicos", o el triunfo del donaire: arte: voz y figura para un teatro por horas
Víctor Sánchez Sánchez: ¿Un género popular? Públicos de la zarzuela
Miguel Ángel Ríos Muñoz: Para saber más: avances y diversidad en los instrumentos de viento durante el siglo XIX
Biografías

Este artículo analiza cómo 12Twelve dejaron de ser los principales representantes nacionales del post-rock al incorporar una mayor influencia del free jazz en sus últimos álbumes: Speritismo y L’Univers. Con ello mostraremos cómo el rechazo al post-rock que se produce a mediados de la primera década del siglo tiene unas consecuencias que trascienden el plano discursivo, afectando al musical.

En: This article deals with the way in which 12Twelve ceased to be the main Spanish post-rock band after incorporating the influence of free jazz in their last albums: Speritismo and L’Univers. With this, we will show how the rejection of post-rock that happens at the middle  of  the  first  decade  of  the  century  has  extra-discursive  consequences,  affecting  the musical level.

El presente trabajo narra la importancia que tuvieron en el panorama musical español la saga de escritores de teatro, zarzuela y sainetes Fernández-Shaw a través de varias generaciones. Asimismo se estudia la colección de rollos de pianola que Guillermo Fernández-Shaw atesoró en vida y que hoy conserva una de sus herederas. Dicho estudio se muestra en formato de catálogo bibliográfico, completado con imágenes de los rollos y también de otros materiales anejos a la colección.

BACKGROUND
Traditionally seen as a transitional style between the Baroque and Classical periods, the galant style is recognized today, thanks to the work of D. Heartz and R. Gjerdingen, among others, as the principal musical style cultivated in Europe and the Americas between 1720 and 1780. This transnational style of composition and performance, an example of cultural modernity with marked roots in the theater, developed in the conservatories of the Kingdom of Naples and from there it was disseminated to and adapted by different geographies and institutions, initially by Italian musicians, who transformed the musical aesthetics heard in churches, theaters, and aristocratic chambers in a profound way. Ignacio Jerusalem (Lecce, 1707 – Mexico City, 1769), a progressive Neapolitan musician active in Italy, Spain, and Mexico, actively contributed to the diaspora of the galant style, and through his three musical roles, he paradigmatically embodies the reception of the new style in the Iberian world: composer for the theater and the church, violinist, and teacher.

Leveraging the commemoration of the 250th anniversary of Jerusalem’s death, and considering him a useful model for understanding the distinct issues associated with the reception of the galant style, this conference aims to both communicate current knowledge and inspire new theories and lines of investigation regarding aspects of stylistic development on the Iberian Peninsula and Spanish and Portuguese America during the “long” eighteenth century. In order to cover these themes, some of the most recognized specialists in galant music of Europe and the Americas will be present. In addition to these invited keynote presentations (it is confirmed violinist and conductor Fabio Biondi as speaker), free papers related to the thematic scope of the conference will also be accepted by the Scientific Committee. Paper proposals related to the following topic areas, among others, will be considered:

- Ignacio Jerusalem: new findings regarding his life, work, and reception
- Methodologies, historiographic problems, and sources for the study of the reception of galant music in the Iberian world
- Migration of Italian musicians to the Iberian Peninsula and Spanish and Portuguese America
- Circulation, reception, persistence, and transformation of imported galant repertories
- Galant styles: analytic methods and formal characterization of the different generations of galant composers
- Processes of circulation of galant music among the theater, church, and salon
- Poetic texts and galant music: processes of literary and musical adaptation
- Galant style, devotional practices, and cultural aspects
- Coexistence of the galant style with traditional styles
- Pedagogical methods associated with the galant style
- The galant style as a performance practice

Proposals for individual 20-minute papers in Spanish, English, Italian or Portuguese are welcome. The proposals must include:
- Abstract (ca. 200 words)
- Institutional affiliation (if applicable), brief biography (150 words), and e-mail of the author
- Audiovisual requirements

Abstracts should be sent to Ascensión Mazuela: amazuela@ugr.es
- Deadline for the receipt of abstracts: September 1, 2019
- Date on which authors of accepted abstracts will be notified: September 15, 2019
- Official languages of the conference: Spanish, English, Italian, Portuguese

We understand that some international participants may not be able to travel to Baeza for the paper presentation, mainly for financial reasons. In such cases, it will be possible to participate by video conference, as long as participants register for the conference.

The conference will culminate in a series of concerts by outstanding ensembles in the field of early music, including La Europa Galante, Ignacio Prego, L’Estro d’Orfeo, Nereydas, and Teatri 35, among others (between December 6 and 8). The concerts will take place in both Úbeda and Baeza, UNESCO World Heritage Sites of great historical and artistic interest. Under the auspices of the conference will be the presentation of the first volumes in the series of musical editions “Ignacio Jerusalem (1707-1769): Obras Selectas” (Dairea Ediciones, Spain).

CONFERENCE DIRECTION
Javier Marín-López (Universidad de Jaén / Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza)
Drew Edward Davies (Northwestern University / MUSICAT, Universidad Nacional Autónoma de México)

SCIENTIFIC COMMITTEE
Egberto Bermúdez (Universidad Nacional de Colombia, Bogotá)
Andrea Bombi (Universitat de València)
Cristina Fernandes (INET-md, Universidade Nova de Lisboa)
Robert Gjerdingen (Northwestern University, Evanston, USA)
Paologiovanni Maione (Conservatorio de Musica “S. Pietro a Majella”, Napoli)
Evguenia Roubina (Universidad Nacional Autónoma de México)

SECRETARY
Ascensión Mazuela-Anguita (Universidad de Granada / Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza)

ORGANIZERS
- Universidad Internacional de Andalucía, Baeza (Spain)
- Centro Nacional de Difusión Musical (Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Gobierno de España)
- Festival de Música Antigua de Úbeda y Baeza

COLLABORATORS
Study Group “Música Antigua y Nuevo Mundo,” International Musicological Society

Biographical entry for Miguel Rufino (Michael Rophino) Lacy, violinist, actor, playwright, composer, librettist and musical scholar born in Bilbao, Spain, in July 1793.

Published on the website of The Hispanic-Anglosphere: transnational networks, global communities (late 18th to early 20th centuries), project funded by the AHRC and the University of Winchester in partnership with the National Trust. Publication date: June 2018.
Available at: https://hispanic-anglosphere.com/individuals/lacy-miguel-rufino-michael-rophino-1793-1867/

Reseña del libro: Díaz González, Diana (2015): Manuel Manrique de Lara (1863-1929). Militar, crítico y compositor polifacético en la España de la Restauración. Publicada por Víctor Sánchez Sánchez en Revista de Musicología, Vol. XL, nº 1, enero-junio, 2017, pp. 244-250 (ISSN 0210-145)

Felipe Pedrell (1841-1922) reunió algunas de sus mazurcas para piano en una colección que llamó Hojas Volanderas. El manuscrito, incluido en el catálogo Felipe Pedrell de la Biblioteca de Catalunya con referencia M 831/3 a 5, está escrito de su puño y letra a excepción de la última pieza. Las mazurcas para esta colección las escogió de dos obras: 4 Mazurcas op. 14 (la nº 1) y 6 mazurcas op. 21 (las nº 6, 7 y 8), mas una mazurca cuyo original está perdido. Dichos opus 14 y 21, se encuentran en el catálogo Felipe Pedrell de la Biblioteca de Catalunya con referencias M 826 - II/1 y 826 – II/8 respectivamente. Por tratarse de una colección de piezas que compuso en años distintos, presentan números de opus diferentes. La relación entre el manuscrito de Hojas volanderas y los manuscritos originales es la siguiente:

Hoja volandera I es la Mazurca nº1, op.14 número 1.
Hoja volandera II es una mazurca cuyo original está perdido.
Hoja volandera III es la Mazurca nº3, op.21 numero 7.
Hoja volandera IV es la Mazurca nº2, op.21 numero 6.
Hoja volandera V es la Mazurca nº4, op.21 numero 8.


En vida de Pedrell se publicó la Mazurca n14 op. 21 número 8 del catálogo en el número 31 de la revista Notas musicales y literarias de Barcelona, el 1 de Marzo de 1883. Para la presente edición nos hemos basado en el manuscrito de la Hojas volanderas M 831/3 a 5, por ser una versión revisada donde se incluyen dinámicas, notas y detalles que no se reflejan en los manuscritos individuales.

Según el Diccionario de la RAE en su vigésima segunda edición, hoja volandera es aquella “que no hace asiento ni se fija ni detiene en ningún lugar”. En el mundo de la edición, se denomina hoja volandera a aquellas publicaciones breves, comúnmente en formato de octavilla, que tratan un solo tema de información.

Carlos Duque, Londres, Mayo 2011.

REVIEW of five CDs: (1) Armoniosi Concerti: 'Valderrábano: Silva de Sirenas' (Harmonia Mundi, 2005); (2) Al Ayre Español: 'La cantada española en América' (Harmonia Mundi, 2005); (3) Chariviari Agréable: 'Esperar, sentir, morir' (Signum, 2004); (4) La Grande Chapelle: 'Entre aventuras y encantamientos: música para don Quijote' (Laida, 2004); (5) United Continuo Ensemble: 'Fiesta española' (Raumklang, 2003). || Review published in: Early Music 35/1 (Feb. 2007), pp. 141-144  [see also: EM 36/2 (May 2008), p. 351]

Crítica de 'Las golondrinas', de Usandizaga y Martínez Sierra, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (octubre-2016).
Review on Usandizaga and Martínez Sierra's 'Las golondrinas' at Madrid Teatro de la Zarzuela (oct.-2016) - trans.: Christopher Webber.

Notas al programa para el concierto de la Camerata Lacunensis y el Coro de Canto Gregoriano dentro del Simposio Internacional “Tomás Luis de Victoria. Contextos y prácticas musicales” de la Sociedad Española de Musicología, Ávila, 24 septiembre 2011.

Between 1800 and 1925, Andalusia showed several signs of ethnic awareness and started to enunciate its distinguishing identity, thus opposing to the partisan tendency that assimilated the region to Spain as a whole (Domínguez Ortiz, 1983; Moreno Navarro, 1985). Simultaneously, musical critics and historiographers articulated a prolific debate on Andalusian and Spanish identity, which focussed on (a) the literal or quintaessential use of folklore (Torres Clemente, 2012), (b) the validity and independency of the ‘Spanish School’ (Llano, 2013) or even (c) its picturesqueness and exoticism (Parakilas, 1998; Giménez Rodríguez, 2006). All in all, naming and theorising about the musical characteristics that best represented the Andalusian and/or Spanish cultural identity, that interested both locals and foreigners, was sought. Just at the end of this period, Francisco Cuenca Benet, a nationalist scholar, published Galería de músicos andaluces contemporáneos [Contemporary Andalusian Musicians Gallery] (Havana, 1927), the only bio-bibliographic compilation that deals with Andalusian music from the nineteenth and early twentieth century and, thus, a privileged witness of the events formerly described (Pérez Colodrero, 2011). This paper aims to: (1) study the critical judgements on music and musicians,
both of his own and by others, that Francisco Cuenca collects and offers in his book, in order to (2) determine what is his conception about nineteenth-century ‘Andalusian’ and ‘Spanish music’ in the context of this aesthetic debate. To that effect, the Galería de músicos andaluces has been analysed and the information obtained has been merged with and compared to that resulting from contemporary periodic press and scientific literature on the issue. The conclusions obtained on the basis of this particular case shed light on the complex concepts of ‘Andalusian music’ and ‘Spanish music’.

La sexualidad ha sido uno de los asuntos más controlados desde los ámbitos de poder. Pocos meses después de la presentación del cinematógrafo en París en diciembre de 1895, los hermanos Lumière realizaron una película titulada El beso que representa el primer acto sexual filmado en la historia del cine. Su rápida expansión y penetración en las clases populares alertó a las autoridades de sus peligros y comenzaron las regulaciones de los contenidos cinematográficos. El cine ha estado siempre a un lado y al otro de las fronteras entre lo lícito o lo ilícito, lo moral o lo inmoral, el pecado o la virtud.
A pesar de la naturaleza audiovisual de la expresión cinematográfica, la historiografía ha primado el análisis visual sobre el espacio sonoro; es necesario, por tanto, establecer las estrategias musicales utilizadas para la representación de los actos sexuales.

During the Spanish Civil War (1936)(1937)(1938)(1939), republican ant national film creators continued making films, news and documentaries, which today are one of the most important sources for the study of this period. Film production on both ideological sides during the war years was characterized by the predominance of political interests above artistic or cultural ones, so the films and the music composed for them were placed at the service of war.

Could Aquitanian notation mirror, in its choice of reference modal degrees, pre-Gregorian (Gallican and Hispanic) recitation tones? This paper starts with a detective story, reminds us of psalmodic practice in Milan and Gaul, puts together the evidence concerning Mozarabic Chant, and ends up subtantiating such a hypothesis.

"Este libro intenta completar la visión del complejo entramado cultural español y, dentro de él, de las prácticas dialógicas entre manifestaciones que han tenido pretensiones totalizadoras y otras que, siendo originalmente regionales, han terminado por convertirse en símbolos nacionales. La música –como texto, práctica y discurso cultural– ha contribuido a crear símbolos identitarios y a gestionar la movilización emocional de los ciudadanos. Ello es posible porque la música carece de significados denotativos concretos, pero tiene un gran poder connotativo, capaz de articular identidades nacionales, sean inventadas, imaginadas o reales. Con todo, la identidad musical española existe, por más que sea un constructo, y este libro intenta profundizar en cuáles son sus símbolos y cómo han llegado a serlo, a medio camino entre la representación y la negociación.

Autores: Celsa Alonso, Julio Arce, Teresa Fraile, Ángel Medina, Laura Miranda, Julio Ogas, Ana Pozo, Javier Suárez-Pajares, Eduardo Viñuela. "