Crítica musical

Resumo Neste artigo discutimos as possibilidades da escuta e de uma música comunista. Contra o que chamamos de paradigma da escuta condominial, defenderemos a tese de que a escuta deve ser intrinsecamente dialética na sua relação entre indivíduo e coletivo. Em seguida sugeriremos o que seria esta música comunista e como ela pode nos aparecer.

Entre 1931 y 1939, la ciudad de Valencia presenta una etapa especialmente rica en cuanto a la creación y actividades relacionadas con la música de concierto autóctona. Ello resulta más evidente si comparamos este periodo con etapas anteriores y posteriores. La elección de Eduardo López-Chavarri (1871-1970) como figura conductora para presentar un análisis de estos ámbitos de creación y actividad se justifica por la gran variedad de actividades que este músico desarrolló en una carrera que, además, estaba en pleno apogeo en los años 30.
Así, López-Chavarri tuvo una actividad continua como crítico musical en prensa diaria (Las Provincias) y revistas especializadas como Ritmo, publicaciones en las que escribió una gran cantidad de material sobre música valenciana. De forma simultánea, continuó desarrollando en la ciudad de Valencia su amplia y variada trayectoria como compositor, musicólogo (con especial atención al estudio del folklore valenciano) o intérprete (director de orquesta y pianista que presentó piezas de autores valencianos). A esto se añade su actividad como conferenciante y divulgador sobre música autóctona (con presencia habitual en el Conservatorio y las principales entidades culturales de la ciudad) y, finalmente, como docente en el Conservatorio de Valencia, en el que marcó con su influencia a compositores como Joaquín Rodrigo y Manuel Palau.
Como se muestra en este trabajo, López-Chavarri impulsó la música valenciana de forma muy clara, tanto desde la teoría como desde la práctica. Analizar su trayectoria en estos años supone, simultáneamente, estudiar esa riqueza de actividades que la capital valenciana presenta en esta etapa tan decisiva.

Desde su construcción, en 1876, el Teatro del Duque fue concebido como un espacio de ocio para las clases trabajadoras de la ciudad. Durante el régimen primorriverista este coliseo fue, con diferencia, el que ofreció mayor número de funciones de teatro lírico. Organizó 3.548 representaciones, lo que supuso más del 80% del teatro lírico representado en Sevilla. Esta intensa actividad fue posible gracias a la inteligente gestión de su empresario, Máximo Meyer, que adoptó un modelo de programación, basado en el "teatro por horas", ofreciendo de tres a cinco sesiones diarias, en las que generalmente se representaban obras en un acto. Además, en lugar de contratar a agrupaciones visitantes, optó por formar una compañía lírica titular, que actuó en este escenario durante la mayor parte de las temporadas...

Em 1931, Portugal recebeu o V Congresso Internacional da Crítica Dramática e Musical por iniciativa da recentemente fundada Associação da Crítica Dramática e Musical, presidida por António Ferro. Se ao longo das sessões se discutiram estratégias para o bom desempenho da actividade da crítica na imprensa, os objectivos da organização do congresso parecem ter sido outros.

Em nossas rotinas de ensino e aprendizagem de Harmonia, Teoria e Análise Musical, lidamos com valores, regras, leis, procedimentos proibidos e permitidos, normas de certo e errado etc. que se fundamentam em determinadas concepções de “beleza” que nem sempre são propriamente, ou plenamente, declaradas. Relendo o capítulo “A beleza: história de um conceito” do filósofo polonês Wladyslaw Tatarkiewicz (1886-1980), o presente artigo aborda um conjunto de noções consagradas que, hoje emaranhadas, ora mais ou ora menos, acatam ou desacatam o preceito de que a “beleza”, em seu alto valor, reside na proporção e disposição harmônicas, possui caráter numérico e está associada ao que pode ser objetivamente apreendido pela racionalidade.

As harmony, theory, and musical analysis are taught and learned, one deals with values, rules, laws, prohibited and permitted procedures, standards of right and wrong, etc. which are based on certain conceptions of “beauty” that are not always explicitly or fully stated. Rereading “Beauty: history of a concept” by the Polish philosopher Wladyslaw Tatarkiewicz (1886-1980), this paper addresses a group of sacred notions currently more or less entangled that observe or disregard the precept that “beauty” with its high value resides in harmonic proportion and arrangement, is numerical in nature, and is associated with what can be objectively learned via rationality.

Resumen: La grabación sonora comercial es un producto, un documento y un objeto acústico-musical, mientras que la portada es su rostro y carta de recomendación. Más aún, la iconografía de las carátulas de discos puede derivar en ejemplos destacados de publicidad inteligente.
Como caso de estudio se explican ejemplos destacados del corpus total de grabaciones integrales de Iberia de Isaac Albéniz publicadas en el ámbito internacional, cuyas portadas han buscado crear un nicho de mercado por medio de representaciones visuales relacionadas con el espíritu de la música que, aunque sigue siendo la misma, conforme se satura el mercado, las ediciones publicadas incluyen una carátula atractiva cada vez más alejada de los tópicos visuales.
En definitiva, es importante realizar estudios especializados, sobre grabaciones con embalajes destacados, que muestren modelos redituables que permitan generar ventas a los sellos independientes en el espectro comercial de la música clásica dentro mercado discográfico actual.

Palabras claves: Iconografía musical, Musicología, Discografía, Iberia de Albéniz


Abstract: A commercial sound recording is a product, a document, and an acoustic-musical object, while the album’s cover lends it its look and functions like a business card. Moreover, the iconography applied on cover can manifest itself in eye-catching illustrations of clever advertising. 
This case study examines outstanding examples of cover art all belonging to a select group of complete recordings of Isaac Albéniz’s piano series, Iberia, published in a great variety of places around the world. The cover art intended to create a niche market through visual representations related to the spirit of the music, and for the very same reason, as soon as the market is saturated, each new edition offers more and more attractive covers increasingly distant from the previously established visual conventions. 
As a consequence, the argument is put forward that it is essential to produce specialized studies on recordings with special packaging. In addition, this new market presents us with profitable models that allow the independent labels to build a revenue in the commercial spectrum within the current classical music recording industry.

Keywords: Musical Iconography, Musicology, Discography, Albéniz’s Iberia

Fontelles-Ramonet, Albert. (2020). La sardana segons Joaquín Turina. Dins 
Revista Catalana de Musicologia, núm. XIII, p. 257-287

L'article relaciona Joaquín Turina amb Catalunya. Per una banda, corrobora l'existència d'una revisió del concepte de sardana deslligat pròpiament de la cobla i consolidat en altres ambients musicals com el simfònic o el de la música de cambra. Per altra banda, exposa el punt de vista del compositor vers la sardana i la cobla. A partir de l'anàlisi de «Sardana» de Joaquín Turina, es demostra fins a quin punt la visió crítica d'un compositor pot quedar plasmada en la visió creativa de la seva obra.

This paper relates Joaquín Turina to Catalonia. On the one hand, it confirms the ex istence of a review of the sardana concept, properly separated from the cobla and consoli dated in other musical areas such as symphonic music and chamber music. On the other hand, it presents the composer's point of view regarding the sardana and the cobla. From an analysis of Turina's «Sardana», we show the extent to which a composer's critical vision can be reflected in the creative vision of his work.

2017. Los cuarenta y tres ensayos breves de "El sonido de los sueños" (Debate, 2017) de Diego Fischerman son artesanías musicales precisas, eruditas, exhaustivas y entretenidas, con pinceladas técnicas, melancólicas y burlonas si las circunstancias lo demandan. Aunque los núcleos temáticos giran alrededor del jazz, la mal llamada “música clásica”, el tango y el rock de los años 60 y 70, queda la sospecha de que todo puede escucharse, pensarse y narrarse: la cercanía entre drama y comedia en la Sinfonía Nº 41 de Mozart, el grano de la voz de Tom Waits, la noche de Buenos Aires según el Gato Leandro Barbieri, la dificultad de comprender a The Who sin las acentuaciones a contratiempo ni la independización del bajo, el misterioso derrotero de Domenico Zipoli en las misiones jesuitas del siglo XVIII, la reinvención cinematográfica del Viejo Oeste por Ennio Morricone o el modo en que Billie Holiday apretaba los dientes al cantar “Strange Fruit”. Entre otras muchas cosas.

1. Tatuaje
2. Ojos verdes
3. Llora la guitarra
4. Dime que me quieres
5. ¡Ay, pena, penita!
6. Romance de la otra
7. María de la O
8. El laurel
9. Lola la piconera
10. La lima y al limón
11. Francisco Alegre
12. Solo
13. Bulerías de Antonio Torres
14. Romance de valentía

Suite compostelana:
1. Preludio
2. Coral
3. Cuna
4. Recitativo
5. Canción
6. Muñeira
7. Impresiones íntimas: La barca (arr. C. Trepat)
8. Impresiones íntimas: Gitano (arr. C. Trepat)
9. Canción y danza nº IV (arr. C. Trepat)
10. Canción y danza nº VI (arr. C. Trepat)
11. Canción y danza nº X (arr. C. Trepat)
12. Canción y danza nº XIII
13. Preludio nº VI (arr. C. Trepat)

La presente comunicación analiza la cuestión de la interpretación musical en la ciudad de Sevilla durante la Edad de Plata, a través de los discursos publicados en la prensa local de carácter general. El principal objetivo es conocer los repertorios y las corrientes interpretativas que en estos años se asentaron en la ciudad. Por tanto, se estudiará la progresiva introducción del repertorio sinfónico y camerístico en las salas de concierto hispalenses, prestando especial atención a la recepción que tuvo la Música Nueva en la capital andaluza. En este sentido, adquiere gran relevancia la labor pedagógica y propagandística desempeñada por la prensa, pues sus columnas se convirtieron, por un lado, en una plataforma ideal para la promoción y difusión de determinados artistas y agrupaciones musicales, y, por otro lado, en foros ideales en los que exponer análisis musicales destinados a educar al público, en su mayoría diletante, con la intención de que este alcanzara una mayor comprensión de las obras consideradas como “buena música”. Por último, resulta también relevante subrayar el papel de celebridad asociado al intérprete, al tiempo que se impone una visión peyorativa de la figura del virtuoso.
El acercamiento a este tema se realizará a través de las críticas musicales firmadas por Luis de Rojas, Eduardo Torres y Norberto Almandoz, colaboradores de El Liberal, El Noticiero Sevillano y el ABC de Sevilla, periódicos que se conservan en la Hemeroteca Municipal de Sevilla. Conviene señalar que todos ellos fueron figuras centrales de la vida musical sevillana durante la primera mitad del siglo XX, las cuales contribuyeron al esplendor musical que vivió la ciudad en los años veinte y se convirtieron, a través de su pluma, en defensores a ultranza de la necesidad de introducir los nuevos lenguajes musicales en España.

Resumo: Defendendo que a obra de arte se entende como uma espécie de criatura viva cujo crescimento se dá a partir de um único germe ou princípio subjacente, a arcaica noção de unidade orgânica fez história, modernizou-se e romantizou-se, chegando à contemporaneidade, onde fragmentada e dispersa no senso comum, repercute na teoria, na análise e na valoração da música. Relendo aforismas de personagens influentes como Schenker e Schoenberg, apresenta-se aqui um entrelaçado de referências para o estudo crítico desta temática.
Palavras-chave: Organicismo; Crítica Musical; Teoria schenkeriana; Teoria schoenberguiana.
Title: On music as a living thing: the repercussions of organicism in contemporary theory
Abstract: Defending the idea that a work of art can be understood as a living thing that grows from a single germ, the notion of organic unity made history, becoming modernized and romanticized, only to be fragmented and scattered in common sense in a contemporary setting, which is reflected in the theory, analysis, and valuation of music. Rereading aphorisms of influential figures such as Schenker and Schoenberg, the interweaving of references for the critical study of this theme is discussed.

Partindo do desenvolvimento da crítica cultural ao longo de sua história e de como se posiciona hoje, o objetivo deste trabalho é realizar uma análise sobre seu papel e sua capacidade de legitimar movimentos culturais. A partir do fenômeno “Beijinho no Ombro”, da cantora Valesca Popozuda, pretendemos analisar o comportamento da crítica em relação ao funk carioca, demonstrando que a crítica tende a ignorar a produção do gênero.

Palavras-chave: crítica, funk, Valesca Popozuda, Beijinho no Ombro, cultura.

En este trabajo se analiza el desarrollo del término post-rock en España en la segunda mitad de los 90. Partiendo de los discursos generados por la prensa musical alrededor del grupo Manta Ray, se muestra cómo la relación de la banda con el género fue cambiando en función de los prototipos empleados y las luchas por el poder cultural de la crítica. Para ello formularemos una redefinición del concepto de género musical sintetizando las nociones basadas en reglas con las basadas en prototipos y articularemos la discusión de la prensa musical sobre estas categorias alrededor de la idea de campo cultural de Pierre Bourdieu.

In Portugal, the establishment of a public opinion was only possible after the definitive instauration of the liberal regime, which would happen at the second half of the nineteen century, at queen Maria’s II reign (between 1834 and 1853). The establishment of a public opinion and the abolishment of censorship made way to the spread of the press. In consequence there were more people reading newspapers and more readers were interested in knowing about the artistic life. Some newspapers, such as A Revolução de Setembro (1840), began to include articles about music with pedagogical and informative purposes. We also assist to the birth of specialized press, dedicated to theatrical subjects but with some pages about musical activity, like A Sentinella do Palco: semanário theatral (1840), Revista Universal Lisbonense (1841) and O Trovador: jornal musical, litterario e de variedades (1855). Only years later do we find the launching of specialized music periodicals that last more than a few numbers: one of the first was Amphion (1884), followed by A arte musical (1899) a decade later. It’s also at the last years of the nineteen century that the figure of the composer-critic becomes more common.
In this paper, I pretend to present some ideas about the first attempts of music criticism in Portugal by questioning who writes music criticism and how it was established. In particular I will focus at the contents and contributors of O Trovador: jornal musical, litterario e de variedades.

Lycia de Biase Bidart (1910-1991) foi uma musicista brasileira com alta produção composicional ao longo de sua vida, porém com poucas estréias, tendo iniciado seus estudos musicais através do piano e atuado, por breve período, como maestrina em alguns concertos no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. A maioria dos concertos que participou como compositora, maestrina ou pianista ocorreram no início de sua carreira e, nesse período, teve suas apresentações anunciadas em jornais e analisadas por críticos conceituados na primeira metade da década de 1930. Mesmo Lycia fazendo parte de uma classe social abastada, sua participação como mulher em um ambiente predominantemente masculino se refletiu no vocabulário e nas expressões utilizadas nas avaliações que recebeu. O objetivo da comunicação é analisar a linguagem que faz referências ao gênero em trechos de críticas dos concertos de Lycia que ocorreram entre 1930 e 1934. As críticas foram encontradas na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional por meio de palavras-chave, posteriormente transcritas e tabuladas para, por fim, serem analisadas a partir dos estudos propostos por Lucy Green (1997). Foram estudadas colunas de música de 23 edições de jornais do Rio de Janeiro e Vitória sobre cinco obras da compositora, escritas por críticos como Oscar Guanabarino, Eduardo de Carvalho, João Itiberê e Arthur Imbassahy. Apesar dos comentários pontuais abordados, pelas críticas de jornais é possível perceber que Lycia foi bem recebida como musicista pelos seus pares. Alguns críticos utilizaram termos questionáveis relacionados às mulheres, como "sensibilidade" e "doçura", outros escreveram textos carregados de estereótipos, falando sobre suas características físicas e apresentando como contraditório a sua aparência e o seu talento musical, e outros não utilizaram nenhuma linguagem com referências ao gênero. Foram poucos os textos que continham comentários ligados ao fato da compositora ser uma mulher em comparação ao tamanho do acervo de jornais analisado.

Considerando a crítica escrita como articuladora de imaginários sociais por meio de seus discursos, iremos discutir sua importância para a música popular brasileira a partir do Tropicalismo, um movimento musical que teve lugar entre os anos de 1967 e 1969. A intenção é mostrar como a aproximação entre os campos da política e da estética acabou por ganhar especial relevo nos debates em torno desse movimento, envolvendo questões como nacionalismo, alienação, engajamento político, patrulhamento ideológico, indústria musical, vanguardas estéticas e imperialismo cultural, entre outros.

El estreno de La Bohème en el Teatro Real en 1900 fue determinante en el éxito de la música de Puccini entre el público madrileño de comienzos del siglo XX. La buena acogida de estrenos posteriores en dicho coliseo, como Tosca, contrasta con la firme oposición de la mayoría de la crítica de los diarios madrileños, partidaria de la producción wagneriana. Sin embargo, el estreno en Madrid de óperas como Tosca o Madama Butterfly, que llegaron al Teatro Real poco después de su estreno italiano en 1900 y 1904, generaron una expectación importante a pesar de la propaganda desfavorable de la crítica. Así, críticos como Manuel Manrique de Lara, Cecilio de Roda, Antonio Barrado, Manuel Salvador y Eduardo Muñoz, defensores de Wagner, se aliaron en una especie de cerco contra Puccini, que fue especialmente activo en la prensa de la primera década del siglo XX. En este artículo profundizamos en el discurso antipuccinista de los críticos de este periodo. Para ello, revisaremos las polémicas entre puccinistas y wagneristas a las que primero se refirió José Subirá. Esta investigación se incluye en el libro: Música y prensa: Crítica, Política y Propaganda, E. Encabo, ed. (Difácil, 2015).

La ponencia aborda una selección de trabajos publicados por Joaquín Nin Castellanos en la revista cubana Musicalia, cuya segunda época arranca en la década de 1940 tras un periodo de recesión. En dichos artículos de corte ensayístico, se hace un análisis pormenorizado de las concepciones del compositor sobre estética musical, la interpretación pianística y diversos temas de actualidad musicológica de alcance nacional e internacional.
En su devenir histórico, Musicalia contó con el bagaje cultural de acreditadas figuras que ayudaron a conformar un panorama musical donde primó la crítica especializada y de la que puede considerarse a Nin como uno de los iniciadores. Su labor como jefe de redacción de la revista, junto a José Ardévol en calidad de secretario, contribuyó a la excelencia de este órgano de difusión hasta su cierre en 1946.
Esta fecunda labor coincide con su última década de vida, desde 1939 hasta 1949 en La Habana, periodo en el que Nin extiende la expresión de su ideario estético a otras facetas de actividad profesional como la pedagogía, la composición y la promoción cultural, cuyas relaciones se tejen en el texto de este trabajo. El estudio de los artículos se complementa con la referencia a otras fuentes documentales de valor patrimonial custodiadas en el Museo Nacional de la Música en Cuba (correspondencia, recortes de prensa, programas de conciertos, conferencias, etc.) que contribuyen a una interpretación contextualizada de la obra ensayística de Joaquín Nin Castellanos.

Palabras clave: Joaquín Nin Castellanos, Musicalia, ideario estético-musical, obra ensayística, Cuba, siglo XX.

N° VI de la serie 'Inéditos'. Trata sobre la ética en la música y concretamente en la crítica musical. Estudia el caso particular del propio autor que publica una crítica de una obra suya. https://veterodoxia-peperey.es/2010/08/ramillete-de-flores/

Esta comunicación tiene como finalidad el estudio de la recepción de Goyescas (suite para piano, 1909-1911) de Enrique Granados a través de las críticas y ensayos de Joaquín Nin. «Goya, su genio y su producción [para Granados], sintetizan nuestra raza, y sus Goyescas se inspiran en aquélla gloriosa imagen y en su atmósfera» (Nin, 1914:15). Las fuentes empleadas en este estudio son –además de las partituras– los textos escritos por Nin desde París para la Revista Musical Hispano-Americana y la Revista Musical Catalana, entre otra documentación secundaria consistente en reseñas aparecidas en prensa sobre los estrenos y críticas de otros autores respecto a la misma obra.
Para el objetivo explicado, adopto una metodología que se rige por los siguientes criterios: 1) examinar los escritos de Nin, cotejándolos con los de sus contemporáneos; 2) estudio analítico de la obra y 3) contraste de lo anterior con los estudios musicológicos más recientes (Hess, 1991; Clark, 2006, 2010; Perandones, 2009, 2011) para dimensionar el juicio de Nin sobre Granados.

Palabras clave: Enrique Granados, Joaquín Nin, Goyescas, París, siglo XX, Goya.

Estrelas internacionais nos teatros de ópera do século XIX. A valorização do cantor-seus reflexos musicais e sociais no Brasil Imperial. Por Luciano Botelho Silva RESUMO A música do século XIX superou seu tempo e região demográfica tornando-se presente hoje em todo o mundo. Seus grandes compositores e intérpretes foram as figuras centrais desse processo ao estabelecer novos parâmetros técnicos e estilísticos que resultaram no nascimento de um novo fazer musical, baseado no que chamamos Bel Canto. Sendo assim, o entender histórico, social e técnico da prática interpretativa musical no início do século XIX traz informações imprescindíveis para a compreensão do desenvolvimento da música e do músico contemporâneo. Esse período em que a ópera italiana desfruta de grande prestígio e influência na Europa cria diretrizes para a prática musical luso-brasileira, em especial durante o período do Brasil Imperial [1822-1889]. Mostra também o início de uma nova era onde artistas são influenciadores da sociedade, altamente valorizados e exigidos pela função que desempenham dentro e fora dos palcos. EDUCAÇÃO MUSICAL NOS MOLDES EUROPEUS Os vínculos culturais e musicais entre o Brasil Imperial e a Europa no século XIX passam por Portugal por razões políticas diretas até a proclamação da República em 1889. Ainda em 2017 a página virtual do plano nacional Cultural Brasileiro reafirmava essa relação ao destacar a importância desse período assim como a tentativa da "elite" de copiar a arte Europeia ao citar; "É importante lembrar que a noção atual de nacionalidade é distinta daquela do século 19. Naquela época, não havia uma separação tão rígida entre o erudito e o popular, mas, sim um esforço grande da elite em dar um ar europeu à arte no País". 1 Mais que um esforço em copiar à arte, o conceito predominante para o fazer musical Brasileiro proposto no século XVIII era de um Teatro Educador. A arte serve como instrumento no processo de estabelecer princípios morais e de bons costumes, considerados inexistentes na colonia Portuguesa. A Instituição da Sociedade Estabelecida para Subsistência dos Teatros da Corte confirma a competência em que atua os teatros da Corte; "quando bem regulamentados, [são] a Escola Pública, onde os povos aprendem as Máximas mais sãs da Política, da Moral, do amor à Pátria, do Valor, Zelo, e Fidelidade, com que se devem servir aos seus Soberanos: civilizando-se e desterrando

Enquanto produto nacional, a Fábrica de Pianos Essenfelder, precisou comprovar sua qualidade frente às marcas estrangeiras de pianos disponíveis no mercado musical brasileiro no início do século XX. O objetivo deste trabalho é demonstrar a contribuição da imprensa para a consolidação da marca Essenfelder através da crítica e da propaganda no período mencionado. Para tal, foram analisados periódicos dos estados do Rio Grande do Sul e Paraná, somados a outros trabalhos sobre o assunto.

como muestra mínima de lo que ha producido una línea de investigación dedicada al rescate y estudio de las fuentes hemerográficas que se han ocupado de la actividad musical en Venezuela, se presenta aquí, en apretada y generalizada síntesis, una primera aproximación a los rasgos característicos de la crítica musical que se ejerció en periódicos caraqueños durante sus primeros años de existencia.

La relación de Galdós y la música es bien conocida y ha sido objeto ya de algunas publicaciones. En este trabajo reflexionamos sobre tres críticas de Galdós a tres grandes óperas del canon occidental, dos obras fran-cesas, Faust de Gounod y L'Africaine de Meyerbeer, y el Don Giovanni mozartiano. Comentamos los textos de Galdós en el contexto de su época, su valoración de la obra, las fuentes literarias y la interpretación de estas obras en Madrid, poniendo de manifiesto la rica dialéctica existente entre la ópera italiana y la ópera francesa en el periodo coetáneo.

The relationship between Galdós and music is well known and it has already been the subject of various publications. In this work we reflect on three of Galdós' critiques of three great operas of the Western Canon: two French works, Faust by Gounod and L'Africaine by Meyerbeer, and Don Giovanni by Mozart. We comment on Galdós' articles within the context of his time, his appreciation of the works, his literary sources and the interpretation of these operas in Madrid, and highlight the rich dialectic between Italian Opera and French Opera in the Contemporary Period.

En 1913, ante el anuncio de la puesta en escena de la ópera Salomé de Richard Strauss en el Teatro Colón de Buenos Aires, un grupo de mujeres pertenecientes a la élite dominante de la época, apoyadas por la prensa conservadora, peticiona ante el intendente de la ciudad, la prohibición de la obra. Este trabajo, intentó reconstruir el episodio y analizar los motivos que generaron el pedido, a partir de la
recolección de datos tomados de: la prensa del momento, La Nación, La Prensa, La Razón, Crítica, La Protesta, La Vanguardia, Caras y Caretas, El Tiempo, El Pueblo, El Diario, Tribuna, documentos del Archivo de la Biblioteca del Teatro Colón y del Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires. Se vinculó el hecho con el marco sociopolítico de la década del ´10, teniendo en cuenta las probables disputas intraelite y la voluntad política de la oligarquía por controlar el discurso artístico.

Reseña del concierto realizado por la Orquesta Sinfónica de Navarra (OSN) del día 17/2/2022. Pamplona. Auditorio Baluarte. 17-II-2022. Orquesta Sinfónica de Navarra. Cristina Montes Mateo, arpa. Director: Christian Vásquez. Obras de Montsalvatge y Brahms.

BATISTA, Juliana Wendpap. Vanguarda Paulista: retratos de uma geração musical nos anos 1980. 2019. Tese (Doutorado em História) – Programa de Pós-Graduação em História, Universidade Federal Fluminense, Niterói, 2019.



O trabalho objetiva apresentar a trajetória da Vanguarda Paulista a partir de recortes de sua produção musical, cuja análise busca seu processamento ao longo de aproximadamente quatro décadas. O objeto em questão trata de um movimento musical que ficou conhecido nos anos de 1980 e marcou o cenário da música independente no Brasil. O estudo busca compreender as controvérsias que envolvem a legitimação do uso da denominação do grupo, a qual teria sido um constructo da imprensa. Para além dessas querelas, apontadas pela historiografia do movimento, pretende-se apontar caminhos para a compreensão dos mecanismos que fizeram com que determinadas memórias sobre esse grupo de músicos fossem preservadas. O aspecto geracional é apontado como fator que estabeleceu relações entre esses artistas, os quais compartilharam espaços e cantaram e contaram o cotidiano urbano de suas vivências na capital paulista. Tais espaços caracterizaram uma espécie de território, o qual se formou a partir da Universidade de São Paulo e seu entorno geográfico, com suas pensões, repúblicas, bares, casas de shows entre outros. Diversos em suas sonoridades e difíceis de classificar, tais artistas ficaram conhecidos como marginais, alternativos e independentes. Ditos, nesse trabalho, como “inclassificáveis”, cogita-se que tal sentido é oriundo do desejo incisivo desses artistas em exercer a liberdade criativa com novas proposições estéticas, as quais desafiavam o jogo então em vigência do mainstream ligado as grandes gravadoras. Nesse sentido, o trabalho indaga sobre o papel das vanguardas artísticas e as contribuições da Vanguarda Paulista para a composição do cenário da música brasileira na atualidade. Nesse sentido, são levadas em consideração certas transformações tecnológicas que se operaram, especialmente a partir da segunda metade do século XX, e suas implicações na área da produção artística, bem como no próprio ofício do historiador. Por outro lado, também buscou-se evidenciar o papel da crítica, por meio da imprensa escrita, e sua atuação diante da insurgência desse grupo de artistas no início dos anos de 1980. Procurou-se ainda estabelecer um levantamento da circulação das memórias sobre essa movimentação artística, avaliando-se tanto as produções acadêmicas quanto as fontes produzidas na internet, na busca pela problematização acerca da criação de sentidos para a mesma em tempos recentes.

Crítica musical publicada en Mundoclasico.com, el 24 de julio de 2017 (enlace: https://www.mundoclasico.com/articulo/29811/M%C3%BAsica-acu%C3%A1tica-en-la-%C3%A9poca-de-su-reproducibilidad-t%C3%A9cnica ).
La popularización de la música acuática de Handel sobre una laguna urbana en el corazón de una capital de las islas Canarias; un espectáculo popular de música clásica y bandas sonoras de películas; video mapping, fuegos artificiales y disfraces, una orquesta tradicional y un coro infantil no profesional en un contexto de masas; la música barroca al abierto y con amplificación... ¿Es posible hacer crítica musical en un evento de este tipo? "Hoy en día es la música grabada la que parece idealmente representar el aura perfecta de la obra de arte irrepetible. Sin embargo, lo que resulta imposible por definición es reproducir el evento histórico con carácter propio, aun un evento popular, ingenuo, imperfecto, que flirtea incluso con el kitsch, un evento imposible de repetir y trasladar, un evento al margen de las giras de los grandes intérpretes y de las programaciones de los grandes teatros".

Entendiendo por reputación mediática «la forma en que los sujetos son presentados por los medios de comunicación ante la opinión pública, mediante la cobertura y el tratamiento de las informaciones sobre los mismos», mostraremos el papel que la prensa tuvo, en tanto que mediadora, responsable de la creación de imaginarios y de la atribución de valores, contribuyó a construir una imagen específica de la Sociedad Filarmónica de Madrid, poniéndola a disposición incluso (o, quizá, sobre todo) de quienes no tenían un conocimiento directo de sus actividades.

Miquel Llobet (1878-1938)
1. El testament d’Amèlia
2. Cançó del lladre
3. El Mestre
4. Plany
Francisco Tárrega (1852-1909)
5. Las dos hermanitas
6. Pavana
7. Preludio nº. 1
8. Preludio nº. 7
9. Marieta
10. Adelita
Julián Gavino Arcas (1832-1882)
11. Bolero
12. Colección de Tangos
Dionisio Aguado (1784-1849)
13. Fandango
Antonio José Martínez Palacios (1902-1936)
14. Sonata

O recurso à imprensa escrita, especializada ou generalista, como fonte primária tem-se revelado um recurso fundamental para os estudos musicológicos, quer como veículo de informação sobre diferentes domínios da vida musical de múltiplas comunidades em distintos âmbitos cronológicos e geográficos, quer como um elemento-chave a ter em conta na análise das representações sociais e culturais da música e na mediação entre os elementos que interagem na prática musical. O presente volume é constituído por uma selecção de artigos da autoria de investigadores portugueses e espanhóis, resultantes de comunicações apresentadas no congresso internacional "A Imprensa como Fonte para a História da Interpretação Musical", organizado pelo grupo de trabalho Música y Prensa da SEdeM – Sociedade Espanhola de Musicologia e pelo grupo de investigação Estudos Históricos e Culturais em Música do INET-md (NOVA FCSH) e acolhido pela Biblioteca Nacional de Portugal. Com um enfoque privilegiado nos discursos sobre a interpretação musical, sem prejuízo de outras abordagens complementares, parte de uma grande variedade de material forne­cido pela imprensa periódica do século xix e das primeiras décadas do século xx (críticas, notícias, anúncios, programas de concertos, ensaios, fotografias, caricaturas, partituras) para tratar temáticas tão diversas como a figura do virtuoso, o músico como celebridade, o corpo do intérprete e as questões de género, programação, repertórios e correntes in­terpretativas, as relações entre profissionais e diletantes, perfis críticos e a imprensa como difusora de material destinado à prática musical propriamente dita.

Simon  Reynolds  is  one  of  the  most  relevant  music  critics  of  the  last  three decades.  Known  for  his  books  about  retromania,  rave  culture,  post-punk  or glam  rock,  this  British  author  has  achieved  a  big  amount  of  prestige  that  has legitimized him in the field of music journalism. This privileged position allowed him to establish certain neologisms, being post-rock the most popular of them. Reynolds speaks about post-rock in many articles for The Wire, Melody Maker, Mojo and The Village Voice, but it is an article for the first of these magazines, “Shaking the Rock Narcotic”, the one which would acquire a more canonical status. In this text, Reynolds defines post-rock by its use of rock instrumentation for non-rock purposes and the recording studio as an instrument. This notion of the studio as an instrument, which goes back to the ideas of Brian Eno, is what will be discussed in this paper. For this purpose, a brief genealogy of the term post-rock  in  the  writings  of  Simon  Reynolds  will  be  made.  Inevitably,  this  will lead  us  to  evaluate  his  place  within  the  subfield  of  music  criticism  and  his relationship  with  diverse  technological-musical  developments  that  happened  in the first half of the 1990s.In this way, we can understand not only the place that the  recordingstudio occupies in Reynolds’ definitions, but something deeper: the complex –and often elusive relationship–that exists between music criticism and music production.

Resumo: O presente trabalho visa a abordar o gênero canção considerando o enfoque teórico produzido por TATIT (2002) e complementado pela pesquisa de EL HAOLI (2002) sobre a busca de uma voz-música. Estabelece, também, a possibilidade do entendimento da canção como uma forma própria de pensamento a partir da análise de " A Ponte " (Lenine/Lula Queiroga). Abstract: This work aims to study the song and its gender with a theoretical approach based on the researches made by Tatit (2002) and El Haoli (2002) about song composition and the singing voice. It also establishes the possibility of understanding the song as a particular way of thinking and knowing, stemming from the analysis of the Brazilian song " A Ponte " (Lenine / Lula Queiroga).