Camila Campelo Bechelany

The exhibition Magiciens de la Terre (Paris, 1989) is a landmark of a new look, in Europe, from the traditional art scene to the “art of the other”. In Brazil, in 1998,the exhibition Antropofagia , the 24th Sao Paulo Biennial, proposed a theme that articulatedthe local and the global cultures.We willtry, from the analysis of speeches announced by both exhibitions, understand the strategies carried out by the international art scene in the reproduction of a certain notion of globalization and multiculturalism in contemporary art.

A partir de uma análise da narrativa curatorial da exposição Modernidade art brésilien du 20e siècle (Paris, 1987-1988) e da recepção crítica desta na França e no Brasil, pretendemos refletir sobre as possibilidades e os limites de um "modernismo brasileiro" no contexto inicial da globalização da arte, em meados da década de 1980. Esta reflexão pode nos conduzir a uma leitura da história da arte internacional de uma perspectiva brasileira e à compreensão do sistema internacional de arte como um campo simbólico multi-centralizado.

Art contemporain synonyme de « global art » ? marges relaie les tensions existentes entre revendications d'une spécificité nationale et aspiration à une intégration à la scène globale de l'art. Le constat d'un « art global » offre, depuis la fin des années 1980, une riche matière de réflexion aux théoriciens et aux historiens de l'art, ainsi qu'aux commissaires d'exposition et aux professionnels des musées. Pour ce numéro de la revue Marges, il s'agit d'interroger les commentaires récents qui entendent l'art contemporain comme synonyme de global art, le « globalisme » étant vue comme une antithèse de l'universalisme, dans la mesure où il s’agit de décentrer une vision du monde unifiée tout en s'orientant vers des modernités multiples

Curatorial text.
A exposição Dominó é um exercício experimental, realizado de forma colaborativa como um desdobramento do convívio e do diálogo de 14 artistas que se conheceram em um período de residência no Pivô Pesquisa 1 entre janeiro e abril de 2019.

O presente artigo investiga a formacao de um universo cognitivo, em nivel internacional, do gosto artisticos contemporâneo, de modo a refletir os limites de uma comunidade artistica transnacional. Para tanto, controi um modelo teorico que procura definir os meios de atribuicao de valor as obras de arte, a partir de sua circulacao por canais transnacionais de troca. Verificamos, a partir de analise da consagracao de valores e da atuacao do curador de arte, a delimitacao de um universo marcado pela “cultura da globalidade”.

Partant d’une analyse du récit curatorial de l’exposition «  Modernidade, art brésilien du 20e siècle » (Paris, 1987-88) et de la réception critique de celle-ci en France et au Brésil, nous souhaitons réfléchir sur les possibilités et les limites d’un «  modernisme brésilien » à l’aube de la globalisation de l’art. Cette réflexion pourrait donner lieu à une lecture de l’histoire internationale de l’art qui soit ouverte et à la compréhension du système international de l’art comme un champ symbolique multipolaire.

A partir de uma análise da narrativa curatorial da exposição Modernidade art brésilien du 20e siècle (Paris, 1987-1988) e da recepção crítica desta na França e no Brasil, pretendemos refletir sobre as possibilidades e os limites de um "modernismo brasileiro" no contexto inicial da globalização da arte, em meados da década de 1980. Esta reflexão pode nos conduzir a uma leitura da história da arte internacional de uma perspectiva brasileira e à compreensão do sistema internacional de arte como um campo simbólico multi-centralizado.

This article investigates the constitution of an international cognitive universe concerning the artistic contemporary preferences; in a way, it reflects a transnational artistic community. In order to do so, it constructs a theoretical model, which call to define the means of value attribution to works of art, having their circulation through exchange channels as start. We verify, from the analyses of the value’s consecration and from the analyses of the curator’s activity, that a “culture of globality” marks this cognitive universe.

The exhibition Magiciens de la Terre (Paris, 1989) is a landmark of a new look, in Europe, from the traditional art scene to the “art of the other”. In Brazil, in 1998, the exhibition Antropofagia, the 24th São Paulo Biennial, proposed a theme that articulated the local and the global cultures. We will try, from the analysis of speeches announced by both exhibitions, understand the strategies carried out by the international art scene in the reproduction of a certain notion of globalization and multiculturalism in contemporary art.

L’exposition Magiciens de la Terre (Paris, 1989) marque le début, en Europe, d’un nouveau regard de la scène artistique traditionnelle sur l’art « étranger ». Au Brésil en 1998, l’exposition Antropofagia, 24e Biennale de São Paulo a proposé un thème d’articulation entre le local et le global. Nous souhaiterons, à partir de l’analyse des discours diffusés par ces deux expositions comprendre les stratégies opérées par la scène artistique internationale dans la diffusion d’une certaine conception de mondialisation et de multiculturalisme liés à l’art contemporain.

En 1987, dans le cadre d'un projet de coopération culturelle entre la France et le Brésil, eu lieu l'exposition Modernidade, art brésilien du 20e siècle au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Projet de grande ampleur, l'exposition était organisée par une équipe curatoriale binationale et comprenait 160 oeuvres de 69 artistes. Dans un contexte d'ouverture politique, marqué par la fin de la dictature militaire en 1985 au Brésil et la réorganisation du champ culturel, l'ampleur du projet représentait une véritable nouveauté. Je souhaite réfléchir aux possibles lectures de cette opération : la dislocation (art brésilien x art international) et la pluricentralité (modernités parallèles). Ce faisant, j'espère pouvoir contribuer au débat sur les pratique curatoriales et la circulation de l'art des pays non-centraux, notamment de comment ceux-ci interviennent et confrontent les tendances de l'homogénéisation et de la différenciation dans l'espace de l'art global.

En 1987, dans le cadre d’un projet de coopération culturelle entre la France et le Brésil, eu lieu l’exposition Modernidade, art brésilien du 20e siècle au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Projet de grande ampleur, l’exposition était organisée par une équipe curatoriale binationale et comprenait 160 œuvres de 69 artistes. Dans le but de révéler l’originalité de l’art brésilien du XXe siècle à l’étranger, l’exposition donnait à voir pour la première fois en Europe de chefs d’œuvre de différents périodes, couvrant 7 décennies de l’art au Brésil de 1910 à 1980.

In the 1970s Latin American artists and critics were concerned with legitimizing and constructing a regional consciousness across the Americas. Parallel to this regional emphasis, Latin American artists and critics participated in intense transatlantic dialogues, continuing an internationalizing tradition that was welcomed by institutions on both sides of the Atlantic.

During the mid-1970s, a significant number of Latin American artists were living in Paris, mostly to escape from the totalitarian regimes in their home countries. Cognizant of this fact, the Paris Biennial artistic director Georges Boudaille organized a Latin American art section in 1977 and invited the Uruguayan critic Angel Kalenberg to curate it. Stating that “Latin American art was virtually unknown in Europe at the time,” Kalenberg decided to provide a context that would allow the French audience to properly read the artworks. To that point, Kalenberg opened the section with a diapositive presentation of 480 images that visually presented Latin America. The images—currently kept at the Bibliothèque Kandinsky—display a curious regional panorama from Latin America’s pre-Colombian temples to its contemporary art production, alternating vernacular and modern in a circular/non-linear form. Rather than providing context, it ended up reinforcing a folkloric vision of Latin America.

A year later, the São Paulo Biennial Foundation promoted the first Latin American Biennial coordinated by the critics Juan Acha and Silvia Ambrosini. Guided by the theme “Myths and Magic”, the show did not include the traditional division according to national representation. Rather, the artworks were divided according to sub-themes of “myths of origin,” which were arranged by ethnicity. There were five myths of origin: Myths and Magic of Indigenous Origin, African Origin, Euro-Asiatic Origin, and Mestizo Origin. Ultimately, the biennial showcased an idea of the region similar to Kalenberg’s slides, as the use of ethnographical divisions gave a folkloric accent to the show. Latin American critics and artists heavily criticized the 1978 show and a meeting of Latin American critics definitively terminated the regional biennial in 1980.

Departing from an analysis of Kalenberg’s arguments, our paper examines the conceptual and aesthetic correspondences between the two curatorial constructions—the 1977 Latin American section in Paris and the 1978 Bienal Latino Americana in São Paulo—focusing on the receptions that they triggered. By doing so, we hope to contribute to a deeper understanding of the recent construction of a Latin American identity in the visual arts both in the Americas and in Europe. With the advantage of hindsight and from a decentered viewpoint, we can extrapolate why the Latin American effort to shape an artistic identity pleased a European audience, but was rejected in Brazil.

These early curatorial efforts, even if unsuccessful, deserve to be revisited as they reveal how the circulation of ideas and concepts created a certain “Latin American art” that has since been revisited in shows like the Havana Biennial and the Mercosul Biennial in the late 1980s and 1990s.

Table ronde: « L’exposition comme récit ? »
Comité scientifique : Camila Bechelany, Susanna Muston, Kantuta Quiros & Aliocha Imhoff, Léa-Catherine Szacka
Depuis les années 1980, l’exposition et le travail des commissaires sont devenus des objets d’étude à part entière. En parallèle à l’histoire de l’art, l’histoire des expositions s’affirme donc comme un nouveau champ de recherche qui, tout en étant centré sur un objet précis, se développe dans une perspective interdisciplinaire.
Comment pouvons-nous qualifier la présentation des œuvres dans le musée, la galerie, la biennale, triennale ou autres espaces ? Selon Roland Barthes, « le récit peut être supporté par le langage articulé, oral ou écrit, par l’image, fixe ou mobile, par le geste et par le mélange ordonné de toutes ces substances » . Or, peut-on affirmer que l’exposition est-elle un récit ?  Cette question servira de fil rouge pour cette demi-journée d’étude, tout en déclenchant une série de questionnements successifs.

Au sein du musée, comment l’exposition des collections permanentes participe-t-elle à l’écriture d’une histoire de l’art, à la valorisation d’une identité nationale ou à la création d’un patrimoine symbolique universel ?  Comment, par les thèmes proposés les œuvres dialoguent entre elles compte tenu des leurs différences intrinsèques et de l’échelle des Biennales ?
Deuxièmement, comment se fait la narration au sein de l’exposition ? Qui en est l’auteur? Comment comprendre les formes narratives du récit curatorial et leurs différences (narrations historiques, évolutives, formes micro-narratives, palimpsestes, atlas warburgien, etc.) ?
Troisièmement, si on parle de récit et de narration, quel est lien entre exposition et écriture ? S’agit-il d’une narration faite d’objets, de mots ou des deux ?
Finalement, si on s’attarde plutôt au public et à la réception, comment le récit est-il perçu par les visiteurs Peut-on parler de différents niveaux de lectures liés aux différents types de public ?

Par ces questionnements nous nous attacherons à dresser un état des lieux du développement actuel des recherches autour des expositions, de leur histoire et des écritures autres de l’histoire de l’art. Ces écritures étant construites par des acteurs multiples, provenant de différents champs de travail, de recherche et de savoir-faire, il s’agira d’aborder ces thématiques de façon ouverte et interdisciplinaire.

Research and Globalization / Recherche et mondialisation
Research group composed by PhD students and researchers based in Paris and working in different disciplines. Anthropology, Art History, History, Cultural Studies...
Started in january 2011 by Catherine Grenier, deputy director of the National Museum of Modern Art / Centre Pompidou, the group aims is to foster debate and thinking on art in the context of globalization. One result of the group activities was the organization of the Conference Art & Mondalisation in Paris in November, 2013.