- (from 2016) Music Production and Sound Research at Sympnoia Panta Studio, Berlin, Germany.
- Performance Musical, Performance Studies (Music), Performance Theory, Theory of musical interpretation, Theory of Musical Reproduction, Theodor W. Adorno, and 22 moreAesthetics, Philosophy of Music, Music Theory, Critical Musicology, Cultural Musicology, Cultural Studies, Critical Theory, Ethics, Musicology, Theodor Adorno, Anthropology of Music, Brazilian Music, Contemporary Philosophy, Música Popular Brasileira, Aesthetics (Music), Radamés Gnattali, A. C. Jobim, Musical Performance, Improvisation, Jazz Studies, Candomblé, and (etno)musicologiaedit
- Graduated in Arts with license in Music Education from the Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ). Master of Mus... moreGraduated in Arts with license in Music Education from the Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ). Master of Music from the Federal University of Rio de Janeiro, and Doctor of Music from the Federal University of the Rio de Janeiro State (UNIRIO). Alumnus fellow of the Brazilian development agencies CAPES (2003-2004, 2005-2009) and CNPq (2012-2014). From 2012 to 2014 post-doc researcher at the São Paulo State University Julio Mesquita Filho (IA/UNESP). Published papers in several music periodicals and magazines. Experience in the areas of interpretation and musical performance, as well on their interfaces with philosophy, education and culture. My research focus on issues related to the Art of Performance, Musical Interpretation, Experience and Cognition. This includes also Performance Theory, Aesthetics and their interfaces with Education, Art and Culture in a pluralistic, intercultural context.
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Graduado em Educação Artística com Habilitação Música pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Mestre em Música pela Universidade Federal do Rio de Janeiro, Doutor em Música pela Universidade Federal do Estado do Rio de Janeiro (UNIRIO).
Ex-bolsista das agências CAPES e CNPq. De 2012 a 2014 pesquisador pós-doutor pela Universidade Estadual Paulista Júlio Mesquita Filho (UNESP, Instituto de Artes).
Publicou nas revistas 'Opus', 'Per Musi', 'Revista Brasileira de Música', 'El Oido Pensante', 'Arte Filosofia' e 'Revista de História da Biblioteca Nacional'.
Possui experiência nas áreas de interpretação e performance musical, teoria da interpretação e teoria da performance, bem como em suas interfaces com a filosofia, a educação e a cultura.
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Brasilien (1978-2015). Meine brasilianischen Hochschulabschlüsse sind von der KMK anerkannt und entsprechen den deutschen 'Promotion', 'Magister der Musikwissenschaften' und 'Bachelor'.edit - Maria da Fátima Granja Tacuchian (UFRJ, Brazil), Paulo Moraes Pinheiro (UNIRIO, Brazil), Lia Vera Tomás (UNESP, Brazil)edit
Research Interests: Humanities and Art
Este artigo examina a Sinfonia do Rio de Janeiro (1954) como uma peca que se situa historicamente entre o inicio da trajetoria profissional dos compositores Antonio Carlos Jobim e Billy Blanco, de um lado, e o surgimento do movimento... more
Este artigo examina a Sinfonia do Rio de Janeiro (1954) como uma peca que se situa historicamente entre o inicio da trajetoria profissional dos compositores Antonio Carlos Jobim e Billy Blanco, de um lado, e o surgimento do movimento musical conhecido como bossa nova, de outro. Gravada com arranjo orquestral de Radames Gnattali, foi criada num processo coletivo. Rica em significados, resultou de uma experiencia prazerosa de dois jovens compositores em busca da sua linguagem musical e estilo proprio de compor. A analise musical da peca esta fundamentada numa metodologia que se vale tanto da escuta quanto de meios tecnicos na interpretacao da obra. A Sinfonia se revelou uma obra moderna para o seu tempo, antecipando, em estruturas harmonicas e melodicas, bem como em sua tematica, a bossa nova.
Research Interests:
Denis Diderot, a prominent figure of the eighteenth-century French Enlightenment and the main organizer of the Encyclopedie , presents in his Paradox of acting an important reflection about the craft of the actor, the attitude he should... more
Denis Diderot, a prominent figure of the eighteenth-century French Enlightenment and the main organizer of the Encyclopedie , presents in his Paradox of acting an important reflection about the craft of the actor, the attitude he should take to represent different roles and the social function of his performance. As opposed to Rousseau and the romantics who succeeded him in the XIX century, Diderot argues that a good actor should be guided by an attitude of emotional detachment rather than by compulsive raptures of feelings and passions. Without intending to eclipse the specific differences existing between the profession of the performer and that of the actor, their affinities are evident in the domain of performance, as well as in the attitude and social role both adopt on the stage to render a work previously conceived and encoded. Considering that the performative character of musical practice –exceptions apart– is still relegated in school music teaching, we focus on the impo...
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Denis Diderot, filosofo proeminente do Iluminismo setecentista frances e o principal organizador da Encyclopedie , apresenta, em seu Paradoxo sobre o comediante , uma importante reflexao sobre o oficio do ator, a atitude que este deve... more
Denis Diderot, filosofo proeminente do Iluminismo setecentista frances e o principal organizador da Encyclopedie , apresenta, em seu Paradoxo sobre o comediante , uma importante reflexao sobre o oficio do ator, a atitude que este deve assumir ao representar diferentes papeis e a funcao social da sua atuacao. Em oposicao a Rousseau e aos românticos que o sucederam no seculo XIX, Diderot argumenta que o bom ator deve se pautar antes por uma atitude de distanciamento emocional do que pelo arrebatamento compulsivo de sentimentos e paixoes. Sem querer eclipsar as diferencas especificas que existem entre o oficio do musico-interprete e o do ator, suas afinidades se evidenciam sobretudo no campo da performance, bem como na atitude e papel social que ambos assumem no palco ao interpretar uma obra previamente concebida e codificada. Considerando que o lado performativo da pratica musical, excecoes a parte, ainda esta constituindo um aspecto relegado no ensino da musica, destacamos a import...
espanolDenis Diderot, filosofo prominente del Iluminismo frances del siglo XVIII y principal organizador de la Encyclopedie, presenta en suParadoja sobre el comediante una importante reflexion sobre el oficio del actor, la actitud que... more
espanolDenis Diderot, filosofo prominente del Iluminismo frances del siglo XVIII y principal organizador de la Encyclopedie, presenta en suParadoja sobre el comediante una importante reflexion sobre el oficio del actor, la actitud que este debe tomar para representar diferentes roles y la funcion social de su actuacion. En oposicion a Rousseau y a los romanticos que lo sucedieron en el siglo XIX, Diderot sostiene que un buen actor debe guiarse mas por una actitud de distanciamiento emocional que por un arrebatamiento compulsivo de sentimientos y pasiones. Sin querer eclipsar las diferencias especificas que existen entre el oficio del musico-interprete y el del actor, sus afinidades se evidencian sobre todo en el campo de la performance, asi tambien como en la actitud y el papel social que ambos asumen en el escenario para interpretar una obra previamente concebida y codificada. Considerando que el aspecto performativo de la practica musical, excepciones aparte, aun constituye una di...
Research Interests:
O propósito desta investigação é lançar luz sobre um aspecto ainda obscuro da personalidade do filósofo e crítico musical Theodor Adorno. O objetivo central é realizar uma análise retrospectiva sucinta da rejeição categórica de Adorno ao... more
O propósito desta investigação é lançar luz sobre um aspecto ainda obscuro da personalidade do filósofo e crítico musical Theodor Adorno. O objetivo central é realizar uma análise retrospectiva sucinta da rejeição categórica de Adorno ao jazz. Levando-se em conta o modo rançoso e mordaz da sua crítica, à qual permaneceu irredutível, deixemos os aspectos industrial e mercadológico da questão por um instante de lado para indagar pelos verdadeiros motivos que podem estar por trás da sua argumentação supostamente objetiva. Serão analisados os ensaios de Adorno, publicados em 1933, 1937 e 1953, respectivamente, e que sustentam a sua crítica, à qual, a rigor, pertence também a controvérsia que o terceiro e último ensaio de Adorno gerou por parte do crítico e produtor musical alemão Joachim-Ernst Berendt, cuja réplica abre a seção intitulada Kritik da revista Merkur de setembro de 1953, seguida pela tréplica de Adorno.
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Pros and cons of Jazz, written by German journalist and music producer Joachim-Ernst Berendt in 1953, is a key document of his controversy with philosopher and music critic Theodor Adorno. The historical background given at the Postwar II... more
Pros and cons of Jazz, written by German journalist and music producer Joachim-Ernst Berendt in 1953, is a key document of his controversy with philosopher and music critic Theodor Adorno. The historical background given at the Postwar II period was basically the effort of Germany’s reconstruction and democratization. In view of the harsh criticism of Adorno, Berendt advocates in favor of jazz, surrounding one of the topics of the controversy on the question of whether jazz contributes to the formation of authoritarian attitudes (Adorno) or if it is able to immunize against totalitarianism (Berendt). In fact, the controversy between the two authors reveals how music represents a battleground of ideologies, particularly based on political beliefs, aesthetic preferences and/or on personal convictions. In these 60 years, however, time while Adorno’s rejection became notorious, the affirmative intervention of Berendt remained almost forgotten, a disparity that the present translation in Portuguese aims to alleviate. Therefore, some conceptual, historical and geopolitical peculiarities of the discussion led the translator to insert notes with additional information and comments of explanatory character.
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Apresentação: Em 1953, nas páginas da revista literária alemã Merkur, o crítico e produtor musical alemão Joachim-Ernst Berendt e o filósofo e crítico musical Theodor Adorno se envolveram em uma instigante controvérsia sobre o jazz. A pedra de toque era o artigo ”Moda intemporal: sobre o Jazz”, publicado por Adorno em julho daquele mesmo ano, cujo objetivo era questionar status e popularidade que o gênero musical estadunidense passara a usufruir na Alemanha após o fim da Segunda Guerra Mundial. Já no Merkur de setembro de 1953, Berendt publica a sua resposta a Adorno, denunciando uma série de equívocos que o filósofo teria cometido em sua análise. Adorno, por sua vez, redigiu também uma tréplica, na qual demonstra indiferença e intransigência. Uma vez que o artigo original e a tréplica de Adorno já se encontram disponíveis em português (Prismas: crítica cultural e sociedade. São Paulo: Editora Ática), a Revista Arte Filosofia agora tem o prazer em anunciar a publicação de uma tradução criteriosa e ricamente comentada do texto de Berendt, representando uma peça-chave para se poder compreender e discutir melhor os pontos de vista e os argumentos que cada lado assumiu nesta controvérsia.
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Resumo: A favor e contra o jazz, redigido pelo jornalista e produtor musical alemão Joachim-Ernst Berendt em 1953, representa um documento-chave da controvérsia que teve com o filósofo e crítico musical Theodor Adorno. Como contexto histórico figura a Alemanha pós-Segunda Guerra Mundial, naquela época ainda em pleno processo de reconstrução e democratização. Em face das duras críticas de Adorno, Berendt advoga a favor do jazz. Um dos tópicos da controvérsia se desenvolve em torno da questão se o jazz contribui para a formação de atitudes ou de uma mentalidade autoritária (Adorno) ou se ele é capaz de ‘imunizar’ contra o totalitarismo (Berendt). De fato, a controvérsia entre os dois autores revela como a música constitui um campo de batalha de ideologias e, em particular, de preferências estéticas e de convicções políticas. Nos sessenta anos decorridos desde então, a rejeição de Adorno se tornou notória, enquanto a intervenção afirmativa de Berendt permaneceu praticamente esquecida, disparidade que a presente tradução almeja corrigir. Certas peculiaridades conceituais, históricas e geopolíticas que envolvem a discussão ainda motivaram o tradutor a inserir uma série de notas com informações complementares ou comentários de caráter explicativo.
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Apresentação: Em 1953, nas páginas da revista literária alemã Merkur, o crítico e produtor musical alemão Joachim-Ernst Berendt e o filósofo e crítico musical Theodor Adorno se envolveram em uma instigante controvérsia sobre o jazz. A pedra de toque era o artigo ”Moda intemporal: sobre o Jazz”, publicado por Adorno em julho daquele mesmo ano, cujo objetivo era questionar status e popularidade que o gênero musical estadunidense passara a usufruir na Alemanha após o fim da Segunda Guerra Mundial. Já no Merkur de setembro de 1953, Berendt publica a sua resposta a Adorno, denunciando uma série de equívocos que o filósofo teria cometido em sua análise. Adorno, por sua vez, redigiu também uma tréplica, na qual demonstra indiferença e intransigência. Uma vez que o artigo original e a tréplica de Adorno já se encontram disponíveis em português (Prismas: crítica cultural e sociedade. São Paulo: Editora Ática), a Revista Arte Filosofia agora tem o prazer em anunciar a publicação de uma tradução criteriosa e ricamente comentada do texto de Berendt, representando uma peça-chave para se poder compreender e discutir melhor os pontos de vista e os argumentos que cada lado assumiu nesta controvérsia.
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Resumo: A favor e contra o jazz, redigido pelo jornalista e produtor musical alemão Joachim-Ernst Berendt em 1953, representa um documento-chave da controvérsia que teve com o filósofo e crítico musical Theodor Adorno. Como contexto histórico figura a Alemanha pós-Segunda Guerra Mundial, naquela época ainda em pleno processo de reconstrução e democratização. Em face das duras críticas de Adorno, Berendt advoga a favor do jazz. Um dos tópicos da controvérsia se desenvolve em torno da questão se o jazz contribui para a formação de atitudes ou de uma mentalidade autoritária (Adorno) ou se ele é capaz de ‘imunizar’ contra o totalitarismo (Berendt). De fato, a controvérsia entre os dois autores revela como a música constitui um campo de batalha de ideologias e, em particular, de preferências estéticas e de convicções políticas. Nos sessenta anos decorridos desde então, a rejeição de Adorno se tornou notória, enquanto a intervenção afirmativa de Berendt permaneceu praticamente esquecida, disparidade que a presente tradução almeja corrigir. Certas peculiaridades conceituais, históricas e geopolíticas que envolvem a discussão ainda motivaram o tradutor a inserir uma série de notas com informações complementares ou comentários de caráter explicativo.
Research Interests:
Denis Diderot, the main organizer of the Encyclopédie and the most prominent figure of the eighteenth-century French Enlightenment, presents in his 'Paradox of acting' an important reflection about the craft of the actor, the attitude he... more
Denis Diderot, the main organizer of the Encyclopédie and the most prominent figure of the eighteenth-century French Enlightenment, presents in his 'Paradox of acting' an important reflection about the craft of the actor, the attitude he should take to represent different roles and the social functions of their performance. In opposite to Rousseau and the romantics, Diderot argues that a good actor should be guided rather by an attitude of emotional distance than by compulsive feelings and passions. Without eclipsing the differences between the office of the musician and the actor, their affinities are evident in the domain of performance, as well as in the social role and attitude both take on stage to render works previously conceived and encoded. Considering that the performative character of musical practice – exceptions apart – is still relegated in scholar music teaching in Brazil, we focus on categories like bodily presence, mimics and gesture (embodiment). In short, in the year of the tercentennial of Diderot, there is to show that the theatrical arts have something relevant to contribute in understanding and improving of musical performance.
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Denis Diderot, filósofo proeminente do Iluminismo setecentista francês e o principal organizador da Encyclopédie, apresenta, em seu Paradoxo sobre o comediante, uma importante reflexão sobre o ofício do ator, a atitude que este deve assumir ao representar diferentes papéis e a função social da sua atuação. Em oposição a Rousseau e aos românticos que o sucederam no século XIX, Diderot argumenta que o bom ator deve se pautar antes por uma atitude de distanciamento emocional do que pelo arrebatamento compulsivo de sentimentos e paixões. Sem querer eclipsar as diferenças específicas que existem entre o ofício do músico-intérprete e o do ator, suas afinidades se evidenciam sobretudo no campo da performance, bem como em atitude e papel social que ambos assumem no palco ao interpretar obras previamente concebidas e codificadas. Considerando-se que o lado performativo da prática musical, exceções à parte, ainda está constituindo um aspecto relegado no ensino da música, destacamos a importância dos elementos da performance com suas categorias corporais da presença, da mímica e da gestualidade (embodiment). Em suma, pretende-se demonstrar, no ano do tricentenário de Diderot, que as artes cênicas têm algo relevante a contribuir para o entendimento e o aprimoramento da performance musical.
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Denis Diderot, filósofo proeminente do Iluminismo setecentista francês e o principal organizador da Encyclopédie, apresenta, em seu Paradoxo sobre o comediante, uma importante reflexão sobre o ofício do ator, a atitude que este deve assumir ao representar diferentes papéis e a função social da sua atuação. Em oposição a Rousseau e aos românticos que o sucederam no século XIX, Diderot argumenta que o bom ator deve se pautar antes por uma atitude de distanciamento emocional do que pelo arrebatamento compulsivo de sentimentos e paixões. Sem querer eclipsar as diferenças específicas que existem entre o ofício do músico-intérprete e o do ator, suas afinidades se evidenciam sobretudo no campo da performance, bem como em atitude e papel social que ambos assumem no palco ao interpretar obras previamente concebidas e codificadas. Considerando-se que o lado performativo da prática musical, exceções à parte, ainda está constituindo um aspecto relegado no ensino da música, destacamos a importância dos elementos da performance com suas categorias corporais da presença, da mímica e da gestualidade (embodiment). Em suma, pretende-se demonstrar, no ano do tricentenário de Diderot, que as artes cênicas têm algo relevante a contribuir para o entendimento e o aprimoramento da performance musical.
Research Interests:
Great difficulties are noted in human sciences regarding the definition and use of the concepts designating cultural phenomena. This also stands good for the musical area, in which not often arise certain confusion when one moves to the... more
Great difficulties are noted in human sciences regarding the definition and use of the concepts designating cultural phenomena. This also stands good for the musical area, in which not often arise certain confusion when one moves to the understanding of what the terms interpretation and performance designate. The present essay aims to answer to this task, urgent both from the theoretical and from the scientific viewpoints. As the analysis involves the translation and transliteration of fundamental concepts from one idiom to another, we first approach the criteria guiding their application within the historical context of the classical-romantic Viennese musical tradition. The main objective is to demonstrate how these concepts differ in sense and end. The next step consists in a careful analysis of the concept of musical reproduction. Finally, I propose the trinomial concept of reproduction, interpretation and musical performance to encompass theoretical basis for teaching and research of musical interpretative practice. At the same time, the field of the discipline increases in its scope, migrating from a basically reproductive and interpretative concept to that of a multiform artistic process with great productive and transformational potential, including social and other extra-musical elements or aspects that we call musical performance.
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Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento do que designam os termos interpretação e performance. O presente ensaio quer responder a essa tarefa, urgente tanto do ponto de vista teórico quanto científico. Como a análise envolve a tradução e a transliteração de conceitos fundamentais de um idioma para outro, abordam-se primeiramente os critérios que norteiam a sua aplicação no contexto histórico da tradição musical clássico-romântica vienense. O objetivo central é demonstrar como esses conceitos diferem em sentido e fim. O próximo passo consiste numa análise criteriosa do conceito de reprodução musical. Por fim, propõe-se o trinômio reprodução musical, interpretação e performance como arcabouço conceitual para o ensino e a pesquisa da(s) prática(s) interpretativa(s). Ao mesmo tempo, o campo teórico da disciplina aumenta em sua abrangência migrando de uma noção embasada quase que unicamente na interpretação para a de um processo artístico multiforme de grande potencial produtivo e transformador que inclui também os elementos extramusicais da performance.
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Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento do que designam os termos interpretação e performance. O presente ensaio quer responder a essa tarefa, urgente tanto do ponto de vista teórico quanto científico. Como a análise envolve a tradução e a transliteração de conceitos fundamentais de um idioma para outro, abordam-se primeiramente os critérios que norteiam a sua aplicação no contexto histórico da tradição musical clássico-romântica vienense. O objetivo central é demonstrar como esses conceitos diferem em sentido e fim. O próximo passo consiste numa análise criteriosa do conceito de reprodução musical. Por fim, propõe-se o trinômio reprodução musical, interpretação e performance como arcabouço conceitual para o ensino e a pesquisa da(s) prática(s) interpretativa(s). Ao mesmo tempo, o campo teórico da disciplina aumenta em sua abrangência migrando de uma noção embasada quase que unicamente na interpretação para a de um processo artístico multiforme de grande potencial produtivo e transformador que inclui também os elementos extramusicais da performance.
Research Interests:
The aim of this paper is to investigate how the mimesis principle appears in musical interpretative practice, analyzing its function in musical reproduction, event what we almost intend to call a performance event. Thus, we focus on the... more
The aim of this paper is to investigate how the mimesis principle appears in musical interpretative practice, analyzing its function in musical reproduction, event what we almost intend to call a performance event. Thus, we focus on the Theory of Musical Reproduction from Theodor Adorno (1903-1969), in whose notes the mimetic element arise as a key category (Germany, 2001; UK, 2006). Great part of the notability of Adorno’s theory lies in the fact of having brought the concept of mimesis to modern musical interpretation and theory. According to Adorno, the musical development of the Western world is strictly tied to the development of its notation. Through it, Adorno argues, are two elements in themselves very paradoxical: mimesis and rationality. While mimesis refers to the playful and gestural elements of music, present in the medieval neumas, the concept of rationality refers to the normative, measurable and disciplinary elements that written music brought to us. In short, in musical practice, as well as in performance history itself, mimesis and rationality interact. The closer this relation of dialectic interaction, the better the reproduction in its entirety (performance). In fact, all indicates that the mimesis principle only apparently “went out of style”. In reality, its presence was never lacking in musical reproduction of a written work from a score.
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Neste paper investiguemos como o princípio mimético se evidencia na prática interpretativa da música e qual a sua função nos diversos aspectos da reprodução de uma composição musical, evento também chamado de interpretação ou performance. Nesta tarefa, focalizemos a Teoria da Reprodução Musical, de Theodor Adorno (1903-1969), em cujas anotações o elemento mimético desponta como uma categoria-chave (Alemanha 2001; UK 2006). Boa parte da notabilidade das anotações de Adorno está no fato de ter trazido o conceito de mimesis para a teoria da interpretação musical. De acordo com sua teoria, o desenvolvimento da música do Ocidente está vinculado estreitamente ao desenvolvimento da sua notação, evidenciando-se em dois elementos em si paradoxais: mimesis e racionalidade. Enquanto o conceito de mimesis remete ao aspecto lúdico e gestual da prática musical, presente nos neumas medievais, o conceito de racionalidade se manifesta nos aspectos normativos e mensurais de uma prática musical regida rigorosamente pelo paradigma da reprodução de uma obra. É no processo da reprodução musical que os mais diversos paradoxos emergem e interagem entre si. Quanto mais nítida a relação dialética de seus elementos, melhor a reprodução musical como um todo (performance). Concluímos que a mimesis tinha apenas aparentemente saído "de cartaz”. Ao menos no tocante à prática interpretativa, tudo indica que o princípio mimético nunca deixou de estar presente no processo tanto da reprodução quanto da interpretação ou recriação musical de uma obra.
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Neste paper investiguemos como o princípio mimético se evidencia na prática interpretativa da música e qual a sua função nos diversos aspectos da reprodução de uma composição musical, evento também chamado de interpretação ou performance. Nesta tarefa, focalizemos a Teoria da Reprodução Musical, de Theodor Adorno (1903-1969), em cujas anotações o elemento mimético desponta como uma categoria-chave (Alemanha 2001; UK 2006). Boa parte da notabilidade das anotações de Adorno está no fato de ter trazido o conceito de mimesis para a teoria da interpretação musical. De acordo com sua teoria, o desenvolvimento da música do Ocidente está vinculado estreitamente ao desenvolvimento da sua notação, evidenciando-se em dois elementos em si paradoxais: mimesis e racionalidade. Enquanto o conceito de mimesis remete ao aspecto lúdico e gestual da prática musical, presente nos neumas medievais, o conceito de racionalidade se manifesta nos aspectos normativos e mensurais de uma prática musical regida rigorosamente pelo paradigma da reprodução de uma obra. É no processo da reprodução musical que os mais diversos paradoxos emergem e interagem entre si. Quanto mais nítida a relação dialética de seus elementos, melhor a reprodução musical como um todo (performance). Concluímos que a mimesis tinha apenas aparentemente saído "de cartaz”. Ao menos no tocante à prática interpretativa, tudo indica que o princípio mimético nunca deixou de estar presente no processo tanto da reprodução quanto da interpretação ou recriação musical de uma obra.
Research Interests:
A música é indissociável do tempo em que ela emerge. E este, no universo musical, pode ter sentidos diferentes. De origem italiana, o termo tempo se refere, por um lado, à velocidade da execução de uma música e, por outro, à medida da sua... more
A música é indissociável do tempo em que ela emerge. E este, no universo musical, pode ter sentidos diferentes. De origem italiana, o termo tempo se refere, por um lado, à velocidade da execução de uma música e, por outro, à medida da sua duração. Também o contexto histórico e cultural revela elementos importantes, facilitando a sua compreensão.
Research Interests:
Considering the centennial of the writing of the draft of 'The Art of Performance', this paper aims to emphasize the pertinence of Schenker’s reflections and pay homage to the efforts which have rendered his annotations finally accessible... more
Considering the centennial of the writing of the draft of 'The Art of Performance', this paper aims to emphasize the pertinence of Schenker’s reflections and pay homage to the efforts which have rendered his annotations finally accessible to musician-interpreters and researchers. A careful reading of the English version, however, reveals several conceptual problems stemming from the translation of discrete terms for performance, and may mask the real intention of its author and represent an obstacle in the understanding of basic concepts of musical practice. The main objective, however, is not only pointing to the problems – which, in a not much different form, also emerge for the Portuguese language reader – but rather propose a solution to the impasse.
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Este paper prestigia a pertinência das reflexões de Schenker e reconhece os esforços que tornaram suas anotações finalmente acessíveis a músicos-intérpretes e pesquisadores. Uma leitura criteriosa da versão inglesa, no entanto, revela diversos problemas provenientes da tradução de termos distintos para performance, podendo encobrir a real intenção de seu autor e representar um obstáculo na compreensão de conceitos fundamentais da prática musical. O objetivo principal, contudo, não é apenas apontar problemas – que, de forma não muito diferente, emergem também para o leitor de língua portuguesa – e sim propor uma solução para o impasse.
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Este paper prestigia a pertinência das reflexões de Schenker e reconhece os esforços que tornaram suas anotações finalmente acessíveis a músicos-intérpretes e pesquisadores. Uma leitura criteriosa da versão inglesa, no entanto, revela diversos problemas provenientes da tradução de termos distintos para performance, podendo encobrir a real intenção de seu autor e representar um obstáculo na compreensão de conceitos fundamentais da prática musical. O objetivo principal, contudo, não é apenas apontar problemas – que, de forma não muito diferente, emergem também para o leitor de língua portuguesa – e sim propor uma solução para o impasse.
Research Interests:
Time comprises, in the classical-romantic tradition, a theme of paramount importance. Its understanding is seen as a basic pre-requisite for the reproduction of a given musical work to be deemed as successful. There are, however, among... more
Time comprises, in the classical-romantic tradition, a theme of paramount importance. Its understanding is seen as a basic pre-requisite for the reproduction of a given musical work to be deemed as successful. There are, however, among the critics and interpreters, deeply set disagreements as to the criteria for application of time to the interpretative practice. Such divergences are also noticeable in the history of Philosophy, this being the reason why we shall primarily undertake a bibliographical survey through the notion of time in Augustine, Newton, Leibniz and Kant. In this task, we ascertain how different visions of time can influence musical practice. At a second step, time is analyzed as a theoretical category of musical interpretation. Finally, two models of time perception to be applied in musical practice are presented. Bearing, especially, an investigative purpose, the present article aims to clarify the notion of musical time and provide theoretical subsidies for interpreter-musicians and analysts. At the same time, I aim to point out alternatives to current models of musical time.
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Na tradição musical clássico-romântica, o tempo constitui um tema de suma importância. Sua compreensão é vista como pré-requisito fundamental para que a reprodução de uma determinada obra musical possa ser considerada bem-sucedida. Existem, no entanto, entre críticos e intérpretes profundas divergências sobre os critérios de aplicação do tempo na prática interpretativa. Tais divergências notam-se também na história da filosofia, razão pela qual faremos primeiramente uma pesquisa bibliográfica que passeia pela noção de tempo em Agostinho, Newton, Leibniz e Kant. Nessa tarefa, verificamos como diferentes acepções de tempo podem influir na prática interpretativa. Num segundo passo, o tempo é analisado como categoria teórica da interpretação musical. Por fim, são apresentados dois modelos de percepção temporal para serem aplicados na prática interpretativa. Tendo, sobretudo, um fim investigativo, o presente artigo pretende contribuir para a elucidação da noção de tempo musical e oferecer subsídios teóricos para músicos-intérpretes e analistas. Ao mesmo tempo, pretende-se apontar alternativas a modelos vigentes.
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Na tradição musical clássico-romântica, o tempo constitui um tema de suma importância. Sua compreensão é vista como pré-requisito fundamental para que a reprodução de uma determinada obra musical possa ser considerada bem-sucedida. Existem, no entanto, entre críticos e intérpretes profundas divergências sobre os critérios de aplicação do tempo na prática interpretativa. Tais divergências notam-se também na história da filosofia, razão pela qual faremos primeiramente uma pesquisa bibliográfica que passeia pela noção de tempo em Agostinho, Newton, Leibniz e Kant. Nessa tarefa, verificamos como diferentes acepções de tempo podem influir na prática interpretativa. Num segundo passo, o tempo é analisado como categoria teórica da interpretação musical. Por fim, são apresentados dois modelos de percepção temporal para serem aplicados na prática interpretativa. Tendo, sobretudo, um fim investigativo, o presente artigo pretende contribuir para a elucidação da noção de tempo musical e oferecer subsídios teóricos para músicos-intérpretes e analistas. Ao mesmo tempo, pretende-se apontar alternativas a modelos vigentes.
Research Interests:
The term “musical reproduction”, used by Theodor Adorno in a large number of fragments and manuscripts written, approximately between 1925 and 1965, can be defined, in an elementary manner, as the reproduction of a musical work based on... more
The term “musical reproduction”, used by Theodor Adorno in a large number of fragments and manuscripts written, approximately between 1925 and 1965, can be defined, in an elementary manner, as the reproduction of a musical work based on its score. Having represented in the Viennese tradition of the second half of the 19th century and of the first decades of the 20th century, a practice in which the exercise of interpretation was linked to that of composition, this is currently kept almost exclusively by means of a historically defined and circumscribed repertory. “Musical reproduction”, however, designates a multiform process of great productive and transforming process, whose conceptual comprisal great increases when interpretation and performance are assigned to it as active elements (or principles). Because the analysis of the term musical reproduction involves the transliteration and translation of basic theoretical concepts of one idiom to another, firstly the historical criteria which guide their application to the Viennese Classic-romantic tradition are investigated. Then, some of their implications in the current debate on the issues stemming therefrom are presented.
Research Interests:
Widely accepted as an influential thinker and essential for understanding the contemporary world, Adorno combines vigor and freedom in moving between music and philosophy in an original and pertinent way. In this brief essay, I will... more
Widely accepted as an influential thinker and essential for understanding the contemporary world, Adorno combines vigor and freedom in moving between music and philosophy in an original and pertinent way. In this brief essay, I will consider three relevant aspects of Adorno’s philosophy. In this task, I adopt as principal objectives: a) a critical understanding of Adornian philosophy, principally from the point of view of its contemporaneity; and b) linking Adorno and contemporary thought to Brazilian musicology. For methodological reasons, this essay is divided into three broad categories: a) critical theory, b) aesthetics, and c) ethics.
Research Interests:
Based on section number five of the Samba Letter, written by Brazilian folklorist and historian Edison Carneiro in 1962, this essay addresses the reception of samba overseas as a starting point for a reflection with inter and... more
Based on section number five of the Samba Letter, written by Brazilian folklorist and historian Edison Carneiro in 1962, this essay addresses the reception of samba overseas as a starting point for a reflection with inter and transcultural background. However, it was not because of the so-called “root-samba” that Brazilian popular music spread worldwide. It was mainly the “whitened” and "stylized" sambas of Tom Jobim, Baden Powell, Vinícius de Moraes, Radamés Gnattali, Hermeto, Jorge Ben (Jor) and Egberto Gismonti that I had, at the end of the 1960s and during the 1970s, my first contact with Brazilian music and culture. Because of several disappointments of personal and geopolitical character, I chosed emigration that nowadays allows me to have a more critical and less idealized view of my own, as well as of origins and history of Brazil. In short, I want to participate in the development of this country of such exuberant natural and cultural diversity, but yet socially so unequal. Therefore, I had to redefine my proposals again, enrolled for academic scholarship with the intention to improve the study of music, culture and history in Brazil.
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Situado no eixo número cinco da Carta do Samba (1962), redigida pelo folclorista e historiador brasileiro Edison Carneiro, este ensaio toma a recepção do samba no estrangeiro como ponto de partida para uma reflexão de fundo inter e transcultural. Não foi pelo assim chamado “samba de raiz” e sim através do samba “embranquecido” e estilizado de Tom Jobim, Baden Powell, Vinícius de Moraes, Radamés Gnattali, Hermeto, Jorge Ben(Jor) e Egberto Gismonti que a música brasileira se disseminou mundo afora. Desse modo, eu tive, no final dos anos 1960 e durante a década de 1970, o primeiro contato com o Brasil e sua imensa diversidade musical e cultural. Atraído pela música brasileira e devido a diversos dissabores de cunho pessoal e geopolítico, não demorou que optei pela emigração. Hoje, a longa vivência no estrangeiro me possibilita um olhar diferenciado e, de certa forma, mais crítico e menos idealizado tanto sobre as minhas origens quanto sobre as do Brasil e a sua história. Finalmente, o desejo de participar construtivamente no desenvolvimento desse país de diversidade natural e cultural exuberante, porém socialmente tão desigual levou-me outra vez a redefinir o rumo, entrar para a academia com os propósitos de aprofundar os estudos de música, história e cultura no Brasil.
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Situado no eixo número cinco da Carta do Samba (1962), redigida pelo folclorista e historiador brasileiro Edison Carneiro, este ensaio toma a recepção do samba no estrangeiro como ponto de partida para uma reflexão de fundo inter e transcultural. Não foi pelo assim chamado “samba de raiz” e sim através do samba “embranquecido” e estilizado de Tom Jobim, Baden Powell, Vinícius de Moraes, Radamés Gnattali, Hermeto, Jorge Ben(Jor) e Egberto Gismonti que a música brasileira se disseminou mundo afora. Desse modo, eu tive, no final dos anos 1960 e durante a década de 1970, o primeiro contato com o Brasil e sua imensa diversidade musical e cultural. Atraído pela música brasileira e devido a diversos dissabores de cunho pessoal e geopolítico, não demorou que optei pela emigração. Hoje, a longa vivência no estrangeiro me possibilita um olhar diferenciado e, de certa forma, mais crítico e menos idealizado tanto sobre as minhas origens quanto sobre as do Brasil e a sua história. Finalmente, o desejo de participar construtivamente no desenvolvimento desse país de diversidade natural e cultural exuberante, porém socialmente tão desigual levou-me outra vez a redefinir o rumo, entrar para a academia com os propósitos de aprofundar os estudos de música, história e cultura no Brasil.
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This paper examines the 'Symphony of Rio de Janeiro' (1954) as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim and Billy Blanco, on one side, and the emergence of the Bossa Nova movement, on... more
This paper examines the 'Symphony of Rio de Janeiro' (1954) as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim and Billy Blanco, on one side, and the emergence of the Bossa Nova movement, on the other. As the product of a collective compositional effort, the Symphony was recorded with orchestra arrangement by Radamés Gnattali. As a pleasant experience of two young composers both searching for an individual musical language and compositional style, embodies a wealth of meanings. The musical analysis is based on an methodology that employs aural strategies and technical tools in its interpretation. The Symphony revealed to be modern for its time, anticipating the Bossa Nova in its harmonic and melodic devices, as well as in its poetic themes.
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Este trabalho examina a 'Sinfonia do Rio de Janeiro' (1954) como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional dos compositores Antonio Carlos Jobim e Billy Blanco, de um lado, e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova, de outro. Gravada com arranjo orquestral de Radamés Gnattali, foi criada num processo coletivo. Rica em significados, resultou de uma experiência prazerosa de dois jovens compositores em busca da sua linguagem musical e estilo próprio de compor. A análise musical da peça está fundamentada numa metodologia que se vale tanto da escuta quanto de meios técnicos na interpretação da obra. A Sinfonia revelou-se uma obra moderna para o seu tempo, antecipando, em estruturas harmônicas e melódicas, bem como em sua temática, a Bossa Nova.
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Este trabalho examina a 'Sinfonia do Rio de Janeiro' (1954) como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional dos compositores Antonio Carlos Jobim e Billy Blanco, de um lado, e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova, de outro. Gravada com arranjo orquestral de Radamés Gnattali, foi criada num processo coletivo. Rica em significados, resultou de uma experiência prazerosa de dois jovens compositores em busca da sua linguagem musical e estilo próprio de compor. A análise musical da peça está fundamentada numa metodologia que se vale tanto da escuta quanto de meios técnicos na interpretação da obra. A Sinfonia revelou-se uma obra moderna para o seu tempo, antecipando, em estruturas harmônicas e melódicas, bem como em sua temática, a Bossa Nova.
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Study on the elements of Afro-Brazilian candomblé practice in music and lyrics written by Vinicius de Moraes and Baden Powell: the “afro-sambas”. ::: ::: ::: ::: The purpose of this study is to focus on the part of the work of... more
Study on the elements of Afro-Brazilian candomblé practice in music and lyrics written by Vinicius de Moraes and Baden Powell: the “afro-sambas”.
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The purpose of this study is to focus on the part of the work of Vinícius de Moraes that is related to issues and identity of Afro-Brazilian candomblé. In the example of the so-called “afro-sambas”, written in partnership with Brazilian guitarist Baden Powell and released on LP in 1966, we examine some of its historical, religious and musical aspects. According to Moraes, his immersion into the mystical and mythological roots of black culture represented something like “the search for his soul” and, to reach his goal, Moraes spared no efforts. Representing a recreation that fusioned urban samba from Rio de Janeiro with “points” and issues of candomblé from Brazilian state named Bahia. Thus, Moraes envisioned "a new form of syncretism", in which the reference to symbols and entities of candomblé is almost everywhere. Mentor and catalyst for a whole generation of young Brazilian musicians and composers, the poetry and the creativity of Vinícius de Moraes transformed the samba and disseminated Brazilian popular music around the world in a dimension never before seen. In short, the afro-sambas deserves a very distinguished position in the history of Brazilian Popular Music.
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Este estudo enfoca a parte da obra de Vinícius de Moraes relacionada com temas e identidade afro-brasileiros do candomblé. No exemplo dos assim chamados afro-ambas, compostos em parceria com o violonista Baden Powell e lançados em disco em 1966, serão examinados alguns dos aspectos históricos, musicais e religiosos das faixas. Segundo Moraes, seu mergulho nas raízes místicas e mitológicas negras representou algo como “a busca pela própria alma” e, para alcançar seus objetivos, não poupou esforços. Ao representar uma recriação peculiar que fusionou o samba carioca com elementos religiosos do candomblé, Moraes idealizou “uma forma de sincretismo novo” em que a referência a toques, símbolos e entidades do candomblé é uma constante. Mentor e catalisador de toda uma geração de jovens músicos e compositores brasileiros, poesia e criatividade de Vinícius de Moraes transformaram o samba e projetaram a música popular brasileira como nunca antes para o mundo. Em suma, os afro-sambas ocupam uma posição de destaque na história da música popular brasileira.
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The purpose of this study is to focus on the part of the work of Vinícius de Moraes that is related to issues and identity of Afro-Brazilian candomblé. In the example of the so-called “afro-sambas”, written in partnership with Brazilian guitarist Baden Powell and released on LP in 1966, we examine some of its historical, religious and musical aspects. According to Moraes, his immersion into the mystical and mythological roots of black culture represented something like “the search for his soul” and, to reach his goal, Moraes spared no efforts. Representing a recreation that fusioned urban samba from Rio de Janeiro with “points” and issues of candomblé from Brazilian state named Bahia. Thus, Moraes envisioned "a new form of syncretism", in which the reference to symbols and entities of candomblé is almost everywhere. Mentor and catalyst for a whole generation of young Brazilian musicians and composers, the poetry and the creativity of Vinícius de Moraes transformed the samba and disseminated Brazilian popular music around the world in a dimension never before seen. In short, the afro-sambas deserves a very distinguished position in the history of Brazilian Popular Music.
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Este estudo enfoca a parte da obra de Vinícius de Moraes relacionada com temas e identidade afro-brasileiros do candomblé. No exemplo dos assim chamados afro-ambas, compostos em parceria com o violonista Baden Powell e lançados em disco em 1966, serão examinados alguns dos aspectos históricos, musicais e religiosos das faixas. Segundo Moraes, seu mergulho nas raízes místicas e mitológicas negras representou algo como “a busca pela própria alma” e, para alcançar seus objetivos, não poupou esforços. Ao representar uma recriação peculiar que fusionou o samba carioca com elementos religiosos do candomblé, Moraes idealizou “uma forma de sincretismo novo” em que a referência a toques, símbolos e entidades do candomblé é uma constante. Mentor e catalisador de toda uma geração de jovens músicos e compositores brasileiros, poesia e criatividade de Vinícius de Moraes transformaram o samba e projetaram a música popular brasileira como nunca antes para o mundo. Em suma, os afro-sambas ocupam uma posição de destaque na história da música popular brasileira.
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This paper discusses difference as a concept fundamental to modernity and postmodern Western society. Working from the critical and problematizing perspective of Kofi Agawu’s (ethno)musicology, I consider the problem in the light of... more
This paper discusses difference as a concept fundamental to modernity and postmodern Western society. Working from the critical and problematizing perspective of Kofi Agawu’s (ethno)musicology, I consider the problem in the light of contemporary philosophy, which broadens Agawu’s focus, at the same time that it confirms the relevance of his approach. In seeking alternatives which might indicate a path toward solutions for the impasses which arose together with modernity, my hypothesis is that it is necessary to go beyond the simply different and establish sameness as the fundamental ethical postulate of our dialogues between individuals and cultures.
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1-Elomar, a pessoa. 2-Noite de Santo Reis (letra e glosa). 3-O Cantador Nordestino: trovador do Sertão. 4-Cantoria Pastoral (letra e glosa). 5-O Cantador e sua História. 6-Trovador ou Menestrel? 7-Chula no Terreiro (letra e glosa).
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Uma breve análise crítica do neoliberalismo, suas origens e ideologia.
Research Interests: Sociology, Social Theory, Sociology of Culture, International Economics, Political Economy, and 11 moreCultural Policy, Sociology of Knowledge, Liberalism, Nationalism, Neoliberalism, Cultural Globalization, Friedrich Hayek, História, Classical and Contemporary Social Theory, Historical and Comparative Sociology, and Sociology of the State
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The Second Part examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which Antonio Carlos Jobim played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the... more
The Second Part examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which Antonio Carlos Jobim played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.
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This article examines the Symphony of Rio de Janeiro (1954) as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim and Billy Blanco, on one side, and the emergence of the bossa nova movement, on... more
This article examines the Symphony of Rio de Janeiro (1954) as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim and Billy Blanco, on one side, and the emergence of the bossa nova movement, on the other. As the product of a collective compositional effort, the Symphony was recorded with orchestra arrangement by Radamés Gnattali. As a pleasant experience of two young composers both searching for an individual musical language and compositional style, embodies a wealth of meanings. The musical analysis is based on an methodology that employs aural strategies and technical tools in its interpretation. The Symphony revealed to be modern for its time, anticipating the bossa nova in its harmonic and melodic devices, as well as in its poetic themes.
This master dissertation examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of composer A.C. Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. The study is... more
This master dissertation examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of composer A.C. Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. The study is structured in three parts. Each is approached from a different angle and is, to an extent, independent from the other.
The First Part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of A.C. Jobim, with emphasis on key moments of his musical education.
The Second Part examines the Bossa Nova as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and the ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.
The Third Part consists of a musical and poetical analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco, but orchestrated and arranged by Radamés Gnattali. Its musical analysis based on an methodology that employs aural strategies as well as technical tools in the identification of parameters associated nowadays with the Bossa Nova movement as all. As an product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings and was a pleasant experience in young Jobim’s goal for achieving an individual musical language and compositional style. The Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova especially in its harmonic devices and melodic structures, as well as in its poetic themes.
The First Part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of A.C. Jobim, with emphasis on key moments of his musical education.
The Second Part examines the Bossa Nova as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and the ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it.
The Third Part consists of a musical and poetical analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco, but orchestrated and arranged by Radamés Gnattali. Its musical analysis based on an methodology that employs aural strategies as well as technical tools in the identification of parameters associated nowadays with the Bossa Nova movement as all. As an product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings and was a pleasant experience in young Jobim’s goal for achieving an individual musical language and compositional style. The Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova especially in its harmonic devices and melodic structures, as well as in its poetic themes.
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The Third part consists of an musical analysis of the Symphony of Rio de Janeiro, employing aural strategies as well as formal technical tools in the identification of the parameters nowadays associated with the Bossa Nova movement.
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This thesis investigates Theodor Adorno’s (1903-1969) writings, which are composed of a great number of fragments, notes and manuscripts originating from the author’s estate and edited under the title Towards a theory of musical... more
This thesis investigates Theodor Adorno’s (1903-1969) writings, which are composed of a great number of fragments, notes and manuscripts originating from the author’s estate and edited under the title Towards a theory of musical reproduction (Germany, 2001; UK, 2007). In these fragments, written approximately from 1925 to 1965, the term “musical reproduction” designates the performance of a musical work from its score. As such, it also entails its interpretation and the musical practice itself. The investigation starts from terms and references by the author himself and basically follows three lines of research: historical, systematical and critical. The first and second chapters of the thesis focus on the conceptualization of Adorno’s theory, the historical context and the precursors concerning Vienna’s music tradition and German aesthetics, while the third chapter focuses on the theory itself and introduces systematically its elements, principles and categories.
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Nesta tese se investiga o material de Theodor Adorno (1903-1969) oriundo do seu espólio e editado sob o título Para uma teoria da reprodução musical (Alemanha, 2001). Nas anotações de Adorno, compostas por um grande número de fragmentos e manuscritos redigidos nos anos de 1925 a 1965, aproximadamente, o termo "reprodução musical" designa a realização sonora de uma obra musical com base em sua partitura. Como tal, compreende também a interpretação e a performance musical. Partindo dos termos e referências do próprio autor, a pesquisa segue basicamente três linhas de investigação: a histórica, a sistemática e a crítica. Nessa tarefa, a investigação do primeiro e do segundo capítulos envolve a conceituação, o contexto e os antecedentes históricos da teoria da reprodução musical no tocante à tradição musical vienense e à estético-filosófica de língua alemã, enquanto o terceiro capítulo estrutura o material de Adorno sistematicamente em seções que tratam dos principais tópicos, princípios e categorias da sua teoria.
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Diese These hat die Untersuchung von Materialien aus dem Nachlass Theodor Adornos (1903-1969) zum Gegenstand, erschienen unter dem Titel 'Zu einer Theorie der musikalischen Reproduktion' (Suhrkamp, 2001). Bei diesen Aufzeichnungen handelt es sich um eine grosse Anzahl von Fragmenten, Entwürfen und verschiedenen Handschriften aus den Jahren von 1925 bis etwa 1965, in denen der Ausdruck “musikalische Reproduktion” den Vortrag einer Komposition bezeichnet. Da dabei prinzipiell von der Vorlage eines entsprechend detaillierten Notentextes ausgegangen wird, schliesst der Ausdruck “musikalische Reproduktion” auch die Begriffe “Interpretation” und Performance mit ein. Ausgehend von den bibliographischen Angaben und den Begriffen des Autors folgt die Untersuchung drei grundlegenden methodischen Ansätzen: dem historischen, dem systematischen und dem kritischen. Dabei stehen im ersten und zweiten Kapitel die Begriffsbestimmung, der historische Zusammenhang und die Vorläufer bezüglich der Wiener Musiktradition und der deutschen Ästhetik im Vordergrund, während im dritten Kapitel das Material der Theorie systematisch nach Themenbereichen, Prinzipien und Kategorien behandelt wird.
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Nesta tese se investiga o material de Theodor Adorno (1903-1969) oriundo do seu espólio e editado sob o título Para uma teoria da reprodução musical (Alemanha, 2001). Nas anotações de Adorno, compostas por um grande número de fragmentos e manuscritos redigidos nos anos de 1925 a 1965, aproximadamente, o termo "reprodução musical" designa a realização sonora de uma obra musical com base em sua partitura. Como tal, compreende também a interpretação e a performance musical. Partindo dos termos e referências do próprio autor, a pesquisa segue basicamente três linhas de investigação: a histórica, a sistemática e a crítica. Nessa tarefa, a investigação do primeiro e do segundo capítulos envolve a conceituação, o contexto e os antecedentes históricos da teoria da reprodução musical no tocante à tradição musical vienense e à estético-filosófica de língua alemã, enquanto o terceiro capítulo estrutura o material de Adorno sistematicamente em seções que tratam dos principais tópicos, princípios e categorias da sua teoria.
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Diese These hat die Untersuchung von Materialien aus dem Nachlass Theodor Adornos (1903-1969) zum Gegenstand, erschienen unter dem Titel 'Zu einer Theorie der musikalischen Reproduktion' (Suhrkamp, 2001). Bei diesen Aufzeichnungen handelt es sich um eine grosse Anzahl von Fragmenten, Entwürfen und verschiedenen Handschriften aus den Jahren von 1925 bis etwa 1965, in denen der Ausdruck “musikalische Reproduktion” den Vortrag einer Komposition bezeichnet. Da dabei prinzipiell von der Vorlage eines entsprechend detaillierten Notentextes ausgegangen wird, schliesst der Ausdruck “musikalische Reproduktion” auch die Begriffe “Interpretation” und Performance mit ein. Ausgehend von den bibliographischen Angaben und den Begriffen des Autors folgt die Untersuchung drei grundlegenden methodischen Ansätzen: dem historischen, dem systematischen und dem kritischen. Dabei stehen im ersten und zweiten Kapitel die Begriffsbestimmung, der historische Zusammenhang und die Vorläufer bezüglich der Wiener Musiktradition und der deutschen Ästhetik im Vordergrund, während im dritten Kapitel das Material der Theorie systematisch nach Themenbereichen, Prinzipien und Kategorien behandelt wird.
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This research examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. This study is structured in... more
This research examines the Symphony of Rio de Janeiro as a musical composition historically situated between the early career of Antonio Carlos Jobim (1927-1994) and the emergence of the Bossa Nova movement. This study is structured in three parts, where each is approached from a different angle and independent from the other. The first part consists of a biographical survey encompassing the first three decades of the life and musical career of Antonio Carlos Jobim, with emphasis on key moments of his formation. The second examines the Bossa Nova (1958-1962) as a socio-historic and aesthetic phenomenon, in which the composer played a major role. It discusses the facts and ideas that shaped Bossa Nova, as well as on some of the controversies and criticisms surrounding it. And the third part consists of an analysis of the Symphony of Rio de Janeiro (1954), jointly composed with Billy Blanco and orchestrated by composer, maestro and arranger Radamés Gnattali. The musical analysis employs aural and technical strategies in the identification of the parameters associated with the Bossa Nova. As the product of a collective compositional effort, the Symphony of Rio de Janeiro embodies a wealth of meanings, was a pleasant experience for the young composer and arranger Jobim, in this time on search for an individual musical language and compositional style. In short, the Symphony revealed to be surprisingly modern for its time, anticipating the Bossa Nova in its harmonic and melodic structures, as well as in its poetic themes and devices.
Esta dissertação examina a Sinfonia do Rio de Janeiro como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional do compositor Antonio Carlos Jobim (1927-1994) e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova. O estudo estrutura-se em três etapas, cada qual com um enfoque diferente e até certo ponto independente dos outros. A primeira consiste num levantamento biográfico das três primeiras décadas da vida e da trajetória profissional de Antonio Carlos Jobim, com ênfase nos momentos mais significativos da sua formação musical. A segunda enfoca a Bossa Nova (1958-1962) como um fenômeno histórico-social e estético, no qual o compositor teve participação intensa. Serão analisados os fatores e idéias que caracterizaram a Bossa Nova, além de algumas das questões polêmicas que surgiram em torno dela. A terceira parte estuda especificamente a Sinfonia do Rio de Janeiro (1954), composta em parceria com Billy Blanco, tendo Radamés Gnattali como autor da orquestração e do arranjo orquestral. A análise musical fundamenta-se numa metodologia que se vale tanto de meios auditivos e descritivos quanto técnicos na identificação dos elementos que apontam para parâmetros hoje associados à Bossa Nova. Criada num processo coletivo, a Sinfonia do Rio de Janeiro constitui uma obra rica em significados e uma experiência prazerosa do jovem Jobim ainda em busca de uma linguagem musical e estilo de compor próprios. A Sinfonia revelou-se uma obra surpreendentemente moderna para o seu tempo, antecipando, em suas estruturas harmônicas e melódicas, bem como em temática e linguagem poéticas, a Bossa Nova.
Esta dissertação examina a Sinfonia do Rio de Janeiro como uma peça que se situa historicamente entre o início da trajetória profissional do compositor Antonio Carlos Jobim (1927-1994) e o surgimento do movimento musical conhecido como Bossa Nova. O estudo estrutura-se em três etapas, cada qual com um enfoque diferente e até certo ponto independente dos outros. A primeira consiste num levantamento biográfico das três primeiras décadas da vida e da trajetória profissional de Antonio Carlos Jobim, com ênfase nos momentos mais significativos da sua formação musical. A segunda enfoca a Bossa Nova (1958-1962) como um fenômeno histórico-social e estético, no qual o compositor teve participação intensa. Serão analisados os fatores e idéias que caracterizaram a Bossa Nova, além de algumas das questões polêmicas que surgiram em torno dela. A terceira parte estuda especificamente a Sinfonia do Rio de Janeiro (1954), composta em parceria com Billy Blanco, tendo Radamés Gnattali como autor da orquestração e do arranjo orquestral. A análise musical fundamenta-se numa metodologia que se vale tanto de meios auditivos e descritivos quanto técnicos na identificação dos elementos que apontam para parâmetros hoje associados à Bossa Nova. Criada num processo coletivo, a Sinfonia do Rio de Janeiro constitui uma obra rica em significados e uma experiência prazerosa do jovem Jobim ainda em busca de uma linguagem musical e estilo de compor próprios. A Sinfonia revelou-se uma obra surpreendentemente moderna para o seu tempo, antecipando, em suas estruturas harmônicas e melódicas, bem como em temática e linguagem poéticas, a Bossa Nova.
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Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento... more
Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento do que designam os termos interpretação e performance. O presente ensaio quer responder a essa tarefa, urgente tanto do ponto de vista teórico quanto científico. Como a análise envolve a tradução e a transliteração de conceitos fundamentais de um idioma para outro, abordam-se primeiramente os critérios que norteiam a sua aplicação no contexto histórico da tradição musical clássico-romântica vienense. O objetivo central é demonstrar como esses conceitos diferem em sentido e fim. O próximo passo consiste numa análise criteriosa do conceito de reprodução musical. Por fim, propõe-se o trinômio reprodução musical, interpretação e performance como arcabouço conceitual para o ensino e a pesquisa da(s) prática(s) interpretativa(s). Ao mesmo tempo, o campo t...
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Resumo: O presente estudo investiga a noção de tempo musical e oferece subsídios teóricos para músicos-intérpretes e analistas. Tendo em vista as profundas divergências sobre o conceito de tempo tanto na história da filosofia quanto na... more
Resumo: O presente estudo investiga a noção de tempo musical e oferece subsídios teóricos para músicos-intérpretes e analistas. Tendo em vista as profundas divergências sobre o conceito de tempo tanto na história da filosofia quanto na crítica e interpretação ...
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Resumo: Neste paper investiguemos como o princípio mimético se evidencia na prática interpretativa da música e qual a sua função nos diversos aspectos da reprodução de uma composição musical, evento também chamado de interpretação ou... more
Resumo: Neste paper investiguemos como o princípio mimético se evidencia na prática interpretativa da música e qual a sua função nos diversos aspectos da reprodução de uma composição musical, evento também chamado de interpretação ou performance. Nesta tarefa, focalizemos a Teoria da Reprodução Musical, de Theodor Adorno (1903-1969), em cujas anotações o elemento mimético desponta como uma categoria-chave (Alemanha 2001; UK 2006). Boa parte da notabilidade das anotações de Adorno está no fato de ter trazido o conceito de mimesis para a teoria da interpretação musical. De acordo com sua teoria, o desenvolvimento da música do Ocidente está vinculado estreitamente ao desenvolvimento da sua notação, evidenciando-se em dois elementos em si paradoxais: mimesis e racionalidade. Enquanto o conceito de mimesis remete ao aspecto lúdico e gestual da prática musical, presente nos neumas medievais, o conceito de racionalidade se manifesta nos aspectos normativos e mensurais de uma prática musica...
Resumo: Situado no eixo número cinco da Carta do Samba (1962), redigida pelo folclorista e historiador brasileiro Edison Carneiro, este ensaio toma a recepção do samba no estrangeiro como ponto de partida para uma reflexão de fundo inter... more
Resumo: Situado no eixo número cinco da Carta do Samba (1962), redigida pelo folclorista e historiador brasileiro Edison Carneiro, este ensaio toma a recepção do samba no estrangeiro como ponto de partida para uma reflexão de fundo inter e transcultural. Não foi pelo assim chamado " samba de raiz " e sim através do samba " embranquecido " e estilizado de Tom Jobim, Baden Powell, Vinícius de Moraes, Radamés Gnattali, Hermeto, Jorge Ben(Jor) e Egberto Gismonti que a música brasileira se disseminou mundo afora. Desse modo, eu tive, no final dos anos 1960 e durante a década de 1970, o primeiro contato com o Brasil e sua imensa diversidade musical e cultural. Atraído pela música brasileira e devido a diversos dissabores de cunho pessoal e geopolítico, não demorou que optei pela emigração. Hoje, a longa vivência no estrangeiro me possibilita um olhar diferenciado e, de certa forma, mais crítico e menos idealizado tanto sobre as minhas origens quanto sobre as do Brasil ...
Resumo: Considerando o centenário da primeira redação do esboço de The Art of Performance, este paper prestigia a pertinência das reflexões de Schenker e reconhece os esforços que tornaram suas anotações finalmente acessíveis a... more
Resumo: Considerando o centenário da primeira redação do esboço de The Art of Performance, este paper prestigia a pertinência das reflexões de Schenker e reconhece os esforços que tornaram suas anotações finalmente acessíveis a músicos-intérpretes e pesquisadores. Uma leitura criteriosa da versão inglesa, no entanto, revela diversos problemas provenientes da tradução de termos distintos para performance, podendo encobrir a real intenção de seu autor e representar um obstáculo na compreensão de conceitos fundamentais da prática musical. O objetivo principal, contudo, não é apenas apontar problemas – que, de forma não muito diferente, emergem também para o leitor de língua portuguesa – e sim propor uma solução para o impasse. Palavras-chave: Heinrich Schenker, The art of performance, teoria da interpretação musical, Escola de Viena; práticas interpretativas. Heinrich Schenker and The Art of Performance: an analysis of the incongruences resulting from its translation and a proposal on ...
Resumo: O propósito deste estudo é enfocar a parte da obra de Vinícius de Moraes relacionada com temas e identidade afro-brasileiros do candomblé. No exemplo dos assim chamados 'afro-sambas', compostos em parceria com o violonista... more
Resumo: O propósito deste estudo é enfocar a parte da obra de Vinícius de Moraes relacionada com temas e identidade afro-brasileiros do candomblé. No exemplo dos assim chamados 'afro-sambas', compostos em parceria com o violonista Baden Powell e lançados em disco em 1966, serão examinados alguns dos aspectos históricos, musicais e religiosos das faixas do álbum. Segundo Moraes, o mergulho nas raízes místicas e mitológicas negras representou algo como " a busca pela própria alma ". Nesse caminho, não poupou esforços. Em sua recriação peculiar que fusionou o samba carioca com elementos religiosos do candomblé, Moraes idealizou " uma forma de sincretismo novo " em que a referência a toques, símbolos e entidades do candomblé é uma constante. Mentor e catalisador de toda uma geração de jovens músicos e compositores brasileiros, poesia e criatividade de Vinícius de Moraes transformaram o samba e projetaram a música popular brasileira como nunca antes para o mun...
Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento... more
Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento do que designam os termos interpretação e performance. O presente ensaio quer responder a essa tarefa, urgente tanto do ponto de vista teórico quanto científico. Como a análise envolve a tradução e a transliteração de conceitos fundamentais de um idioma para outro, abordam-se primeiramente os critérios que norteiam a sua aplicação no contexto histórico da tradição musical clássico-romântica vienense. O objetivo central é demonstrar como esses conceitos diferem em sentido e fim. O próximo passo consiste numa análise criteriosa do conceito de reprodução musical. Por fim, propõe-se o trinômio reprodução musical, interpretação e performance como arcabouço conceitual para o ensino e a pesquisa da(s) prática(s) interpretativa(s). Ao mesmo tempo, o campo t...