Arthur Rimbaud

En 1880, après avoir renoncé à la poésie et exercé divers emplois sur des chantiers, principalement à Chypre, Arthur Rimbaud gagne l'Arabie puis l'antique Abyssinie. Là, durant plus de dix ans, il va se livrer au négoce de tout ce qui peut s'acheter et se vendre (café, draps, armes...) De son établissement à Aden à ses ultimes instants à l'hôpital de la Conception à Marseille, ce sont ses singulières pérégrinations dans la corne de l'Afrique, nourries de rêves, d'espoirs mais aussi et surtout de désillusions et d'échecs que ce choix de lettres retrace.

Peu de rencontres ont suscité autant d’intérêt que celle de Rimbaud et Verlaine en septembre 1871. À son arrivée à Paris, le jeune poète ardennais apparaît à l’auteur des «Poèmes saturniens » comme un enfant « au visage parfaitement ovale d’ange en exil ». Ce sera le début d’une relation tumultueuse et féconde, qui prendra brusquement fin en juin 1873 à Bruxelles. L’intensité de cette liaison s’est transmise à la création des deux écrivains, qui dès 1872 partagent leurs élans de renouvellement poétique. Verlaine devient ainsi un témoin privilégié de son compagnon tant sur le plan humain que littéraire. C’est à travers ce rôle de témoin que Verlaine a « inauguré la gloire » de Rimbaud, comme il l’admettra lui-même, en publiant plusieurs de ses poèmes inédits et en les commentant. Ces pages, souvent émues, restituent le visage authentique du poète de Charleville.

18 mars-28 mai 1871 : le peuple de Paris prend les armes pour s'opposer à la défaite de la guerre franco-allemande de 1870 et à une Assemblée nationale à majorité monarchiste. Commence alors une expérience d'autogestion, une utopie fraternelle et sociale. Ouvriers, artisans, hommes et femmes : une population jusqu'alors invisible se fait entendre. Malgré sa brièveté, la Commune occupe dans les mémoires la place lumineuse d'un événement fondateur. Elle a divisé pour longtemps les Français, entre fédérés et versaillais, insurgés et légitimistes. Vivre un tel événement pousse à écrire : témoigner, tirer un bilan, donner à entendre le bruit des balles qui claquent depuis les collines de Paris, offrir le goût du temps des cerises. Une littérature s'invente au printemps 1871, qui ne se cantonne ni aux genres canoniques ni aux auteurs consacrés. A côté des romans, poèmes et pièces de théâtre, on trouve des chansons populaires, hymnes politiques, articles de presse, affiches placardées sur les murs, témoignages de combattants. Hugo, Flaubert, Rimbaud, Verlaine, Vallès voisinent avec Malvina Blanchecotte ou Alix Payen. L'extraordinaire foisonnement de textes lus et entendus dans les rues de Paris se retrouve dans les pages de cette anthologie.

For both Merleau-Ponty and Deleuze, time is the affecting of self by self. Yet, the nature of this self-affection, as well as the temporal structure it produces, is fundamentally different in each case. In Merleau-Ponty’s model, the self ’s variations are united by time’s continuous thrust. However for Deleuze, self variation is far more radical. Our self immediately varies from itself: we are always both ourselves and not-ourselves at every singular moment and not just over the course of multiple successive nows. While for Merleau-Ponty our temporal moments are organically integrated with each other, for Deleuze time is composed of a series of caesuras which are like the Dedekind cuts that constitute a numerical continuity. We will examine (1) how Merleau-Ponty’s organic temporality arises from a subject’s continuously integrated personal identity and (2) how in contrast for Deleuze a continuously disjunctive temporality is produced by the personal non-identity of a differentially composed subject. We then evaluate by asking, which model better explains the phenomenon of selfhood, that is, the appearing of oneself to oneself? Building from Deleuze’s elaborations and examples, we conclude that we appear to ourselves most phenomenally when we experience differences in ourselves, like when upon looking in a mirror, we become shocked by an abruptly noticed sign of age that makes us for a moment unable to recognize ourselves.

Denn ‚Ich’ ist ein anderes. Wenn das Blech als Trompete aufwacht, dann ist nicht ihm das anzurechnen. Ich bin beim Aufblühen meines Denkens zugegen, ich schaue ihm zu, ich höre ihm zu. Ich mache einen Strich mit dem Bogen: schon regt sich die Symphonie in der Tiefe. Es ist falsch zu sagen: ich denke. Es müsste heißen: ich werde gedacht.
Der Dichter kommt an im Unbekannten, und selbst wenn er seine eigenen Visionen schließlich nicht mehr begreift, so hat er sie doch geschaut. Mag er zugrunde gehen an seinem riesigen Sprung durch die ungehörten und unnennbaren Dinge: andere fruchtbare Arbeiter werden kommen und an jenen Horizonten anfangen, wo er selbst zusammengebrochen ist.

Arthur Rimbaud
Lettres du voyant

Der Dichter hat nur dies zu tun, dass er geheimnisvoll arbeitet im Hinblick auf das Niemals.

Stéphane Mallarmé

Unter einer Epiphanie verstand er (Stephan) eine jähe geistige Manifestation, entweder in der Vulgarität von Rede oder Geste oder in einer denkwürdigen Phase des Geistes selbst. Er glaubte, dass es Aufgabe des Schriftstellers sei, diese Epiphanien mit äußerster Sorgfalt aufzuzeichnen, da sie selbst die zerbrechlichsten und flüchtigsten aller Momente seien.

James Joyce,
Stephen der Held

Suffering for one’s art is a stereotype commonly associated with poets, as they are known to delve into the extremes of their emotions in order to express them beautifully in words. But even among such poets, there are still those who go the extra mile, the ones who turn heaven and hell over for that one journey that they believe is worth everything.

This paper focuses on two such poets, namely, Arthur Rimbaud and Jim Morrison. They were known as rebels of their respective times, the epitome of the counter-culture, of the adolescent rebelling against the authority. By immersing themselves in a life of alcoholism, sex, and depravity, they sought novel ways of perceiving reality, to the point of overturning it. Hence, the subsequent discussion will involve an examination of their journeys as poets of the counter-culture.

If I must sail in European waters, let them be / night-black, a frigid pool on fragrant evenings / where a grieving child beside the water kneels and frees a frail boat like a late-May butterfly.

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In translating Rimbaud’s Le Bateau Ivre, I found it helpful to listen to Bud Powell’s jazz. In the past I have also found Powell helpful when I tried to translate poems from Mandelshtam’s Voronezh Notebooks. Perhaps that is because, as Harold Bloom has suggested, in Powell as in Hart Crane “the bells break down their tower; / And swing I know not where” (Bloom was thinking in particular of Un Poco Loco). This has seemed true to me for Mandelshtam, and it also seems true for Rimbaud. When the tower is broken, the bells continue to swing, but where? Powell is helpful to me as a translator because I am looking for an American idiom (John Coltrane’s Ascension has also been helpful. Valéry, by contrast, seems to require a different American idiom, one I associate more with
Powell’s friend Thelonious Monk). While a translation needs to be true to words of the original—I try to translate as literally as possible—it is more important, perhaps, to translate the original’s impulse (a kind of energetic wave that moves through the words), to discover, for example, how the impulse in Rimbaud’s poems can shape words in an American English. For me the impulse emerges as a rhythm or rhythms—not those of the original—but those to be discovered as the English poem that emerges, in Rimbaud’s Drunken Boat as it “swing[s] I know not where.” I don’t try to understand the original. I do try to discover the translation—or a translation—it offers, perhaps as another of its blessings.

RESUMEN
La poesía como nostalgia. Georg Trakl, considerado, junto a Rilke, como el máximo poeta lírico del siglo XX en lengua alemana, nace en Salzburgo el 3 de febrero de 1887 (muere en 1914) en lo que entonces era el Imperio Austro-Húngaro. Desde niño asimila el mundo de los simbolistas franceses a través de las lecturas de poemas traducidos de Baudelaire, Verlaine y Rimbaud. A los 18 años de edad da a conocer sus primeros poemas bajo la influencia de Lenau, Hofmannsthal y Baudelaire, de quien interioriza sus imágenes poéticas y de Verlaine asimila ritmos y silencios. Su poesía ha sido considerada como el más conmovedor de los lamentos ante un mundo imperfecto.
Su estilo es abrupto y violento y su obra poética es breve pero de una rara densidad, en ella une la nostalgia de la ternura y el presentimiento del fin del mundo occidental.
En relación a Trakl, Jorge Teillier manifiesta en un ensayo que su poesía alude profusamente a la melancólica casa de sus antepasados; a su ciudad natal, que con el paisaje de la comarca están presentes en casi todo sus poemas. Allí aparece un mundo de nostalgia y decadencia, propio de una ciudad que durante la Edad Media había tenido un gran esplendor, y que vivía de un pasado irrecuperable. Por oposición a la ciudad, se vuelve Trakl a la naturaleza, a la que ve exenta de la culpa de la caída.
Así la ciudad de Trakl es la imagen de decadencia del mundo occidental que está relacionado con la figura poética del forastero, el solitario, el apátrida, cuya culpa radica sólo en el hecho, por lo demás inevitable, de existir en este mundo donde sólo existen exiliados.
Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA
Referencia:
VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo,  "EL HABITAR POÉTICO DEL HOMBRE EN EL MUNDO; HEIDEGGER, NOTAS SOBRE HÖLDERLIN Y TRAKL", En Versoados, Revista de Literatura, Madrid, 2005.

La littérature n'a peut-être jamais été plus mal considérée qu'aujourd'hui. Tous les signes montrent cette fragilisation. Mais plutôt que de s'arrêter à la description d'un mal contemporain dont nul ne doute, ce livre propose de retrouver les causes profondes de cette baisse d'influence, qui résulte d'une évolution de longue durée. La thèse est simple : entre le XVIIIe et le XXe siècle eut lieu en Europe une transformation radicale de la littérature ; sa forme, son idée, sa fonction, sa mission, tout fut bouleversé. Du magnétisme animal aux cultural studies, du sublime selon Boileau au plaisir selon Barthes, du tremblement de terre de Lisbonne au camp d'Auschwitz, de l'apothéose de Voltaire au départ de Rimbaud et aux silences de Beckett, le récit des métamorphoses de la littérature est présenté en une vaste fresque européenne, qui met en évidence trois phases successives.
A la charnière du XVIIIe et du XIXe siècle, l'importance attribuée à la littérature augmenta de façon démesurée : ce fut la religion de la littérature ; au milieu du XIXe siècle, la littérature provoqua la rupture et s'enferma dans le culte de la forme : ce fut le temps de l'art pour l'art ; à partir de la fin du XIXe siècle, souffrant de la situation marginale dans laquelle ils s'étaient eux-mêmes placés, les écrivains se mirent à dénigrer leur art : ce fut l'adieu à la littérature. Expansion, autonomisation, dévalorisation : il existe une dialectique qui conduit inévitablement du sommet à l'abîme.
Comprendre ce mécanisme de dévalorisation, ce traumatisme de l'adieu, c'est pénétrer au cœur de la crise existentielle permanente où se débat maintenant la littérature. Mais c'est aussi se donner les moyens d'en sortir.

RESUMEN:
1.Romanticismo oscuro ("Dark Romanticism", en inglés) es un subgénero literario estadounidense surgido en el siglo XIX a partir del movimiento filosófico denominado trascendentalismo. Las obras de este subgénero, pues, se vieron muy influidas por el trascendentalismo, aunque no comulgaban con sus ideas. El romanticismo oscuro, a grandes rasgos, se manifiesta mucho menos optimista que aquél acerca de la condición humana, la naturaleza y la divinidad. Los autores más representativos de la corriente son: Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne, Herman Melville.
2.- Poetas Malditos:  ¿Qué son los poetas malditos? ¿Dónde se origina esta denominación? Expresión creada por Verlaine [como una suerte de homenaje al poeta Arthur Rimbaud], la noción ya es toda una institución en el ámbito poético y hace referencia una actitud de incomprensión social frente al artista. Originada en tiempos románticos, invito a preguntarnos si este concepto no es más bien una mistificación autodestructiva que debe ser superada por una visión vigorosa, saludable y lúcida.

“Y cosecharon los frutos maduros de su perdición”
Edgar Allan Poe
“La carne es triste y he leído todos los libros”
Stéphane Mallarmé

Les recherches de Benoît de Cornulier, Michel Murat et Jean-Pierre Bobillot1, ont permis d'éclairer de manière décisive le travail de Rimbaud sur les formes poétiques. Elles ont montré entre autres que le poète en était venu à écrire des vers sans mètre, après avoir commis, dans ses premières poésies, des infractions plus convenues, en ceci qu'elles se retrouvent pour la plupart chez ceux de ses contemporains qui cherchaient, tout comme lui, à réformer les conventions en usage.
Considérant comme acquis le cadre général dessiné par ces travaux qui, s'ils ne procèdent pas selon une même méthode, n'en arrivent pas moins à dégager des résultats convergents, le but de cet article est d'examiner les variantes des poèmes composés par Rimbaud en 1869 et 1870, telles que les met en perspective l'édition des Poésies publiée par Steve Murphy2, afin de mieux cerner la nature des premières attaques lancées par le jeune poète à l'encontre de l'alexandrin, et leur chronologie.

This paper explores Walter Benjamin’s relationship with French Surrealism from sources rarely studied or practically unknown until now. First, I will set out the direct link between the theses on “profane illumination” and the “organization of pessimism” in Der Sürrealismus. Die letzte Momentaufnahme der europäischen Intelligenz, and various texts by Pierre Naville, one of the most active figures in the Surrealist movement between 1925 and 1929. Second, I will consider Benjamin’s commentaries in Pariser Passagen <I> and convolute “S” of the Passagen-Werk about Surrealist writings and Martin Heidegger’s Sein und Zeit, flagging up the implications of this confrontation for Benjamin’s ideas of secularization of mysticism and messianism. Lastly, I will seek to refine the meaning of Benjamin’s “anthropological materialism” and its relevance to those sections of the Passagenarbeit that are dedicated to the evolution of social movements since the French Revolution.

Biographical novelists feature an actual historical figure, but the authors take many liberties with both their protagonist and history.  In this forum, I asked three prominent biographical novelists to explain how they use their biographical subject to engage history and to critique the political.  Authors were Bruce Duffy (Ludwig Wittgenstein and Arthur Rimbaud), Lance Olsen (Friedrich Nietzsche), and Jay Parini (Walter Benjamin, Leo Tolstoy, and Herman Melville).

La1 version de la Chanson de la plus haute Tour reproduite ci-dessus est celle qui figure sur un autographe donné à Jean Richepin et qui, publiée par Messein en fac-similé, est la plus souvent adoptée par les éditeurs. Ce texte fait partie d'un petit groupe de poèmes, composés pour la plupart en mai-juin 18722, et que la critique assimile le plus souvent à des textes (inspirés) de chansons, citant comme toute première source plusieurs passages d'Une Saison en Enfer. Le consensus est tel que, dans une étude récente sur le sujet, Laurent a pu avancer dès les premières lignes de son article que “six poèmes de 1872 (lui) paraissent mériter le nom générique de "chansons": Comédie de la Soif, Chanson de la plus haute tour, l'Eternité, Age d'or, Fêtes de la faim, "O saisons, ô châteaux"” (1991:17), et passer ensuite à l'analyse de ce corpus sans chercher à défendre la validité du regroupement. Validité pourtant contestable car, si nous acceptons avec elle l'influence de “l'opéra vieux” et plus particulièrement des oeuvres de Favart3, on comprend mal pourquoi, entre autres, Bannières de mai ou Bonne pensée du matin ont été écartés alors qu'ils comportent des motifs communs avec les six titres retenus. En fait, apparenter plusieurs poèmes de Rimbaud à la chanson semble légitime, mais les raisons plus ou moins intuitives qui autorisent ce rapprochement, ainsi que les problèmes liés à la transposition littéraire (écrite) d'une forme métrique (orale, chantée), ne sont pas dégagés, en général, par ceux-là même qui postulent cette parenté.

During the years of uncertainty and rapid social change that followed the 2008 financial crisis, Surrealism, a term previously associated with the field of arts and aesthetics, began to surface in political journalism, with special regard to analytical pieces concerned with pathologies of the contemporary socio-political climate. However, even as Surrealism was making its return into the consciousness of the public, not many imagined that ‘surreal’ would become the go-to adjective to describe politics in the – similarly unforeseen – era of Donald Trump and Brexit. And yet, from 2015 onwards, headlines have been saturated with the word, while an increasing number of articles asserted that contemporary politics is, indeed, surreal.
But where do such sentiments originate from? Is the present moment truly surreal? And if so, is the era of Modern Political Surrealism one that allows the fragmentation of society to reach its fullest extent, destroying collective power and agency in the process, or does it retain the original, revolutionary spirit of the Surrealist movement, encouraging present-day citizens to reach beyond the limits of the status quo and come together in resistance to oppressive power structures?
Over the course of the following chapters, this dissertation addresses these questions by revisiting the roots of Surrealism, exploring why the present moment feels surreal, and discussing the dual capacity of Modern Political Surrealism to either stifle or foster attempts of re-empowering modern-day individuals and communities. It is proposed that, while feelings of uncertainty might be weaponised in a sur-real fashion to strip individuals of their agency, Modern Political Surrealism also carries the potential to disrupt the status quo through the subversive activity of play and become a catalyst for change.

Résumé

Les lettres écrites par Arthur Rimbaud durant ses années passées entre Aden et Harar le montrent préoccupé de tout autre chose que de poésie : quelle lecture en proposent ceux qui ont voyagé sur ses
traces ? Comment les écrivains font-ils parler ses silences afin de ressaisir le parcours de sa vie ?

Abstract
Arthur Rimbaud’s letters during his years between Aden and Harar show him concerned by many subjects but poetry: how is it interpreted by those who travelled on his tracks? How writers make his silences speak in order to grab the journey of his life?

Arthur Rimbaud, a founding father of symbolism and a pioneer of modernism, was a French poet whose poems and personal life are, to this day, subject to thorough investigation and research by several poets and biographers. He became famous for his influence on modern poetry, on movements such as Symbolism, Dadaism, and Surrealism. His notorious life consisted of drinking, violence and doing drugs, however, that was considered a major inspiration for his philosophical and hardly comprehensible works. His art is known to be a contribution to the “reinvention” of writing. There was an astonishing outpoured talent in Rimbaud’s works. Every poem he wrote would go on to spark debates among authors and challenge even the postmodernist mindsets of the time. The fans of the poet’s works are forever to be hunted by the mystery of his renunciation of poetry. In this paper, I shall try to textually analyze two of his most famous poems and will use this analysis to call attention to the author’s writing style, language, and revolutionary theories on poetry and life. I will first introduce some of the critical moments of his life and crucial parts of his biography, and will then continue with my analysis of his works, with the help of more than four reliable sources.

The young T. S. Eliot spent a year as a student in Paris, in 1910-1911. Why did he come there? What experiences did he have during that year? The paper focuses on Eliot's fascination for French poetry, his attending Bergson's lessons at the Collège de France and the lasting impact those lessons had on his poetry, and his encounter with the Action française.

Wenn sich die Literaturwissenschaft in jüngerer Zeit wieder vermehrt ein historisches Denken angeeignet hat, so bietet in dieser Kunst die von Hans Blumenberg begründete ‹Metaphorologie› eine Methode, welche die Literaturwissenschaft davor bewahren kann, in einen unliterarischen Historismus zu verfallen. Eine ‹Metaphorologie› bzw. eine ‹historische Poetologie› schließt zwar immer die mentalitätsgeschichtliche Verortung ihres Gegenstands in den Prozess ihrer Deutungen mit ein, doch vor diesem Hintergrund verschließt sie sich nicht vor den historisch resistenten Bedeutungseffekten, die sie in den aufgespürten Metaphern und poetologischen Schlüsselfiguren beobachtet.
«Die lautlosen Katastrophen der Sprache geschehen nicht von einem Tag auf den andern, auch nicht von einer Generation zur andern», so Enzensberger im Nachwort zu seinem «Museum der modernen Poesie». Das stimmt nur insofern, als diese Katastrophe nicht durch die Poesie selbst zum Ausdruck gebracht worden ist. In seinem Gedicht «Das Schiff» inszeniert Brecht die Katastrophe eines Schiffbruches, dessen Motiv sich über mehrere Generationen zurückverfolgen lässt. Wenn in dieser Arbeit die Vorgeschichte von Brechts Gedicht nachgezeichnet wird, soll sie die Frage nach der Entstehung des modernen Denkens und Dichtens ebenso gestellt werden wie jene nach den metaphorischen Konstellationen, die sich aus der historischen Tiefe von Brechts Gedicht eröffnen. Wie in der Forschung allgemein bekannt, ist Brechts Gedicht eine Umarbeitung eines älteren Gedichtes, welches als eines der einflussreichsten der moderne Poesie bezeichnet werden kann. Die Rede ist von Artur Rimbauds «Le Bateau ivre», das dieser 1871 geschrieben hat. Rimbauds Gedicht kann wiederum als Reaktion auf ein Gedicht von Baudelaire verstanden werden. «Le Voyage» ist das abschließende Gedicht seiner einzigen, jedoch umso einflussreicheren Gedichtsammlung «Les Fleurs du Mal», die 1857 erstmals erschienen ist. Baudelaires «Le Voyage» weist wiederum einige verblüffende Ähnlichkeiten mit einem späten Gedicht von Heinrich Heine auf, das erst in dessen Nachlass veröffentlicht worden ist.8 «Bimini» ist eine ‹Romanze› über den großen Seefahrer Don Juan Ponce de Leon und dessen Fahrt zu einer geheimnisvollen Insel, auf der die wunderbare Quelle der ewigen Jugend sprudeln soll. Indem Brechts Gedicht jedoch am Ende der Linie und am Anfang dieser Arbeit steht, wird der Leser erwarten dürfen, dass sämtliche Gedichte auf einen Schiffbruch zusteuern.

The First Czech translations of Jean-Arthur Rimbaud's poetry were published at the end of the 19th century. In the 20th century several translators tried to translate his texts but few of them in a systematic way. One of Rimbaud's more famous texts is "The Drunken Boat", written in 1871. There are eight different Czech translations of the poem. Our analysis is focused on two pairs of translations: Neumann's translation published in 1908, which inspired a few years later Čapek's translation, and two versions of Kadlec's translation, one from 1929-30, the other published in 1959.

Les premières traductions tchèques des poésies de Jean-Arthur Rimbaud ont été publiées à la fin du 19e siècle. Au 20e siècle, un certain nombre de traducteurs ont essayé de transposer ses textes mais seulement peu d´entre eux y ont consacré un travail systématique. Un des textes les plus célèbres de Rimbaud est son poème Le Bateau ivre de 1871. Il en existe huit traductions tchèques. L´analyse porte sur deux couples de traductions : celle de Stanislav K. Neumann publiée en 1908, sur laquelle se base la version de Karel Čapek parue en 1920, et deux versions de Svatopluk Kadlec, l´une datant de 1929-30, l´autre publiée en 1959.

Nel 1976 Elsa Morante dedica a Pier Paolo Pasolini, scomparso tragicamente tre mesi prima, un lungo componimento di addio che ristabilisce idealmente quel dialogo interrotto nei primi anni ’70 a causa di dissidi e incomprensioni. Un’analisi della poesia, attraverso i significativi nessi intertestuali con il saggio Pro o contro la bomba atomica e con la Canzone degli F.P. e degli I.M., consente di approfondire il modo morantiano di intendere la figura del poeta in relazione al «sistema della disintegrazione». Il tema della poesia come antagonista dell’irrealtà percorre parallelamente le ultime opere romanzesche dei due autori – in particolare il morantiano Aracoeli e i pasoliniani Teorema, Divina Mimesis e Petrolio – in cui la figura di Arthur Rimbaud, poeta amatissimo da entrambi, è impiegata parodisticamente per esprimere il disincanto verso la contemporaneità.