Interarts

Esteban Benzecry (compositor argentino, nacido en Lisboa en 1970) reúne en su primera sinfonía, por única vez, sus  expresiones artísticas favoritas: música y pintura. 
La sinfonía llamada “El compendio de la vida” fue compuesta en 1993 y estrenada por la Orquesta Sinfónica Nacional en el Auditorio Belgrano de la ciudad de Buenos Aires, bajo la dirección de Pedro Ignacio Calderón en setiembre de 1994.  Su particularidad reside en que cada uno de sus cuatro movimientos se relaciona y lleva el nombre  de cuatro cuadros que componen una serie, del mismo compositor. Las pinturas estaban expuestas en el hall del Auditorio en ocasión del estreno, además de impresas en el programa de mano del concierto.
Este trabajo analiza cada movimiento de la obra y cada pintura de forma particular para luego deducir los elementos técnicos musicales que se utilizaron para realizar la transferencia de un lenguaje artístico a otro. Los datos obtenidos fueron validados mediante entrevistas al artista/compositor, artículos periodísticos, y el sitio web oficial. El abordaje metodológico es de carácter intersemiótico, utilizando para ello las teorías de Souriau y Genette, tomando como guía investigaciones que abordan casos de similares características de la Dra. Cintia Cristiá.

The field of interactive music systems (IMSs), beginning in the 1980s, is still relatively young and fast moving. The field of music theory-analysis, during the same period (since 1980), has undergone a major transformation in terms of technological innovations, flexibility, and breadth. The two fields have not really caught up with each other. It will be interesting to see what arises as they do — especially as both fields have become more concerned with the role of the body and embodied cognition. Framed in terms of contrasting epistemological orientations, this essay considers some relevant developments in IMSs, music cognition, and music theory and analysis, leading up to the present.  The most popular approaches to music cognition and to IMS design are rationalist (Ashby 2010), exploiting the ‘correct’ embodiments of music (Godøy 2004, Leman 2007, Paine 2009) based on affordances (Gibson 1977, Kelso 1998). This essay, however, advocates a pragmatist (Ashby 2010) approach inspired by music analysis and exploiting the potential of kinesthetic learning (associative learning). Prompted by a progressive approach to music analysis, theory, perception, and cognition (Dubiel 1999, Mailman 2007), interactive music technology can also be constructive, flexible, and progressive, by exploiting kinesthetic learning from immersion in new and unusual motion-to-sound mappings derived from dynamic formal processes in analysed music. In this way, immersive interactive systems offer an opportunity systematically to learn new associations based on principles theorised in response to analysis. Experience of these systems essentially ‘rewires the brain’, thereby exemplifying what Korsyn (2004) has attributed to Lewin’s (1986, 1987) approach to music perception: the ironist approach, as formulated by Rorty (1989). Thus a pragmatist ironist experimental (PIE) approach is articulated. Rather than committing to any particular ways music is already embodied, this approach acknowledges the flexible nature of embodied musical experience. It forges and uses interactive music technologies continually to redescribe and therefore reform how music is embodied, thereby disembodying to re-embody music, expanding how music is heard, contemplated and experienced.

Na senda da consagração do Reino de Portugal a Nossa Senhora da Conceição, em 1646, a representação da Imaculada ganhou novo fôlego com impacto visível na produção artística. É neste contexto que importa considerar o contributo das composições emblemáticas de tema mariano para a afirmação da causa imaculista.
Foram vários os livros de emblemas dedicados a Nossa Senhora que defenderam a sua Imaculada Conceição muito antes da proclamação do dogma em 1854. A investigação dos últimos anos tem revelado um número considerável de programas iconográficos pintados em azulejos e em caixotões de madeira que confirmam a circulação desses modelos, uma vez que as composições logo-icónicas aplicadas nas pinturas atestam a receção criativa de motivos colhidos nos livros de emblemas marianos. Esta dinâmica teve impacto nos territórios lusófonos, evidenciando uma produção conceptual bastante complexa e claramente marcada pela influência estrangeira, como demonstraram os estudos de Carme López Calderón, José Julio García Arranz, Rubem Amaral Jr. e Luís de Moura Sobral, entre outros. Tendo como referência outros exemplos de emblemática mariana, esta proposta comparatista visa dar a conhecer o conjunto de trinta emblemas pintados nos caixotões da Igreja de Nossa Senhora da Conceição, no distrito de Castelo Branco. Pretende-se, assim, refletir sobre as formas de adaptação da linguagem logo-icónica ao contexto específico da construção do templo, propor uma leitura através do cotejo com fontes impressas e discutir a função didática e doutrinal desta série emblemática, em diálogo com outros elementos decorativos do espaço, nomeadamente com os painéis azulejares e com os caixotões da capela mor.
Procurar-se-á, portanto, responder a várias questões ainda pendentes sobre a história deste templo: em que momento foi concebida a decoração do teto da nave? Será que

os emblemas reproduzem os atributos litânicos ou mostram alguma originalidade? Haverá alguma relação entre este programa e os ciclos de emblemas marianos pintados na capela da Senhora da Esperança (Sátão) e na Igreja do Salvador (Lousada), em meados do século XVIII? E em que medida terá, afinal, a mensagem imaculista servido de inspiração à retórica artística deste templo dedicado à Mulher, Mãe e Rainha que continua a ser um Sol nascente para o mundo?

One of the most famous and translated novels by José Saramago, Ensaio sobre a Cegueira (1995), was adapted for the screen by the award-winning Brazilian director Fernando Meirelles as Blindness (2008). This paper aims to explore the inter- textual relationship between the two works, arguing that the intertextual link between them lies, to a great extent, on the intertextual relationship that both of them establish with certain works of art evoked in the novel. It posits that the form of intertextua- lity practiced in the novel and in the film relies on an expressionist aesthetic which aims to truthfully represent the apocalyptic aspect of dystopian experiences, such as the blindness epidemics and the subsequent disintegration of society, based on the specific techniques of each media. The roots of this intertextual practice are traced to Manual de Pintura e Caligrafia (1977) – Saramago’s “attempt” at an autobiographical novel whose protagonist, a portrait painter, declares his preference for a polemical and radical expressionist style – to demonstrate that, similarly to that work, the style and intertextuality in Ensaio sobre a Cegueira take on a hyper-realist expressionism in accordance to the themes addressed. Therefore, in his avowed intention to faithfully transpose the novel, Meirelles resorts to analogous expressionist techniques, along the lines of the naturalist hyper-realism of his City of God (2002). Additionally, in Blind- ness he recreates on fílm the works of art which inspired Saramago’s reflection on issues of mimesis and simulacrum underlying the parable of blindness, underscoring in that way the dialogue with the Portuguese writer’s essay-novel and attempting the same metanarrative reflection in another media.

El estudio del tópico ut pictura poesis en el Siglo de Oro cuenta con una larga tradición dentro de la crítica hispánica. Desde la publicación de Temas del Barroco de Emilio Orozco Díaz en 1947 la comparación de poesía y pintura en la España de los Austria ha acaparado la atención de los hispanistas. Pero seguimos sin contar con un trabajo actualizado que aborde la cuestión de forma panorámica y no se centre en exclusiva en autores concretos o aspectos que conectan más con la historia del arte que con la literatura comparada. El objetivo de esta tesis doctoral estriba, pues, en el propósito de localizar los problemas que plantea la comparación poético-plástica en el contexto de la literatura del Siglo de Oro, las lagunas que se advierten en las aportaciones que se han dedicado a su estudio y las contradicciones entre las diferentes perspectivas y categorías terminológicas sobre las que ha pivotado el examen de los materiales.
En primer término, se realiza una revisión histórica de los conceptos que dan vida al lugar común en la España de los Austrias para entender la evolución del mismo como una teoría del arte previa a la modernidad; de igual modo, se estudia la evolución de aquellos conceptos y figuras retóricas concernientes al fenómeno del verbis depingere. Tras la revisión oportuna de la teoría en torno a la “pintura verbal”, se establecerán los criterios tipológicos y se ponderarán aquellos aspectos formales que determinan el lugar común. Una vez cimentadas las principales directrices y rudimentos sobre los que pivotan la historia y metodología comparatista defendida en esta tesis doctoral, se procede al análisis del tópico en la literatura del Siglo de Oro.
Se inicia este con el estudio de un antecedente de la “pintura verbal” renacentista, cuyo objeto es la presencia en la Comedieta de Ponza del marqués de Santillana del blasón como variante écfrástica, signo temprano de la doctrina pictorialista posterior. A continuación, se dirigirá la mirada a la producción bucólica de Garcilaso, en concreto a la “Égloga III”, en la cual es posible observar ya el influjo de las artes sobre la poesía del periodo. Se sondeará, además, el verbis depingere de lugares a través de las topotesias localizadas en La Diana de Montemayor y La casa de la Memoria de Espinel. Se dará paso así al análisis de la écfrasis en la épica culta y, posteriormente, al comentario de dos poemas artísticos de Céspedes y Jáuregui. También nos aproximaremos a la segunda parte de Don Quijote para explicar los motivos de la licencia y censura de la descripción amplificada. La cultura visual y la alegoría como expresión imaginativa en el Barroco serán igualmente objeto de estudio en atención a las pragmatografías contenidas en Los Cigarrales de Toledo de Tirso de Molina. Por último, se analiza la pintura como mecanismo de agnición en la comedia nueva.
Tras el desarrollo de tales cuestiones, continuaremos con la revisión de aquellas perspectivas que desbordan el concepto de “pintura verbal” y que conectan directamente con la representación del lugar común en la poesía áurea. A partir de alusiones, poemas artísticos y encomios pictóricos, ofreceremos pruebas tanto de la presencia del parangón poético-plástico y la representación de objetos de arte en los versos de los poetas áureos, así como los elogios dirigidos por estos a los artistas del periodo. Cerraremos el examen con el análisis de la hipotiposis como figura descriptiva característica del Siglo de Oro y máxima expresión de la “pintura verbal”, por ser reflejo de la preceptiva pictorialista en la praxis poética.
Finaliza esta investigación con las principales conclusiones extraídas de los presupuestos defendidos y los análisis presentados en esta tesis doctoral, a fin de ampliar el conocimiento y favorecer una mejor comprensión de la imagen literaria, el verbis depingere como fenómeno literario y la presencia del tópico ut pictura poesis en la literatura del Siglo de Oro.

Resumen: Este trabajo analiza la relación artística e intelectual de los hermanos Edgar Bayley (1919-1990), poeta, y Tomás Maldonado (1922-), artista plástico y diseñador, durante su etapa de formación a partir de una semblanza inédita escrita por el segundo y de textos programáticos. Para eso, considera la tensión que genera el vínculo vanguardista entre las disciplinas a las que se dedicaban. Palabras clave: Interdisciplinariedad. Hermandad. Vanguardia.

Abstract: This study analyzes the artistic and intelectual relationship between the Maldonado-Bayley brothers, the poet Edgar Bayley (1919-1990) and the visual artist and designer Tomás Maldonado (1922-), during their artistic training period. It examines an uneddited biographical note about Bayley written by Maldonado, and several manifests and teoric textes. It particularly considers the tension present at the avant-garde bond between their disciplines.

Resumo: O presente artigo tem como objeto principal de estudo a obra A metamorfose de Franz Kafka. Serão analisados aspectos teóricos típicos da narrativa kafkaniana segundo Bataille, Anders e Carone. Não se almeja a realização de uma análise meramente literária, mas também cultural e social. Nesse contexto, observaremos como é feita uma análise sociológica de uma obra literária segundo Antonio Cândido, em Literatura e Sociedade. Buscarei recorrências kafkanianas apresentadas pelo sexto episódio, da terceira temporada da série britânica Black Mirror, denominado Engenharia Reversa. Por fim, ambas as obras serão comparadas à luz dos conceitos de cultura e emancipação do filósofo polonês Zygmunt Bauman.
Palavras-chave: Kafka, Bauman, Estudos culturais, Black Mirror
Résumé: Cet article a pour objet principal de l'étude de l'oeuvre la Métamorphose de Franz Kafka. Seront analysés les aspects théoriques typiques du récit de Kafka selon, Bataille et Anders Carone. Je propose aussi de faire analyse, non seulement littéraire, mais aussi culturelle et sociale. Dans ce contexte, nous observons comment nous pouvons faire une analyse sociologique d'une œuvre littéraire selon, Antonio Cândido, en littérature et société. On cherche aussi des récurrences présentés pour le sixième épisode de la troisième saison de la série britannique Black Mirror, appelé Man against fire. Enfin, les deux œuvres seront comparées à la lumière des concepts de la culture et d’émancipation du philosophe polonais Zygmunt Bauman.

ABSTRACT

David Bowie’s transformational engagement with stardom was
complexly entwined with his long and creative relationship with
hauntology. While referring us back in time, Bowie’s songs and
videos simultaneously haunt us about a lost future. Bowie
engaged with hauntology initially by mimicking the sonic, visual
and bodily gestures of many star performers. This developed into
synthesised mimicry, which involved fusing the traits of several
stars in order to create a coherent star persona. During the last
decade of his life, Bowie perplexed his audience by calling up his
own ‘ghost stars’, reconfiguring celebrity and expressing
a persistent sense of ‘future nostalgia’. In his last enigmatic gasp
before exiting Earth, Bowie invited his audience to undertake
a celebratory autopsy of his star status. His parting gifts were
prescient hauntings of the future, poignantly stitched together
with nods of tributary reference to artists he had borrowed from.
Drawing on the concept of hauntology, this article examines
a selection of musical and audiovisual outputs across five decades
of Bowie’s career, demonstrating how he stretched the possibilities
of hauntology as a conceptual tool and an artistic strategy,
and prepared the cultural bed for audience members and cultural
participants to engage with hauntological media.

Resumo: Sob a ótica da Intermidialidade e dos Estudos Interartes, este estudo teve como propósito analisar o livro Memórias de um rato de hotel (1912), com autoria atribuída a João do Rio, e a adaptação cinematográfica baseada nesta obra, Muitos homens num só (2015), dirigida por Mini Kerti. O contexto de ambas as obras é o início do século XX, durante o período da Belle Époque brasileira, auge da carreira de João do Rio e do Dr. Antônio, sendo o primeiro pseudônimo de Paulo Barreto e o segundo o de um gatuno que ficou muito famoso por roubar hotéis no Rio de Janeiro. Desta forma, contando com uma metodologia de cunho comparativo e tendo como base as teorias acerca da adaptação, esta pesquisa buscou analisar as relações entre Memórias de um rato de hotel (1912) e Muitos homens num só (2015), além de evidenciar a importância de ambas as obras no contexto literário e cinematográfico. Palavras-chave: João do Rio. Dr. Antônio. Memórias de um rato de hotel. Muitos homens num só. Estudos Interartes. Abstract: From the perspective of Intermediality and Interart Studies, this study aims to analyze the book Memórias de um rato de hotel (1912), whose authorship is attributed to João do Rio, and the cinematographic adaptation based on this work, entitled Muitos homens num só (2015), and directed by Mini Kerti. The context of both works is the beginning of the 20 th century, the period of the Brazilian Belle Époque, the height of João do Rio's and Dr. Antônio's career; the first is the pseudonym of Paulo Barreto and the second is the pseudonym of a famous thief known for robbing hotels in Rio de Janeiro. Thus, through a comparative methodology and based on theories about adaptation, this research sought to analyze the relationship between Memórias de um rato de hotel (1912) and Muitos homens num só (2015), besides highlighting the importance of both works in the literary and cinematographic context. Keywords: João do Rio. Dr. Antônio. Memórias de um rato de hotel. Muitos homens num só. Interart Studies.

Author:  Annabela Rita
Title: Cesário: tradition and innovation
International Journal of Current Research, Vol. 10, Issue, 06, pp.70236-70239, June, 2018
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Abstract: This essay aims to observe how the poetry of Cesário Verde develops its own aesthetic archeology, forming poetic “lineages” (TS Eliot) marking the creative and innovative itinerary.
PDF file: 
http://www.journalcra.com/article/ces%C3%A1rio-tradition-and-innovation

Resumo: Neste texto, percorrendo um itinerário reflexivo sinalizado pelas legendas que
percorrem a obra de alguns destacados autores portugueses, analisa-se a forma diversificada
como a leitura de um texto se desenvolve, dissolvendo a voz do autor/poeta no âmago do
leitor. Desde a imagem estampada na capa, passando pelo título e pela(s) epígrafe(s), o texto
se anuncia e se antecipa ao leitor, gerando uma expectativa que só se consumará através da
sua leitura integral.
A experiência estética do autor, que se faz representar/reconhecer através do diálogo
intertextual, numa progressiva evidenciação da sua memória metamórfica, sobrepõe imagens
que desencadeia um efeito de hesitação e suspensão no leitor.
Dessa forma, o mundo ficcional, sinédoque e símbolo de um real envolvente, torna-se comum
ao escritor e ao leitor, enredando-os num jogo de percepções e reconhecimentos, onde as suas
memórias e os seus fantasmas, revelados através de uma objetiva panorâmica, afloram, o que
pode tornar a ambos cúmplices ou promover o seu afastamento.
Palavras-chave: Leitura. Memória. Expectativa. Literatura

This text proposes to use the two notions of analogy and homology as a key to understand some dimensions of the reception of works of art. It is studied here, in particular, the phenomenon of inter-artistic evocations not justified by the knowledge of the historical and cultural context of production. We recognize the various types of possible homologies between works of different artistic fields and the various phases of the expressive morphogenesis that originated them. And then, we present a homological model of the inter-artistic imaginary that takes into account both the archetypes and the processes of constitution of the sense.

The aim of this thesis is to study the links and relations between the musical, poetic and visual art of the Chilean artist Violeta Parra (1917-1967). While scholarly attention has focused mainly on its poetical output, there has been little research of her interdisciplinary profile, in which context her most important achievement was paradoxically recognized abroad, through her visual work when exhibited interdisciplinarily at the Musée des Arts Decoratifs, Palais du Louvre. While in Chile her oeuvre struggled for acceptance, in Paris, Parra was praised as a total artist who displayed her poetic language through many art forms.

A rigorous analysis of this interdisciplinary profile reveals a significant gap in the current literature which I seek to redress to shed light on a comparative hypothesis regarding interlinked poetics. My analytical standpoint is based upon Parra’s interdisciplinary career, activity and thought which is notable for collecting, researching, creating and promoting Chilean traditional customs as well as her own artwork.

While rooted in music studies, this five-chapter thesis takes an interdisciplinary approach drawing from literary studies – specifically from linguistics and literary theory – and art studies. My position on Parra's oeuvre is not to consider each art form separately but consider them as an overall representation, attempting to suggest ways that these different arts can inform each other and converge in new perspectives and knowledge. Thus, taking a historical viewpoint and looking at the main influences, this project tries to outline the main features of Parra's poetical translation from one media to another. The final goal of this thesis is to provide and set another significant dimension of this renowned folk singer-songwriter: Violeta Parra as an interdisciplinary artist.

http://sro.sussex.ac.uk/id/eprint/84983/

Des d’un punt de vista essencialment aplicat, aquest volum parla d’enunciats poètics que es formalitzen per mitjà de diferents codis expressius, de la seva circulació per canals altres que la pàgina impresa i de les transformacions generades per aquests contactes i trànsits. Aquestes interaccions engendren nous productes caracteritzats per la hibridesa més que no pas per la simple addició de llenguatges: productes que desborden els límits del que tradicionalment entenem com a poesia, transformada ara en una altra cosa.
L’etiqueta interdisciplinari s’avé parcialment amb el plantejament general del llibre, tot i que s’hauria d’aplicar amb cautela. En rigor, cal reconèixer que el punt de partida de la majoria dels treballs reunits a Poètiques liminars són els textos literaris, com també és literària l’especialització acadèmica dels autors dels estudis. Tanmateix, tenint en compte les precisions de Mieke Bal, aquí entenem la interdisciplinarietat com una manera «àmplia» de llegir més que no pas com un mètode de producció o anàlisi. Vist així, el concepte no designa l’aplicació al text poètic de metodologies alienes als estudis literaris, culturals i interartístics, sinó més aviat l’exercici d’una mirada atenta als ponts, a les simbiosis i a les zones on nocions com poesia i literatura es desdibuixen.

By establishing a relation or an association of several semiotic systems such as photography, graphic design, verbal system and typography, the photobooks constitute representative examples of intermediality. In the photobook, the photography is required to do the mediation not of the instant and the real, but of the duration and the fiction. Besides the material matching of book and photography, the analyzed works are examples of translations (literature as a substratum for photography), and references (evocation of cinema, theater, fine arts, architecture and so on). Although the photobooks were often used in Latin America during the last century, only recently they are under systematic investigation. Our research is mainly based on Rajewesky, Müller and Clüver’s ideias on intermedial relations. This work describe and analyze how the material properties are converted into semiotic properties through intermedial relations in the Latin American’s photobooks.