Jean-Philippe Toussaint

Dans La Télévision (1997), Jean-Philippe Toussaint décrit l’invasion des écrans dans le quotidien de son personnage qui tente en vain de se soustraire à leur influence. Cette prolifération caractérise selon l’auteur la fin du XXe siècle : « Ça ne me viendrait pas à l’idée de situer un livre dans les années cinquante, ou soixante, ou dans les années vingt ou au dix-neuvième siècle. […] Pour La Télévision, j’ai eu envie de réfléchir à ce qui fait le temps présent ». Le roman s’inscrit en cela dans un mouvement de réflexion critique sur les médias, et plus particulièrement sur la télévision, propre aux années 1990.
Le narrateur de La Télévision tient ainsi un discours crépusculaire au sujet de la fin de l’écrit qui disparaît progressivement au profit des écrans. En effet, la multiplication des écrans (de télévision, d’ordinateur, de surveillance, etc.) menace et fait reculer la part dévolue à la littérature – comme le montrent les scènes cocasses de la recherche en bibliothèque, de l’angoisse de la page blanche ou de la colonisation du journal par le programme TV.
Toutefois, la ligne de fracture dessinée par Jean-Philippe Toussaint ne passe pas entre le lisible et le visible, entre le texte et l’image : le romancier oppose l’art (qu’il soit littéraire ou plastique) au divertissement (télévisuel, entre autres). Ainsi, l’image picturale, parce qu’elle est œuvre d’art, s’oppose à l’image télévisuelle qui n’est qu’un média. Les tableaux exposés dans les musées berlinois et contemplés par le narrateur historien de l’art, par leur pouvoir de fascination, constituent donc le dernier rempart contre l’invasion des écrans.

Cette thèse propose d’aborder la problématique de la représentation littéraire de l’œuvre d’art visuelle par une approche interdisciplinaire et intermédiale. Considérée d’une part comme une médiation, mais aussi comme un exercice stylistique antique, l’ekphrasis traverse les genres et les périodes littéraires. Cela dit, le roman contemporain renouvelle l’approche de cette pratique à la lumière des enjeux soulevés par la postmodernité. La littérature du XXIe siècle se veut savante, tout en étant consciente de ses limites comme médium, jouant sur ces frontières pour continuer à contester le rapport aux grands récits tout en utilisant l’ouverture rendue possible par la fiction, lui permettant un décloisonnement des disciplines dans une intégration simultanée des discours scientifiques multiples. Dans ce contexte, il n’est donc pas étonnant qu’on puisse observer l’émergence de nombreuses ekphrasis de nature fictionnelle dans le roman français actuel. Les objectifs de cette thèse sont donc les suivants : 1) comprendre l’impact de l’ekphrasis sur l’expérience esthétique de l’œuvre d’art visuelle ;  2) explorer les possibilités du récit comme outil de médiation et de transmission ; 3) redéfinir la position de la littérature de fiction dans une distance critique des institutions et des discours officiels.
À travers l’analyse de quatre romans, en l’occurrence Nue, de Jean-Philippe Toussaint (2013) ; Les Onze, de Pierre Michon (2009); La carte et le territoire, de Michel Houellebecq (2010), et Terrasse à Rome de Pascal Quignard (2000), cette thèse dresse un portrait en profondeur des multiples facettes de l’ekphrasis fictive dans le roman français contemporain. Le premier chapitre met en relation le roman Nue avec les propositions esthétiques qui se trouvent dans les écrits de Marcel Duchamp, attirant le regardeur au-delà du visible en mettant l’accent sur l’idée de l’œuvre d’art et non sur son produit fini. Le roman de Toussaint s’approprie le vocabulaire duchampien tout en mettant en scène la démarche artistique, le rapport entre contrôle, hasard et matérialité, dans une forme romanesque minimaliste qui mène le lecteur à se demander ce qu’il est finalement possible de connaître. Consacré au roman Les Onze, le deuxième chapitre de la thèse s’inspire du Musée imaginaire d’André Malraux afin de redéfinir la relation entre littérature, institution muséale et histoire de l’art. À travers la mise en scène d’une visite guidée, l’œuvre de Michon révèle les secrets oubliés d’une œuvre d’art fictive à caractère politique et les erreurs historiographiques commises à son égard. Le roman se positionne ainsi dans une distance critique qui tente de situer le discours historique comme un acte narratif et de révéler la part de choix à laquelle ce dernier doit inévitablement procéder. La littérature peut alors se réapproprier ce qui a été négligé, autant dans un mouvement à l’extérieur de l’ordre établi que dans une critique de l’exercice de pouvoir. Le chapitre sur La carte et le territoire s’intéresse à la manière dont l’ekphrasis fictive inscrit le roman au sein de la crise de la représentation à laquelle est confronté le milieu de l’art contemporain dominé par le marché et la commercialisation de la pratique. Les considérations de l’expérience esthétique que peut alors offrir le récit mènent à interroger le rapport entre ekphrasis et genres littéraires. La manière dont Houellebecq intègre à la fois le récit de la vie d’artiste, la biographie et la critique d’art amène à redéfinir la hiérarchie des discours, mais aussi à considérer la fiction comme étant une ouverture des possibles pour le monde de l’art. Enfin, le dernier chapitre consacré à Terrasse à Rome soulève des enjeux liés à la fragilité matérielle de l’œuvre d’art et explore comment le texte littéraire peut, en plus de se positionner comme une forme de savoir, en assurer la survivance conceptuelle. Les menaces politiques et religieuses de l’iconoclasme et autres types de destruction de l’objet d’art ont traversé l’histoire, permettant ainsi à la littérature de se questionner sur la manière dont on peut raconter l’œuvre d’art après sa disparition, mais aussi de se constituer comme traces et ce, même en régime fictionnel.

Describing, inventing and mediating the work of art:
the fictional ekphrasis in the 21st century French novel.

Mathilde Savard-Corbeil
Degree of Doctor of Philosophy
Department of French
University of Toronto

2021
Abstract

This thesis addresses the issue of the literary representation of the visual work of art through an interdisciplinary and intermedial approach. Considered as mediation but also as an ancient stylistic exercise, ekphrasis crosses genres and literary periods. However, contemporary novels are renewing the approach to this practice in the light of the issues raised by postmodernity. The literature of the 21st century aims to be scholarly, while being aware of its limits as a medium, playing on these borders to continue to question the relationship to metanarratives while using the openness made possible by fiction, allowing it to decompartmentalize disciplines in a simultaneous integration of multiple scientific discourses. In this context, it is therefore not surprising that we can observe the emergence of many fictional ekphrases in current French novels. The objectives of this thesis are therefore: 1) to understand the impact of ekphrasis on the aesthetic experience of the visual work of art; 2) to explore the possibilities of storytelling as a tool for mediation and transmission; 3) to redefine the position of fiction in a critical distance from institutions and official discourses.
Through the analysis of four novels, namely, Nue, by Jean-Philippe Toussaint (2013); Les Onze, by Pierre Michon (2009); La carte et le territoire, by Michel Houellebecq (2010) and Terrasse à Rome by Pascal Quignard (2000), this thesis paints an in-depth portrait of the multiple facets of fictional ekphrasis in contemporary French literature. The first chapter connects the novel Nue with the aesthetic propositions found in the writings of Marcel Duchamp, drawing the viewer beyond the visible by emphasizing the idea of the work of art instead of its finished product. Toussaint's novel appropriates the Duchampian vocabulary while staging the artistic approach, the relationship between control, chance and materiality, in a minimalist form that leads the reader to wonder what is ultimately possible to know. Dedicated to the novel Les Onze, the second chapter of the thesis is inspired by André Malraux's imaginary museum in order to redefine the relationship between literature, museum institutions and art history. Through the staging of a guided tour, Michon’s work reveals the forgotten secrets of a political fictional work of art and the historiographical errors around its interpretation. The novel thus positions itself in a critical distance that attempts to situate historical discourse as a narrative act and to reveal the choice to which the latter must inevitably proceed. Literature can then reappropriate what has been neglected, as much in a movement outside the established order as in a critique of the exercise of power. The chapter on La carte et le territoire looks at the way in which the fictional ekphrasis inscribes the novel within the crisis of representation facing the world of contemporary art dominated by the market and the commercialization of the practice. Considerations of the aesthetic experience that the story can then offer lead to questioning the relationship between ekphrasis and literary genres. The way in which Houellebecq integrates at the same time the account of the artist's life, biography and art criticism redefines the hierarchy of discourse while considering fiction as being an opening of possibilities for the art world. Finally, the last chapter devoted to Terrasse à Rome raises issues linked to the material fragility of the work of art and explores how the literary text can, in addition to positioning itself as a form of knowledge, ensure its conceptual survival. Political and religious threats by iconoclasm and other types of destruction of the art object have crossed history, thus allowing literature to question itself on the way in which the work of art can be told after its disappearance, but also by positioning itself as traces, even in a fictional regime.

Depuis leur création, les auteurs des éditions de Minuit, implicitement ou explicitement, cherchent à se positionner dans le flux d’une avant-garde perpétuelle. Comment cependant maintenir ce flux, sinon en adoptant une posture qui se veuille prophétique ? Or, l’on sait, depuis les travaux de Jérôme Meizoz, que la posture se déploie de conserve dans les paratextes et dans les textes littéraires stricto sensu, c’est-à-dire également au cœur même du style de chacun des écrivains de la maison Minuit. La pratique du discours de résistance au discours de l’idéologie dominante, héritée de la fondation même des éditions (la Résistance), fait écho au genre apocalyptique, c’est-à-dire un genre littéraire qui récuse l’idéologie dominante au profit d’un contre-pouvoir. Le « devoir d’insoumission » relevé par Anne Simonin participe ainsi pleinement d’un phénomène postural. Est-ce un hasard si le seul livre publié par Jérôme Lindon dans sa propre maison soit la traduction de Jonas ? Les concepts de posture, de style et de rhétorique prophétiques permettent de mettre en évidence l’alliance entre le souci de renouvellement esthétique et l’adhésion à des valeurs éthiques.
L’apparente très grande diversité des auteurs Minuit peut donc être abordée selon un seul et même angle qui puisse subsumer les époques et les singularités, en retraçant un historique de ce prophétisme implicite. L’on peut distinguer trois grandes périodes : de 1942 à 1953, de 1953 à 1979 (la grande période du Nouveau Roman, avec Jérôme Lindon à la tête des éditions), de 1979 à aujourd’hui (à partir de la publication du Méridien de Greenwich par Jean Échenoz). Que les auteurs concernés aient accompli l’intégralité de leur carrière sous la bannière étoilée des Éditions ou qu’il y ait publié des ouvrages par intermittence, Minuit représente, en définitive, le lieu où se rassemblent les écritures prophétiques de la littérature française contemporaine.

Du Moyen Âge à nos jours, la littérature n'a cessé de donner voix et corps au monde matériel des choses. Cependant, si leur représentation est indispensable à une peinture des hommes et des lieux, il n'est pas aisé de rendre compte de ces présences matérielles : leur donner un nom, décrire leur forme, exposer un savoir quant à leurs usages, conter leur histoire, tout cela suffit-il à en lever l'opacité ? Portées par un texte, les choses muettes et apparemment inertes se muent en objets subtils et éloquents, revêtus de sens parfois inattendus. C'est le mécanisme poétique et herméneutique de cet éveil litté-raire des choses, dans ce qu'il a souvent d'instable, qui intéresse les études ici réunies. Il s'agit là de sonder tant le merveilleux terrain d'expérimentation offert à la dextérité des écrivains, que le mystère continu qui renvoie chacun à son interprétation du monde.

À partir de l'analyse de "L'appareil-photo" (1988) de l'écrivain belge Jean-Philippe Toussaint, l'article envisage la poétique postmoderne de l'auteur comme singulièrement soucieuse de la perte de repère par rapport au monde, conséquente du développement trop rapide des technologies et nouveaux médias. Le roman se pose en écran du réel, qui ne laisse filtrer que les infimes traces de son déroulement, ce qui contribue à la fragmentation du sujet et, par extension, de la réalité iconisée à laquelle il se confronte incessamment.

En 1954, Barthes baptise Robbe-Grillet « l’écrivain de la vision pure » et voit dans ses premiers romans un prototype du cinéma idéal, mais il montre une grande réserve lorsque le romancier entame ses expériences cinématographiques. Quelques décennies plus tard, Jean-Philippe Toussaint réactualise la tension entre littérature et écran et défend un retour à « l’écriture visuelle ».  Cet article a pour objectif d’étudier les configurations de l’apparition du visuel, l’effet-cinéma et la question des fantasmes chez ces trois auteurs. L’intérêt est également de souligner la proximité de certains de leurs imaginaires ainsi que les jeux sous-entendus de leurs positions.

La belgitude fixe moins un moment charnière qu'elle ne constitue une saillance dans un symptôme qui anime toute l'histoire du pays. A travers une odyssée voguant sur les représentations des villes, c'est la question essentielle du patrimoine qu'il faut, après quarante ans, poser.

Cet essai montre comment plusieurs romans français des années 1980 et 1990 reflètent une société envahie par les machines électroniques modernes. L’accumulation de la technologie dans ces romans a pour conséquence l’apparition de nouveaux espaces que l’anthropologue Marc Augé appelle les non-lieux. Il s’agit des espaces destinés à la circulation et aux loisirs des individus: autoroutes, aéroports, centres commerciaux, stades, discothèques ...

L’objectif principal de l’essai est de définir les différentes formes qu’empruntent les non-lieux sous la plume de romanciers contemporains. L’essai décortique le cri d’alerte de ces écrivains devant une société robotisée où l’expansion des moyens de communication a paradoxalement abouti à une uniformisation, une isolation et pour finir une disparition de l’individu en tant que tel. Les non-lieux partagent trois caractéristiques. Tout d’abord, ils sont presque toujours le centre de bruits assourdissants. Cet environnement acoustique insupportable renforce le pouvoir dont jouit la technologie dans les non-lieux.

Par ailleurs, les non-lieux sont envahis par des éléments de la culture populaire comme des affiches et slogans publicitaires, des jingles radiophoniques et télévisuels, un jargon informatique. Dans les non-lieux, les moyens de communication traditionnels ont disparu, laissant leur place aux appareils électroniques modernes.

Enfin, les non-lieux constituent un environnement global. Les romans qui nous intéressent ont pour cadre les grandes métropoles internationales. Ces textes projettent une image globale de la planète, comme si la Terre était une grande ligne de métro aux stations identiques: Paris, Londres, New York, Tokyo, etc.

Les personnages de Michel Houellebecq et Jean-Philippe Toussaint finissent, dans leur grande majorité, par s’extraire d’un monde social et géographique dont ils peinent à supporter les règles et les limites. Dans ce contexte désenchanté, le retrait vers des îles se présente comme une solution légitime. Si elles apparaissent dans un premier temps comme des alternatives aux affres de la métropole, Lanzarote et l’île d’Elbe représentent moins des utopies décrivant des sociétés idéales que des non-lieux relégués à une acceptation étymologique du terme : le lieu de nulle part ou qui n’est en aucun lieu. Les deux auteurs ne cessent ainsi de jouer avec les codes de l’utopie insulaire, en les déchargeant de l’histoire et des références littéraires qui lui sont habituellement associées. L’article se propose d’analyser les effets et les manifestations des anti-utopies insulaires de Houellebecq et Toussaint, dans un monde dont on a mesuré les limites et la finitude des ressources.

Depuis le début de son œuvre, le rapport qu’entretiennent les narrateurs des romans de Jean-Philippe Toussaint au temps ne va pas de soi : soumis au passage inexorable du présent, pris dans le flux d’une société qui a fait de l’éphémère sa nouvelle modalité, ils cherchent pourtant toujours à se dégager du mouvement du monde dont ils font partie intégrante. Dans ce but, ils n’engagent pas une lutte frontale avec ce temps qui leur résiste, mais appréhendent plutôt celui-ci de biais, en le contournant, de manière à “fatiguer la réalité” à laquelle ils se heurtent. Il s’agira dès lors de pointer dans le parcours littéraire de Toussaint quelques scènes révélatrices de la relation du sujet au temps – de l’impossible fuite de L’appareil-photo au sentiment de syncrétisme dans Faire l’amour, en passant par divers moments de contemplation détachée –, pour identifier dans celles-ci les stratégies narratives qui autorisent cet état d’abstraction du monde vers lequel tendent tous les narrateurs. C’est en dotant l’image littéraire de qualités purement optiques et sonores que l’auteur parvient à créer un effet de suspension temporelle, au travers duquel le narrateur accède à une certaine conscience de soi dans le monde. Inspiré par la culture cinématographique de l’image, Toussaint élabore des images-temps qui mettent en scène l’expérience intime que le protagoniste fait du monde qui l’entoure, plutôt que la manière dont il entend agir sur celui-ci. Une description visuelle aux qualités proprement cinématographiques remplace dès lors l’action motrice autour de laquelle s’organise traditionnellement la fable. D’un point de vue métafictionnel, la transposition de la « crise de l’image-action » du cinéma au roman permet à Toussaint de renouveler les potentialités de la fiction romanesque, par un travail d’épuisement des schèmes classiques du récit.

Qui se cache derrière le « Je » et ses mensonges ? Écriture du fantasme plonge au cœur de la littérature contemporaine de langue française pour désigner comme fantasmes, au sens psychanalytique, les projections imaginaires qui peuplent les romans de Jean-Philippe Toussaint et Tanguy Viel. Prenant appui sur la définition du fantasme de Sigmund Freud et sur l’identification de sa logique par Jacques Lacan, la fiction fantasmatique est envisagée comme un moyen pour un narrateur à l’identité diffractée de faire récit. Cette nouvelle logique narrative est étudiée à la lumière des dispositifs modernes de l’image – photographie et cinéma, essentiellement –, dont Toussaint et Viel s’inspirent pour déconstruire les cadres représentatifs traditionnels et interroger le rapport entre identification et récit aujourd’hui.

Who lies behind the "I" and its deceitful nature? Écriture du fantasme delves into the heart of contemporary French-language literature to psychoanalytically designate as fantasies the imaginary projections which populate the novels of Jean-Philippe Toussaint and Tanguy Viel. Fantasized fiction is regarded as a means for a narrator with a diffracted identity to exist through the narration, based on how Sigmund Freud defined fantasy and on how Jacques Lacan deciphers its logic. This new sense of narration is studied through modern imagery devices – essentially photography and cinema. Toussaint and Viel use these as inspiration to deconstruct the traditional representative frameworks and question the current correlation between identification and narrative. Show Less

Au départ de l'outillage notionnel et philosophique développé par François Jullien dans son ouvrage De l'intime. Loin du bruyant amour (2013), l'article analyse comment le concept d'« intime » se déploie subrepticement tout au long de l'ensemble romanesque de Jean-Philippe Toussaint Marie Madeleine Marguerite de Montalte. À partir de l’étude de l’œuvre de l’auteur belge, qui se dessine comme l’introspection d’une relation amoureuse, je réfléchis notamment à la reconfiguration de la notion d’identité qu’un tel concept entraine – à partir du moment où l’intime constitue le lieu où la frontière entre deux subjectivités se dissipe –, ou encore à la manière dont il ouvre à un autre rapport au temps. Il s’agira également de mettre en lumière comment ce retour à la vie psychique, cette vie « la plus intérieure », détermine un des aspects de l’esthétique littéraire contemporaine, et plus particulièrement, de la poétique toussanctienne.

// PLAN :
De l’union de la main et du regard ;
Vérité, nudité ;
Du Je au Nous ;
Lieu immatériel, lieu de l’immémorial

Chez Toussaint se constate une tension entre le « désastre infinitésimal » (Faire l’amour) de l’événement et l’échelle planétaire à laquelle il peut résonner : ses romans s’organisent selon une logique d’échos de l’infiniment petit au sein de l’infiniment grand (le fameux effet papillon). Cette tension participe pleinement de la configuration temporelle des intrigues, qui tient autant des philosophies extrême-orientales que de la physique quantique ou de la théorie du chaos (alliance que semble confirmer le roman Monsieur). L’exemple le plus marquant du phénomène réside dans la trilogie asiatique de l’auteur (Faire l’amour, Fuir, La vérité sur Marie), qui se fonde sur un microscopique désordre du monde – la séparation (impossible) de Marie et du narrateur – dont l’ampleur se mesure du Japon à la Corse, à travers les effets de la simultanéité incompossible qu’autorise le monde contemporain. La configuration temporelle des romans de Toussaint repose moins sur une mise en intrigue d’actions que sur la mise en tension d’une conscience du temps individuelle à l’aune du vaste monde et de son avenir incertain. Prise dans cette temporalité béante, la subjectivité toussanctienne est apocalyptique : elle (se) révèle (dans) le désastre. La sourde inquiétude de La réticence, la culpabilité insidieuse de La télévision ou La mélancolie de Zidane s’éclairent ainsi à la lumière des signes infimes d’une fin possible. L’incendie en Corse, la fuite et le vomissement du cheval, le malaise de Jean-Christophe de G., la mort du père de Marie, mais aussi la fléchette dans l’œil d’Edmondsson, la noyade du chat ou le coup de boule de Zidane sont autant d’indices prophétiques d’une catastrophe toujours déjà en cours. Ainsi, la destruction d’une fleur à l’acide devient la réappropriation subjective de la déliquescence qui toujours guette, au cœur d’une trilogie dont la fin n’en finit pas de finir. Si Tokyo menace de trembler une dernière fois (dans la scène de la piscine de l’hôtel, dans Faire l’amour), c’est à l’échelle d’une seule conscience que cette apocalypse (encore toute prophétique) se joue.

Robbe-Grillet disait de Robert Pinget qu’il representait deja l’avenir du Nouveau Roman (le qualifiant de Nouveau Nouveau romancier). Or, Pinget lui-meme n’a jamais participe qu’avec beaucoup de distance au mouvement et n’a jamais produit de discours theorique. Par contre, l’on trouve au fil de ses œuvres la construction d’un imaginaire de l’avant-garde (qui nomme d’ailleurs le Nouveau Roman et les editions de Minuit qui l’abritent). Cet imaginaire est profondement negatif (quoique tres cocasse), puisque Pinget y stigmatise la question du progres artistique et l’ennui inqualifiable qui emane des theorisations sur le sujet. Pis, il qualifie, dans ses derniers entretiens (1993), la notion de postmoderne d’absurdite. Pourtant, Robbe-Grillet avait sans doute raison, puisque la generation de Minuit (tant Echenoz qu’Oster, Gailly ou Toussaint) qui a suivi s’est bien davantage inspiree de Pinget que des autres nouveaux romanciers. Il s’agira donc dans cette communication d’explorer d’une p...

Au sein de l’œuvre de Jean-Philippe Toussaint, l’identité des personnages se fonde dans une relation problématique à l’autre. De la même façon, l’identité se trouve constamment contrariée, entre l’impossibilité de distinguer ses propres traits dans une surface réfléchissante et la difficulté à définir la volonté ou le désir qui l’animent. Dans cette œuvre, la description n’est jamais vraiment objective – ou plutôt, elle s’assume d’emblée comme non objective. La souplesse formelle et l’humour de l’écrivain contribuent largement à ce que les textes évoluent non de certitude en certitude, mais d’incertitude en incertitude. Modalités de saisie de l’autre (et de soi), plus encore lorsque le narrateur est homodiégétique, éthopée et prosopographie se nouent à la problématique de la reconnaissance qui constitue, pour quelques penseurs contemporains, une donnée en mutation dans notre société contemporaine, sinon l’un de ses enjeux capitaux. L’on pourrait aller jusqu’à dire qu’une vérité se dévoile à travers l’usage du portrait chez Toussaint, une vérité vers laquelle tendent les quatre tomes qui forment le cycle intitulé Marie Madeleine Marguerite de Montalte : Faire l’amour, Fuir, La Vérité sur Marie et Nue. À travers l’art du portrait qui s’y déploie, il est possible de mettre au jour un trait singulier propre à l’œuvre toussanctienne : la figure de la reconnaissance comme pivot de la dynamique identitaire. La tétralogie érige une chambre d’échos où identification, mutualité et gratitude – les trois significations majeures qui sous-tendent la figure de la reconnaissance – se lancent des répons.

Le temps constitue l’un des points nodaux de l’œuvre de Jean-Philippe Toussaint. Parallèlement, le topique de la lumière a, comme il l’affirme dans /La main et le regard/, « toujours eu une place centrale dans [s]on travail » (p. 18). Partant de ces deux éléments, nous interrogeons leur articulation spécifique au sein de la tétralogie /Marie Madeleine Marguerite de Montalte/, afin de cerner la logique de l’imaginaire qui en résulte.

// Plan de l'article :
> Une temporalité pathétique
> La lumière, thanatale
> L'eau, la nuit, l'amour
> Vers le féminin

Sorte de catalyseur, le personnage de Marie impose à la tétralogie de Toussaint une rythmique, battue à mesure que ses manifestations fascinent et subjuguent le narrateur. L’action ne saurait alors se réduire à une simple succession de péripéties. Bien au contraire, la matière littéraire s’étoffe plutôt au moyen de ce que Marie, par l’activation de son image, engendre, crée et cultive un réseau de références qui happent le lecteur et le narrateur, tout autant qu’elles permettent à l’auteur d’adresser ce qui, aujourd’hui, continue de faire oeuvre (d’art).

Quand j'ai parcouru l'oeuvre de Jean-Philippe Toussaint, il m'a rapidement semblé que roman après roman, l'écrivain s'attachait à proposer des récits mentaux ou pour reprendre l'expression d'Olivier Bessard-Banquy des « livre[s] en pensée ». Mais cet espace mental que l'histoire de la littérature n'a cessé d'explorer, de rendre visible, voire de complexifier dans ses flux de conscience, de raffiner à force de tropismes, il m'a paru singulièrement opaque dans l'oeuvre de Toussaint. Prostration silencieuse, distraction permanente, échappée dilatoire : à qui voudrait explorer les labyrinthes mentaux de cette oeuvre romanesque, l'auteur obstinément, régulièrement, maniaquement, oppose une stratégie de l'obstacle et de l'opacité.

La littérature belge d’expression française ne possède pas d’emblée une visibilité équivalente à la littérature française : le marché du livre en Belgique est restreint, quoique très dynamique, et la proximité géographique avec le centre parisien contraint les auteurs à se positionner selon des stratégies que les études sociologiques ont beaucoup analysées. Mais ces stratégies de positionnement ont impliqué également des modalités imaginaires dont l’histoire reste à écrire. À travers les deux exemples incontournables que sont Émile Verhaeren et Jean-Philippe Toussaint, situé chacun à une extrémité de l’histoire littéraire du Plat Pays, il devient possible de saisir la façon dont l’écrivain belge joue les agents doubles, réinterprétant à sa façon le mythe d’Icare dans la version qu’en a donnée Brueghel l’Ancien.

Belgian literature written in French lacks the utter visibility of French literature: although dynamic, the Belgian book market is indeed smaller, and the close vicinity with the Parisian hub influences the authors’ marketing strategies, which have been extensively studied through sociological lens. These strategies also rest on a specific imaginary that still remains to be analysed. Key writers like Émile Verhaeren and Jean-Philippe Toussaint (the first lived in the early stages of Belgian literature as the latter still lives today) allow us to understand the ambiguous position of Belgian writers through History, which revisit in their own fashion the myth of Icarus, as it appears in Brueghel’s famous painting.

Le fatal et le fortuit.
Énergie romanesque et variations multimédiatiques dans la tétralogie
(Zahir; la robe en miel)

Depuis l’ouverture du cycle de Marie, l’œuvre de Toussaint semble adopter une série d’inflexions largement commentée par la critique : de la ténuité diégétique au foisonnement romanesque, de l’ironie dominante à une mélancolie plus affichée, de la clôture narrative à l’écriture cyclique. Contrairement à cette lecture de la rupture, je propose de lire dans le cycle l’accentuation d’une oscillation entre des pôles (ironie et mélancolie, matité minimaliste et éclat romanesque) qui ont toujours balisé le territoire de l’œuvre toussaintienne.
Cette proposition comportera deux volets principaux. Le premier esquissera une comparaison des effets d’ironie qui font dérailler le roman avant et après l’arrivée de Marie (neutralisation de la tension narrative, extériorité du personnage principal, effets de chute ou de dégonflement), pour éclairer ce que j’appelle une poétique de l’indécidable. Le second pan de ma réflexion s’élargira à la dimension multi-médiatique de l’œuvre. En effet, les courts-métrages auxquels certaines scènes emblématiques du cycle ont donné lieu (l’échappée de Zahir, la robe en miel) neutralisent l'énergie romanesque. Le spectacle adapté du cycle, lui, s’ancre au contraire pleinement dans le romanesque sentimental. Le travail de l’indécidabilité s’étend aux territoires extra-littéraires, et donne forme et lieu aux différentes lectures possibles des romans. L’œuvre toussaintienne s’inscrit ainsi dans un paradigme ultra-contemporain d’élargissement des frontières du littéraire.

Communication filmée et disponible en ligne : https://www.youtube.com/watch?v=1TCj0duDtVM&feature=youtu.be
(à partir de 53 minutes)

L'ensemble des communications du colloque est disponible en ligne également.

Within the globalised image economy that circulates around football in the 21st century, a number of individuals stand out for their singular visibility. One of these is the former French national captain Zinédine Zidane. As a highly prominent and successful working­class French Maghrebian from the banlieue of Marseille, Zidane has come to occupy a delicate position within French cultural discourse: in Nacira Guénif­Soulimas' words, ‘His image is politicized, whether he does anything about it or not. His every action takes place on a minefield of identity and memory. He is dangerously overdetermined, and he is expected to answer for this.’

Zidane’s importance with regards to France’s sporting, colonial and cultural history has occasioned his appearance in numerous artistic depictions. This essay primarily discusses three such texts: Douglas Gordon and Philippe Parreno’s film Zidane, un portrait du 21e siècle, Jean-
Philippe Toussaint’s short literary essay La Mélancolie de Zidane and Anne Delbée's novella La 107e Minute (all 2006). In addition, it also considers Adel Abdessemed’s monumental bronze sculpture Coup de Tête (2012). Each of these projects, I argue, attempt in their own way to negotiate the skeins of discourse which accompany “Zizou” wherever he goes, in order to offer a perspective on their subject which differs substantially from the on-­dit.

In presenting this argument I engage with Pierre Bourdieu’s conception of the aesthetic regime of high culture advanced in La Distinction (1979), which views the work of art as necessarily rejecting of the ‘expressive content which explodes in the expressiveness of popular language’. The differing ways in which the four works mentioned above attempt this rejection are analysable in terms of differences in cultural politics. While the former two attempt through various strategies to mute the popular language which attends Zidane’s persona, the latter two strive rather to divert this language, elevating the player into the realms of high cultural discourse. These latter works, I argue, may thus be culpable of perpetuating certain colonial notions of Zidane which are less foregrounded in Toussaint and Gordon and Parreno. More than a critical comparison of texts, however, and drawing on a wider research project concerning the relationship between 21st century football and visual culture, this essay attempts to seize upon the dense weave of writing dedicated to Zidane as a way of questioning what it might mean for art and literature to seriously engage with the overdiscussed, overdetermined protagonists of contemporary globalised sporting culture.

Que font les écrivains lorsqu’ils n’écrivent pas ? Ils parlent, et lorsqu’ils parlent c’est souvent de littérature. L’écrivain, aujourd’hui, n’est plus seulement quelqu’un qui écrit. Il est aussi quelqu’un dont on recueille les propos : au sujet de ses livres, de ceux des autres, ou encore de son métier, même si ce métier n’est généralement pas le seul. Parfois, les auteurs s’expriment en privé, en tête-à-tête ou dans leur correspondance. Mais, chaque jour davantage, comme leurs écrits, leurs paroles s’adressent au public : en librairie, en classe, à la radio ou à la télévision, sur internet.
Ceci n’est pas un simple livre d’entretiens (ces livres ne manquent pas), mais un livre d’entretiens sur les entretiens (le premier du genre à notre connaissance). Il ne s’agissait pas tant d’interroger les écrivains sur leurs livres etsur leur pratique de l’écriture, que sur l’instrument même dont ils se servent pour en parler. Afin de faire de cet ouvrage une véritable enquête, nous avons préparé deux questionnaires de base, divisés en plusieurs rubriques. Le premier de ces questionnaires était destiné aux écrivains, le second aux intervieweurs, à charge pour chaque intervieweur de s’adapter à son interlocuteur.

Entretien autour de l'ouvrage à écouter sur Espace Livres : http://www.espace-livres.be/Secrets-d-ecrivains-de-David?rtr=y

In the late XXth and early XXIst Century, how is it possible to conceive a “care for the future”, when the future is perceived as imminent and vaguely threatening? Starting from a general overview of contemporary French literature it becomes possible to understand what the “care for the future” has become nowadays. French literature experiences what Lionel Ruffel calls an “exhaustion” of future perspectives, compelling future and present to coincide in the literary imaginary and generating a loss of consistency in the literary Self. In this regard, new literary strategies are found, trying to restore the necessary distance between present and future. Three books will concur to bring the phenomenon to light: Pierre Guyotat’s Coma, Michel Houellebecq’s La Possibilité d’une île (The Possibility of an Island) and Jean-Philippe Toussaint’s Faire l’amour (Making Love).
À la fin du xxe et au début du xxie siècle, est-il encore possible de concevoir un « souci de l’avenir », alors que le futur est ressenti comme imminent et vaguement menaçant ? Au départ d’un panorama général de la littérature française contemporaine, l’on peut saisir l’évolution du « souci de l’avenir » jusqu’à aujourd’hui. La littérature française éprouve ce que Lionel Ruffel a appelé « l’épuisement » des perspectives d’avenir, menant à une coïncidence du présent et du futur dans l’imaginaire et à une perte de consistance du sujet littéraire. En ce sens, de nouveaux dispositifs émergent, visant à rétablir la distance nécessaire entre le présent et le futur. L’analyse conjuguée de trois oeuvres permettra de mettre au jour le phénomène : Coma de Pierre Guyotat, La Possibilité d’une île de Michel Houellebecq et Faire l’amour de Jean-Philippe Toussaint.

En Belgique, un gauchissement du mythe d’Icare se déploie selon un arc qui s’étend entre le tableau La Chute d’Icare par Pieter Breughel l’Ancien (vers 1558) et la trilogie romanesque de Pierre Mertens rebaptisée Paysage avec la chute d’Icare en 2009. Ce gauchissement spécifique tient à la manière dont le fils de Dédale est renvoyé à l’arrière-plan. Cette intervention vise à essayer de débusquer l’élaboration d’un imaginaire dans la construction de la posture de l’écrivain belge à partir de la figure d'Icare, en insistant sur l’évolution historique du phénomène. Deux exemples distants d’un siècle s'avéreront en cette matière particulièrement éclairants : Émile Verhaeren (1855-1916) et Jean-Philippe Toussaint (né en 1957), deux écrivains qui n’ont somme toute que peu de points communs dans leur appréhension de la littérature, mais qui ont bénéficié d’une aura internationale, aussi bien dans les pays francophones qu’en traduction.

Dès son début littéraire avec La Salle de bain il y a 20 ans, le romancier belge, Jean-Philippe Toussaint, écrit des romans qui se situent distinctement et explicitement à l'intérieur de la tradition du roman français moderniste. Gustave Flaubert, Marcel Proust, Samuel Beckett, Alain Robbe-Grillet et Claude Simon sont pour lui des modèles incontournables. Dans La Télévision, roman publié en 1997, Toussaint introduit tout en souriant un gueuleoir, une haie d'aubépines et s'inscrit ostensiblement à la prestigieuse école du regard. 1 On trouve dans les romans de Jean-Philippe Toussaint une exploration surprenante et presque inlassable de l'espace. Et dans La Télévision, cette exploration passe par un grand nombre de scènes où des peintures se trouvent au centre de l'intérêt et servent à créer ce que j'ai nommé dans mon titre une ouverture de l'espace. L'examen spatial nous est avant tout communiqué par des descriptions où réalités physiques, traditions littéraires, questions métaphysiques et théories esthétiques se croisent et se font voir. Ainsi, Toussaint arrive à créer un espace littéraire fait de paysages présents et passés, réels et fictifs, construit de tableaux et de textes dont l'effet est celle d'une grande plasticité. C'est une technique romanesque faite pour accueillir mouvement et profondeur, adaptée entre autres à la description d'un été passé à Berlin au début des années 1990. Il y a quelques scènes clé dans La Télévision permettant d'étudier la représentation de l'espace de plus près. Au début du roman, le narrateur prend la décision de ne plus regarder la télé. Il éteint son téléviseur et la lumière dans son appartement, va vers la fenêtre et regarde l'immeuble en face : La perception décrite est dominée par le regard, le moment est longuement préparé et la description est construite à partir de l'opposition fondamentale entre lumière et obscurité. La nuit est sombre, et dans un premier temps, les toits des bâtiments seulement se font à peine deviner. Mais de l'édifice émane une lumière, une 1 Jean-Philippe Toussaint, La Télévision, Paris, les éditions de Minuit, 1997. Pour la scène du gueuleoir voir p. 101-102, pour les aubépines, lisez p. 119-120. En ce qui concerne l'héritage du nouveau roman, étudiez par exemple p. 121. Je voudrais remercier Andreas Krogvold pour les bons conseils qu'il a donnés lors de la préparation de cet article, et surtout pour ces remarques souriantes à propos des aubépines.

In Jean-Philippe Toussaint’s novels, description
is never objective ‡ or, more accurately, it presents
itself at the outset as subjective. The formal plasticity
and the writer’s sense of humor play a large part in
the phenomenon: the narration moves forward by
shifting from an uncertainty to another. The phenomenon
also affects the characters’ identity as well as
their relationships. If we take a closer look at how
Toussaint uses the art of portraying his characters, a
truth seems to emerge, the same truth to which the
“Cycle of Marie” (Making Love, Running Away, The
Truth about Marie, Naked) points out: the dynamic
truth where identification, mutual acknowledgment
and gratitude are the key notions.

Que font les écrivains lorsqu’ils n’écrivent pas ? Ils parlent, et lorsqu’ils parlent c’est souvent de littérature. L’écrivain, aujourd’hui, n’est plus seulement quelqu’un qui écrit. Il est aussi quelqu’un dont on recueille les propos : au sujet de ses livres, de ceux des autres, ou encore de son métier, même si ce métier n’est généralement pas le seul. Parfois, les auteurs s’expriment en privé, en tête-à-tête ou dans leur correspondance. Mais, chaque jour davantage, comme leurs écrits, leurs paroles s’adressent au public : en librairie, en classe, à la radio ou à la télévision, sur internet.
Ceci n’est pas un simple livre d’entretiens (ces livres ne manquent pas), mais un livre d’entretiens sur les entretiens (le premier du genre à notre connaissance). Il ne s’agissait pas tant d’interroger les écrivains sur leurs livres etsur leur pratique de l’écriture, que sur l’instrument même dont ils se servent pour en parler. Afin de faire de cet ouvrage une véritable enquête, nous avons préparé deux questionnaires de base, divisés en plusieurs rubriques. Le premier de ces questionnaires était destiné aux écrivains, le second aux intervieweurs, à charge pour chaque intervieweur de s’adapter à son interlocuteur.

Entretien sur le livre à écouter sur Espaces Livres : http://www.espace-livres.be/Secrets-d-ecrivains-de-David?rtr=y

In La Vérité sur Marie, the fantasized development shaping the narrative is clearly rendered visible: the narrator confesses to using his imagination and his intimate knowledge of Mary in order to picture her relationship with a Jean-Christophe de G. in detail – he reminds it on various occasions – which he knows nothing of. The aim of this present article will, therefore, be more than merely dismantling this work of arrangement revealed by the narrator himself, but will also consist in questioning the implications of this transgression on the rightfulness that is the act of storytelling. What matters, is to effectively understand how a narrative which explicitly self-designates as a fantasy, namely one which has no pretention whatsoever in reproducing the reality of described events but on the contrary proclaiming itself as a distortion of a real it cannot miss, nevertheless inclines to create an ordinary truth.