Intermédialité

The works of Hervé Guibert, French author, photographer and journal, are well-known for the intimate and complex writing of his experience with seropositivity in the midst of the AIDS pandemic in the 1980s and 1990s. Following the publication of À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie (1990), he rapidly gained fame and became of the France’s best-known figures of AIDS literature. His line of work is coherent and homogenous in its themes: Guibert elaborates a complex thought on image and death that spans through his first publication, La Mort propagande (1977), at twenty one years old, all the way through the end of his life, evidently transformed by his illness. All throughout his work, Hervé Guibert creates an imaginary of the ill and dying self that overlaps the literary and visual parts of his works. Under the perspective of intermediality, this the-sis will analyze how this fictionalized version of the self unfolds in L’image fantôme (1981), Cy-tomégalovirus (1992), Le Protocole com...

Cette thèse compare les poétiques à l’œuvre dans deux chansons urbaines, le tango chanté de Buenos Aires et le fado de Lisbonne, au moment de leur émergence sociale dans la seconde moitié du 19e siècle. La thèse interroge la représentation usuelle commune à ces deux traditions chantées et plus généralement aux chansons urbaines nées dans les sociétés industrielles de la seconde moitié du 19e siècle, selon laquelle il s’agirait d’expressions des bas-fonds urbains et des marges sociales, origines qui se traduiraient dans les paroles des premières chansons. Ces dernières sont de ce fait traditionnellement abordées par la critique comme des témoins sociaux, corpus poétique qui reflèterait l’expérience urbaine fin-de-siècle propre aux déclassés, en étant la trace de leur « voix » singulière et transgressive. Nous montrons que cette vulgate historiographique, dont le scénario mène systématiquement des marges au patrimoine national et/ou mondial, et que nous proposons de considérer comme un "grand récit" des origines, est partagée par la critique universitaire contemporaine, les promoteurs du Patrimoine Culturel Immatériel et les acteurs des deux traditions eux-mêmes, et qu'elle est matérialisée dans les paroles de chansons, les récits "ordinaires" et les performances. Nous la confrontons ensuite aux archives du tango et du fado, pour montrer qu’il s’agit d’une construction rétrospective émanant principalement de la littérature et de la presse fin-de-siècle. En contrepoint, nous démontrons à l’aide de sources variées que ces chansons sont des pratiques socialement transversales, apparues dans des contextes diversifiés. Nous replaçons ensuite les sources littéraires et les enquêtes sociales à partir desquelles a été élaborée cette fiction des origines dans le contexte particulier d’émergence d’un "imaginaire des bas-fonds" au milieu du 19e siècle, et d’une "poétique canaille", partagée par la littérature et la chanson, redéfinissant les frontières entre le savant et le populaire. Enfin, à travers une approche ethnopoétique des premiers corpus de chansons tango et fado, nous explorons cette "poétique canaille", en analysant notamment les opérations de montage, les médiatisations et les configurations textuelles qui permettent d’élucider, concrètement, la fabrique de ces deux traditions chantées. ************************** 

This doctoral thesis examines the poetics of two urban songs, Buenos Aires tango and Lisbon fado, as they socially emerged in the second half of the nineteenth century. It interrogates the prevailing representation, common to these two sung traditions and to several modern urban songs, according to which they originated in the underworld and outer fringes, and their lyrics bear witness to the urban experience of social outcasts. This historiographic vulgate, a script that leads systematically from the margins to national and/or global heritage, is reconsidered here as a "grand narrative" of origins, embodied in ordinary, scholarly and institutional tales and in fado and tango performances. The substantial lack of traces of these "marginal" practices in the Portuguese and Argentinian archives of the period is observed. It is then examined that these songs actually belong to socially transversal practices which appeared in various contexts in both cities. The "origin narrative" was configured retrospectively, based on fin-de-siecle social and criminal inquiries, literature and press, and should be linked to the "underworld imagination" developing on a world-scale at that time, and to the "rabble poetics" that spread at the same period in popular poetry, literature and song, redefining the frontiers between 'high' and 'low' culture. Finally, through an ethnopoetic approach of the first tango and fado repertoires, these "rabble poetics" are explored, analyzing processes of 'montage', mediatisations and textual configurations underlying, on a concrete level, the fabrication of these two song traditions.

Learning To Love You More (2002-2009), a creation by Harrell Fletcher and Miranda July, is a collective and contemporary online artwork piece. In this multimedia website, Fletcher and July gave assignments addressed to the public in general. The audience response was overwhelming and the website is considered a model among collaborative artworks. This paper examines the reasons for the positive reception and audience involvement in the website. The nature of the assignments, the use of creative writing and the community's online expression are taken into consideration. The website's connections to dialogical art and relational aesthetics are also examined. Finally, we assessed intermediality and the manner in which it appears in the assignments, in relationship to the public and as an inherent feature of the project.

L'Usage de la photo (2005) est un livre d'Annie Ernaux dirigé à quatre mains avec Marc Marie, son amant photographe d'alors. Il s'agit d'un ouvrage à double perspective, car il marque non seulement une cosignature assumée par deux auteurs différents, mais aussi une forme hybride associant à la fois le verbal et le visuel. Nous proposons, dans cette contribution, de revenir sur la construction de ce compagnonnage entre deux médiums différents et d'interroger la forme narrative complexe qui en est le résultat. On s'attachera également à démontrer que le recours à ces deux techniques aussi différentes l'une de l'autre témoigne de la volonté commune des deux auteurs d'atteindre une forme de « totalité » dans leur représentation de ce passé amoureux et ce, dans le but de contrecarrer la perte, voire la « mort » qui se profile en filigrane tout au long de l'oeuvre.

On reconnaît généralement la science-fiction cyberpunk et postcyberpunk à sa particularité de mettre en scène des objets techniques plus évolués que ceux que nous utilisons au quotidien. Ces objets sont à la fois défamiliarisants et familiers. L'étrangeté instaurée par les mondes (post)cyberpunks repose en partie sur une mise à distance de notre présent dans le but de nous le faire éprouver. Elle repose également sur l'exploration du devenir de nos propres objets techniques. Formant un laboratoire de possibles, la science-fiction concourt à l'élaboration de nouvelles séries technologiques dans les diégèses. Toutefois, nous aurions tort de les cantonner à de simples fantaisies. Ces technologies fictionnelles s'inscrivent en effet dans une dialectique propre : si la science-fiction se réapproprie et narrativise les objets techniques existants, elle nourrit en retour des liens étroits avec la science appliquée à l'industrie (les technosciences). La science-fiction forme en réalité un moteur de l'innovation technologique. Cette dialectique invite à prendre au sérieux le « terrain socio-anthropologique » que constitue la science-fiction et les objets que celle-ci met en scène. Par ailleurs, qu'il soit virtuel ou actuel, tout objet technologique peut s'observer suivant les dynamiques relationnelles qu'il entretient avec les autres objets. Les études intermédiales n'appréhendent pas les objets comme des dispositifs autonomes pour lesquels il faut penser a posteriori les dynamiques, mais partent du principe que ce sont les relations qui informent les objets. Selon cette approche, une technologie comporte en elle des structures sémiotiques qui ne lui sont pas exclusives et réarticule des mémoires, des conflictualités, des matérialités, des questions, des concepts et des rapports de force liés à des objets plus anciens. Les technologies imaginées dans la science-fiction ne semblent pas échapper à ce nœud de relations. En s'appuyant sur ce cadre théorique, cette thèse s'intéresse à un ensemble de technologies qui émerge dans la science-fiction audiovisuelle au sortir de la Guerre froide. Ces technologies, que nous appelons technologies de « mémoire totale », permettent aux personnages de gérer de façon inédite leur mémoire personnelle. Du dispositif de lifelogging implanté dans le cerveau au phénomène du mind uploading (« téléversement de l'esprit »), la science-fiction imagine et problématise le devenir de la mémoire humaine. Ainsi, l'étude entreprise ici consiste, d'une part, à comprendre d'où provient l'idée d'une mémoire totale, et d'autre part, à analyser les enjeux et les conséquences des technologies de mémoire totale sur la mémoire, les individus et les univers fictionnels. À terme, ce projet de thèse vise à réfléchir avec la science-fiction aux limites de l'innovation technologique à l'heure où, d'un côté, l'idéologie transhumaniste prend de plus en plus d'ampleur et, de l'autre, les projets technoscientifiques s'inspirent ouvertement des fantaisies technologiques issues de la science-fiction. En explorant les technologies de « mémoire totale », cette étude développe une critique de l'idéologie transhumaniste et de son projet d'amplification corporelle radicale (human enhancement) au sein duquel la mémoire tient un rôle clé.

S’interrogeant sur la capacité de la photographie à figurer ce qui n’est pas visible et qui se situe au-delà de l’« ici-et-maintenant », cet ouvrage s’intéresse au projet de la photographie contemporaine, qui ambitionne de se libérer des contraintes de sa propre genèse pour réfléchir visuellement sur la transcendance religieuse ou laïque. Ces analyses sémiotiques font ainsi émerger de véritables argumentations figurales développées par les images. Certaines séries photographiques proposent des références intertextuelles à l’iconographie religieuse picturale, dont elles rénovent les modes de signification du sacré. D’autres séries d’images traitent des fondements des valeurs de notre vie : la dignité, la maladie, la mort, le destin. L’ouvrage développe ces problématiques à travers l’analyse détaillée des œuvres des plus célèbres photographes contemporains (Witkin, Michals, Pierre et Gilles, etc.). Il discute aussi les principales théories (sémiotiques, sociologiques, esthétiques et philosophiques) relatives au médium photographique, à la sacralisation de l’objet-photo et à l’iconographie du sacré.

L'intermédialité chez Flaubert  "L'intermédialité est en vogue" 1 . De par ces termes, Joachim Paech relève non seulement la popularité de ce nouveau paradigme (notamment en Allemagne et au Canada), mais il souligne aussi le manque de précision du terme qui est appliqué aux domaines les plus divers.

University thesis realized during the pandemic, under constraints of access to resources and experience. Resumption of studies framed following a personal research, erudition carried out for a decade of specialized investigations, to succeed subjective experiences, as well as an analytical maintenance of my cerebral plasticity and cognitive structures of work (metacognition), from a project of institutionalization, of professorate art of luminosities.

Mémoire universitaire réalisé pendant la pandémie, sous contraintes d'accès aux ressources et à l'expérience. Reprise d'études cadrées suite à une recherche personnelle, érudition menée depuis une dizaine d'année d'investigations spécialisées, à réussir des expériences subjectives, ainsi qu'un maintien analytique de ma plasticité cérébrale et des structures cognitives de travail (métacognition) , à partir d'un projet d'institutionnalisation, de professorat art des luminosités.

Depuis plus de 20 ans maintenant, l’intermédialité transforme radicalement notre façon de penser les textes, tous médias confondus. Elle a provoqué de nouvelles synergies entre les disciplines, induit de nouveaux partages et emprunts méthodologiques, et même permis d’établir de nouvelles lignes de démarcation entre les cultures universitaires. Alors que la revue Intermédialités/Intermediality fête ses 15 ans, nous nous proposons de faire le point sur les différentes conceptions que l’on se fait de l’intermédialité à l’international. « Cartographier (l’intermédialité) » signifie donc que l’on s’intéressera aux divers cadres institutionnels et méthodologiques qu’elle rencontre à travers les mondes universitaires qu’elle traverse, mais aussi à l’extraordinaire variété d’objets auxquels elle se retrouve appliquée. Comment l’intermédialité permet-elle de distinguer les cultures universitaires ? Est-il possible d’unifier les conceptions que l’on se fait de l’intermédialité à partir des disciplines où elle apparaît plus ou moins incidemment (comme dans les études littéraires, les études cinématographiques, les études théâtrales, l’anthropologie, les cultural studies, les (video)game studies, etc.) ? Ou sont-ce plutôt la langue et la tradition de recherche nationale qui sont déterminantes pour l’unité des conceptions que l’on se fait de l’intermédialité ? Quels sont les concepts communs que les domaines d’études émergents — en particulier celui de l’écologie des médias — doivent à l’intermédialité ? Enfin, quel rapport entretient l’intermédialité avec de récents « grands tournants » en sciences humaines, par exemple la montée des humanités numériques ou encore celle des new materialisms ?

Cet article porte sur l'intermédialité formelle qui unit entre eux le jeu vidéo Remember Me et le roman Les furtifs, d'Alain Damasio. Les deux fictions travaillent une même configuration de relations écouménales (c'est-à-dire les relations techniques et symboliques qui unissent un individu à son environnement et à autrui)-un même habiter-en fonction de leurs spécificités médiatiques propres et d'une mise en tension homologue des discours dystopique et eutopique. Cela donne lieu à une critique de l'habiter contemporain dans le cadre d'une société algorithmique émaillée par la surveillance et la présence d'enclaves sociales, de même qu'un habiter alternatif.

Mots-clefs : dystopie critique, habiter, intermédialité formelle, société algorithmique, surveillance.

Abstract: This paper examines the formal intermediality relationship between the videogame Remember Me, and the novel Les furtifs, by Alain Damasio. The two fictions work on the same configuration of ecumenal relations (that is to say the technical and symbolic relations which unite an individual to his environment and to others)-the same inhabiting-according to their own media specificities and a homologous tensioning of dystopian and eutopian discourse. This gives rise to a critique of contemporary inhabiting within an algorithmic society punctuated by the surveillance and presence of social enclaves, as well as an alternative inhabiting.

Cet article présente les premiers résultats d’une recherche en cours sur le processus de patrimo- nialisation et de muséification du fado de Lisbonne, dans le cadre de son inscription au Patrimoine culturel immatériel de l’humanité (PCI) en 2011. L’étude porte ici sur la « mise en musée » du fado, plus précisément sur la façon dont cette chanson urbaine est exposée et médiatisée au sein du Musée du Fado, première et unique institution muséale entièrement dédiée à ce genre, ayant pré- sidé la candidature au PCI de l’Organisation des Nations unies pour l’éducation, la science et la culture (Unesco), et devenue la principale vitrine du fado à Lisbonne. L’article revient sur quelques moments-clés de la patrimonialisation du fado et sur le parcours du Musée du Fado, retraçant notamment les changements muséographiques déterminés par le projet d’inscription au PCI et les normes de l’Unesco. Il propose ensuite une analyse de l’expographie du musée, en tant qu’elle révèle une « poétique du fado-patrimoine ». Une mise en scène et en valeur des grandes « voix » du fado est produite, grâce à un dispositif intermédial et interactif. Corrélativement, il est observé que certaines voix sont occultées du dispositif, conduisant à les minorer dans l’expérience – et la reconnaissance – patrimoniale.
Mots-clés : fado, PCI, muséographie, display, agentivité, partimonialisation de la musique, médiation et remédiation

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This article presents the initial findings of current research into the process by which the Lisbon fado has been patrimonialised and museified, before and after its listing as an Intangible Cultural Heritage of Humanity (ICH) in 2011. It addresses the “exhibiting” of the fado “in a museum”, spe- cifically how this urban singing is presented in various media within the Fado Museum, the first and only museum solely dedicated to the genre, which led the candidacy submitted to Unesco for ICH listing and has become the main showcase for the fado in Lisbon. It traces key points during the fado’s patrimonialisation process and the development of the Fado Museum, particularly the museographical changes determined by the ICH candidacy and Unesco standards. It then analyses the museum’s exhibition practice and how it reveals a “poetics of heritage fado”. The great “voices” of the fado are staged and highlighted using multimedia, interactive equipment. At the same time, certain voices are omitted from the exhibits, reducing their importance in the heritage experience and their recognition.
Key words: fado, ICH, museography, display, agency, patrimonialisation of music, mediation and remediation

L'article se propose d'observer comment les auteurs et dessinateurs de bandes dessinées ont recours aux relations intermédiales (l'ajout par le dessin d'autres médias, la superposition de médias, la transposition en BD) pour communiquer et asseoir une production très particulière : la bande dessinée consacrée aux génocides. Ici sont abordés les albums traitant du génocide des Arméniens, de la Shoah et du génocide rwandais. manuscrit preprint.

The Garden of Earthly Delights, painted by Hieronymus Bosch, is one of the most enigmatic paintings of all time. Its profusion of weird transgressions and intertwinings between the inanimate world and living creatures can be seen as an unparalleled allegory of ‘in-betwenness’. Researching the cinematic history of the painting has revealed three outstanding cinematic ‘adaptations’ ‒ Silvano Agosti’s Il giardino delle delizie (1967), Stan Brakhage’s The Garden of Earthly Delights (1981), and Lech Majewski’s The Garden of Earthly Delights (2004) ‒ that not only quote the painting but also exploit the media-reflexive potential of the Bosch triptych providing specific insights into cinema’s own transgressive qualities: on ways in which a sensation of intermediality emerges within the cinematic experience. Accordingly, each of these films can be seen as constituting a different model for ‘in-betweenness’ in the cinema, typical, in turn, for modernist cinema’s revitalization of the concept of photogénie, for avant-garde experimentalism in search for a kind of ‘transsubstantiation’, and for the decomposition of cinema in the so called post-media age. The essay proposes a ‘triptych’ of film analyses in which three modes of ‘becoming’ intermedial are examined, while the notion of intermediality itself is re-examined as something more closely linked to ‘perception’ and ‘sensation’ and building on the possible interactions with the camera as a machine.

https://www.publifarum.farum.it/index.php/publifarum/article/view/613
ISN 1824-7482
Dans le récit Les Années (2008), qu’Annie Ernaux qualifie « d’autobiographie impersonnelle », les souvenirs s’égrènent au gré d’une énonciation entremêlant mémoire individuelle et mémoire collective. Les chansons populaires y occupent une place importante, comme marqueurs de générations mais aussi marqueurs de l’époque s’imprimant à son insu sur une mémoire. Voix du collectif, elles offrent néanmoins une voie singulière pour l’individuation par le jeu des affects et de leur ancrage mémoriel. Cette dialectique se retrouve dans le lien singulier que la chanson, et notamment son inclination à l’itération, entretient avec le sentiment du temps que la narratrice cherche à restituer, celui d’une durée diffuse animée d’une tension dramatique du désir, offrant une alternative au sentiment tragique du temps photographique. L’article, prenant appui sur cette opposition entre photographie et chanson, explore les émotions mémorielles propres à ce genre musical et la façon dont elles sont restituées dans l’écriture de ce récit.

Illustré par Léon Benett pour l’édition Hetzel de 1892, "Le Château des Carpathes" de J. Verne se présente comme un iconotexte dans lequel les récits textuel et iconique ne coïncident pas toujours. Benett « visionne » le roman et son intrigue, bâtie sur un artifice d’optique, afin de créer des images qui non seulement illustrent le texte en abymant sa problématique visuelle mais proposent surtout une autre lecture du roman et une autre vision de son auctorialité.

For over twenty years now, intermediality has radically transformed the ways we think about texts across media. It has introduced new synergies between disciplines, new ways of sharing and borrowing methodologically, and it has even established new lines of demarcation between academic cultures. Thus, as the journal Intermédialités/Intermediality celebrates its fifteenth anniversary, this issue charts the diversity of current conceptions of intermediality. Emphasizing the concept’s far-reaching international dimension, “Mapping (Intermediality)” focuses on the diverse institutional frameworks and methodologies that intermediality encounters as it traverses numerous academic worlds, as well as on the extraordinary variety of its objects of study. How does intermediality allow us to distinguish among academic cultures? Furthermore, is it possible to unify conceptions of intermediality based on an observation of those disciplines where it is routinely practiced, but often without much theorization (as is the case in literary studies, cinema studies, theater studies, anthropology, cultural studies, (video) game studies, etc.)? Or, rather, might it be language specificity and national research traditions, primarily, that consolidate understandings of what constitutes intermediality? What are some of the overarching concepts that emerging fields of study (in particular that of media ecology) owe to intermediality? And what is the connection between intermediality and important recent shifts in the humanities, such as the rise of digital humanities or new materialisms?

Questionner la place qu'occupe la peinture dans A la recherche du temps perdu, c'est réfléchir à la manière dont elle se propose comme une poétique. Etudier l'inscription du portrait-tableau dans le roman proustien revient donc à s'interroger sur les modalités de son insertion au sein d'un discours romanesque, et sur celles de son écriture. Proust assigne aux portraits tableaux et aux portraits scripturaux des fonctions différentes : en "peignant" des personnages, il fait d'eux des tableaux vivants et les éléments d'une esthétique ; à l'objet esthétique proprement dit, Proust attribue la fonction de signifier.

This paper examines the concept of transmediality and the reasons, both theoretical and ideological, that legitimize its use in the context of contemporary cultural practices. A preliminary enquiry into the terminological composition of the concept observes the prevalence of media on art and language, while the prefix trans is distinguished from inter. The success of transmediality is based on three main reasons: the advent of digital in social life, the patrimonialization of the popular arts and the resurgence of teleological discourses. It follows that transmediality allows us to explain, maybe in a too enthusiastic way, contemporary forms of adaptation and narrative extension linked to fictional cycles, genres and narrative themes.

Per tracciare, sia pur sommariamente, ma con chiarezza, l’evoluzione di un concetto che ci sta a cuore, come quello dell’“opera plurale”, non si costa proprio nessuna fatica,
quest’anno, a prendere le mosse dal centenario del movimento futurista. Pur se non si può fare a meno di accettare l’idea che Marinetti abbia tratto più di uno spunto dall’opera di alcuni precursori fuori dalle righe, bisogna dargli atto che la scintilla del primo manifesto, accesa sulle pagine de “Le Figaro” il 20 febbraio 1909, tra trasgressioni e innovazioni, ribaltamenti e sovversioni, ha avuto effetti piuttosto
significativi, innescando un processo di prefigurazioni a catena che hanno aperto prospettive insospettate al rapporto tra media e linguaggi.
Nella poesia, per esempio, i limiti della pagina sono efficacemente violati e la figura del poeta si trova di colpo davanti alla necessità di agire nello spazio acustico, visivo, scenico, per affrontare le esigenze pressanti di progetti fondati sulle intersezioni linguistiche, sulle contaminazioni, sulla percezione multisensoriale, sui rapporti con le nuove tecnologie e, soprattutto, sulla complessità della dimensione della performance. A scattare utilmente è l’interesse per la complessità dei rapporti tra la scrittura e le arti, che gradualmente s’incanalerà nella direzione di quella che, negli anni Sessanta, una fortunata intuizione di Dick Higgins indicherà come “intermedialità”.

L'oeuvre littéraire de Philippe Delerm est reconnue pour ses descriptions des plaisirs les plus infimes de la vie quotidienne. Néanmoins, peu de chercheurs se sont intéressés au dialogue que l'écrivain a noué avec les photographies de son épouse, Martine, autour de leurs déambulations sur les sentiers normands (Les Chemins nous inventent), de leur fascination pour l'idée de Paris -ville de l'enfance pour l'un, cristallisation de tous les ailleurs pour l'autre -(Paris l'instant), et de la mélancolie légère qu'ils ont éprouvée devant ces messages qui viennent d'un autre temps (Traces). Plus qu'une simple collaboration, ces ouvrages représentent une véritable co-création, une naissance commune survenue sans même que ses auteurs n'en aient été consciemment responsables :

Le progrès technologique et la révolution des médias ont donné de nouveaux espaces d'action. En même temps, il est très important d'élargir les matrices poétiques dans l'espace performatif (qui, dans les 40 dernières années, est devenu beaucoup plus vaste et plus complexe) où le texte tradi-tionnel ne joue pas un rôle de premier plan. Celui-ci a cédé la place à un texte « autre », un texte qui a changé de forme et de structure, un texte à considérer au même niveau que les autres éléments en interaction. La relation entre le texte et l'image, le corps, le geste, le son, devient vite très compliquée. Face au statisme des écritures standard s'affirment, avec une clarté sans cesse plus grande, les caractères « rebelles » de l'écri-ture hors de la page. Il s'agit de caractères liés, principalement, à toutes les frictions engendrées par une série signifiante de rapports dynamiques. Le travail du poète-performeur, de fait, se construit patiemment sur les oscillations générées par l'activation des rapports entre intérieur (l'oeuvre) et extérieur (le contexte), au sens où il se situe comme charnière dialectique entre spiritus et corpus, sujet et objet, privé et public, local et global, parti-culier et total ; entre projet et réalisation du projet. Le poète, dans son action, met en forme une synthèse de ces opposés, de sorte que sa poésie apparaît double, ce qui une fois de plus nous renvoie à un référentiel que je qualifierais d'alchimique. Dans la tradition hermé-tique, le monde est synthèse de contraires. Paracelses, mages et alchimistes affirment que toute chose est double. Le fruit de la coniunctio oppositorum, le filius philosophorum, est le Rebis, l'androgyne immortel, l'être double. Les pieds sur la terre et les bras levés au ciel, l'androgyne, l'orant archéty-pique, l'Y (présent dans tous les alphabets connus), participe à la fois des deux principes : uranien et chtonien. Déjà Aristote affirmait qu'un carac-tère spécifique à la substance (bien qu'identique et numériquement « un ») est qu'elle soit constituée pour accueillir les contraires par un processus d'autotransformation. Au génie poétique, il est demandé de mettre en jeu la synchronisation des processus de conjonction (performance) afin que puissent être atteints les niveaux formels les plus élevés. Le poète, aux prises avec la transmuta-tion des matières alphabétique et verbale, comme l'alchimiste, s'emploie à la recherche des possibles facettes de la substance, poursuivant comme fin ultime celle de la naissance de l'Y, de la pierre philosophale, de l'aurea apprehensio, de l'axis mundi. Le poète transforme ainsi les choses et les mots comme le paysan transforme le raisin en vin et les épis en pain : tout se confond dans la roue du temps et de l'espace. Pour le poète, cette dyna-mique fluctuante constitue le continuum de matière et d'énergie au sein duquel l'action, non sans difficultés, s'édifie. La performance se donne ainsi comme structure pulsante, lieu d'une convergence entre les diverses disciplines artistiques, lieu carac-térisé par l'intersection des langages, par une polydimen-sionnalité qui ne se borne pas à la simple addition des éléments. Corps, gestes, bruits, sons, lumières, objets et architectures, comme chacun le sait, entrent alors en jeu pour former un interlan-gage. Parmi les éléments qui interagissent, une fonction d'unification est réalisée par la voix, voix libre (libérée du texte) ou voix liée (quoique sous des formes différentes) à l'écriture. D'une part, il y a les sons du corps, le souffle, le cri, les phonèmes ; de l'autre, il y a la voix qui forme et transforme, la voix qui déforme, la voix qui module, la voix qui joue le texte. L'interaction entre oralité et écriture, où l'une croise l'autre et vice versa, offre au poète des espaces intéressants d'in-tervention, à condition que l'oralité ne soit pas liée à des techniques de « mémoire natu-relle » 2 , mais qu'elle se fasse plutôt sur la base des « mémoires artificielles » 3 de l'écriture, d'une part, et des technologies électroniques, d'autre part. L'écri-ture ne doit jamais agir comme une partition verrouillée, comme une indication univoque pour des résultats de lecture rigides Hermes Intermedia et la poésie épigénétique Multiplicité, simultanéité, intermédialité : la métamorphose transgénique de l'oeuvre poétique, par stades progressifs par G i o v a n n i F o n t a n a ou comme un système de réduction et de cristallisation de la vocalité, mais bien comme un sol fertile qui peut contenir en soi le germe des évolu-tions sonores ou gestuelles, réorganisées et transformées par l'équipement technique du poète-performeur. Celles-ci demeurent toutefois en tout point imprévisibles et n'excluent pas la possibilité d'utiliser des modèles anciens, éventuellement comme clé démystificatrice ou ironique. Le long de cette route, nous arrivons à une conception du texte intégré, un polytexte en résonance avec un hypertexte sonore multipoétique, un ultratexte transversal qui se nourrit de polyphonie intermédiale et inter-linguistique, basé sur des langues d'action qui ne consistent pas en la simple somme des éléments qui y participent. Le texte (mais dans ce cas, il vaudrait mieux dire pré-texte) dans sa forme typographique doit contenir les germes métamorphiques capables de réaliser la complexité d'une dynamique ultérieure, une tessiture (hyper-hyphos) au-delà de la page. Le texte écrit, le pré-texte, peut alors être défini en tant que projet, anticipation et possibilité : pré-texte comme lieu de transfiguration, pré-texte comme premier domaine d'action pour reparamétrer, en termes d'espace et de temps, le corps (expressivité, attitude, voix, geste, mouvement…), les objets (représentation, configuration, plasticité, couleur…), le son (bruit, musique, articulation phonétique, spatialisation électroacoustique…), l'architecture (point, ligne, surface, volume, lumière…), les supports tech-nologiques (projection vidéo, multivision, laser, ordinateur, échantillonneur, systèmes d'amplification et de spatialisation sonores, dispositif scénique, réseau…) et la relation à l'environnement (lieu, public, contexte sociocul-turel, élargissant le cercle rituel et adoptant des frontières floues, atténuées, fractales…). Donc, nous pouvons rechercher dans l'espace performatif de nouveaux rapports avec les formes du texte dans l'intention de construire un poème polydirectionnel et multidimensionnel, polyvalent et multipotentiel, poly-centrique et multilatéral, polyrythmique et multisonore, qui ne soit pas replié sur lui-même, pouvant pénétrer les territoires les plus disparates, de sorte que la contamination des systèmes investis favorise des antagonismes et que la compénétration des univers séparés reste sourde aux sirènes du multimédia institutionnel, embourbé dans la mélasse télévisuelle entière-ment dominée par la logique du marché. Le poète se transforme alors en polyartiste. Il s'approprie les pratiques électroniques, vidéographiques, cinématographiques, photographiques, sonores (au-délà de la musique), théâtrales (au-delà du théâtre), rythmiques. Il agit poétiquement, utilisant toutes les techniques, tous les médias, tous les espaces, sans ignorer la sphère créative de son propre corps, donc ses gestes et éléments vocaux. Ce sont tous des éléments qui, s'ils sont liés à l'électronique, sont à la base des recherches actuelles. Aujourd'hui, il est largement reconnu que la poésie a depuis longtemps dépassé les frontières disciplinaires. Il suffit de nous rappeler l'histoire des formes poétiques du siècle dernier et d'arrêter notre attention sur la notion d'oeuvre totale et sur le concept de poésie totale. À cet égard, à ce jour, demeure un livre fondamental, Verso la poesia totale (Vers la poésie totale), écrit en 1969 par Adriano Spatol 1 , un essai très utile sur les « positions » de la recherche. Le poète offrait un large panorama de l'expérience poétique qui cherchait, à l'époque, à devenir médium total. La poésie tentait effectivement d'intégrer (aussi en se basant sur l'expérience des avant-gardes historiques) le théâtre, la photographie, la musique, la peinture, la typographie, les techniques du cinéma et tous les autres aspects de la culture. Adriano Spatola, observateur attentif du paysage de l'intermédialité, soulignait la continuité absolue, dans la « parole » poétique, entre le son et la dimension visuelle. La poésie était alors en transformation rapide. Spatola remarquait qu'elle se consom-mait à une vitesse qui n'était plus commensurable. Mais, dans les années soixante, la révolution numérique n'avait pas encore explosé. Évidemment, aujourd'hui, les choses ont bien changé…

« Ajoutez deux lettres à Paris : c’est le paradis » (Renard 202) : tel est l’engouement qui motive le projet de tant d’ouvrages qui prétendent à capturer la capitale française. Des photographies de Doisneau aux textes canoniques de la littérature de Zola ou d’Hugo, il faut à tout prix documenter la Ville-Lumière afin de saisir cet espace protéiforme. Les amoureux de l’Hôtel de Ville de Philippe Delerm et Paris l’instant, ouvrage photo-littéraire réalisé conjointement avec sa femme Martine Delerm, s’inscrivent dans la continuité de cette tradition qui saisit le lieu, d’une manière ou d’une autre. Bien que très différents, ces deux projets explicitent un questionnement quasi-millénaire : Qu’est-ce que Paris ?

Avec André Gaudreault, Servanne Monjour et Marcello Vitali-Rosati

Les médias existeraient-ils sans la littérature ? Pourrait-on parler de « télévision », de « photographie », de « cinéma » ou du « numérique » sans que ces dispositifs aient aussi été construits, institutionnalisés et même parfois déconstruits dans l’imaginaire collectif par la littérature et son discours ? À l’heure où le numérique semble encore s’inventer, le présent dossier vise à souligner le rôle du fait littéraire dans la construction de nos médias. En même temps, l’hybridation médiatique de notre contemporanéité numérique rend nécessaire une réflexion sur la capacité des médias à se réinventer réciproquement, renouvelant chaque fois l’ordre du discours et la fonction de la littérature. En raison de sa capacité à témoigner de l’hétérogénéité de notre univers médiatique, la littérature offre un terrain privilégié – où tout reste encore à faire – pour mener une telle recherche.

The comparative method in literature, as it has been conceived in the romantic milieu, has always considered analogy, similarity, exchange, as the main reference criteria in criticism. Such criteria are partly due to a political (and ideological) perspective that we tend to apply to the phenomenon of art production. Our reference model is in fact the modern social exchange of men and things in liberal society. Nevertheless, hermeneutic profitability in art is mostly based on distinction and mimetic rivalry.

The sixth session of the Interarts and Intermedia seminars, organized by the THELEME group (CEC-FLUL), will be held ONLINE, on the 5th of May, from 3pm to 4h30pm (Portuguese local time, UTC+01).

We will have the pleasure to receive Werner Wolf, professor and chair of English and General Literature and vice-director of the Centre for Intermediality Studies at the University of Graz. He will present:

"The Concept of ‘Transmediality’, and an Example: Repetition across Arts/Media".

Pénélope Patrix, researcher at the Centre for Comparative Studies (CEC-FLUL), will serve as respondent.

The presentation - in English - will be followed by questions and a debate with the public.

The session will take place online via zoom. The link to access the seminar remains the same: https://us04web.zoom.us/j/76118106274?pwd=NmhodXhDRThUeG9xQWRhaVF4WDFJZz09  (meeting ID: 761 1810 6274 ; pin: kNpi3v).

The seminar is open to the public. Feel free to share the information with your colleagues, students and anyone interested.

Abstract:
Transmediality, in the sense used in this contribution, is a notion designed for media comparison and refers to the quality of ‘travelling concepts’ which allows them to be realized in several arts or media. While a transmedial, media-comparative perspective always involves more than one medium and is to this extent related to intermediality, not all scholars working in the field consider it a variant of genuine intermediality. In its first part, this contribution will, however, show that there are good reasons for integrating transmediality into a system of intermedial forms, although such classifications are ultimately of reduced relevance when one considers the heuristic benefits which a transmedial perspective can yield. Some of them will be illustrated in the second part by means of an eminently transmedial phenomenon, namely repetition. A typical result of transmedial comparisons is that some media or media-specific genres can realize the transmedial phenomenon under discussion better than others. This is also the case with repetition. It will be pointed out that, owing to the tendential incompatibility between narrativity and large-scale repetition, the latter is more frequent in tendentially non-narrative media or genres such as instrumental music and lyric poetry than, e.g. in Wagnerian opera and the novel and that the tendency towards, or avoidance of, large-scale repetition can be used as an indicator of the narrative potential of a given medium or genre. Besides being mainly a contribution to inter- or transmediality studies, the lecture will thus also be relevant to narratology and the question of how to assess the narrative potential of individual media or genres. 

Werner Wolf received his Habilitation (highest academic qualification) in Munich in June 1991; he is a founding member of the International Association for Word and Music Studies (WMA) and is currently Professor and Chair of English and General Literature at the University of Graz, Austria, as well as and Vice Director of the Centre for Intermediality Studies at Graz (CIMIG). His main areas of research are literary theory (aesthetic illusion/immersion, narratology, and metafiction/metareference in particular), functions of literature, 18th- to 21st-century English fiction, as well as intermediality studies (more specifically relationships between literature and music and the visual arts). His publications include, besides numerous essays, reviews and contributions to literary encyclopedias, the monographs Ästhetische Illusion und Illusionsdurchbrechung in der Erzählkunst (Aesthetic Illusion and the Breaking of Illusion in Fiction, 1993), The Musicalization of Fiction: A Study in the Theory and History of Inter-mediality (1999), and Selected Essays on Intermediality (ed. Walter Bernhart, 2018). He is also (co-)editor of volumes 1, 3, 5, 11, 14, 15 and 19 of the book series "Word and Music Studies" (1999-forthcoming) as well as of volumes 1, 2, 4-6 and 11 of the series "Studies in Intermediality" (2006-2018). For more details, including his publications on the topic ‘music and narrativity’, see his homepage, hosted by the University of Graz: https://homepage.uni-graz.at/de/werner.wolf/. 

Jeffrey Childs, Pénélope Patrix & Sandra Camacho (org.)
Contact: seminarios.theleme.cec@gmail.com
More information: http://cec.letras.ulisboa.pt/en/events/upcoming-events-events/

Dans le cadre d'une interdiscipline sémiotique articulant des principes techno-génétiques et sémio-génétiques dans la définition du geste « faire des vidéos », nous développerons l'hypothèse d'une transformation structurelle de la fonction subjectivante et socialisante de la parole par la télévision pour interpréter l'émergence du youtubing dans la perspective syncrétique d'un processus d'adaptation. MOTS-CLÉS : YOUTUBE, TÉLÉVISION, GESTE, PAROLE, CADRE, PERFORMANCE As part of a semiotic interdisciplinary articulating « technogenetics » and « semioge-netics » principles in the definition of the gesture « to make videos », we will develop the hypothesis of a structural transformation of the subjectivizing and socializing function of speech by television to interpret the emergence of youtubing in the syncretic perspective of an adaptation process.

Yannick Haenel est un écrivain français cinéphile qui intègre ainsi de nombreuses références à des films dans ses textes. Le cinéma est un art important pour l’auteur de Cercle (2007) qui, au même titre que la peinture ou la musique, imprègne de manière non négligeable ses écrits où il est appréhendé comme un réservoir de puissantes expériences sensibles et réflexives. Cette dynamique est tout particulièrement à l’œuvre dans Tiens ferme ta couronne (2017), dont une des trois parties est précisément intitulée « Des films » et où la figure du cinéaste américain Michael Cimino, frère de cœur et d’esprit du personnage principal aussi narrateur, se révèle prépondérante. C’est en effet ce roman qui célèbre le plus intensément les noces entre le cinéma et la littérature, pour reprendre une formule employée par l’auteur lorsqu’il s’est vu remettre le prix Médicis pour ce livre. On s’arrête dès lors, dans le cadre de cet article, sur ce texte spécifique afin de voir quel imaginaire filmique il déploie et fait vibrer, comment littérature et cinéma s’y entrelacent, en activant notamment la tension visible-invisible depuis laquelle s’opère une singulière traversée de l’écran.

« Fábulas, bestiarios, estampas y cuentos en El Evangelio de Judas de Alberto Vázquez: porosidad intermedial de la narración gráfica contemporánea », Unicómic XX. Congreso Internacional de Estudios Universitarios sobre el Cómic, Universidad de Alicante, Alicante, septembre 2018.

Les étudiants acquièrent les outils critiques nécessaires à la compréhension du processus de traduction ainsi qu’aux phénomènes d’interculturalité : histoire de la traduction, théories de la traduction, méthodologies comparatistes, pratiques de la traduction littéraire, théories de l’interculturalité, théories de la littérature, herméneutique, courants de la philosophie contemporaine (French Theory).

Le programme se propose de former des traducteurs littéraires dans les aires linguistiques suivantes :

Langues d’Asie
Langues du Moyen Orient
Portugais
Langues Slaves

Le parcours-type est structuré autour d’un tronc commun visant d’un côté l’étude des textes théoriques portant sur la traduction littéraire et de l’autre l’étude des pratiques de l’interculturalité.

Selon les langues de spécialisation choisies, chaque étudiant suit les cours de traduction et de littérature dans un département de langues étrangères.

Il est également possible de choisir un axe théorique en traductologie. Les étudiants qui s’y inscriront se destinent à la recherche en Littérature Générale et Comparée.

Peter, Clarissa, Richard, Septimus or the mysterious passante, all wait or hesitate to cross streets, they walk across London, cross parks and rooms, meeting friends or anonyms on their way. They move forward, reach beyond, stop and go, move by fits and starts, tracing paths that converge or branch out. Their thought process and body motion merge in streams of consciousness that map out a day of June in London. Both thematically and structurally, Virginia Woolf’s Mrs Dalloway is built on a crossroads dynamic.

I will consider this peripatetic novel as “a meeting place of dissemblables”, as the meeting place of text and moving images. Following Regis Debray’s mediological approach, I will analyse the modernist text through the relationship between literature and cinematic aesthetics. I will see how from actual images (turn-of-the-century film techniques) Woolf creates virtual images (kinetic prose), which are eventually turned into mental images through the act of reading (reader’s mind’s eye). Woolf explores in-betweeness, and the connection between text and movement-images helps her ponder over the creative acts of writing and reading, and over the building of the Self (identity, experience, memory). I will see in what ways Mrs Dalloway takes its shape between thoughts and movement, space and time, action and memory, words and images.

À l'heure où les mutations climatiques obligent à repenser le sens des actions humaines et leurs conséquences dévastatrices sur la Terre que nous habitons, la scène de théâtre et les mondes qu'elle instaure pourraient-ils préfigurer ces « territoires habitables » que réclame notre époque ?