MODOS

O artigo busca contribuir para o debate acerca dos museus, coleções e representações tendo como foco o caso do Museu de Arte Negra (MAN), organizado pelo ativista, escritor e pintor Abdias do Nascimento. Dessa maneira, apresenta uma perspectiva multidisciplinar, que envolve discussões que perpassam a história da arte, a antropologia e a sociologia, com objetivo de apresentar o impacto das relações raciais no campo da arte.

Com a proximidade da Segunda Guerra Mundial, dentre os artistas brasileiros que residiam na Europa, Cícero Dias é o único que não retorna ao Brasil e decide manter sua estada em Paris. Em 1942, torna-se prisioneiro dos alemães e diante disso é conduzido para Baden-Baden. Posteriormente é enviado para Vichy, e meses depois segue para Lisboa, onde permanecerá por alguns anos. Em Lisboa, sua obra vai atravessar uma outra fronteira, mas onde tudo isso a conduz? Interessou-nos analisar as transformações que se operaram no campo imagético de Cícero Dias tendo como fio condutor as exposições em que participou, as mostras individuais que organizou e a recepção da obra pela crítica, no período em que residiu em Portugal, entre 1942 e 1945.

Inicialmente retoma-se neste artigo o debate entre o antropólogo britânico Alfred Gell e o filósofo norte-americano Arthur C. Danto a respeito da relação arte/artefato para, a partir das questões suscitadas acerca da noção de “armadilha”, confrontar essas considerações com a análise comparativa entre relativismo cultural e perspectivismo ameríndio desenvolvida pelo antropólogo brasileiro Eduardo Viveiros de Castro. Em seguida, busca-se averiguar a repercussão dessas ideias na abordagem da produção cultural dos povos indígenas no Brasil, examinando-se um estudo de caso em relação à conjuntura recente de assimilação e circulação de referências indígenas no sistema de arte contemporânea.

A continuación, se presentan los resultados de un trabajo investigativo desarrollado con el propósito de realizar un aporte a empresas dedicadas a la automatización de procesos industriales como la elaboración de productos alimenticios, fabricación de diferentes insumos, generación eléctrica, entre otros, con miras a alcanzar una mayor calidad y competitividad en sus desarrollos de supervisión, control y adquisición de datos (SCADA, por sus siglas en inglés). Teniendo en cuenta lo anterior, la investigación se centra en la etapa de control, ya que incide directamente en la programación del controlador lógico programable (PLC, por sus siglas en inglés). Se obtiene una metodología conformada por ocho procedimientos de desarrollo estandarizado de funciones o también llamados objetos de programación basada en normas ISA y en buenas prácticas de ingeniería. En particular, se seleccionó como modelo un proceso de producción de papel en el cual se realizó la identificación de los objetos mínimos requeridos y su programación sólida, dando como resultado bloques de funciones eficientes —con más de una docena de valores asociados— aplicables a cualquier tipo de proceso industrial en el que se cuente con procesos automatizados.

As discussões sobre a "virada global" na História da Arte estão ganhando cada vez mais espaço. Desde o final do século passado, os historiadores da arte voltaram seus procedimentos e métodos para aprofundar as conexões, trocas, interdependências, mobilidade e culturas visuais compartilhadas entre grupos geograficamente diversos. As pesquisas realizadas nesse contexto abriram novos caminhos para materialidades, obras e objetos pouco estudados ou conhecidos. É cada vez mais necessário incentivar a pesquisa que conecte as várias regiões e formas culturais. Como os insights de estudos regionais e locais podem ser integrados em uma rede internacional inclusiva de atividades acadêmicas? Convidamos propostas teóricas criativas e estudos de caso estratégicos de todos os campos, locais e épocas para prever um futuro para a história da arte global, concentrando-nos em conectividades, diferenças culturais negociadas e processos históricos dinâmicos. Esse futuro disciplinar resiste à ...

Tanto a Antropologia como a História da Arte alargaram seus repertórios conceituais e sua abrangência geográfico-temporal, aumentando suas interfaces. A partir deste diálogo interdisciplinar, o presente artigo trata de obras e projetos que floresceram a partir de 2015, nos quais questões, visualidades e criadores indígenas adentraram o sistema das artes no Brasil. Com base em pesquisa de campo e análise de catálogos, são apresentadas as exposições A queda do céu (2015), Da Pedra Da Terra Daqui (2015), Adornos do Brasil indígena. Resistências contemporâneas (2017), Reantropofagia (2019) e Vaievem (2019), entre outras; artistas indígenas como Denilson Baniwa, Jaider Esbell, Daiara Tukano, Ibã Huni Kuin e Gustavo Caboco. Conclui-se que a arte constitui uma nova arena na luta dos povos indígenas por visibilidade, tanto em termos políticos como estéticos. Por outro lado, constata-se grande distância entre os dois universos: estabelecer conexões e traduções permanece um grande desafio.

El presente trabajo se propone dilucidar los distintos usos y significados de dale, una de las interjecciones más características del español rioplatense, para lo cual estudia detalladamente los procesos de gramaticalización que se originan a partir de una forma verbal en imperativo. Se reconocen diversos usos (generales al español, compartidos en América o restringidos al Río de la Plata/ Cono Sur), en los que dale puede funcionar alternativamente como una interjección o una partícula con valores que remiten al aspecto (cuando indica una iteración) y, sobre todo, al modo, sea deóntico o epistémico (i.e., valores de reprobación, ánimo, apuro, asentimiento, pedido enfático, propuesta real o contrafáctica, incredulidad).

Tanto a Antropologia como a História da Arte alargaram seus repertórios conceituais e sua abrangência geográfico-temporal, aumentando suas interfaces. A partir deste diálogo interdisciplinar, o presente artigo trata de obras e projetos que floresceram a partir de 2015, nos quais questões, visualidades e criadores indígenas adentraram o sistema das artes no Brasil. Com base em pesquisa de campo e análise de catálogos, são apresentadas as exposições A queda do céu (2015), Da Pedra Da Terra Daqui (2015), Adornos do Brasil indígena. Resistências contemporâneas (2017), Reantropofagia (2019) e Vaievem (2019), entre outras; artistas indígenas como Denilson Baniwa, Jaider Esbell, Daiara Tukano, Ibã Huni Kuin e Gustavo Caboco. Conclui-se que a arte constitui uma nova arena na luta dos povos indígenas por visibilidade, tanto em termos políticos como estéticos. Por outro lado, constata-se grande distância entre os dois universos: estabelecer conexões e traduções permanece um grande desafio.

El enfoque epistémico tradicional del estudio del modo, basado en la distinción entre lo real/factual y lo no real/no factual, si bien se enfrenta a serias dificultades a la hora de dar cuenta del valor del subjuntivo en su conjunto, presenta una alta capacidad explicativa en el ámbito concreto de las oraciones subordinadas temporales. La alternancia modal que caracteriza a la construcción después (de) que, sin embargo, constituye, dentro de este ámbito, un desafío a dicho enfoque. En el presente artículo, y sobre la base de los principios e instrumentos teóricos de la lingüística cognitiva, se propone un modelo explicativo tanto para estas oraciones como para las introducidas por antes (de), que atribuye el uso en ellas del subjuntivo a la influencia que ejerce el punto de vista inherente a los adverbios antes y después sobre la estructuración conceptual y valoración epistémica del proceso subordinado.

The traditional epistemic approach to mood, based on the distinction between the real/factual and the nonreal/non factual, though often considered inadequate as a model for the Spanish mood as a whole, shows highly explanatory in the specific field of subordinate clauses of time. However, clauses introduced by después (de) pose a challenge to this approach. In this paper, an alternative model, built on the theoretical principles and instruments of cognitive linguistics, is proposed for both antes (de)- and después (de)-clauses, whereby the use of the subjunctive in these constructions is attributed to the relevance of the adverb’s inherent viewpoint on the construal and epistemic assessment of the subordinate process.

Este artigo pretende reiterar o papel do artista e de seu contexto profissional para a configuração da ideia de modernidade. Para tanto, parte-se de uma percepção alargada de modernidade, defendida, entre outros, por Jack Goody e Philadelpho Menezes para, através do método comparativo e transcultural, sublinhar a importância do artista na conceituação da modernidade. Comparando-se especificamente o papel sociocultural do artista na Europa e no Japão no período que se convencionou chamar de “era moderna” e evitando conjecturas excessivamente etnocêntricas, aponta-se para uma revisão do caráter monolítico da modernidade tratando-a, finalmente, como transmodernidade. 

This article, a synthesis of my doctoral thesis, focuses on how works by contemporary artists from the Brazilian Northeast have been addressed though identity narratives in a series of curatorships by Moacir dos Anjos dedicated to the discussion of his proposition about the "Northeastern artist” (artista nordestino), comprising events held between 1998 and 2006 in the cities Fortaleza, Recife and Sao Paulo. We question how these works reverberate and deal with this identity challenge, crossed by others issues such as the "invention" of the Northeast and Gilberto Freyre’s "regionalism". For that, we discuss the trajectories of some recurring works in these exhibitions and the way they were challenged by other narratives proposed by different curators. We seek to demonstrate how works and curators benefit from strategic and temporary associations to identities, complexing notions such as “label” and representation.

Apesar do significativo associativismo envolvendo artistas plásticos no Brasil, poucas são as representações de grupos de artistas em pintura.  Neste artigo estudaremos os quadros Alguns colegas (1921), de Arthur Timótheo da Costa, e Artistas da SBAAP (1952), de Angelo Bigi. A pesquisa com retratos de grupos impõe analisar-se não só as relações que estabeleceram os autores dos quadros, seus modelos e o público, mas, igualmente, as redes tecidas pelos artistas representados entre si, no momento de sua criação. Partiremos de algumas questões básicas:  Quem são? O que os uniu? Quais as motivações para a elaboração do quadro? Quem está presente ou ausente e por quê?  Como foram representados?

O artigo desenvolve uma crítica à 33ª Bienal de São Paulo, sob curadoria de Gabriel Pérez-Barreiro. Analisando a proposta curatorial de convidar artistas para organizarem núcleos curatoriais, sem que o curador abra mão de suas próprias escolhas individuais, o autor problematiza o que aponta ser um projeto fraturado e problemático. É de interesse do autor também refletir sobre o modelo Bienal na contemporaneidade: seus dilemas, debilidades, prospecções, assim como possíveis agenciamentos com o capital.

A 33ª Bienal de São Paulo propôs uma diluição do papel da curadoria ao convidar 7 artistas-curadores para conceberem diferentes núcleos expositivos. Complementando essas mostras, o curador-geral Gabriel Pérez-Barreiro preparou 12 mostras individuais. Ao analisar o poder curatorial descentralizado em diferentes exposições e abordagens, sob o comando de um grupo heterogêneo de propostas, a resenha desenvolve o argumento de que esta edição da Bienal apresentou reduzido grau de articulação interna e falta de coesão entre as diferentes propostas apresentadas. A autora argumenta que a falta de uma maior tensão unificadora do conjunto acabou por levar a uma dispersão da relação direta entre o espectador e a obra de arte, exigindo um esforço maior por parte do público.

Este artigo busca refletir acerca dos pressupostos teórico-metodológicos do legado warburguiano mediante dois aspectos: o mergulho nos relevos do Oratório de São Bernardino, em Perugia e o estudo da Prancha 25 do Atlas Mnemosyne. Tomamos posição de que Warburg legou um método, revelado em premissas destiladas de seus escritos, como propõem diversos pesquisadores italianos da atualidade. Destaca-se o contato direto com os monumentos; a atenção ao detalhe, à exceção; a precedência das imagens; o diálogo entre imagens. A Prancha 25 compõe-se majoritariamente de relevos esculpidos por Agostino di Duccio (1418-1481), pouco conhecido nos compêndios de história da arte. Nesta prancha, aparecem duas imagens do Oratório de São Bernardino: sua fachada e um relevo sobre um milagre do santo. Realizamos, então, um olhar aproximado desta fachada, de modo a explorar a poética deste artista, singular na incorporação do elemento dionisíaco na arte do Renascimento. Anjos, alegorias das Artes Liberais...

A pesquisa “Tempo andante da intervencao urbana: relacoes temporais nas obras “Imagens Posteriores”, “Giganto” e “Polaroides (in)visiveis” e resultado das reflexoes sobre o tempo em tres intervencoes urbanas que se utilizam da fotografia. Coloco-me diante das imagens e dos documentos-signo das obras “Imagens Posteriores” (2000-2013) de Patricia Gouvea, “Giganto” (2009-2013) de Raquel Brust e “Polaroides (in)visiveis” (2005-2011) de Tom Lisboa, conforme proposicao do filosofo e historiador da arte Georges Didi-Huberman (1998, 2013, 2015), de onde emerge um cruzamento temporal entre passado, presente e futuro. Este cruzamento se da na percepcao das linhas de tempo propostas pelo filosofo Gilles Deleuze (1987): “tempo que se perde”, “tempo perdido”, “tempo que se redescobre” e “tempo redescoberto”. Alem dessas, acrescenta-se o conceito de “tempo andante”, criado pela pesquisadora, que diz respeito a estrutura temporal que se da na associacao entre “tempo do acontecimento” e “espaco lis...

O texto analisa parcialmente elementos da 27a edição da Bienal de São Paulo, em especial seu contexto institucional. Como categoria metodológica para a análise é operado o conceito de display, conforme elaborado pelo curador e crítico Pablo Lafuente, no qual considera-se não apenas a proposta curatorial de uma exposição e sua articulação arquitetônica, mas todos seus elementos conectados, tais como obras, textos (de parede e também das etiquetas, catálogos, folders, audio-guides, entre outros), a história e perspectiva institucional e a participação do visitante (pretendida e efetiva). Ainda que a análise não se pretenda exaustiva, busca desenhar possibilidades de operações no que diz respeito aos estudos expositivos. Como pano de fundo, enfoca-se a noção de nacional/internacional, que organiza edições da Bienal de São Paulo desde o ano de sua fundação, em 1951, conforme o modelo propagado pelas Exposições Universais do século 19 e, em particular pela Bienal de Veneza (1895), referê...

As práticas para a exposição da obra de arte na França do século XVIII até o período posterior à Revolução Francesa motivaram uma série de questionamentos e debates, provando que a questão do lugar da arte na sociedade havia se tornado alvo de interesse. Numa fase em que se configuram a afirmação da História da Arte enquanto disciplina acadêmica, a abertura das coleções régias e burguesas para o estabelecimento dos museus e o propósito de expor a obra de arte para o aprendizado da História da Arte, historiadores, artistas e arquitetos discutem quais seriam as estratégias mais adequadas para a exposição destas obras. Território ainda em formação, o museu é palco de experimentação para a museografia, onde não falta a ingerência de critérios ideológicos. O presente artigo procura refletir sobre o desenvolvimento da museografia e das linguagens da exposição que tiveram lugar a princípio em coleções de galerias do norte da Europa e no Museu do Louvre, destacando a experiência de Philippe...

Este artigo cruza duas investigações centradas nos percursos internacionais dos artistas portugueses e as suas experiências criativas em Londres e Paris. Partindo do contexto português e dos novos desafios artísticos no período após a Segunda Guerra Mundial, o texto explora os distintos contributos dos artistas em Londres e Paris para a formulação de uma nova corrente estética, a nova-figuração, e para a abordagem da contemporaneidade, quer do ponto de vista político, quer do ponto de vista da nova cultura de massas e de consumo. Neste artigo, é dada ainda particular atenção à receção pela crítica portuguesa do trabalho destes artistas, que foi interpretado como sendo especificamente português, resultando de movimentos criativos anteriores e do ambiente político, económico e social do país. Esta “nacionalização” da nova-figuração é confrontada, neste estudo, com a abordagem crítica por parte dos artistas portugueses relativamente às novas correntes artísticas internacionais, como o ...

Os deslocamentos de artistas e obras de arte formam parte da prática artística. Viagens para pintar, estudar, expor, são comuns nas trajetórias de vários pintores, seja entre cidades, seja entre países. O que veremos neste artigo, a partir de alguns casos elucidativos de questões próprias do trânsito, é como essa prática se desenvolvia ao longo do século XIX no Brasil, período em que os mundos da arte passaram por significativas mudanças. A necessidade de expandir os espaços de exibição e negociação levou muitos artistas brasileiros a investirem em viagens pelo país em busca de reconhecimento para seu trabalho e compradores para suas telas. O que iremos acompanhar, apoiados em exemplos de viagens do período, é como esse trânsito se apresenta levando em consideração, também, a mudança de regime político do Império para a República. Uma vez que artistas e obras de arte sempre estiveram em trânsito, nós devemos ir atrás dele para poder montar mais um capítulo dessa história.

A presença de escritos referenciais de Aby Warburg é emblemática do crescente movimento de retorno a teóricos e historiadores da arte do início do século XX, pelo menos em dois diferentes âmbitos. Um deles se dedica a seus pressupostos teórico-metodológicos sob uma revisão epistemológica da história da arte, cuja especificidade nos coloca a pensar a possibilidade de acesso a uma região de saberes e não saberes sobre a diversidade cultural do Renascimento e de seu olhar sobre a Antiguidade, entendendo sua temporalidade como um fenômeno complexo. O outro âmbito é suscitado por questões oriundas da arte moderna e contemporânea, que impõem agenciar deslocamentos de sentido, conceitos operatórios e categorias de análise para considerar a produção visual (recente ou não) e problematizar constrangimentos classificatórios e modelos teóricos fundados por teorias que se pretendiam objetivas. A ordem epistemológica desse retorno, em ambos os âmbitos, parece questionar o próprio discurso histor...

Too often, the term of modernité is used without a clear sense when historians write about the modernité of the greats painters of the nineteenth century, as Édouard Manet or Vincent van Gogh for example. This article wants to give a definition of modernité as Baudelaire thought it, i.e. a concept, then show that our vision of this term is constructed from the discourse of the art critics of the nineteenth century. In fact, what we call today modernité is only a mythology.

Na passagem dos anos 1960 para os 1970, o artista brasileiro Waldemar Cordeiro (1925-1973) desenvolve suas primeiras obras em computer art a partir da aplicação do conceito matemático de “função derivada”. Na mesma época, organiza e participa de mostras e desenvolve uma série de ensaios antevendo que a utilização de recursos digitais seria um processo inevitável para o futuro da recepção da informação e da comunicação artística. Um olhar atento para a produção artística e teórica de Waldemar Cordeiro, depois de quase cinquenta anos de suas primeiras investidas no campo da arte e tecnologia, é uma excelente oportunidade não somente para revisitarmos sua trajetória, mas também para reescrevermos a história da arte digital e do pensamento sobre ela, colocando o Brasil e a América Latina em lugar central, e não periférico, em relação às narrativas europeias e estadunidenses. Waldemar Cordeiro e a Arteônica: reescrituras da arte digital no Brasil e na América Latina divide-se em três mom...

A presença de escritos referenciais de Aby Warburg é emblemática do crescente movimento de retorno a teóricos e historiadores da arte do início do século XX, pelo menos em dois diferentes âmbitos. Um deles se dedica a seus pressupostos teórico-metodológicos sob uma revisão epistemológica da história da arte, cuja especificidade nos coloca a pensar a possibilidade de acesso a uma região de saberes e não saberes sobre a diversidade cultural do Renascimento e de seu olhar sobre a Antiguidade, entendendo sua temporalidade como um fenômeno complexo. O outro âmbito é suscitado por questões oriundas da arte moderna e contemporânea, que impõem agenciar deslocamentos de sentido, conceitos operatórios e categorias de análise para considerar a produção visual (recente ou não) e problematizar constrangimentos classificatórios e modelos teóricos fundados por teorias que se pretendiam objetivas. A ordem epistemológica desse retorno, em ambos os âmbitos, parece questionar o próprio discurso histor...

Os deslocamentos de artistas e obras de arte formam parte da prática artística. Viagens para pintar, estudar, expor, são comuns nas trajetórias de vários pintores, seja entre cidades, seja entre países. O que veremos neste artigo, a partir de alguns casos elucidativos de questões próprias do trânsito, é como essa prática se desenvolvia ao longo do século XIX no Brasil, período em que os mundos da arte passaram por significativas mudanças. A necessidade de expandir os espaços de exibição e negociação levou muitos artistas brasileiros a investirem em viagens pelo país em busca de reconhecimento para seu trabalho e compradores para suas telas. O que iremos acompanhar, apoiados em exemplos de viagens do período, é como esse trânsito se apresenta levando em consideração, também, a mudança de regime político do Império para a República. Uma vez que artistas e obras de arte sempre estiveram em trânsito, nós devemos ir atrás dele para poder montar mais um capítulo dessa história.

Este artigo trata das relações inusitadas do historiador da arte e connoisseur, Bernard Berenson (1865-1959), e a crítica de arte italiana, Margherita Sarfatti (1880-1961), com o meio artístico modernista de Buenos Aires, entre os anos 1940 e 1950. Procuramos assim elucidar a tradução, primeiro para o castelhano e depois para o português, de Aesthetics and History, de Berenson, e sua circulação no contexto sul-americano.

O artigo pretende discutir a trajetória da curadoria pedagógica em duas das principais exposições de arte no Brasil, buscando assim contribuir com a história das exposições no país. Nesse percurso, discute-se algumas das condições de emergência dessa atividade, assim como o que ela teria produzido. Também se especula sobre as consequências de sua diluição ou mesmo extinção. Partindo de comentários de Gabriel Pérez-Barreiro, curador da 6a Bienal do Mercosul em 2007 e da 33a Bienal de São Paulo em 2018, dos quais retira tanto um índice de questões quanto algumas categorias de análise, o artigo adota uma forma ensaística na qual as histórias dessas duas exposições se cruzam de maneira talvez inesperada. O resultado é uma reflexão sobre as questões abertas para a mediação (ou educação) em exposições de arte nessa década (de 2007 a 2018), a partir de sua “promoção” a curadoria. Minha conclusão é que, se a curadoria pedagógica foi extinta, talvez não seja o caso ressuscitá-la.

O artigo busca contribuir para o debate acerca dos museus, coleções e representações tendo como foco o caso do Museu de Arte Negra (MAN), organizado pelo ativista, escritor e pintor Abdias do Nascimento. Dessa maneira, apresenta uma perspectiva multidisciplinar, que envolve discussões que perpassam a história da arte, a antropologia e a sociologia, com objetivo de apresentar o impacto das relações raciais no campo da arte.

Este artigo propõe uma contextualização acerca de propostas realizadas em museus e centros de arte, a partir dos anos 1990, principalmente no âmbito europeu, para promover programas experimentais dentro de seus contextos institucionais. Tais propostas surgem em decorrência de ou como resposta a acontecimentos como: a gradual transformação das estruturas museológicas tradicionais em direção à possibilidade de emergência de novos modelos; a internalização das propostas de duas gerações de artistas engajados com a Crítica Institucional, que levaram à constituição de Instituições de Crítica; o surgimento da figura do curador independente; a reação dessas instituições diante da crescente influência do capitalismo globalizado e corporativo sobre a dinâmica das instituições de arte. É abordado, como exemplo de instituição experimental, o caso do basis voor actuele kunst (BAK). Observa-se, ainda, como muitas dessas experiências sofreram alterações como cortes orçamentários, mudanças de dire...

Este artigo cruza duas investigações centradas nos percursos internacionais dos artistas portugueses e as suas experiências criativas em Londres e Paris. Partindo do contexto português e dos novos desafios artísticos no período após a Segunda Guerra Mundial, o texto explora os distintos contributos dos artistas em Londres e Paris para a formulação de uma nova corrente estética, a nova-figuração, e para a abordagem da contemporaneidade, quer do ponto de vista político, quer do ponto de vista da nova cultura de massas e de consumo. Neste artigo, é dada ainda particular atenção à receção pela crítica portuguesa do trabalho destes artistas, que foi interpretado como sendo especificamente português, resultando de movimentos criativos anteriores e do ambiente político, económico e social do país. Esta “nacionalização” da nova-figuração é confrontada, neste estudo, com a abordagem crítica por parte dos artistas portugueses relativamente às novas correntes artísticas internacionais, como o ...

O intento do presente artigo é cotejar um texto clássico da antropologia e um texto clássico da história da arte – no caso, respectivamente, Formas elementares da vida religiosa (1912), de Émile Durkheim, e NegerPlastik (1915), de Carl Einstein. Ambos os textos versam sobre uma diferença entre sagrado e profano, e, principalmente, sobre a necessidade de uma externalização do sagrado em objetos específicos, que servem não somente como representação do sagrado, mas também como sua apresentação. A abordagem durkheimiana enfatizará a transcendência do fenômeno social-religioso, enquanto a abordagem einsteiniana esmiuçará a materialidade mesma do sagrado. Tais diferenças de foco permitem traçar o contorno de duas epistemes e suas respectivas implicações teórico-metodológicas. Isto é: que perguntas faz a história da arte ao objeto sagrado, e que perguntas faz a antropologia ao objeto sagrado?