Martha Soto

El presente trabajo muestra un ejemplo práctico de análisis semiológico formal aplicando el método desarrollado en la Escuela Superior de Artes Visuales en Tijuana, al objeto de análisis que consiste en un comercial de la cerveza Tecate, en contra de la violencia de género; como problema se trata de identificar los factores semiológicos que llevaron a la controversia entre el rechazo y la aceptación de este comercial, siendo que la causa es justa y el comercial ganó varios premios. Son antecedentes fundamentales de este trabajo la incepción de la ciencia arsológica alrededor de 2001, su publicación en 2008 la formalización del Protocolo Arsológico de Investigación para temas de arte y similares, en 2016; así como el desarrollo de una semiología formal de base biológico-evolutiva a lo largo de lo que va del siglo y que se formaliza con las publicaciones de un manual (2017 y un tratado (2019). El estudio se realiza conforme a la metodología planteada en el Curso de Semiología (Jiménez, 2017) y la teoría de la que este método deriva (Jiménez, 2019); que a su vez derivan del trabajo seminal de Rudolf Arnheim (1974) y otros autores de la Gestalt, reinterpretado a la luz de los avances sobre neurofisiología de la percepción visual expuestos en obras como Vision and Arte (Livingstone, 2002) y Percepción Sensorial (Schiffman, 2008); así como de un cúmulo de trabajos en otros campos como el de Niko Tinbergen en biología –que le valió el premio Nobel (1973) o en el de neurociencias y percepción del arte (Ramachandran y Hirstein, 1999), así como muchos otros en los campos de la neurocognición, la neurofisiología de la percepción, la etología evolutiva y otros correlativos. El ejercicio inicia con la identificación de los significados de la distribución en el esqueleto estructural del campo perceptual tomando de referencia las teorías de Rudolf Arheim (2002), procede con los de la organización espacial de las figuras; luego, con la composición tonal del espacio; la interpretación figural a partir de los principios neurofisiológicos de la visión cromática y, finalmente, la interpretación simbólica de acuerdo a la convencionalidad compartida en un grupo determinado de personas. El resultado del trabajo arroja indicios sobre la posibilidad de que el comercial en cuestión codifique un mensaje distinto –a nivel formal– del que conceptualmente se pretende transmitir y que sea a este otro mensaje implícito al que reaccionó el público de manera desfavorable. Concluimos que es cada vez más evidente la independencia del mensaje formal y el simbólico, así como de la importancia del primero en relación con la respuesta del público.

El objetivo central de este trabajo es detectar indicios sobre las diferen-
cias en el estilo formal de la representación de la violencia entre los géne-
ros; esto se intenta a partir del análisis comparativo de las características
estético-semiológicas entre las piezas Judith Decapitando a Holofernes y
Salomé Con la Cabeza de Juan el Bautista, por Michelangelo Merisi di Ca-
ravaggio; y, por otra parte, Judith Matando a Holofernes y Salomé con la
Cabeza de San Juan el Bautista, de Artemisia Gentileschi. En términos de la
metodología adoptada se estudia de manera comparativa el uso del espacio
compositivo en base al esqueleto estructural del campo perceptual; el uso
del tono y las gradientes tonales en la composición del espacio virtual; la
composición de las relaciones espaciales de las figuras en tanto agrupa-ción, orientación, tamaño y posición relativos, etc.; así como, finalmente,
la identidad cromático-emotiva de las figuras en sí. El estudio simbólico
comparativo es mínimo, pues se utilizan como muestra de la obra de ambos
autores, piezas con la misma temática conceptual.
El estudio se realiza conforme a la metodología planteada en el Curso
de Semiología (Jiménez, 2017) y la teoría de que este método deriva (Jiménez,
2019); que a su vez derivan del trabajo seminal de Rudolf Arnheim (2011) y
otros autores de la Gestalt, reinterpretado a la luz de los avances sobre
neurofisiología de la percepción visual expuestos en obras como Vision and
Art (Livingstone, 2002) y Percepción Sensorial (Schiffman, 2010); así como
de un cúmulo de trabajos en campos como el de Niko Tinbergen en biología,
que le valió el premio Nobel (1973) o el de neurociencias y percepción del
arte (Ramachandran y Hirstein 1999) y muchos otros en los campos de la
neurocognición, la neurofisiología de la percepción, la etología evolutiva y
otros en lo correlativo.
Lo anterior, nos permiten establecer que el sistema visual humano bá-
sico responde a –y decodifica– el contraste tonal en relación con el espacio
y las relaciones espaciales, tanto estáticas como dinámicas, mediante el lla-
mado ‘sistema visual dónde’; responde emocionalmente a –y decodifica– la
configuración cromática y textural de las figuras, mediante el llamado ‘sis-
tema visual qué’; así como interpreta la posición en el esqueleto estructural
de su campo perceptual en función de la tendencia del sistema a centrar,
combinada con la experiencia evolutiva de la gravedad. Adicionalmente se
toma en cuenta la experiencia evolutiva de la agrupación, orientación, ta-
maño y posición relativa; así como de los ritmos. Y, por extensión, lo mismo
aplica a nuestra percepción y decodificación del campo perceptual artificial
y la composición artística que allí se da.
A partir de la anterior base teórica se realizó el estudio comparativo de
cada uno de estos aspectos para las cuatro piezas de la muestra; se buscó
determinar relaciones de parecidos y diferencias entre todas y cada una
de las obras para luego determinar si hay aspectos en los cuales los pare-
cidos sean predominantes entre obras del mismo autor y las diferencias
predominen entre las de los distintos. Encontramos así algunos aspectos
que consistentemente son más parecidos entre las obras del mismo autor
y diferentes entre las obras de cada cual. Por supuesto, se entiende que
la muestra es reducida, pues son sólo dos piezas de cada uno de sólo dos
221
Mujeres en las Artes y el Diseño. Miradas Interdisciplinarias a la producción y los procesos creativos
Revista de Estudios Interdisciplinarios del Arte, Diseño y la Cultura
Número 11, Año 4, Marzo-Junio, 2024. ISSN 2992-7552
autores; sin embargo, creemos que es significativa, pues se trata de piezas
con el mismo tema conceptual y creadas en épocas históricas no muy dis-
tintas. Algunos de los aspectos más significativos son el nivel de contraste
tonal, el uso de las dinámicas compositivas y el nivel de definición textural
en las figuras; lo cual es doblemente significativo al considerar que Arte-
misia –al igual que su padre y mentor- pintaba ‘en el estilo’ o ‘a la manera’
de Caravaggio. En alguien que fundamentalmente toma el tema y estilo de
otro artista, la divergencia formal resulta particularmente significativa.
Nuestra conclusión es que hay tendencias estilísticas divergentes en-
tre estos autores femenino y masculino, que son indicativas de un posible
dimorfismo estilístico en un grado suficiente como para requerir estudios
comparativos adicionales y de mayor extensión, a fin de confirmar o des-
cartar dicho dimorfismo. El impacto de estos resultados es significativo
puesto que, hasta ahora, la mayor parte de estudios sobre el arte femenino
o el arte hecho por mujeres, se ha limitado a la enumeración de obras cu-
yos autores fueron mujeres, a modo de reivindicación histórica; sin pre-
ocuparse de investigar el mérito y cualidades que le puedan ser propias
a este arte. Consideramos que tanto en cantidad como en calidad, el arte
producido por mujeres constituye una masa crítica de suficiente enverga-
dura para merecer estudios más allá de su simple proveniencia.

El gobierno del estado de Baja California presenta el libro Archivo vivo. Primer mapeo de artistas mujeres de Baja California, editado por las artistas Marta Patricia Medellín y Olga Margarita Dávila, en coordinación con el curador de arte Daril Fortis, gestores impetuosos por la inclusión y visibili- dad de la equidad de género en la vida artística de la región.
Este título pertenece al Fondo Editorial La Rumorosa, en la Colección Arte y Patrimonio de la Secretaría de Cultura, creado durante la presente administración gubernamental. Esta publicación primordialmente visual refleja el resultado de un trabajo de las mujeres creadoras, promotoras, investigadoras, curadoras que respondieron enviando su material para conformar un registro.
Esta representación es apenas una colección que inicia el repertorio de artistas del estado, pre- senta la diversidad creadora y la riqueza artística de las bajacalifornianas.
Archivo vivo. Primer mapeo de artistas mujeres de Baja California es una fuerza para la plenitud visual y un documento acerca del desarrollo en la equidad y participación de las mujeres artistas en el estado, que nos entusiasma desde mi gobierno y, sobre todo, al compartirlo a través de la Se- cretaría de Cultura al pueblo bajacaliforniano, seguros de que contribuirá a la difusión de las artes.

El presente trabajo pretende mostrar al lector-académico que —al imple- mentar una estrategia de lectura en sus proyectos de investigación para el área — se puede mejorar y optimizar el resultado de sus textos académicos y, al respecto, se plantea que es po- sible mejorar sus proyectos de inves- tigación al utilizar una estrategia de lectura adecuada a su estudio. Este estudio es una aproximación a la implementación de una estrategia de lectura aplicada al trabajo de un aca- démico-investigador del área de di- seño así como otras, donde podemos visualizar un mejoramiento y, sobre todo, optimizar tiempos en proyectos de investigación. Al finalizar la inves- tigación se llegó a la conclusión de que —al implementar una estrategia adecuada para cada estudio a realizar por un académico— se puede mejorar el resultado de proyectos de investi- gación.
Abstract:
This work attempts to show to the academic-reader that –as they im- plement a reading strategy for their research projects– the result of their academic texts can improve and op- timize by implementing an adequate reading strategy for their studies. This study is an approximation to imple- menting a reading strategy applied to the work of an academic-researcher of the design area as well as other where we can visualize an improve- ment and above all optimize time in research projects. At the end of the experiment the conclusion was rea- ched that implementing an adequate reading strategy for each study to be conducted by an academic, the result of study projects can be improved for research work.

El trabajo aborda la interacción del usuario con el diseño web en función de su composición cromática y al res- pecto se plantea la realización de una investigación enfocada en el estudio del color, fundamentos básicos de teoría del color, su aplicación e interacción, además de reacciones emotivas que éste pueda generar. Partiendo de lo ante- rior, se analizan los principios del color aplicados para que un sitio web sea efectivo y funcional, implementando correctamente los colores, no sólo de forma estética sino de forma estraté- gica, logrando así un impacto positivo en la percepción del usuario. Se busca además, determinar si hay una corre- lación entre las reacciones emotivas y las características del color; en otras palabras, si el uso adecuado del color influye en que el usuario permanezca explorando un sitio web, dependiendo del contexto o su combinación con otros colores, así como la consideración de los usuarios finales y sus requerimientos especiales.
Abstract
This article deals with the interaction between user and web design according to its chromatic composition and in this regard the research focused on the study of color, basic fundamentals of its theory, the use of color and interactions of color, and emotional reactions that it can generate. Based on the above findings, applied color principles will be analyzed so that a website is effective and functional, correctly implemen- ting colors, not only aesthetically but strategically, thus achieving a positive impact on the user’s perception. It will also seek to determine whether there is a relationship between emotional reac- tions and characteristics of colors, if the appropriate use of color influences the user to continue exploring a website, if the perception of color depends on the context or its combination with other colors, as well as our end users and their particular requirements.

RESUMEN Este trabajo pretende aclarar el uso y definición del término estilo en relación con la obra de arte y sobre la manera de situar dicho estilo en el contexto de la historia del arte; esperamos pueda ayudar a futuros investigadores para aplicarlo en estudios sobre arte, haciendo una correcta identificación, descripción y evaluación del estilo, así como en otras disciplinas relacionadas, como el diseño, entre otras. De acuerdo al estudio realizado en este docu-mento, encontramos frecuentemente una confusión entre su definición y sus usos, por lo cual la aclaración de su definición stricto senso será parte esencial de este trabajo. ABSTRACT This paper aims to clarify the use and definition of the term 'style', in relation to the work of art, and know how to place that style in the context of art history. We hope that this will help future researchers to apply it properly in studies of art, making a correct identification, description and evaluation of style, as well as in related disciplines such as design, among others. According to our study in this document, we often find a confusion between its definition and its uses, so clarifying its definition stricto senso be essential part of this work.

RESUMEN El presente trabajo se cuestiona si existe una relación entre algunos aspectos básicos del dimorfismo evolutivo, correspondientes a la mujer, que tengan una correlación sustancial con las tipicidades formales y convencionales que definen el estilo del arte hecho por mujeres. El trabajo parte de estudios previos realizados por la propia autora, en los que se han ido identificando algunas de dichas tipicidades y, aunque los resultados se consideran provisionales, en tanto no haya recursos para ampliar dichos estudios –igual para el dimorfismo, sobre todo, conductual–, se busca aquí crear un modelo teórico que sirva de punto de arranque a futuras investigaciones cuyos resultados confirmen, modifiquen o falseen dicho modelo.

Abstract–– Museums were created for the safekeeping, classification and exhibition of
historically or artistically valuable objects. The artist has the need to seek interaction with the
general public; but it is also the need of society as a whole to become an audience to art and to
appropriate its forms. This has been gradually perceived, intuitively, in our city of Tijuana;
recently several cultural institutions and independent artists have sought a way to help in fulfilling
this need, by opening new exhibition spaces to promote the interaction between the audience and
the work made by our artists.
Key words–– Museum, museography, expography, Tijuana, gallery.
Resumen–– Los museos fueron creados para el resguardo, clasificación y exhibición de objetos
que tienen un valor histórico y artístico. El artista tiene una necesidad de buscar la interacción
con el público; pero es también necesidad de la sociedad entera convertirse en público del arte y
apropiarse de sus formas. Esta necesidad se ha venido percibiendo progresiva e intuitivamente
en Tijuana. Varias instituciones culturales y artistas independientes recientemente han buscado
satisfacerla al abrir nuevos espacios de exhibición para promover la interacción entre el público
y los trabajos elaborados por artistas.
Palabras Claves–– Museo, museografía, expografía, Tijuana, galería

The present paper deals with art made by women in relation to the problem about, what has been its historical development? This work rests on the hypothesis that nowadays art made by women lacks an artistic identity and has lost its ideological justification as a category of art. The object of study in this paper can be defined not just as art made by women, but rather art made by women in the context of professional art making and, in such context it is a fairly recent phenomenon, dating back to the beginnings of last century as a logical development and consequence of the feminist agenda. However, throughout a century more or less, the feminist agenda has been mostly achieved in the professional field of art and, therefore, its ideological meaning has disappeared, leaving only a political question of power groups. It is fit then to ask if in this time it has  managed to develop a thematic or artistic identity that justifies for us to keep treating it separately from the rest of art. The methodological approach of this work consists in a documental research that reviews the work of three authors who intend to give an account of said historical development; this sample’s synthesis, we hope, will be indicative of the accuracy or lack thereof of our working hypothesis and will constitute a good first step towards its demonstration.
Resumen
El estudio del que aquí nos ocupamos puede precisarse no sólo como el arte hecho por mujeres, ni siquiera como el arte hecho por mujeres en el contexto del ejercicio profesional de las artes que, en ese contexto se trata de un fenómeno relativamente reciente, que despunta a principios del siglo pasado como desarrollo lógico y consecuencia del proceso de liberación femenina. Este texto versa sobre el arte hecho por mujeres en relación con el problema acerca de ¿cuál ha sido su desarrollo histórico en Occidente de acuerdo con tres textos elaborados entre 1995 y 2007? La investigación parte de la hipótesis de que el arte hecho por mujeres, en la actualidad, carece de una identidad artística y ha perdido en tanto que categoría su justificación ideológica. Sin embargo, a lo largo de poco más de un siglo, el programa feminista ha sido mayormente logrado en el campo del ejercicio profesional del arte y, por tanto, su sentido ideológico ha desaparecido, dejando solamente una cuestión política de grupos de poder. Cabe entonces preguntarse si en ese tiempo ha logrado desarrollar una identidad temática o estilística que justifique seguirlo tratando de manera segregada respecto al resto del arte. La aproximación metodológica del presente trabajo consiste en una investigación documental que pasa revista a las obras de tres autoras que pretenden dar cuenta de dicho desarrollo histórico, la síntesis de esta muestra, esperamos, será indicativa sobre el acierto o no de nuestra hipótesis de trabajo y constituirá un buen primer paso hacia su comprobación.

El objeto de estudio que nos ocupa es precisamente la lectura que se realiza con el fin de investigar y estudiar la historia del arte, y el problema que nos planteamos es el de ¿cuáles son las estrategias más idóneas, de entre las disponibles, a este fin? Partimos de la hipótesis de que los autores especializados en estrategias de lectura han propuesto ya bastantes estrategias diversas y que lo que ahora procede es analizar dichas estrategias a la luz de la aplicación concreta que se pretende. Partiendo de la formación de la autora, tanto en materia de Cultura Escrita, como en materia de Arte, se realizó el análisis lógico relacional y se llegó a una propuesta concreta de estrategia de lectura. Sin embargo, cabe aclarar que esta propuesta no descarta la posibilidad de que diversos sujetos tengan otras aproximaciones particulares que sean adecuadas para ellos.

La participación femenina en el arte del siglo xx desencadena una serie de movimientos importantes en el desarrollo de su producción; la oportunidad de realizar sus estudios en las universidades genera una producción importante de arte femenino. Resulta pertinente analizar las aproximaciones hechas por mujeres al arte realizado por ellas, desde la investigación científica arsológica, estética o semiológica, como vía para rescatar el trabajo intelectual de mujeres del “getto” de género en que parece como si la mujer de Baja California estuviera condenada a hablar solo sobre el hecho de ser mujer en su estado y la mujer intelectual interesada en el arte, condenada a disertar únicamente sobre cuestiones de equidad de género en su estudio y análisis del arte.

La presente revista electrónica tiene como fin el ayudar al investigador de temas sobre historia del arte, a implementar estrategias de lectura óptimas; aunque es posible que ya las conozca, la recomendación hecha aquí puede facilitarle la elección de las más adecuadas de entre las que ya conoce o, en su caso, hacer de su conocimiento algunas que desconocía.

RESUMEN Este trabajo pretende aclarar el uso y definición del término estilo en relación con la obra de arte y sobre la manera de situar dicho estilo en el contexto de la historia del arte; esperamos pueda ayudar a futuros investigadores para aplicarlo en estudios sobre arte, haciendo una correcta identificación, descripción y evaluación del estilo, así como en otras disciplinas relacionadas, como el diseño, entre otras. De acuerdo al estudio realizado en este docu-mento, encontramos frecuentemente una confusión entre su definición y sus usos, por lo cual la aclaración de su definición stricto senso será parte esencial de este trabajo. ABSTRACT This paper aims to clarify the use and definition of the term 'style', in relation to the work of art, and know how to place that style in the context of art history. We hope that this will help future researchers to apply it properly in studies of art, making a correct identification, description and evaluation of style, as well as in related disciplines such as design, among others. According to our study in this document, we often find a confusion between its definition and its uses, so clarifying its definition stricto senso be essential part of this work.

En esta edición de Crítica Museográfica analizaremos, desde el punto de vista del diseño museográfico, la exposición “Arte y Política, Conflictos y Disyuntivas”, exposición coordinada por el Museo de Arte de Sinaloa (MASIN) que la presenta como una propuesta de curaduría del curador Alberto Torres y que se muestra en la sala 1 del Centro Cultural Tijuana, inaugurada en Noviembre del 2011, presentando a 36 artistas de diferentes nacionalidades incluyendo a 6 artistas que radican en Tijuana. Esta exposición se conformó con obras en diferentes técnicas como pintura, dibujo, fotografía, técnicas mixtas, video, instalación, ensamble, proyección de imágenes, etcétera.
In this Edition of Museographic Criticism we will analyze, from a museographic standpoint, the show “Art and Politics, conflicts and disjunctives” a show coordinated by the Museum of Arts of Sinaloa (MASIN) that presents it as a curato- rial piece by Alberto Torres and is shown at hall 1 of Tijuana’s Cultural Center, inaugurated on November of 2011 that presents 36 artists of different nationalities, including 6 who reside in Tijuana. This show was integrated with work in diverse media such as painting, drawing, photography, mixed media, video, installation, assembly, image projection, and etcetera.

Como es costumbre en esta edición hablaré sobre la museografía de una exposición a la que asistí recientemente, y haré su crítica explicando los aciertos y desaciertos del montaje museográfico. En días pasados, la Casa de la Cultura del Cortijo San José del Instituto Municipal de Cultura de Tijuana (IMAC), ubicada en Playas de Tijuana, inauguró una nueva galería que lleva por nombre: “Galería Álvarez Malo”; este nuevo espacio se presentó al público con la exposición: “Expresiones Contemporáneas, colectiva de artistas”.
As is usual in our section, in this edition I will talk about the museography of a show I recently visited and I will do its critique by explaining the hits and mistakes of the museo- graphic work. In recent days, the San Jose House of Culture from Tijuana’s Municipal Institute of Art and Culture (IMAC) located in Playas de Tijuana, inaugurated a new gallery named: “Alvarez Malo Gallery”; these new space was presented to the public with the show: “Contemporary Expressions, artist collec- tive”.

En este “Análisis Museográfico”, quiero ofrecerles un análisis de la ex- posición “La Estética Hipnótica, la Manía Obsesiva y la Arquitectura Utópica del Siglo XXI” del Maestro Pedro Friedeberg, presentada el pasado 8 de julio en la Sala 1 de la galería del Cubo, del Centro Cultural Tijuana (CECUT).
In this our fourth installment of our column ‘Museo- graphical Analysis’, I want to offer you an analysis of the show “The Hypnotic Aesthetic, Obsessive Mania and Utopist Architecture of the XXI st Century” with work by Pedro Friedeberg, inaugurated this past July the 8th at Hall 1 of El Cubo, at Tijuana’s Cultural Center (CECUT).

En esta edición de Crítica Museográfica analizaremos las exposiciones tituladas PINTURA ANÁRQUICA y AZUL, presentadas por el Instituto de Cultura de Baja California durante el mes de mayo en sus salas principal y
pasillo de la fotografía.
In this installment of Museographic Critique we will analyze the shows entitled ANARCHIC PAINTING and BLUE, presented by the Cultural Institute of Baja California (ICBC in Spanish) during the month of May in their Main Hall and
their Photographic Corridor.

En este análisis museográfico, seguiremos tratando de cubrir la gran necesidad que tiene el público en general de orientación para poder formarse un juicio adecuado sobre las exposiciones que se le ofrecen. En otras palabras, nuestro interés es ayudarle a usted estimado lector en dos cosas; primero, apreciar mejor las exposiciones a las que asiste y, segundo, poder evaluar el uso que los funcionarios de cultura dan a sus impuestos.

Pareciera que en Tijuana poco sabemos de arte y menos de como presentar sus obras ante un público; digo esto porque las exposiciones que nos presentan las instituciones de cultura suelen tener no solamente poca asistencia del público en general, sino que normalmente no cuentan con una inversión adecuada en su producción, lo que probablemente explica la ausencia de este público.

Análisis sobre el montaje museográfico y el trabajo curatorial de una exposición de arte presentada en Tijuana. En esta ocasión, se trata de la exposición llamada Kinésica (según por lo menos un periódico) del artista visual Ieve González, egresado de la Escuela Superior de Artes Visuales, que se realizó el pasado mes de abril en las instalaciones del Centro Cultural Tijuana (CECUT); esta exposición fue la imagen central en la XIV Muestra Internacional de Danza Contemporánea Cuerpos en Tránsito 2012, con cede en dicho centro.

Investigación sobre la didáctica de las estrategias de lectura aplicadas a la formación y ejercicio profesionales de los críticos de arte que propone una aproximación concreta a la enseñanza-aprendizaje de las estrategias de lectura para la crítica de arte.

La participación femenina en el arte del siglo xx desencadena una serie de movimientos importantes en el desarrollo de su producción; la oportunidad de realizar sus estudios en las universidades genera una producción importante de arte femenino. Resulta pertinente analizar las aproximaciones hechas por mujeres al arte realizado por ellas, desde la investigación científica arsológica, estética o semiológica, como vía para rescatar el trabajo intelectual de mujeres del “getto” de género en que parece como si la mujer de Baja California estuviera condenada a hablar solo sobre el hecho de ser mujer en su estado y la mujer intelectual interesada en el arte, condenada a disertar únicamente sobre cuestiones de equidad de género en su estudio y análisis del arte.

Resumen
Recientemente, el estudio de la semiología ha cobrado progresivamente mayor presencia en la currícula de programas como artes visuales, plásticas, diseño gráfico, comunicación, lingüística, literatura, arquitectura y otros. Sin embargo, como disciplina, es difícil decir cuándo y cómo nace; su origen y su estado actual. Muchos autores atribuyen su origen al norteamericano Peirce y al suizo Saussure, cuando en realidad el término semiótica es mucho más antiguo y su fundación como disciplina es o anterior o posterior a estos dos autores, dependiendo del criterio que se elija. Es un buen momento para hacer un repaso del origen histórico y desarrollo de la disciplina semiológica que se está tratando de consolidar como parte integral y útil de la currícula de todas estas profesiones.
Palabras clave: arte, diseño, semiología, semiótica. Abstract
Recently, the study of semiology has progressively gained presence in the curricula of programs such as visual arts, fine arts, graphic design, communication sciences, linguistics, literature and others. Nevertheless, as a discipline, it is hard to say when and how it was born; its origin and current state. Many authors attribute its origins to the American Peirce and the Swiss Saussure, when in truth the term semiotics is much older and its inception as a discipline is either earlier or later to these two authors, depending on the chosen criteria. It is a good time to make a review of the historical origin and development of the semiologic discipline that is striving to consolidate as an integral and useful part of the curricula in all those professions.

Resumen

Recientemente, el estudio de la semiología ha cobrado progresivamente mayor presencia en la currícula de programas como artes visuales, plásticas, diseño gráfico, comunicación, lingüística, literatura, arquitectura y otros. Sin embargo, como disciplina, es difícil decir cuándo y cómo nace; su origen y su estado actual. Muchos autores atribuyen su origen al norteamericano Peirce y al suizo Saussure, cuando en realidad el término semiótica es mucho más antiguo y su fundación como disciplina es o anterior o posterior a estos dos autores, dependiendo del criterio que se elija. Es un buen momento para hacer un repaso del origen histórico y desarrollo de la disciplina semiológica que se está tratando de consolidar como parte integral y útil de la currícula de todas estas profesiones. 
Palabras clave: arte, diseño, semiología, semiótica.

Abstract

Recently, the study of semiology has progressively gained presence in the curricula of programs such as visual arts, fine arts, graphic design, communication sciences, linguistics, literature and others. Nevertheless, as a discipline, it is hard to say when and how it was born; its origin and current state. Many authors attribute its origins to the American Peirce and the Swiss Saussure, when in truth the term semiotics is much older and its inception as a discipline is either earlier or later to these two authors, depending on the chosen criteria. It is a good time to make a review of the historical origin and development of the semiologic discipline that is striving to consolidate as an integral and useful part of the curricula in all those professions.
Key words: Art, design, semiology, semiotic.

This work has as its object semiological theory and, as its problem its practical application to the analysis of products or projects of art and/or design. We take off from the hypothesis that the predictive character of every scientific model –this one included– makes science something applicable, that is, allows converting theoretical models into useful technologies. In this concrete case, allows the Theory of Emotive Reactions, that of conventional semiological functions and that of associative interpretation, to transform,

altogether, into a predictive formal analysis method of art and design’s final user experience. The objective of this work was to implement said application and its product is the concrete sequence of steps presented here. The methodology applied is exegetic, based on the studies about physiology of visual perception by Margaret Livingstone, on psychology of visual perception by David Hoffman –derived in turn from Gestalt, represented by Arnheim– and James Gibson; as well as on the work on semiological theory developed by the researchers at the research department at the School of Higher Studies on the Visual Arts, in the city of Tijuana, Mexico, in the last two decades. Our conclusion is that contemporary semiological theory derived from the evolutive interpretation of the experimental studies in physiology and in neurology of perception-emotion has as a natural consequence the application in the predictive analysis of the emotive response and conceptual interpretation of the visual configurations of art and design by their end users. To this effect, it turned out to be necessary to organize the results of diverse research into a concrete, coherent and practical method of analysis, that is to say, it was necessary to create a technology derived from the theory to convert its predictive models into a tool useful in the production of art and design like the one we present here.