Artes Plasticas

Las obras que integran la serie “Manos Anónimas” del artista plástico argentino Carlos Alonso (1929), pertenecientes al patrimonio cultural de la provincia de Córdoba desde el año 2005, exponen el horror vivido durante la última dictadura militar argentina, revelando en sus dibujos y pinturas, los sucesos trágicos, de opresión, pérdida y violencia acaecidos durante ese período.
Su obra, puede reconocerse por su carácter testimonial o de denuncia ofreciendo otra reflexión de los sucesos históricos, complementando el qué se recuerda y olvida con el cómo se recuerda y olvida.
De acuerdo con esta valoración el siguiente ensayo propone revisar brevemente el modo en que el artista elabora tales acontecimientos traumáticos expresando y exteriorizando sus interpretaciones y sentidos de lo vivido a través de su lenguaje plástico que oscila entre el componente monstruoso de los hechos representados y el atractivo de su propia composición.
Por otro lado se procura indagar de qué manera y bajo qué condiciones estas imágenes plásticas no sólo se configuran como “testimonio visual” de lo ocurrido sino que pueden constituirse como una herramienta más para reactivar procesos de construcción de memoria social.

Abstract

Beuys es el heredero directo de toda la tradición del Idealismo y el arte Romántico del Centro y el Norte de Europa. En su educación serán fundamentales las lecturas de Novalis, Holderlin, Schiller, Jean Paul, Tieck, Nietzsche, Hegel, Kierkegaard y más tarde el teósofo y educador Rudolf Steiner, auténtica columna vertebral de sus teorías sociales que ya había influenciado poderosamente a otros artistas de esta tradición romántica como Kandinsky. A lo largo de su itinerario, Joseph Beuys  pretendió acabar con la idea del arte como una práctica aislada para configurar un concepto “ampliado” del arte , abriendo el horizonte de la creatividad más allá del ghetto del arte.

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

RESUMEN
Tras el creciente interés concitado por la pintura de Edward Hopper -quien ha sido elevado a la categoría del artista norteamericano más representativo del siglo XX- cabe preguntarse por las causas de este fenómeno, más aún cuando Hopper como artista no fue nunca un revolucionario: ni en su técnica pictórica, ni en su lenguaje artístico, ni, tampoco, en la elaboración intelectual que se hallaba tras sus telas. Hopper 2 fue más bien un conservador, incluso un reaccionario 3; el concepto aplicado a su pintura, american scene painting , refleja a la perfección su mundo: un universo en el que no tenían cabida las rupturas de la abstracción y las inquietudes vanguardistas de la pintura europea. Sin embargo, aunque Hopper no lo supiese, lo que pintaba era un mundo sin salida, donde sus habitantes estaban atrapados. Todos sus cuadros parecen encerrarse en una impotencia tranquila, resignada, que fluye desde el rostro de las figuras solitarias o se disemina por las escenas urbanas."
Dr. ADOLFO VÁSQUEZ ROCCA

La extensa Comarca de la Comunidad de Calatayud es un territorio excepcional para el estudio de las artes plásticas del Renacimiento, dado que sus localidades conservan un verdadero tesoro de piezas de escultura, pintura, orfebrería y ornamentos sacros realizados durante dicho periodo cuyo estudio permite seguir los principales cambios de gusto o estilo que se dieron en esa época. El presente trabajo se centra en el análisis de las más notables piezas de escultura y pintura que se hicieron allí desde los primeros años del siglo XVI hasta 1610. Entre los artistas responsables de su ejecución figuran nombres tan destacados como Esteban de Obray, Gabriel Joly, Alonso de Villaviciosa, Damián Forment, Juan de Moreto, Juan Martín de Salamanca, Pietro Morone, Pedro Martínez el Viejo, Jaime Viñola y Felices de Cáceres.

FILE SÃO PAULO 2010
Editorial Conception: Ricardo Barreto and Paula Perissinotto
Design: BIZU_Design com Conteúdo
Year: 2010
Pages: 304

“The culture and business of crossmedia productions” by Espen Aarseth; FILE PRIX LUX: FILE PRIX LUX; Panegyric to Vesper; Prize winners: Interactive Art, Electronic Sonority and Digital Language; Hommage: Douglas Engelbart; “Working together” by Douglas Engelbart; FILE PAI Paulista Avenue Interactive = Interactive Public Art: “Interactive public art (PAI)” by Ricardo Barreto; FILE PAI Map; 18 works with their own texts; FILE São Paulo 2010: Installations: 31 works with their own texts; FILE Media Art: 90 works with their own texts; FILE Games: “Narrative theory of games” by Espen Aarseth; 24 works with their own texts; FILE Machinima: “Introduction to FILE Machinima 2010″ by Fernanda Albuquerque de Almeida”; 48 works with their own texts; Hypersonica Performance: 7 works with their own texts; Hypersonica Screening: 11 works with their own texts; Hypersonica Participants: 40 works with their own texts; FILE Documenta: “Panoramas V” by Eric Marke; 8 works with their own texts; FILE Theory: “Omnes et singulatim: art, complexity and emergence” by Pau Alsina; Symposium: 30 lectures with their own texts.

FILE SÃO PAULO 2010
Autores: Ricardo Barreto e Paula Perissinotto
Design: BIZU_Design com Conteúdo
Ano: 2010
Páginas: 304

“A cultura e o negócio de produções crossmedia” por Espen Aarseth; FILE PRIX LUX: FILE PRIX LUX; Pangenírico à Vésper; Premiados: Arte Interativa, Sonoridade Eletrônica e Linguagem Digital; Homenagem: Douglas Engelbart; “Trabalhando juntos” por Douglas Engelbart; FILE PAI Paulista Avenida Interativa = Arte Pública Interativa: “Arte Pública Interativa (PAI)” por Ricardo Barreto; FILE Mapa PAI; 18 trabalhos com textos respectivos; FILE São Paulo 2010: Instalações: 31 trabalhos com textos respectivos; FILE Mídia Arte: 90 trabalhos com textos respectivos; FILE Games: “Uma teoria narrativa dos jogos” por Espen Aarseth; 24 trabalhos com textos respectivos; FILE Maquinema: “Introdução ao FILE Maquinema 2010″ por Fernanda Albuquerque de Almeida”; 48 trabalhos com textos respectivos; Hipersônica Performance: 7 trabalhos com textos respectivos; Hipersônica Screening: 11 trabalhos com textos respectivos; Hipersônica Participantes: 40 trabalhos com textos respectivos; FILE Documenta: “Panoramas V” por Eric Marke; 8 trabalhos com textos respectivos; FILE Teoria: “Omnes et singulatim: arte, complexidade e emergência” por Pau Alsina; Symposium: 30 palestras com textos respectivos

Resumen:
Consultado Peter Sloterdijk acerca de ¿qué obras recomendaría?, responde: En primer lugar, El nacimiento de la tragedia, de Nietzsche, una teoría del arte. En segundo lugar, a Andy Warhol, con su libro: The philosophy of Andy Warhol. From A to B and back again (‘Mi Filosofía de A a B y de B a A’). Este originalísimo libro constituye no sólo una crónica de la vanguardia artística de New York y su particular fauna, sino a través de un repertorio de frases y agudas observaciones Warhol nos ofrece lo que es fundamentalmente una crónica del american way of life, de su glamour y decadencia. Entre sus frases memorables no se puede dejar de citar entre otras: «Shopping is much more american than thinking» (‘comprar es mucho más americano que pensar’). O «Nunca me molesto en arreglarme o en tratar de ser atractivo porque simplemente no quiero que nadie se comprometa conmigo; descuido mis buenos atributos y destaco los malos, de modo que tengo un aspecto espantoso y llevo los pantalones equivocados y los zapatos equivocados y llego en el momento equivocado con amigos equivocados y hablo con la gente equivocada, y si aún así, alguien se interesa por mí huyo y me pregunto. ¿En qué me equivoqué?… El asunto es que conocer a una persona más me resulta simplemente demasiado difícil, porque cada nueva persona ocupa más tiempo y espacio…»

Resumen El lenguaje clasicista inspirado en el arte romano de mediados del siglo XVI en el que se fundamenta la escultura romanista no se impone en Aragón hasta los años noventa del siglo, una fecha muy tardía en comparación con territorios próximos como Navarra o La Rioja, y ello a pesar de la presencia en el reino entre 1570 y 1574 de Juan de Anchieta, uno de los prin-cipales representantes de esta tendencia. El dominio del mercado zaragozano que ejerció Juan Rigalte durante el último tercio del siglo, un escultor muy tradicional y por cuyo taller pasa-ron algunos de los protagonistas de la nueva corriente en Aragón, caso de Juan Miguel Orliens, puede ser una de las razones que expliquen la tardía incorporación de la escultura aragonesa a la nueva corriente.
The classicist language inspired in the Roman art of around the middle of the XVI century , in which the romanista sculpture is based, didn't impose in Aragón until the nineties of the century, a late date compared to nearby territories such as Navarra or La Rioja, despite the presence of Juan de Anchieta in the kingdom between 1570 and 1574, one of the main representatives of this tendency. The dominion of Juan Rigalte, a traditional sculptor in whose workshop worked some of the main representatives of the new tendency such as Juan Miguel Orliens, over Zaragoza's market can be one of the reasons that explains the late entry of this new tendency in Aragón's sculpture.

Ensayo sobre las relaciones entre el arte y el conflicto, cómo la guerra y la propaganda de guerra en Colombia han hecho una guerra cultural y psicológica para conformar el imaginario del odio, de la venganza y la indiferencia, y cómo el trabajo de los y las artistas ha construido una memoria poética que rompe con las metáforas de ese imaginario proclive a la guerra para poder revelarnos las ilusiones poéticas de otro mundo deseable y posible.

El venezolano Carlos Cruz-Diez desarrolla la corriente artística
abstracta conocida como Op-Art (Arte Óptico) planteándose liberar el color de la forma, es decir, introducir movimiento a la pintura con ayuda del espectador a través de sus ocho líneas investigativas: Color Aditivo, Fisicromía, Inducción Cromática, Cromointerferencia, Transcromía, Cromosaturación, Cromoscopía y Color al espacio.

ABSTRACT
Juan Luí­s Martí­nez, poeta que a fines de los 70' y principios de los 80' irrumpió en la escena lí­rica chilena con una poesí­a rupturista, escéptica e iconoclasta, incomprendida por buena parte de la crí­tica y rechazada por más de un editor. Los versos de Martí­nez han circulado por más de 20 años en fotocopias, aunque ahora la situación empieza a cambiar. La Nueva Novela obra paradigmática de la vanguardia poética chilena se ha convertido en un objeto de un nuevo culto, el de la tacha de la autorí­a y la disolución del autor.
El poeta Juan Luis Martí­nez se ha transformado en icono de nuestra vanguardia literaria, aun cuando, según su propio designio, irradia una identidad velada, fantasmal, "más literaria que real", en algún momento se creyó que el era una invención de Enrique Lihn, que escribió una de las más lúcidas reseñas de este poeta legendario: "Señales de Ruta de Juan Luis Martí­nez"1. Una suerte de icono bizarro dentro de nuestro panorama literario. Tanto por la complejidad de su obra como por el desconocimiento puntual de lo que ésta significa. No han sido pocas las aproximaciones que se han realizado en torno a la producción literaria del poeta ˆ’la cual comprende sólo tres obras: La Nueva Novela (1977), La Poesí­a Chilena (1978) y Poemas del Otro (2003)ˆ’ a lo largo de los años, llamando la atención la multiplicidad de enfoques con que se le ha abordado.
La noción de "autor" –como creador individual de una obra artí­stica o literaria– se puede situar histórica y culturalmente en el tránsito de la modernidad a la posmodernidad, la noción de creador individual empieza a problematizarse desde fines del siglo XIX y a lo largo del siglo XX, donde la noción se hace insostenible.

El trabajo describe los resultados del Proyecto Pinacoteca Martiana, un catálogo en línea que reúne imágenes de 337 obras de las artes plásticas con los comentarios críticos que de las mismas hizo José Martí en diferentes escritos, en un recorrido cronológico desde sus tempranas valoraciones de 1875 en la Academia de San Carlos, hasta sus últimas notas en 1894, desde el periódico Patria. El catálogo permite conocer e investigar la presencia de las artes plásticas en la obra martiana y su evolución como crítico de arte, con un personalísimo estilo que conjuga el riguroso examen técnico de la obra con los juicios sobre su contenido, la impronta de su creador y los sentimientos que su contemplación inspira.

El Calvario que el escultor de Calatayud (Zaragoza) Pedro Martínez el Viejo (doc. 1579-1609) hizo en 1605 para el altar del racionero Domingo Moros en la colegiata de los Sagrados Corporales de Daroca (Zaragoza) es coetáneo de su intervención en la capilla Terrer de Valenzuela del mismo templo, una de las empresas artísticas más relevantes del momento en Aragón, cuya portada había contratado en 1603 junto a los canteros Hernando Larroza y Domingo Pontones. Fundado en los modelos que Juan de Anchieta y sus discípulos habían dejado años atrás en la capital aragonesa, constituye una bella creación en la que el artista aragonés ofrece su interpretación de un tema básico en la imaginería de la Contrarreforma que dispone, además, de un paralelo cercano en el Calvario que él mismo esculpió para el retablo mayor (hacia 1605-1610) de la catedral de Santa María de la Huerta de Tarazona (Zaragoza).
The Calvary that the sculptor from Calatayud (Zaragoza) Pedro Martinez the old (documented 1579-1609) made in 1605 for the altarpiece of Domingo Moros in the Colegiata of the sacred bodies of Daroca (Zaragoza) is contemporary to his intervention in the Terrer de Valenzuela’s chapel of the same temple, one of his most outstanding works of the time in Aragon, which façade had contracted in 1603 with the stonemasons Hernando Larroza and Domingo Pontones. It is based in the models Juan de Anchieta and his disciples had left some years earlier in the capital city of Aragon. It is a beautiful creation in which the artist offers his interpretation of a basic topic in the Counter-reform’s sculpture that it is also similar to the calvary he himself sculpted for the major altarpiece (1605-1610) of the cathedal of Santa María de la Huerta of Tarazona (Zaragoza).

RESUMEN:
En el debate modernidad – posmodernidad1 el arte tiene una posición sintomática: la crisis de las vanguardias ha sido una de las primeras señales de la deriva del proyecto moderno. Desde entonces el arte ha sido un organismo difuso,  indeterminado y mutante, cuya curiosa consecuencia ha sido el derrumbe de las fronteras entre arte y vida, entre lo culto y lo popular -cultura de masas-. Lo que ha sido un fenómeno relevante no sólo para la crítica y la teoría estética, sino para la configuración de la episteme posmoderna, para dar cuenta del estado del arte y sus cruzas en este particular momento de cavilaciones.  El saber aparece así indisolublemente ligado al estatuto del arte. Qué cosa sea arte y cual no, es una cuestión no sólo pertinente a las políticas culturales, sino al diagnóstico sociológico–identitario de nuestras sociedades posmodernas.
- VÁSQUEZ ROCCA, Adolfo, “La crisis de las Vanguardias artísticas y el debate Modernidad-Posmodernidad [The crisis of the artistic vanguards and the debat modernity-postmodernity] en ARTE, INDIVIDUO Y SOCIEDAD, Revista Científica de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid – Año 2005 – Vol. 17. ISSN 1131-5598 pp.133 – 154.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Abonar a la reflexión de la plástica nacional, incluso apuntando contradicciones propias, puede ser una forma de construcción muy salvadoreña, pues somos mestizos, una mezcla, una amalgama, y muchas veces una contradicción.

En el libro "Una construcción desde la contradicción", se reflexionan algunas pinturas nacionales de la época del Martinato que se encuentran en las colecciones públicas más importantes, destacando como el indígena se diluye en la historia y en la plástica; teniendo de base algunas ideas de Lara-Martínez sobre el arte de dicho momento histórico. (Señala que en la pintura se representaban a los indígenas de manera idílica, aunque en esa misma época se les perseguía y asesinaba.)

Pero, hay interrogantes que cuestionan, y que podrían contradecir algunas ideas planteadas en el libro como: ¿Qué tal si los artistas de la época, registraron la vida "indígena" que quedaba, antes de que pudiera desaparecer, ya sea consciente o inconscientemente?, pues pintaron a sus actores, sus contextos, y su "belleza", -desde perspectivas personales-; Pero, ¿no es eso también un aporte?, acaso ¿no es válida esa perspectiva?, ¿no es valioso el registro de estos artistas, a pesar de las contradicciones morales y éticas que nos pueden generar las obras, desde los planteamientos de Lara-Martínez?

Es una ampliación de la reflexión, y un complemento al libro; es un reflejo de la contradicción como medio de construcción. Y sobre todo, es un ejercicio de construcción de identidad como artista salvadoreño, que trata de comprender su herencia recibida.

Este texto fue realizado gracias a YES contemporary: http://www.yescontemporary.org/

Jaime Izaguirre.

O presente trabalho tem como objectivo estudar a construção dos bairros indígenas no espaço urbano de Luanda como meio de controlo e a separação de populações. A tarefa é de olhar como foi este processo, compreender as motivações que levaram a construção destes bairros. Através desta perspectiva, será possível analisar questões ligadas ao urbanismo, habitação, políticas para a construção de casas para os indígenas e o estabelecimento de bairros no espaço urbano de Luanda.

La funcionalidad social de las artes plásticas: Estudio sociológico del campo artístico en la ciudad de A Coruña. A funcionalidade social das artes plásticas: Estudo sociolóxico do campo artístico na cidade da Coruña. The social functionality of the plastic arts: Sociological study of the artistic field in the city of A Coruña. Resumen: La siguiente investigación propone un análisis sociológico del campo artístico de la ciudad de A Coruña cuyo objetivo principal será la identificación de la función social de las artes plásticas en la sociedad, haciendo especial hincapié en la producción artística contemporánea y en las consecuencias que Internet y la Web 2.0 tienen sobre este campo. Al mismo tiempo, partiendo de la teoría posmoderna de Fredric Jameson se indagará en la influencia que el sistema económico tiene sobre todos los agentes que operan en el campo artístico. Palabras clave: Arte contemporáneo, teoría posmoderna, consumo cultural.

Eduardo Roca Salazar (Choco). Pintor y grabador cubano, cuyo nombre artístico es Choco. Es un destacado artista de la plástica de fama mundial. Miembro de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC), del Taller Experimental de Gráfica de La Habana (TEGH) y de la Asociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP). Su obra se expone en Cuba y en museos, galerías y fundaciones del mundo: Estados Unidos, México, España, Francia, Alemania, Japón, Colombia, Argentina, Italia, Bélgica y Gran Bretaña