Storia del cinema e teatro italiano

Le vicende de "I carabinieri", testo teatrale dell’autore siciliano Beniamino Joppolo, rappresentano il filo conduttore per l’indagine trasversale portata avanti in questo volume.
Scritto nel 1945, il testo viene pubblicato in Italia solo molti anni dopo, nella rivista «Filmcritica» (1959), poi ancora in «Sipario» (1969). Nel 1962 Roberto Rossellini ne cura la messinscena per il Festival di Spoleto. Nel 1963 esce nelle sale francesi il film di Jean-Luc Godard: Les carabiniers. Una storia che si dipana lungo vent’anni cruciali per la cultura italiana ed europea.
Inseguendo I carabinieri il volume indaga i processi culturali in atto durante gli anni del regime, della resistenza e del dopoguerra, ricostruendo attentamente non solo le invenzioni formali e artistiche di Joppolo ma tutto il complesso insieme di relazioni ed eventi che innescano.

Da anni, un’Italia plurale, figlia dell’incontro transculturale, inventa spazi di espressione, reclama diritti di cittadinanza, lavora per una decolonizzazione del presente e della Storia. È anzitutto a essa che vuole parlare questo libro, che ricostruisce l’avventura di un cineasta, Giovanni Vento (1927-79) e del suo unico film di finzione, Il nero (1967). Romano, figlio del popolo, critico in lotta per un cinema all’altezza della lezione della Resistenza, documentarista attento ai mille volti di un’Italia sommersa, con Il nero Vento lancia la sfida di raccontare, in una Napoli inedita, il coming of age di alcuni «giovani, italiani e stranieri, bianchi e neri», tra cui due «figli della guerra»: per il regista, queste migliaia di nate/i dall’incontro tra italiane e soldati della Quinta Armata erano «i primi neri della storia italiana». Nonostante una partitura audiovisuale modernista, le luci di Aiace Parolin e i riff di Piero Umiliani per Gato Barbieri, Il nero nel 1967 non riuscì a trovare un distributore. Dopo il restauro digitale del Museo Nazionale del Cinema, per questo film e per il suo autore, caduti ingiustamente nell’oblio, si aprono tempi nuovi.

Il volume raccoglie una ampia selezione di saggi dedicati da Maurizio Grande a problemi diversi di teoria del teatro, elaborati in un periodo che copre gli ultimi tre lustri circa della sua attività di studioso. Della vastissima produzione saggistica sul teatro (mai interrotta neppure con il passaggio all’insegnamento di materie cinematografiche), si sono qui inclusi non i saggi critici dedicati ad autori e/o opere (neppure quelli, numerosi e importanti, su Carmelo Bene, destinati a una pubblicazione autonoma), quanto piuttosto quegli scritti che rispondono all’esigenza di produrre una riflessione più marcatamente teorica intorno a questioni di fondo relative alla possibilità stessa di definire l’istituzione-teatro e la sua destinazione/collocazione nella società delle comunicazioni di massa. Della pluralità di tematiche e di prospettive di indagine affrontate dà conto l’articolazione in sei sezioni in cui gli scritti sono stati raggruppati (“La parola, la soggettività”, “La scrittura di scena”, “Pensare il teatro”, “L’attore”, “Artaud, oltre il teatro”, “Destino del teatro”). L’introduzione critica del curatore fornisce gli indispensabili elementi di contestualizzazione storica e discute le principali questioni soggiacenti ai diversi interventi qui raccolti. Un brano del saggio che chiude il volume, inedito fino a ora, può fornire la giusta chiave di lettura della ricerca intellettuale di Maurizio Grande sul teatro, caratterizzata da una tensione analitica esemplare e sempre rigorosa: «Il teatro è il campo della produzione simbolica che ha più sofferto della invasione dello spettacolo in ogni ganglio della vita individuale e collettiva, tanto che è stato costretto a ripiegarsi su se stesso e sulla propria differenza per recuperare una necessità artistica che gli restituisca ciò che gli è dovuto: il primato nella elaborazione dei linguaggi irriducibili alla piattezza insolente, acritica e “pellicolare” della vischiosità televisiva e informatica».

Teatri e cinema storici abbandonati e trasformati; strutture spesso manipolate per essere poi riattivate dopo restauri ‘infiniti’. Bastano poche parole per delineare la situazione di sofferenza di un settore del nostro patrimonio architettonico, quello dei teatri, cinema, sale da musica e auditorium; vale a dire quegli edifici specialistici riconosciuti, nel tempo, quali simboli culturali e sociali della città. Oggi molte di queste strutture, ormai prive dell’originaria funzione, hanno perduto quel ruolo urbano e pubblico di riferimento che le caratterizzava; attualmente decadute e, sovente, oggetto d’interminabili contenziosi, queste vengono demolite o rinnegate, e, nella migliore delle ipotesi, alterate come esclusivi prodotti di consumo legati a disinvolte esigenze di mercato. Il contributo, che si basa sull’approfondimento delle attuali conoscenze sull’argomento, intende impostare una rilettura di più ampio respiro sull’argomento che tenga conto della complessità degli aspetti connessi alla trasformazione funzionale e all’adeguamento di queste strutture. Verificare l’attuale casistica di utilizzo che, da una prima indagine, sembra muoversi tra operazioni di ripristino, adeguamento, ri-uso, modificazione e innovazione. Attraverso alcune esperienze italiane e internazionali, si vogliono presentare alcuni casi esemplari che ben esemplificano le diverse problematiche legate all’aggiornamento di tali strutture. Per lo più ci si trova di fronte a modifiche funzionali e architettoniche guidate esclusivamente da interessi economici e speculativi che spesso portano, attraverso l’alterazione, alla perdita totale di tali ‘memorie’. Si tratta di tematiche che entrano a pieno titolo all’interno della disciplina del restauro: prima di tutto per il tema della ‘compatibilità’ d’uso tra nuove destinazioni e peculiari funzioni dell’opera, oltre che della predisposizione di tali organismi a ‘tollerare’ le modifiche funzionali, impiantistiche, statiche necessarie per accogliere nuove attività, mantenendone inalterati i ‘valori’ preesistenti, senza manipolare il carattere e l’autenticità dell’opera. Lo studio si pone come obiettivo finale quello d’indagare il rapporto che viene a instaurarsi tra contenitore storico e trasformazione d’uso, cercando di comprendere come sia possibile, sulla base di mutate necessità, soddisfare da una parte le esigenze della conservazione e dall’altra quelle della trasformazione.
Neglectid and transformed theaters and cinemas; structures often manipulated to be reused after restorations. Just a few words to outline the suffering of a sector of our architectural heritage, that of theaters, cinemas, music halls and auditorium; that is, those specialized buildings recognized over time as cultural and social symbols of the city.
The paper wants to investigate the relationship between the historical container and the transformation of use, trying to understand how it is possible, on the basis of changing needs, to meet the needs of conservation and the ' other ones of transformation.

pp. 83 ensaio em italiano sobre: No contexto de auto-afirmação nacional que segue à unificação da Itália, os grandes atores italianos se encarregaram de uma específica missão patriótica. Ao empreender tournées intercontinentais, privilegiando como destino a América Latina, pretendiam divulgar uma idéia de nação de valores, culta e dotada de excepcional talento artístico. É no Brasil que a atriz italiana Adelaide Ristori se consagra “rainha da cena” pela notoriedade adquirida nos palcos do mundo inteiro e, ainda, em virtude de sua amizade com o Imperador Dom Pedro II. Uma amizade cultivada por vinte anos de correspondência e raríssimos, mas significativos encontros. A tarefa ética assumida pela Ristori como atriz encarregada da emancipação de sua classe e da formação da consciência nacional na Itália, resultava de extremo interesse para o Imperador, pois mostrava em cena sua idéia do Brasil como nação a ser construída através de um projeto cultural de re-europeização.

O ensaio apresenta, em italiano, pesquisa publicada em português no livro UMA AMIZADE REVELADA. Correpondência entre o Imperador Dom Pedro II e Adelaide Ristori, a maior atriz de seu tempo
Organiz. e pref. Alessandra Vannucci
Rio de Janeiro: Edições Biblioteca Nacional, 2004
284 pg., ilustr. col., 22 X 28 cm.
Uma colaboração entre Fundação Biblioteca Nacional (Rio de Janeiro), Museu Imperial (Petrópolis) e Museo Biblioteca dell’Attore (Genova).
Descrição: O volume apresenta a versao bilingue (original italiano e portugues) do epistolario entre o Imperador Dom Pedro II e Adelaide Ristori, grande atriz tragica italiana conhecida como a "rainha da cena" do seu tempo. O volume è ricamente ilustrado com imagens inéditas, rarissimas e em otimo estado de conservaçao. O aparato apresenta uma breve introduçao biografica (T. Viziano) um amplo prefacio assinado pela organizadora, Alessandra Vannucci, notas historicas e teatrais, a transcriçao integral das cartas em italiano e a transcriço das criticas que Machado de Assis dedicou à atriz na época de sua primeira viagem ao Brasil.
"Atraves do excelente ensaio da organizadora, ficamos conhecendo a mecanica das grandes companhias, as rivalidades entre as estrelas, a disputa pelo mercado, as negociacioes dos agentes que antecediam cada uma dessas viagens e as técnicas de divulgaçao do espetaculo [...] era toda uma industria cultural que antecipa a de hoje"  (Isabel Lustosa, Paginas de amizade e historia, O Globo, Prosa e Verso, 19.2.2005)

La sfida affascinante è quella di inserire Pinocchio in un mondo collodiano
estremamente stravolto, nella definizione nuova di personaggi celebri
deformati fisicamente e psicologicamente, nei quali l’elemento primo di
de-formazione è la voce espropriata a se stessa, amplificata e obliata nel
playback, la “phonè” come la definisce Bene. Questo lavoro non sarà
dunque rivolto esclusivamente alla pagina scritta, ma richiederà
l’accostamento del materiale audio e audio-visivo come livelli di
espressione completivi. Pinocchio di Carmelo Bene non può essere
compreso se non nella “voce (abbandono nella lettura-oblìo) che si
scorpora nell’alone del suono[…] Che ne è del testo, così dimenticato?
Esso è disfatto nel suo disfarsi altrove. Sottratto alla macabra persistenza
del suo rito-equivoco imbalsamato. Mai più riferito. Mai più”.

Luca Ronconi (1933-2015). Edited by Doriana Legge and Francesca Romana Rietti.

Essays by Stefano Massini and Doriana Legge. An anthology of writings by: Luca Ronconi, Franco Quadri, Ferdinando Taviani, Angelo Maria Ripellino, Cesare Garboli, Roberto De Monticelli.

Interventi di Stefano Massini e Doriana Legge. Una antologia di scritti di: Luca Ronconi, Franco Quadri, Ferdinando Taviani, Angelo Maria Ripellino, Cesare Garboli, Roberto De Monticelli

Brunella Bovo, originaria d’una zona allora tra le più depresse della provincia veneta, giunge giovanissima da Padova nella capitale di un paese uscito drammaticamente e gravemente ferito dal devastante conflitto mondiale e nonostante un primo frustrante impedimento dovuto all’esclusione dalle preselezioni di ammissione ai corsi di recitazione del Centro Sperimentale di Cinematografia, riesce tuttavia ad accedere con ruoli di rilievo ai set di due film per nulla marginali. L’aspirante attrice viene scelta infatti da un maestro già riconosciuto come Vittorio De Sica per interpretare in Miracolo a Milano la servetta di cui s’innamora il personaggio principale del film, Totò il Buono; ma lo sarà anche da Federico Fellini per il ruolo femminile principale nel suo primo film firmato come unico regista, Lo sceicco bianco, a fianco dei due protagonisti maschili principali Alberto Sordi e Leopoldo Trieste... la carriera dell’attrice padovana a livello cinematografico si svilupperà nell’arco di una quindicina d’anni, relegandola a ruoli marginali in film di non grande impatto, nonostante i giudizi solitamente brevi ma normalmente positivi riguardo alle sue prove della prima ora da parte di stampa e critica.

Da C. Vicentini, La teoria del teatro politico (Firenze, Sansoni), pp. 125-162.
Sommario: 1 La nozione del teatro di guerriglia. 2 Teatro sperimentale e  teatro politico. 3 La nuova sinistra e il teatro di guerriglia. 4 Teatro di guerriglia e azione diretta. 5 Lotta rivoluzionaria e spettacolo teatrale. 6 Il modello del teatro di guerriglia.

Il paesaggio italiano è da secoli un soggetto privilegiato della rappresentazione artistica. Fin dal Trecento, ad esempio con Giotto e Ambrogio Lorenzetti, venivano raffigurate le campagne e le città italiane sulle pareti di chiese e palazzi pubblici. L’idea di paesaggio artistico raggiungerà il suo apice tra XVIII e XIX secolo grazie all’influenza del Romanticismo, per arrivare, nel XX secolo, alle sue raffigurazione più metafisiche con le opere di Giorgio De Chirico. Con l’avvento del cinema, il paesaggio diventa strumento per ricostruire la storia, la cultura e la geografia della Penisola. Il cinema italiano assume il ruolo di testimone dell’evoluzione del paesaggio nazionale, mostrando tutte le tappe che l’Italia ha percorso nell’ultimo secolo: costruzione, ricostruzione, industrializzazione, immigrazione verso il Nord, abbandono delle campagne, espansione delle periferie urbane e nascita di nuovi quartieri residenziali.

Adaptation de la nouvelle de Thomas Mann, le long-métrage Mort à Venise (1971) de Luchino Visconti montre comment deux conceptions artistiques, à l’apparence antinomiques, entrent en collision dans le parcours personnel du compositeur Gustav Aschenbach s’éprenant du jeune Tadzio, lors de son séjour vénitien. Réflexion sur la beauté, Mort à Venise de Visconti est surtout une œuvre sur la fascination de la laideur, incarnée par une panoplie de personnages, de thèmes et de motifs décadents, récurrents dans le cinéma du réalisateur.
Après une analyse des éléments esthétiques et narratifs du film, cet essai converge vers une contextualisation et une interprétation politique de la pestilence qui sévit à Venise. En effet, bien que reléguée « hors champ », l’Histoire a une place prépondérante et cet essai tente de répondre à la question suivante : de quoi l’épidémie est-elle le signe chez Luchino Visconti ? Présage de la guerre dans la nouvelle, le choléra renvoie à une critique de l’utilitarisme de la morale bourgeoise dans le film qui apparaît alors comme une célébration de la jouissance (« ce qui ne sert à rien », pour reprendre la formule lacanienne) s’opposant aux logiques économiques et culturelles régissant la société italienne à la fin des années 1960.

Ritratto della Divina Eleonora Duse e del suo modo di recitare che cambiò radicalmente durante la collaborazione con Gabriele D’Annunzio: da sensuale, infatti, divenne rarefatto.

Nel testo, tra le altre cose, si prendono in considerazione anche i rapporti intercorsi tra la Duse e Arrigo Boito e tra la Divina ed Edward Gordon Craig.

Il 5 marzo di cento anni fa nasceva a Bologna uno degli intellettuali più poliedrici della cultura italiana: Pier Paolo Pasolini. Una figura che ha attraversato quasi tutti i campi del sapere lasciando ovunque il segno: letteratura, cinema, teatro, giornalismo, pittura sono solo alcuni dei percorsi intrapresi da quello che, universalmente, è riconosciuto come uno dei pilastri del Novecento del nostro Paese.

This work analyses the values and conflicts
that the italian culture has linked to the name
of Antigone from the 70’s (20th Century). For
that purpose, literary, theatrical and cinematographic
re-creations of this Sofocles´s mith have
been taken into account together with the continous
references to Electra’s heroic daughter
made both in the italian press and politics.

Prima parte del carteggio inedito tra Massimo Bontempelli e Giuseppe De Robertis. Analisi della prima lettera del carteggio scritta da Bontempelli mentre si trovava a Venezia, il 20 settembre del 1941. Nella stessa viene evidenziato il legame dei due critici e giornalisti con la
cultura musicale e teatrale dell'epoca attraverso il rapporto con Ildebrando Pizzetti e Gian Francesco Malipiero.

In questa conferenza tenuta presso la sala della Protomoteca del Capidoglio a Roma, Bernard riporta l'attenzione sull'aspetto socialmente critico e politicamente impegnato del cinema della "Dolce Vita" che va  distaccato dal luogo comune di un modello di vita scanzonato e ispirato al dolce far niente di una vulgata fin troppo diffusa e fuorviante.

26 Ottobre 1816: l’antichissimo Teatro di Volterra, di proprietà dell’Accademia dei Sepolti e situato in Piazza dei Priori (fin dal XIV secolo!), venne chiuso: era costruito in gran parte di legno e diventato sostanzialmente inagibile e pericolante a distanza di 70 anni dall’ultimo restauro (1740).

in "Interferenze. Registi/scrittori e scrittori/registi nella cultura italiana", a cura di Denis Brotto e Attilio Motta, 2019.
Saggio dedicato al film "Il fauno" (Ambrosio, Torino 1917) scritto, diretto e interpretato da Febo Mari.
*Il fauno pigmalione. Dal "cine-poema" alla 'Gesamtkunstwerk'*
Paragrafi:
- Febo Mari pigmalione. Il teatro nel cinematografo
- Il sogno del fauno. Sintesi del contesto culturale
- Il fauno pigmalione
- "Il fauno", 'cine-poema' simbolista
- 'Così ha fine il racconto'

Il Manifesto S-naturalista di Enrico Bernard con le illustrazioni di Dario Fo è stato pubblicato per la prima volta nel 1993 all’interno della rivista “Ridotto” (nr. 1-2, gennaio-febbraio 1993, pp. 44-54). Successivamente in:
http://www.amnesiavivace.it/sommario/rivista/brani/pezzo.asp?id=182
ed è nel sito di Franca Rame e Dario Fo
Articoli (42) - Archivio Franca Rame Dario Fo
www.archivio.francarame.it/elenco.aspx?IDOpera=8&IDTipologia...
Poetiche d`autore. 1993 Intervento di Enrico Bernard pubblicato su "Ridotto" in cui illustra la sua visione del mondo teatrale. ... 2001 Articolo su Dario Fo e la sua produzione pittorica, in riferimento sopratutto al legame con l` attività teatrale.

Questo saggio illustra tutte le opere teatrali di Giuseppe Marotta (Napoli 1902 - ivi 1963) e il suo prezioso contributo nel mondo del cinema. Lo scrittore napoletano, già autore de "L'oro di Napoli", diventa critico teatrale e cinematografico, delineando attraverso le sue stesse opere, una strada inesplorata verso un modo nuovo di intendere lo spettacolo. pp.304

Sin dai primi anni del Novecento, nelle sale cinematografiche sono proiettati film “dal vero” che mostrano soldati impegnati in azioni di combattimento. In realtà – a causa dei rischi del teatro di guerra e dei divieti militari – sovente si tratta di messinscena ricreate ex post. Accanto a questa produzione ibrida, si sviluppano numerosi soggetti finzionali legati al conflitto in atto, ossia i film patriottici.
Nel caso peculiare si tenta di mettere in rilievo un piccolo film di finzione, legato alla tradizione storico-monumentale del nostro cinema, prodotto in una fase drammatica della Grande guerra italiana, quella del dopo Caporetto. La pellicola del 1918, intitolata "La leggenda di Santa Barbara", vede protagonista una delle dive più celebri al mondo, Lyda Borelli. La produzione è parte di un programma più ampio di revisione critica, riforma ideologica ed estetica del cinema di propaganda bellica, sostenuta dal Governo italiano e amplificata da riviste di settore.

Realizzato nel 1932, La tavola dei poveri, resta l’unica testimonianza cinematografica sonora dell’attore campano Raffaele Viviani. Il film nasce da un soggetto dell’attore stesso (un suo atto unico) e di Mario Soldati e vede la luce grazie alla lungimiranza di Emilio Cecchi, direttore
generale della Cines, all’epoca sotto la direzione di Ludovico Toeplitz. Inizialmente il film doveva essere diretto dal già ‘rodato’ Guido Brignone, sostituito poi in extremis dal promettente Alessandro Blasetti...

Ho incontrato Orazio Costa Giovangigli (1911-1999) nella sua residenza romana il 24 marzo 1993, mentre ero ancora impegnato nella raccolta documentaria per il mio libro su Tatiana Pavlova.
Orazio Costa Giovangigli è stato allievo della Pavlova all'Accademia nazionale d'arte drammatica fondata da Silvio D'Amico.
Durante il colloquio, oltre che della Pavlova, si è parlato anche di D'Amico, Guido Salvini, Luigi Pirandello, Renato Cialente e Pietro Sharoff.
Il colloquio è rimasto inedito.

Si presentano in questo fascicolo alcuni esiti di una ricerca condotta negli ultimi due anni nell’ambito del progetto Il patrimonio teatrale come bene culturale: l’Archivio Storico del Piccolo Teatro di Milano, avviato grazie alla comune volontà dell’Università Cattolica e del Piccolo Teatro di stabilire sempre più serrati e organici rapporti tra istituzioni che operano nei settori della cultura teatrale, anche al fine di coniugare teoria e prassi nell’ambito dei corsi di laurea e dei percorsi curricolari in discipline dello spettacolo e favorire la formazione di profili professionalizzanti.

Il volume (a cura di Teresa Nocita) raccoglie gli atti della giornata di studi del 27 marzo 2019, organizzata da Gianluigi Simonetti e Teresa Nocita all'Università dell'Aquila. L'incontro, coordinato da Doriana Legge, per la sezione teatro, e da Mirko Lino, per la sezione cinema, ha inteso concentrarsi sulla figura singolare di Giordano Falzoni, pittore, scrittore e autore teatrale, legato alla frazione romana del Gruppo 63, nonché traduttore e amico di André Breton, interprete per registi del calibro di Fellini e stretto collaboratore di Alberto Grifi , cineasta della Beat Generation.

Il contributo di Tatiana Pavlova, attrice di teatro e regista russa, stabilitasi in Italia negli anni ’20 del Novecento è difficile da classificare. Nel febbraio del 1932, sul primo numero della rivista «Scenario» appare un articolo del linguista Bruno Migliorini che si interroga sull’opportunità della parola regia, che Enrico Rocca aveva usato per la prima volta recensendo lo spettacolo Oltre oceano di Jacob Gordin, con la regia di Tatiana Pavlova («Lavoro Fascista», 31 dicembre 1931).
Le successive collaborazioni della Pavlova, con Pietro Sharoff e Nemirovič-Dančenko sembrano il sintomo di una cosiddetta “anima slava” della regista, ma possono considerarsi anche tracce sparse di un’idea di teatro profondamente radicata in Russia, di cui l’attrice porta, consapevolmente o no, qualche frammento in Italia.
La richiesta di considerare la Pavlova come prodotto italiano, da parte di alcuni critici del tempo, pare quindi giustificata, ma apre un cortocircuito tra identità russa e italiana che provoca improvvise fratture e fa della Pavlova un soggetto non qualificabile: attrice/regista italiana eppure mai del tutto assimilata ai nostri canoni, attrice/regista straniera eppure così italiana da conquistare onori e cittadinanza. La sua presenza in Italia ha quindi portato frammenti di quello spirito dei grandi teatri d’innovazione, è stata veicolo per una certa visione di Regia teatrale, ma soprattutto per l’attenzione verso il ruolo dei maestri nel nostro paese.

Este artigo pretende pensar a figura do pai e de sua morte na poesia de Pier Paolo
Pasolini. A afasia poética de Pasolini, atribuída ao "trauma intelectual", dá lugar a uma luta no
meio da solidão que prefigura a militância "corsária" quando confrontada com questões atuais em que muitas vezes está diretamente envolvida. Pasolini com suas opiniões, manifestos, declarações, com seus filmes inevitavelmente censurados, mantém em permanente dissonância com todos: esquerda e direita, fascistas, católicos, intelectuais etc.

Abstract: This paper intends to reflect on the father figure and his death in the poetry of Pier Paolo Pasolini. Pasolini's poetic aphasia, attributed to "intellectual trauma", gives way to a struggle in the midst of solitude that prefigures "corsair" militancy when confronted with current issues in which it is often directly involved. Pasolini with his opinions, manifestos, declarations, with his inevitably censored films, keeps in permanent dissonance with all: left and right, fascists, Catholics, intellectuals etc.
Keywords: Pasolini; poetry; father; death

Di ‘soprannaturale’ si è nutrita gran parte della letteratura romantica. La rappresentazione di situazioni che esulavano dall’esperienza quotidiana catturava l’attenzione di tanti lettori che, assieme a coloro che - purtroppo - non sapevano leggere, accorrevano nei teatri per vedere il fantasma de Il dissoluto punito (Don Giovanni) quello di re Duncano (Macbeth) e la materializzazione di Leone papa - l’’immane veglio’- incubo del re degli Unni (Attila).
    Di questa fortunata tematica si sono appropriati compositori per musicare e mettere in scena ‘affetti’ perturbanti, creanti angoscia e timori, paure non risolvibili se non con il riaffermare il principio di realtà. Per questo, per la riaffermazione della ‘vile’ realtà, vediamo Don Giovanni che sprofonda negli inferi, Macbeth che - impazzito - soccombe in battaglia, e Attila che - apertosi un attimo all’’umanità’ - viene trafitto con la sua stessa spada - da una donna.