Composizione musicale

L' analisi di nuove fonti storiche permette di analizzare il background sociale e culturale nel quale molti artisti dell'Ottocento hanno operato.
Ogni nuova ricerca rappresenta un piccolo tassello  per l'individuazione della provenienza dei solisti delle bande musicali abruzzesi dell'Ottocento.
Giovanni De Benedictis nacque a Civitella
del Tronto nel 1839 da Raffaele, Maestro
di musica e Marianna Schiaramazzi.
Nel 1838 il padre Raffaele dirigeva la banda
di Civitella del Tronto che si distingueva
brillantemente nelle piazze della provincia1
.
Questo nuovo lavoro di ricerca permette
di riscoprire alcuni personaggi della storia
bandistica abruzzese e colma una lacuna
per quanto riguarda l’opera della famosa
famiglia De Benedictis, valenti musicisti
apprezzati in tante località abruzzesi, laziali,
molisane e pugliesi.
È proprio nel 1882, agli inizi della seconda
fase di vita e di successi della banda
musicale di Pianella, che Giovanni De
Benedictis venne chiamato e scritturato.

La singolarità di "Fratres" del compositore estone Arvo Pärt risiede nell'estremo rigore costruttivo che restituisce all'ascolto un risultato quasi ascetico di purezza. Questa analisi si propone di spiegare la regola costruttiva e di fornire un'introduzione alla tecnica tintinnabuli adoperata dal compositore.

Questo saggio prende in esame Lumen di Franco Donatoni, e attraverso vari metodi analitici enuclea i processi compositivi completi. Ne risulta una composizione molto coerente, basata su procedimenti di riscrittura delle sezioni di cui è composta, teleologicamente condotti verso il culmine della forma. In finale il confronto con il materiale inedito di Dallapiccola da cui Donatoni ha preso avvio per comporre Lumen, e un'ipotesi di paragone tra il Nostro e i suoi contemporanei.

This paper examines Lumen by Franco Donatoni, elucidating the whole compositional process through various analytical methods. The analysis highlights a very consistent work, based on procedures of rewriting, driven in a teleological way to the culmination point of the composition. In the final part a comparison with Dallapiccola’s autograph materials Donatoni referred is developed, as well as a concise compare with the main coeval composers.

[ITA] Alcuni elementi strutturati in sei capitoli per lo studio del Canto Gregoriano: una piccola guida “introduttiva” per il neofita. Questa trattazione sintetica nasce dai corsi seguiti all’Abbazia di Farfa con Padre Matteo Ferraldeschi, al Pontificio Ateneo S. Anselmo di Roma con Sawicki/Roesler/Manzocchi, con Federico Del Sordo presso il Conservatorio di Santa Cecilia a Roma. Il dossier è stato utile a scopo didattico, attuato nell’ambito di laboratori corali.

On June the 10th and 11th, 2022, Concert pianist, Doctor of Musical Arts, Scriabinist and Professor of piano at the State Conservatorio of Music named after Lorenzo Perosi in Campobasso, Italy, will give a 12 hours seminar dedicated to the 150th anniversary of the birth of Alexander Scriabin.

Dr Ragone is a scholar of Scriabin's Music, having performed his set of 10 Sonatas and other major works. His passion with the great Russian composer began while he was still a student at Conservatorio Santa Cecilia in Rome in 1987.

In 2007 Aldo Ragone obtained DMA at the University of Maryland(USA) performing 10 Sonatas of Scriabin and 24 preludes opus 11 under supervision of Professor Larisa Dedova (student of Lev Oborin).

Since then, Aldo Ragone performed works of Alexander Scriabin in Azerbaijan, Germany, Italy, Poland, United Kingdom, premiering some compositions of the great Russian composer in USA and Turkey.

A seminar on Alexander Scriabin for the first time was given by Professor Ragone in Istanbul, Turkey on May the 9th, 2012. Starting from 2016, pianist Aldo Ragone gives seminars on Alexander Scriabin annually in the Conservatorio he works. Activity of Professor Ragone awoke interest on the part of other Italian state conservatories resulting in official invitations for seminars and masterclasses in Latina and Pescara. For the full-length list of concerts and other events dedicated to Alexander Scriabin since 2008 please check the field "Events" at www.aldoragone.com

10 и 11 июня 2022 г. Пианист, доктор музыкальных искусств, скрябинист и профессор фортепиано Государственной консерватории имени Лоренцо Перози в Кампобассо, Италия, проведет 12-часовой семинар, посвященный 150-летию со дня рождения Александра Скрябина. Доктор Рагоне является знатоком музыки Скрябина, исполнившим 10 сонат и ряд других крупных произведений композитора.

Его увлечение великим русским композитором началось, когда он был еще студентом консерватории Санта-Чечилия в Риме в 1987 году.

В 2007 году Альдо Рагоне получил степень доктора музыкальных искусств в Мэрилендском университете (США), исполнив 10 сонат Скрябина и 24 прелюдии опуса 11, под руководством профессора Ларисы Дедовой (студентки Льва Оборина).

С тех пор Альдо Рагоне исполнил произведения Александра Скрябина в Азербайджане, Германии, Италии, Польше, Великобритании, а некоторые сочинения великого русского композитора в США и Турции были исполнены им впервые.

Впервые семинар по Александру Скрябину был проведён профессором Рагоне в Стамбуле, Турция, 9 мая 2012 года.

Начиная с 2016 года пианист Альдо Рагоне ежегодно проводит семинары по Александру Скрябину в итальянской Консерватории, в которой он работает. Деятельность профессора Рагоне вызвала интерес со стороны других итальянских государственных консерваторий, что привело к официальным приглашениям на семинары и мастер-классы в Латине и Пескаре.

Полный список концертов и других мероприятий, посвященных Александру Скрябину с 2008 года, смотрите в разделе «События» на сайте http://www.aldoragone.com./

Breve trattato redatto con l’intento di offrire una sintesi chiara degli argomenti fondamentali che riguardano la conoscenza ed il concatenamento degli accordi, seguendo i concetti cardine dello studio dell’armonia tonale-funzionale e ponendo l’accento sul concetto di “relazione”. La presente sintesi, contenendo anche alcuni fondamenti di ritmica e di analisi, può essere utile come supporto alle lezioni di Teoria e Tecnica dell’Armonia nei Conservatori e Istituti Musicali (COTP/01), ma può essere anche impiegata come introduzione nei corsi di fondamenti di composizione, direzione d’orchestra e musica applicata alle immagini.
Con una breve prefazione del M° Angelo Bruzzese.

Perché un messaggio puramente acustico viene da noi definito come musica e, quando ci colpisce, emozione? E in che modo la psicologia cognitiva della musica può venire in aiuto al compositore che ha fatto della musica la sua arte comunicativa?
Si è condotta una ricerca su varie pubblicazioni partendo dagli studi storici che hanno contribuito a creare quella che è la disciplina della Psicologia della Musica, passando attraverso l’evoluzione cognitivista più recente fino alle neuroscienze degli anni Duemila, cercando infine di fornire indicazioni e risposte alle domande poste in introduzione.
Il primo capitolo fa capo ai pionieri analisti delle esperienze acustiche: sperimentatori del suono e studiosi della percezione musicale come von Helmholtz, Stumpf e von Ehrenfels. Successivamente vengono trattati i principali test di attitudine musicale, verificandone i limiti. Si giunge poi agli studi di Révész riguardanti l’altezza e la qualità tonale, per poi affrontare l’eterno dilemma della semantica musicale. Il primo capitolo si conclude con gli studi di Francès, fra i primi a dimostrare il perché sia necessario gerarchizzare strutturalmente la musica.
Il secondo capitolo presenta i principali studi di Psicologia della Musica inerenti la corrente del cognitivismo, i quali si focalizzano sull’analisi del pensiero musicale, piuttosto che sul prodotto finito. Interessante in particolar modo lo studio che ipotizza cosa la memoria sceglierebbe di immagazzinare prendendo a riferimento un’organizzazione gerarchica musicale, sebbene il fulcro del secondo capitolo sia racchiuso nella presentazione del modello cognitivo dei processi compositivi proposto da Biasutti.
Il terzo capitolo analizza la struttura del ‘cervello musicale’, evidenziandone la plasticità e le capacità. Inoltre si riportano studi che analizzano il ruolo dei geni nell’attitudine musicale, per concludere, infine, con le evidenze scientifiche delle emozioni che sono intrinseche a certe strutture musicali.

Il 26 febbraio 1817 fu rinvenuto il corpo di Santa Ciriaca, di nome proprio, nelle catacombe di Santa Priscilla a Roma, avvolto in eleganti vesti di seta, con ampolla tinta di sangue e una lastra di marmo con una iscrizione: QUIRIACAE IN PACE.
Il 15 marzo 1834 Papa Gregorio XVI donò il corpo della Santa per consegnarlo ai cittadini di Pianella a Padre Giuseppangelo De Fazio (1801-1838), Cappuccino da Pianella, vescovo, missionario, Prefetto e Visitatore Apostolico.
Nella chiesa di S. Antonio abate si venera il corpo di S. Ciriaca Vergine e Martire come già riportava lo scrittore Achille Moltedo nel Dizionario geografico-storico-statistico de’ comuni del Regno delle Due Sicilie, alla voce “Pianella”, stampato a Napoli nel 1858.
Già dalla seconda metà dell'Ottocento è documentata una grande affluenza di pellegrini nella Città di Pianella per rendere omaggio a S. Ciriaca V. e Martire.
I fuochi pirotecnici, suonatori di pifferi e tamburi, e le rinomate bande musicali accompagnavano ed allietavano la festa. Per molti anni le sacre reliquie della Santa furono conservate sotto l'altare maggiore (fino al 1946).
I Maestri Andrea Di Fonzo e Andrea Di Girolamo composero Inni per la Santa nel corso della prima metà del Novecento.
Molti e diversi sono i miracoli registrati a Pianella riportati attraverso le fonti scritte e orali.

Musica ed esperienza di Dio, si addice all’esperienza che trascende l’uomo. Non si tratta soltanto di una visione razionale, ma esperienziale che coinvolge l’uomo nella sua integrità, nei suoi sensi, affetti e nel suo corpo. E attraverso ciò che le esperienze ci portano e, a secondo il modo con cui le cogliamo, ci trasformano. Quanto più, se tale esperienza viene vissuta comunitariamente. La risposta alla chiamata del dono artistico musicale non è soltanto una questione personale, ma è anche comunitaria, perché essa si riflette non solo nel nostro essere e vivere, ma anche nel nostro servire come musicisti e cantanti. Siamo noi in primis a dover rispondere a tale chiamata e, a secondo della nostra risposta, frutterà il dono che venne conferito a noi e, attraverso di noi, ai nostri fratelli.
L’oggetto della tesi, che è l’esperienza di Dio nella musica liturgica e religiosa, parte dalla realtà quotidiana. Vorrei rispondere, ad alcune lacune nel servizio musicale delle quali mi sono resa conto, non di certo in modo esauriente, ma ripercorrendo le vie di quest’esperienza. Per cui l’obiettivo di questa ricerca sta nel rispondere, almeno in parte, alla domanda: come nel dono della musica viene vissuta l’esperienza di Dio oggi?
La musica, infatti, coinvolgendo l’uomo nella sua totalità ha una straordinaria capacità di aprire la porta del suo essere, perché sia proteso verso altro da sé. E se quest’esperienza viene vissuta nell’atmosfera di fede ecclesiale, della comunità che celebra il Mistero di Cristo, tale musica diventa strumento, affinché ciò che viene celebrato in parole venga anche vissuto coinvolgendo l’uomo non soltanto intellettualmente, ma anche sensibilmente, dando le possibilità dell’esperienza di qualcosa di Dio. Sostenere questo fatto è possibile soltanto a partire dall’incarnazione di Cristo, che è il fondamento di tale esperienza. Dio che diventa l’uomo per mostra la via al Padre elevando l’uomo stesso. «Facendosi uomo, infatti, il Figlio di Dio ha introdotto nella storia dell’umanità tutta la ricchezza evangelica della verità e del bene, e con essa ha svelato anche una nuova dimensione della bellezza: il messaggio evangelico ne è colmo fino all’orlo ... per tutti, credenti e non, le realizzazioni artistiche ispirate alla Scrittura rimangono un riflesso del mistero insondabile che avvolge ed abita il mondo» (GIOVANNI PAOLO II, Lettera agli artisti (4 aprile 1999) 5, in Enchiridion dei Beni Culturali della Chiesa (= EBCC), 1120-1123.).

[ITA] Il saggio indaga sui caratteri stilistici di alcune composizioni di musicisti del secolo appena trascorso (Stravinskij, Ligeti, Schnittke, Nono e Berio), mettendole in relazione con la tradizione al fine di evidenziare il processo continuo di rimandi, acquisizioni e, nel contempo, voluta lontananza dai modelli in direzione di un rapporto creativo e positivo con il passato.
[ENG] The essay explores the stylistic features of some compositions by composers of the past century (Stravinskij, Ligeti, Schnittke, Nono and Berio), investigating their relationship with tradition. The purpose is to underline the constant process of references, acquisitions, and, at the same time, intentional detachment from the traditional models towards a creative and positive relationship with the past.

This paper describes FDSDB_XXth_CT, an algorithmic composition library, for PWGL and Open Music , devoted to some of XXth Century composition techniques. It can
be freely downloaded at the following web page: https://sites.google.com/site/fdsdbmascagni/code. After a general review, necessarily not exhaustive, about the
type of libraries at disposal for PWGL and Open Music, we move on to describe the process of realization that has led to the creation of the library, consequential to
composition and analysis practice, and resulting by a work extended over the years, and still in progress. Afterwards the library structure is described in summary, and
contemplated composition techniques are listed, afferent to Dodecaphony, Serial and Post-serial period, Pitch-Class Set Theory and other processes for developing
pitches and durations. Finally some tutorial patches are showed, followed by a concise conclusion about aims and use of the library.

Luigi Marchetti, direttore e compositore, fu  un personaggio  della storia musicale bandistica dell'Ottocento abruzzese.
Gessopalena, paese situato in provincia di Chieti, gli diede i natali il 17 febbraio del 1840.
Allievo di Crisante Del Cioppo, passò a dirigere la Banda di Pianella dopo l'Unità d' Italia.
Con il concerto pianellese raggiunse elevati livelli di popolarità in Italia ed all'estero. In Abruzzo rimase memorabile la "diatriba musicale" e la rivalità con Carlo Cavina, famoso Maestro della Banda di Teramo nella seconda metà dell'Ottocento.
Nel 1881 risulta tra i soci della Società Operaia di Mutuo Soccorso Fratellanza Artigiana insieme ad altri componenti della banda come riportato nello "Statuto della Società Operaia di Mutuo Soccorso Fratellanza Artigiana  in Pianella, approvato nell'Assemblea generale del 13 febbraio 1881", Torino, Paravia, 1881, in "Compendio Storico socioculturale di Pianella" Cepagatti (2003), p. 15, a c. della Società Operaia Istruzione Mutuo Soccorso.
Dopo la gratificante esperienza pianellese partì per gli Stati Uniti e fece ritorno in Abruzzo  dopo un breve periodo.
Nella "Rivista abruzzese di scienze, lettere ed arti" del 1902 è riportato che insieme al fratello, suonava la tromba.

(Inserisco un mio vecchio articolo. Credo ci siano concetti ancora attuali nonostante siano passati più di 20 anni...)
Cipriani, A. 1998. "Musica e Internet: arte come esperienza, arte come codice" in Aperture n.5, Castelli Gattinara, Roma, pp.102-110

Alessandro Cipriani
Musica e Internet: arte come esperienza, arte come codice

Paragrafi:
MODELLI NON-LINEARI E CONTESTO INTERIORE
ARTE COME ESPERIENZA: LE CONDIZIONI
ARTE COME ESPERIENZA E ARTE COME COMUNICAZIONE
CORPO, SUONO, INTERNET
SIMILITUDINI

TESTO:
MODELLI NON-LINEARI E CONTESTO INTERIORE
Gli esperimenti degli ultimi decenni hanno dimostrato che la materia è del tutto mutevole e che al livello subatomico essa, in determinati luoghi, non esiste con certezza, ma rivela piuttosto una "propensione" a esistere.
L'uomo esiste per una serie di condizioni particolari, provvisorie, condizioni che hanno un termine: fra 4 miliardi e mezzo di anni la terra cesserà di vivere perché il sole morirà. L'uomo sarà emigrato su altri mondi a quel tempo, o forse scomparirà prima. C'è qualcosa che rende simile il nostro mondo subatomico a quello del nostro pianeta: la possibilità della trasformazione, ovvero l'energia e la materia esistono a partire da condizioni, nella loro essenza sono solo una possibilità. Alcuni fisici affermano che anche il nostro cervello, come tutta la materia dell'universo, segue leggi quantorelativistiche. Per analogia o un corto circuito (e non per un ragionamento di tipo scientifico), penso all'energia come un termine che identifica qualcosa di più ampio del termine scientifico, che comprende la possibilità dello scambio di una energia interiore fra esseri umani che può tramutarsi in materia, ad esempio attraverso l'arte, la quale di nuovo può diffondere una forma di energia. Sento che questo è un salto logico, forse 'illogico', ma ha una qualche relazione col mio 'creare' musica. Se parliamo però di scambio e trasformazione allora la parola creazione non è quella più adatta. Il termine esperienza forse comprende meglio ciò che, in determinate condizioni, è vissuto da chi compone, da chi esegue e da chi ascolta musica. Il modello lineare per cui la musica parte da 'chi la fa' per arrivare a 'chi l'ascolta' è falso perché esclude il feedback dell'ambiente e dell'energia umana dell'ascoltatore, dunque anche il feedback non misurabile o immediato. Il contesto dell'ascolto infatti non è solo il luogo o i luoghi dove l'esperienza avviene....

A composição musical Sdirrubbatu (“derrubado” em siciliano) nasce da reelaboração de uma ideia musical esboçada mais ou menos dez anos atrás. A intervenção a posteriori num material sonoro que pertence a uma determinada tradição (individual) e possui uma própria identidade assume a forma de uma incursão violenta e impiedosa, que demole e literalmente derruba a coerência
pregressa do material utilizado, e constrange o material mesmo a empregar várias táticas para recuperar esta coerência. No específico, Sdirrubbatu pretende criticar a música culta ocidental e a sua tradição vanguardista modernista e pós-modernista, que é implicitamente portadora de discursos totalizantes, patriarcais, eurocêntricos e burgueses. Porém, em expor a violência intrínseca das convenções vanguardistas, a peça faz uso de ferramentas próprias destas mesmas convenções, confirmando a dificuldade de evadir ou ignorar tradições musicais, culturais e ideológicas dominantes.