Luis Vélez de Guevara

Este conjunto de trabajos examina la representación del otro en distintas expresiones de la literatura hispánica: novela, cuento, poesía, teatro, zarzuela, memoria, relato de viajes, entre otras. Asimismo, se sigue una perspectiva diacrónica que abarca desde la literatura del Siglo de Oro español hasta la literatura latinoamericana más actual.

En la comedia histórica El Águila del Agua da relevancia Luis Vélez a una serie de personajes que no están sacados de la nobleza. Me interesaré por la original forma de ver la historia de estos personajes picarescos.
Me detendré a retratar a estor personajes sacados del mundo entremesil, analizaré la idealización y realización de los soldados, plantearé una inter-pretación a este recurso, pondré de relieve los numerosos contrastes de la obra y relacionaré la comedia con el propio corpus de Luis Vélez y con otras obras de su época, especialmente con algunas de Miguel de Cervantes.
Básicamente el esqueleto del trabajo constará de la manifestación de la relevancia de la clase popular, el estudio de la visión histórica de esta y la rela-ción entre Cervantes y Luis Vélez gracias a este original tratamiento.

This paper focuses on mythological Sinon in Spanish Golden Age drama as a character. After a commentary on Greek and Latin Literature sources depicting Sinon, this paper analyzes five Spanish mythological plays: La destrucción de Troya (1647), «entremés» wrongly attributed to Góngora, La destrucción de Troya (XVIIth century), by Cristóbal de Monroy, wherein Sinon is the play's «gracioso», Troya abrasada (ca. 1640), by Calderón de la Barca and Juan de Zabaleta, wherein Sinon is a tragic traitor, El robo de Elena y destrucción de Troya (XVIIth century), a sacramental play by Rojas Zorrilla wherein Sinon is an allegory of Godly Love, and Los amores de Dido y Eneas (XVIIth century), by Cristóbal de Morales, wherein Sinon is a remnant of the Renaissance Theatre prologue. A quotation from a fictitious play called Astucias de Sinón, in El Diablo cojuelo (1641), by Vélez de Guevara, is also examined.

he aim of this study is to perform an evaluation of one hundred Spanish Golden Age theatre plays of undisputed authorship using the R package stylo, the stylometric analysis tool developed by Eder, Rybicki, and Kestemont (2016). In this paper we will determine which algorithms obtain best results on authorial classification (method, MFW, culling, and word n-grams). We will also evaluate the text length at which stylometry begins to be an effective diag­nostic tool for authorship attribution in our corpus. This cross-validation evalua­tion can serve future analysis of similar corpora and will show the possibilities of applying stylometry to Spanish Golden Age theatre, which presents many cases of dubious authorship.

El tema de la privanza ocupa un lugar privilegiado en la literatura del Siglo de Oro y representa un fértil campo de creación, sobre todo en el ámbito dramático. A lo largo de todo el siglo XVII, el personaje del privado asomó frecuentemente por las tablas; y Vélez de Guevara se acercó en diversas ocasiones al género, en particular con la pieza que aquí editamos, cuyo protagonista es el poderoso condestable Álvaro de Luna.

La comedia es relevante por varios aspectos: en primer lugar, representa la summa de muchos clichés de la comeda de privanza, aunque también destaca una clara voluntad de profundizar en las cuestiones relacionadas con los conflictos sociales y personales que constituyen la quintaesencia del valido y su ambiente. En segundo lugar, El privado perseguido es ejemplar por el aprovechamiento dramático de romances preexistentes (dos viejos, anónimos, y dos nuevos, uno de Góngora y uno del mismo Vélez), citados en el texto de maneras distintas y con objetivos diferentes. Finalmente, el análisis de esta obra permite formular un juicio crítico más equilibrado acerca de la producción de su autor, integrando la imagen de un dramaturgo del rumbo, del tropel y del boato visual (según la conocida expresión cervantina), con el valor dramático que otorga a los elementos textuales.

THE IMAGE OF THE OTTOMANS IN SPANISH GOLDEN AGE SOURCES (1580-1641)

The Spanish and the Ottoman Empires relentlessly fought for the hegemony in the Mediterranean for almost a century. During this long-lasting conflict, the Ottomans became a usual subject in the Spanish Golden Age sources. This thesis aims to analyze the “Ottoman image” in light of both Spanish primary sources, especially from the last quarter of the 16th century to the first half of the 17th century, and topic-related research in Spanish, Turkish, English and French.
It has been noted that over the 16th century the Turks are mentioned only in documentary works such as archives and chronicles. However, after the crucial Christian victories in Malta and Lepanto, they also began to gradually appear in literary works. In addition, when the Turks entered Spanish literature for the first time, they were often confused with the Moriscos, the last heirs of Muslim Iberia. Undoubtedly these interesting processes need to be studied in detail.
This thesis will also present some observations about the two main positions in the Spanish sources regarding the Ottomans. On one hand, there were those who wholeheartedly supported the political and military enterprises of the Spanish Monarchy and therefore called for a crusade against the Turks.  On the other hand, there were those who showed a more objective and tolerant point of view, like the author of Viaje de Turquía or famous writer Miguel de Cervantes. Actors and their arguments for both of these stances will be analyzed, along with a discussion about religious intolerance.
Throughout the whole dissertation special emphasis will be placed on whether or not the Spanish sources remained loyal to the historical truth. Finally, this thesis will try to shed light on how important the role of these sources was, not only in representing the main beliefs of the time but also in the actual shaping of the “Ottoman Image” in Golden Age Spain.

Tras un primer acercamiento general a la producción dramática del autor ecijano Luis Vélez de Guevara (1529-1644), el objetivo de este artículo es el de analizar la introducción y el peculiar tratamiento del personaje de la mujer varonil
en La serrana de la Vera. Del análisis textual se desprenden algunas consideraciones
sobre el grado de desviación introducido por Vélez en la obra con respecto
al canon literario de la época, sobre todo en Io que se refiere al tratamiento de
Ia temática homoerótica. A través del análisis del manuscrito de la obra, conservado en la Biblioteca Nacional de Madrid, y de la comparación con otra pieza (Añasco el de Talavera, de Álvaro Cubillo de Aragón), el artículo intenta delinear un esquema tipológico de Ias estrategias y del grado de desviación que  pueden hallarse en la pieza veleciana.

Se analizan las variantes textuales entre varios pasajes de Tan largo me lo fiáis (1617) y de El burlador de Sevilla (1630), constatando varios índices poéticos procedentes de las Soledades y la Fábula de Polifemo de Góngora (1612-13), que estaban en el texto de Tan largo y han desaparecido en la remodelación hecha por Roque de Figueroa y editada en 1630 a nombre de Tirso de Molina. Se constatan varios ejemplos de dependencia del Tan largo/Burlador de la dramaturgia de Vélez de Guevara en La Serrana de la Vera y se concluye la importancia de la poética de góngora para algunos aspectos del texto original de 1617.

Este artículo analiza una modalidad particular del teatro del Siglo de Oro: las comedias triples o de triple argumento. Se trata de un modelo poco atendido por la crítica dentro del que, según se propone, pueden diferenciarse dos paradigmas: la comedia triple stricto sensu, que une tres historias independientes en un mismo texto; y la comedia tripartita, que muestra tres etapas de un mismo argumento, una por jornada, y que sigue una práctica ya vigente en el teatro renacentista. Mediante el estudio de algunos ejemplos significativos se tratan de justificar las diferencias entre ambos paradigmas y la experimentación de estas estructuras con las unidades dramáticas. / This article analyzes a particular form of the Golden Age Theater: the triple comedies or of triple argument. It is a model that has been very little studied by the critics inside of which, as I tray to prove, can differ two paradigms: the triple comedy stricto sensu, which links three independent stories in a same text; and the tripartite comedy, which shows three steps of the same argument, one by act, and which follows an antique practice valid in the Renaissance Theater. Through the study of some significant examples, I try to justify the differences between both models, in which the poets experiments with the dramatic unities.

Dann Cazés Gryj y Aurelio González (coords.), Teatro, personaje y discurso en el Siglo de Oro, México, Universidad Iberoamericana, 2020. 400 pp. ISBN: 978-607-417-688-9.

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El libro recoge ensayos que exploran aspectos centrales para entender el teatro español del Siglo de Oro, desde la descripción del espacio teatral, hasta las refundiciones y relaboraciones actuales de obras clásicas. Se estudian los nombres de personajes, su configuración dramática, su caracterización escénica, su representación mediante objetos y los rasgos principales de los personajes; se estudia la influencia de obras y autores auriseculares y la intertextualidad general en la composición de obras nuevas, y se revisan métodos de lectura y percepciones de las obras.

Resumen
Este trabajo intenta restablecer la figura central de doña Catalina de la Cerda, dama de Palacio en el primer cuarto del siglo XVII, sistemáticamente confundida con otras nobles de mayor rango social. Esta dama, sin embargo, disfrutó de una celebridad sin parangón en la corte, por su hermosura y su personalidad, y constituyó un polo de atracción de cortesanos y embajadores en todas las ceremonias y celebraciones, y su atractiva figura fue musa para los mayores poetas de su tiempo, incluidos Góngora, Quevedo, Villamediana, Vélez de Guevara o Paravicino, entre otros.
Abstract
This article tries to restore the central figure of doña Catalina de la Cerda, lady-in-waiting of the queen during the first quarter or the 17th Century, consistently mistaken for other noble women of higher social rank. Nevertheless, this lady enjoyed an unparalleled celebrity at court, due to her beauty and personality, and became a center of attraction for courtiers and ambassadors at every ceremony, and her appealing figure served as a muse for the greatest poets of her time, such as Góngora, Quevedo, Villamediana, Vélez de Guevara, or Paravicino, among others.

espanolEste trabajo intenta restablecer la figura central de dona Catalina de la Cerda, dama de Palacio en el primer cuarto del siglo XVII, sistematicamente confundida con otras nobles de mayor rango social. Esta dama, sin embargo, disfruto de una celebridad sin parangon en la corte, por su hermosura y su personalidad, y constituyo un polo de atraccion de cortesanos y embajadores en todas las ceremonias y celebraciones, y su atractiva figura fue musa para los mayores poetas de su tiempo, incluidos Gongora, Quevedo, Villamediana, Velez de Guevara o Paravicino, entre otros. EnglishThis article tries to restore the central figure of dona Catalina de la Cerda, lady-in-waiting of the queen during the first quarter or the 17th Century, consistently mistaken for other noble women of higher social rank. Nevertheless, this lady enjoyed an unparallel celebrity at court, due to her beauty and personality, and became a center of attraction for courtiers and ambassadors at every ceremony, and he...

Evaluamos la hipótesis defendida por Profeti, Ruano, Urzáiz y Peale, que han sostenido que la obra de Luis Vélez de Guevara, "Virtudes vencen señales" es fuente de composición de "La vida es sueño" y concluimos, basados en análisis objetivos, que esta hipótesis es errónea y que VVS se escribió después del estreno de "La vida es sueño" hacia 1630. Evaluamos también la atribución de "El alba y el sol" de Vélez y la fecha de composición propuesta (hacia 1615) y concluimos que esta obra, con un 75% de romance debe situarse en el decenio 1650-59 y que no es obra de Luis Vélez, sino de su hijo, Juan Crisóstomo Vélez de Guevara, auto de obras de gran aparato escénico y colaborador de Calderón hacia esa época.

Aparece el torneo en la comedia del siglo de oro español con una sorprendente frecuencia. Y aparece además con gran lujo de detalles, cargado de espectacularidad y situado en momentos cumbre de la comedia. El torneo constituye un momento decisivo en el desarrollo argumental y escénico de la comedia: inclinará definitivamente el desenlace a favor del protagonista (El amor en vizcaíno, celos en francés y torneos de Navarra), será el desencadenante de la fortuna del aventurero (Más pesa el rey que la sangre o Blasón de los Guzmanes) o cerrará el aparato de la comedia a modo de apoteosis final (El cerco del Peñón de Vélez y El amor en vizcaíno). Me fijaré principalmente en estas tres obras, junto con El Conde don Sancho Niño, todas ellas de Luis Vélez de Guevara, en comparación con otras de Lope en las que aparece también el torneo, para el estudio de este espectáculo. Se trata de un espacio en el que el escritor de comedias ponía mucha de la carga dramática necesaria para que la obra gustase.

La figura del amante clandestino aflora con cierta frecuencia en la literatura oral y escrita de todos los tiempos, ya desde la propia Biblia. Una derivación de esta es el galán enamorado que se disfraza de fantasma, imagen sobre la que giran diversas historias folclóricas. Calderón pudo inspirarse en la tradición precedente para trazar el bosquejo de su personaje del galán fantasma en la comedia homónima "El galán fantasma" (1637), cuyo protagonista es entrevisto por varios testigos tras haber sido supuestamente muerto a manos del Duque de Sajonia, lo que provoca los rumores de que el espectro del joven viene del más allá para encontrarse con su dama ante el gran asombro de todos.
          Sin embargo, no solo el folclore pudo influir en la mencionada obra calderoniana. En los primeros años veinte del siglo XVII Vélez de Guevara escribe una pieza —también en forma de comedia de enredo— que constituye tal vez el paradigma más logrado de la tradición del fantasma enamorado. Se trata de "El diablo está en Cantillana" (1622). El galán fantasma presenta numerosas coincidencias con esta pieza, pues Calderón no solo retoma el motivo del amante fantasma ya utilizado por Vélez, sino que, además, presenta conexiones argumentales con esta comedia ausentes en el folclore y en otras obras anteriores. El propósito de este trabajo es exponer esos aspectos temáticos comunes a una y a otra pieza, para lo que se estudiarán las fases similares por las que transcurre la trama en ambas comedias."

C. George Peale's edition of Luis Vélez de Guevara's comedia El Lego de Alcalá (c. 1621), includes a 30 page introductory study where I examine the life of Julián de San Agustín as found in a handful of contemporary chronicles of the Franciscan Order. Other topics included in the introduction concern Fray Francisco de Torres, some pages from my published paper on the subject are complemented by new findings. My contribution to the introduction closes with some reflexions on Vélez's treatment of the Devil.

Desde antaño, el atractivo del tema del incesto ha favorecido su aparición en textos muy diversos. En la comedia del Siglo de Oro se pueden establecer de entrada cuatro modalidades, a partir de los parámetros de consumación del incesto y de los parientes implicados en él (esto es, incesto entre padres e hijos o entre hermanos; vertical u horizontal). Tras esto, en este trabajo se exploran algunas características de la representación dramática del incesto: el conflicto entre el deseo amoroso y la voz de la sangre que advierte del parentesco (con ecos edípicos), la ocasional relación con la religión o el mundo político, la diferencias marcadas por el género y el límite del decoro, entre otras cuestiones.

La pieza Las palabras a los reyes dramatiza las vicisitudes de los Pizarro en la conquista del Nuevo Mundo. Se representó en un momento en el que los descendientes del conquistador tuvieron problemas con la Corona por la concesión de títulos y el reparto de rentas. Otras familias en semejantes circunstancias tuvieron iguales problemas: los Cortés, los Hurtado de Mendoza, los Colón y los Alvarado sufrieron los envites de la infortuna. Tampoco fueron los únicos que acudieron al mecenazgo literario para restablecer su posición: los esfuerzos de la casa del marqués Cañete por contrarrestar los efectos de La Araucana de Ercilla son quizás los más conocidos. El patronazgo literario que siguieron las familias de los conquistadores era frecuente en el ámbito general de la aristocracia, especialmente, entre los nobles recientes, que se sirvieron del teatro para asimilarse a su nuevo estatus .
En este trabajo trato el documento histórico, Varones ilustres, como fuente de Las palabras a los reyes, y expongo su representatividad desde el punto de vista del encargo.

Se analizan distintos aspectos documentales y teóricos sobre la comedia "El vaso de elección, San Pablo", obra de Luis Vélez de Guevara publicada en el siglo XVII a nombre de Lope de Vega. Se concluye, en función de estos análisis, que la obra, como habían apuntado Morley y Bruerton, no es de Lope y que la atribución correcta es a Luis Vélez de Guevara

Se estudia la figura del rey don Sebastián I de Portugal en 1) la Comedia famosa del bautismo del príncipe de Marruecos (1618) de Lope de Vega,; 2) La jornada del rey don Sebastián en África (escrita antes de 1607) de Luis Vélez de Guevara; 3) La gran comedia del rey don Sebastián de Francisco de Villegas, de 1663; 4) A secreto agravio, secreta venganza, de Pedro Calderón de la Barca (1635) y Don Sebastian, King of Portugal: A Tragedy (1690), de John Dryden.

This paper examines the unpublished comedy La cristianisima Lis written by the Golden Age dramatist Luis Velez de Guevara. Its plot, characters and censorship are studied in order to relate them to the historical, political background of Counter-reformation. A date of composition is also suggested and circumstances which kept this play missing for years are investigated. En las siguientes paginas estudiamos la comedia inedita La cristianisima Lis, del dramaturgo aureo Luis Velez de Guevara. Analizamos su argumento, personajes y censura para ponerla en relacion con su contexto historico-politico: la Contrarreforma. Proponemos asimismo una fecha para la composicion de la obra e investigamos las circunstancias que durante anos mantuvieron este texto en paradero desconocido.

Resumen. El caso de Luis Vélez es significativo en el análisis de la censura por el número de obras afectadas, por la diversidad de censores implicados, por la variedad de temáticas, por los distintos tiempos y por los diferentes procesos identificados (autocensura, solicitud de licencias y prohibiciones). A partir de este dramaturgo se observa que la censura utilizaba los textos como objeto para sustentar un dictamen previo a la representación, pero independientemente de cuál fuese el resultado, no había seguimiento de la transmisión textual. El aparato censor gubernamental del teatro centraba su atención en la exhibición ante las clases populares incultas.
Abstract. The case of Luis Vélez is significant in the analysis of censorship due to the number of works affected, the diversity of censors involved, the variety of topics, the different times and the different processes identified (self-censorship, application for licenses and prohibitions). From this playwright it is observed that the censorship used the texts as an object to support an dictum prior to the representation, but regardless of what the result was, there was no follow-up of the textual transmission. The government censor apparatus of the theater focused its attention on the exhibition before the uncultivated popular classes.

Tres son las nuevas evidencias de reescritura dramática que se ofrecen, surgidas del hallazgo de otras tantas comedias que permanecieron incógnitas hasta fecha reciente: El jenízaro de Albania de Luis Vélez de Guevara, La paciencia de Job, atribuible a Felipe Godínez y Ha de ser lo que Dios quiera de este mismo autor. Los estudios respectivos aportan las pruebas fehacientes de que comedias bastante bien conocidas son, en realidad, reelaboraciones perpetradas en diferentes momentos del  siglo XVII por los mismos poetas que escribieron las primeras versiones —con seguridad en el primero de los casos y muy probablemente en el segundo—, o por otro distinto —en el tercero—: El príncipe esclavo.  Primera parte de Luis Vélez de Guevara, Los trabajos de Job de Godínez y Será lo que Dios quisiere de Francisco Lanini. Estas tres comedias, asi como otras obras conexas, son analizadas desde las nuevas claves que proporciona su condición de reescrituras.

By examining the pictorial episodes in the Spanish baroque novella, this book elucidates how writers create pictorial texts, how audiences visualize their words, what consequences they exert on cognition, and what actions this process inspires. To interrogate characters’ mental activity, internalization of text, and the effects on memory, this book applies methodologies from cognitive cultural studies, Classical memory treatises, and techniques of spiritual visualization. It breaks new ground by investigating how artistic genres and material culture help us grasp the audience’s aural, material, visual, and textual literacies, which equipped the public with cognitive mechanisms to face restrictions in post-Counter-Reformation Spain. The writers examined include prominent representatives of Spanish prose —Cervantes, Lope de Vega, María de Zayas and Luis Vélez de Guevara— as well as Alonso de Castillo Solórzano, Gonzalo de Céspedes y Meneses, and an anonymous group in Córdoba.

This collection of plays from the Spanish Golden Age brings together the work of canonical writers, female authors who are rapidly achieving canonical status, and lesser-known writers  who have recently won critical attention. It contains the full text of sixteen plays; an extensive introduction to early modern Spanish theater with a focus on performance, and current criticism; an individual introduction to each play,; and a bibliography.

¿Por qué tanta complicidad de la comedia nueva con la cultura ecuestre? Si bien nos viene a la memoria el parlamento de la amazona Rosaura cuya caída de caballo abre La vida es sueño, otros textos de gran virtuosismo dedicados al caballo invaden este teatro desde Lope de Vega hasta Calderón de la Barca. Esta monografía explora las influencias cruzadas entre los fundamentos histórico-ideológicos y la estética de la movilidad espacial y socio-dramática que se organiza en torno a una poética del caballo, en la época de la revolución de la movilidad y, sobretodo, de la creación de las Caballerizas Reales de Córdoba y del caballo de « pura raza española » bajo Felipe II.

Mediante panoramas históricos y bibliográficos sobre la cultura ecuestre en el Siglo de Oro y recabando las contribuciones de distintas escuelas de interpretación de la comedia (socio-histórica, funcionalista, literal y escenográfica), las mutaciones y especificidades de una cultura ecuestre ibérica se analizan desde la perspectiva de la función dramática y teatral del caballo.

Se percibe así la influencia de un arte ecuestre que se está desarrollando en la época por toda Europa occidental, y que corre pareja, en la profusión de los versos, con una creciente feminización del protagonismo ecuestre. Más allá de la nostalgia caballeresca, es la fascinación de Lope de Vega y de los dramaturgos por el simbolismo ecuestre de promoción literaria y nobiliaria lo que ennoblece a estas representaciones esencialmente verbales de descendientes de Pegaso, llegando a reforzar la cohesión del sistema de personajes, a lo largo de citas que se convierten en verdaderas joyas de una poética ecuestre.




Pourquoi une telle connivence de la comedia nueva avec la culture équestre ? Si nous avons en mémoire la cavalière Rosaura dont la chute de cheval ouvre La vida es sueño, d’autres textes virtuoses dédiés au cheval envahissent ce théâtre de Lope de Vega à Calderón de la Barca. Cet ouvrage explore les interférences entre les fondements historico-idéologiques et l’esthétique de la mobilité spatiale et socio-dramatique organisée autour d’une poétique du cheval, à l’époque de la révolution de la mobilité et, surtout, de la création des Ecuries Royales de Cordoue et du cheval de « pure race espagnole » sous Philippe II. A l’aide de panoramas historiques et bibliographiques sur la culture équestre au Siècle d’or et en mettant à contribution différentes écoles d’interprétation de la comedia (socio-historique, fonctionnaliste, littérale et scénographique), les mutations et les spécificités d’une culture équestre ibérique sont mises en perspective avec la fonction dramatique et théâtrale du cheval. Se dessine l’influence d’un art équestre qui se développe dans toute l’Europe occidentale, s’accompagnant, dans l’exubérance des vers, d’une féminisation croissante du rôle cavalier. Au-delà de la nostalgie chevaleresque, c’est une fascination de Lope de Vega et des dramaturges pour le symbolisme équestre de promotion littéraire et nobiliaire qui donne leurs lettres de noblesse à ces représentations essentiellement verbales de descendants de Pégase, parvenant à renforcer la cohésion du système des personnages, au fil de citations qui se révèlent être de véritables joyaux d’une poétique cavalière.

La obra de Luis Vélez de Guevara Más pesa el rey que la sangre es la pri-mera representación dramática que tiene como personaje protagonista al fundador del linaje de los Guzmanes, Alonso Pérez de Guzmán.
Este drama se inserta dentro de una corriente que lleva a las tablas ya des-de el siglo XVI el tratamiento dramático de la materia caballeresca: en este caso las referencias caballerescas son tomadas del Quijote y del Cid. No dejaré de re-lacionar la mitificación del protagonista con los posibles motivos de composición de la obra. También observaremos cómo la interpretación está condicionada por la fecha de composición, porque el mensaje es ambiguo si consideramos la biografía del dramaturgo y el suceder de la historia por esos años.
Me detendré en el estudio de las fuentes utilizadas ya que esta será la obra de referencia teatral en el tratamiento de Guzmán el Bueno. Luis Vélez se muestra como un sagaz y leal dramaturgo. Se vale de la historiografía más próxima a la familia del nuevo valido para defender a la atribulada familia a la que servía en esos momentos.