Mirada

Este trabajo establece un vínculo entre género y representación para examinar el sustrato moderno-colonial de una mirada epistémica que tiende a invisibilizar los conocimientos producidos por las mujeres y a cancelar su papel como sujetos cognoscentes. Para hablar del asunto se analiza, bajo la categoría "colonialidad del ver", la representación construida por la exposición "Feminicidio en México" (2017) del Museo de la Memoria y Tolerancia de la Ciudad de México, sobre un grupo de mujeres activistas de la periferia urbana. Dicha aproximación facilita observar cómo el uso curatorial de un conjunto de fotografías desencadenó una injusticia epistémica que excluyó las voces de estas mujeres del campo de saber/poder configurado por la exhibición. Así, el artículo propone que el reconocimiento colectivo del valor de la vida de las mujeres, en el contexto mexicano de las violencias feminicidas, radica en las formas en que esas vidas son relatadas y reconocidas, públicamente, desde lo que revela su acción y su palabra.

Publicado en: María Luisa Ortega y Noemí García (eds.) Cine directo, Reflexiones en torno a un concepto Madrid, T&B Editores, 2008 _______________________________________________________________________El grado cero de la imagen: formas de la presentación directa El Ojo, que se asemeja a la luz, apoya sólo el presente Foucault 1. Tiempo y pensamiento Una de las características principales de los registros de la imagen contemporánea, especialmente ilustrado por el surgimiento de una disciplina como la denominada cultura visual, es la paulatina analogía establecida entre representación visual y la visión propiamente dicha. Mucho se ha escrito sobre el ocularcentrismo de la cultura contemporánea, acrecentado especialmente desde la modernidad a nuestros días, pero no es del carácter hegemónico de determinada epistemológica de lo que estoy hablando, sino del hecho, bien distinto, de que en el seno de este giro cultural se ha acabado por diluir la distancia entre representación y visión que era característica de épocas más clásicas. Según Steiner el final de la era del Logos se produce entre 1870 y 1930, un final que significa la ruptura de la alianza entre la palabra y el mundo 1 : una de las primeras consecuencias es que ya no va a ser posible de ahí en adelante confiar en que lo que se expresa a través del lenguaje es equivalente a lo que se ve. Barthes, por su parte, afirmaba que la literatura se había centrado en la problemática del lenguaje a partir de Flaubert 2 , lo cual es lógico que ocurriera cuando el lenguaje dejaba de ser «transparencia, circulación sin resabios, encuentro ideal de un Espíritu universal y de un signo decorativo sin espesor y sin responsabilidad».

The “look” and “vision”, will be studied by positivist – phenomenological science, as having a constant reference: the eye, and the related works, present formalizations schematic or ratings which do not clarify the difference between seeing and looking. The recognition of the area in which there is the look and explain its symbolic aspect, as well as differentiate the imaginary space of vision implies a theoretical elaboration that supports his claims on the intellectual happen, as different from the mechanical function of seeing. Showing a range of linguistic, which means that the look "speaks" to the fellow who can see it.

Resumen
La muy difundida y casi universalmente bien valorada por la comunidad de expertos en
turismo, sobre todo por los sociólogos, antropólogos y filósofos The Tourist Gaze
(2002, 2004) es objeto de una serie de consideraciones críticas por parte de Maximiliano
Korstange y Francisco M. de Escalona, crítica que destaca el uso de conceptos tan
novedoso como arbitrarios como miradas, liquideces, reflexividad turísticas, unas veces
movido por un afán desmedido de originalidad y otras por la propensión al uso de
vocablos que a fuer de personales no dejan de ser oscuros, innecesariamente oscuros.
Palabras clave
Movilidad, distancia, viajes, turismo, sociología, sociologismo, clases de viajeros,
dicotomía viajero - turista

Resumen: El artículo indaga los mecanismos de interpretación y lectura que se efectúan en el acto de escuchar y en la puesta en voz de poesía a partir de una trasposición de la idea de " mancha " en el ojo (Didi-Huberman 1997) o de " rastrillo " en la visión (Berger 2014) al oído. Así como habría límites moduladores de la mirada, se podrían interrogar los territorios sonoros que se delimitan en la escucha. En dicha segmentación reside la operación interpretativa y crítica de la puesta en voz. Se analizan entonces las puestas en voz de Federico Leguizamón y del disco Literatura que suena. 10 clásicos de la literatura argentina convertidos en canciones (Clase Turista, 2014). Palabras clave: puesta en voz – poesía argentina – canon literario – música popular latinoamericana – Federico Leguizamón Abstract: The article investigates the mechanisms of interpretation and reading are made in the act of listening and performing in loud voice from a transposition of the idea of " spot" in the eye (Didi-Huberman 1997) or " rake " to the ear (Berger 2014). Limits and modulators would look, sound could interrogate those defined territories for the ear. The article analizes the performance on voice made by Federico Leguizamón and in the record Literatura que suena. 10 clásicos de la literatura argentina convertidos en canciones (Clase Turista 2014).

La poesía de Mario Ortiz genera un asentamiento territorial a partir de los objetos. Los gestos son los de la observación y la conversión poética. De estos gestos procede la imagen, o mejor dicho, las formas de la imagen que se construye a partir de ciertos soportes y combinaciones de elementos. La imagen es siempre una puesta de los tiempos heterogéneos que la atraviesan. Interesa, sobre todo, en esta ponencia, la tensión que hace posible la imagen, las relaciones inestables y variables entre el ojo, los objetos y su historia.

A la visión no la aquejan solo enfermedades fisiológicas de carácter funcional, sino también dolencias que podríamos tildar de epistemológicas. Se ha escrito mucho sobre la construcción de las miradas, pero en cambio se ha dicho relativamente poco sobre un fenómeno en general muchos más simple pero quizá más insidioso como es la inercia de la visión. La vista es esclava de las mentalidades sociales, las cuales acostumbran a ir con retraso respecto de los cambios que ocurren en la realidad. Educar la mirada no es solo una tarea que realizar en positivo, es decir, acrecentando su capacidad de discernimiento, sino también en negativo, despejando las diferentes veladuras y filtros que la historia va colocando sobre la retina para mantener vigentes las formas de ver del pasado. La visión, dominada por las mentalidades, es en este sentido esencialmente conservadora. No vemos la realidad, sino la historia. Vemos y en consecuencia pensamos el presente con ojos del pasado, lo que pone en entredicho la eficacia del empirismo más ingenuo. Se acostumbra a contraponer a este la eficacia de la teoría, pero más efectiva que esta es quizá la imaginación. En todo caso, toda teoría, para ser eficaz, debe ser imaginativa. La imaginación posee dos vectores esenciales, el de la construcción reflexiva y el de la formación de imágenes, cuya combinación constituye el instrumento más efectivo que tiene el ser humano para solventar el problema que supone el retraso de la visión con respecto a la realidad. Desde hace unos decenios, nuestra realidad se ha acelerado, actualizando y materializando proyectos planteados tentativamente a lo largo del siglo XX.

Resumen: En este trabajo nos adentramos en el universo de la cultura visual de Buenos Aires durante la década de 1860 a través de dos publicaciones periódicas: el Correo del Domingo y El mosquito. Situados en una ciudad abierta y evanescente ante las primeras manifestaciones de modernidad, buscaremos analizar el sitio que ocupan las imágenes en estos productos culturales. Nuestra hipótesis es que durante este período se asiste a una modificación de la sensibilidad visual, caracterizada por la ampliación de los horizontes y un solapamiento de las escalas espaciales, articuladas entre lo micro y lo macroscópico.

Resumen:
Noël Burch puso las bases para la sistematización de los diferentes modelos de representación cinematográfica. El eje esencial de su argumentación, expuesto en El tragaluz del infinito, es que lo que distinguen los diferentes modelos es la posición de la mirada del espectador sobre la diégesis. Tomando en cuenta este punto de partida, Burch identifica dos modelos: el modelo de representación primitivo (MRP), regido por una mirada frontal y exterior al mundo diegético, y el modelo de representación institucional (MRI) que se caracteriza por la ubicuidad de una mirada interior a ese mundo. Partiendo de esta consideración metodológica de estudio, el presente artículo rastrea la coexistencia de ambos modelos en La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock,concretamente cómo se articulan y cohabitan en el texto fílmico, así como la cristalización de un modelo tercero caracterizado por una mirada independizada y vinculada a la cámara.

Abstract:
Noël Burch stablished the basis for the systematization of the different models of cinematographic representation. The essential focus of his arguments, which were exposed in The skylight of infinity, is that the different models of representation are distinguished by the position of the viewer on the narration. Taking in account this starting point, Burch identifies two models: the Primitive Model of Representation (PMR), governed by a frontal glance which is out of the narrative world, and the Institutional Model of Representation (IMR) characterized by the ubiquity of a glance which is interior to that world. Starting by this methological consideration of study, this article traces the coexistence of both models in Alfred Hitchcock’s Rear Window; specifically how they cohabited and how they both were articulated in the filmic text. So as the crystallization of a third model characterized by an independent glance which is connected to the camera.

Este trabajo indaga, en poemas de Marília Garcia (Rio de Janeiro, 1979), Aníbal Cristobo (Buenos Aires, 1971) y Carlito Azevedo (Rio de Janeiro, 1961), formas de la visibilidad contemporánea que proponen de manera sostenida la puesta en escena del detalle, del fragmento como mirada sobre la falta, el resto y, a la vez, como construcción de nuevas espacialidades y nuevos recorridos. La mirada dibuja formas de la errancia nómada, entre el viaje y las ficciones del desastre: el salto, el loop, el estallido, son algunos de los principios del trayecto (Bourriaud) como "operaciones que enlazan y desvinculan lo visible y su significación" (Rancière) y proponen nuevas figuraciones del ojo entre la enfermedad y la tecnología.

Resumen
La muy difundida y casi universalmente bien valorada por la comunidad de expertos en
turismo, sobre todo por los sociólogos, antropólogos y filósofos The Tourist Gaze
(2002, 2004) es objeto de una serie de consideraciones críticas por parte de Maximiliano
Korstange y Francisco M. de Escalona, crítica que destaca el uso de conceptos tan
novedoso como arbitrarios como miradas, liquideces, reflexividad turísticas, unas veces
movido por un afán desmedido de originalidad y otras por la propensión al uso de
vocablos que a fuer de personales no dejan de ser oscuros, innecesariamente oscuros.
Palabras clave
Movilidad, distancia, viajes, turismo, sociología, sociologismo, clases de viajeros,
dicotomía viajero - turista

Abordaremos el estatuto de la "imagen" y su génesis en la cultura occidental. Previo distinguir el régimen escópico de la llamada visión alfabética, intentaremos identificar la función icónica dominante de las distintas imágenes a lo largo de la historia. Nuestra hipótesis de trabajo consiste en defender que existe una correlación entre la construcción contextual, institucional y política de la mirada, por un lado, y por el otro, la construcción visual de lo socio-histórico y político. Presentada la hipótesis, intentaremos dilucidar cuáles usos y funciones de la imagen se ligan más a la "verdad" y a la"realidad". Por último, luego de reflexionar sobre la función de las imágenesen las prácticas educativas, cerraremos este trabajo con una fotografía a fin de ilustrar gran parte de los temas que hemos abordado.

En el presente artículo, Todd McGowan señala algunas consideraciones introductorias a la utilidad del concepto de “la mirada”, en el sentido que tiene en el pensamiento de Jacques Lacan, para el lenguaje cinematográfico. Esto para demostrar los nexos que tiene el psicoanálisis con la teoría del cine, así como el potencial político de esta relación. Se complementa con una breve introducción por parte del traductor.

Corría el año 1969, Sebastião Salgado abandonaba su Brasil natal para exiliarse
de la dictadura que sacudía a su país. El rumbo fijado sería Francia, pero el cambio no se
reflejaría solo en lo físico, sino que abandonaría una prominente carrera como economista
para hacer lo que amaba: fotografiar el mundo. El éxito no tardaría en llamar a su puerta.
Sus trabajos como fotoperiodista comprometido socialmente se convertirían en testimonios elocuentes del hambre, la maldad del ser humano y la codicia. De este modo, todas
y cada una de sus series de fotografías interpelarían a sus espectadores: desde “Éxodos” a
“Trabajadores”, desde sus trabajos sobre la Mina de Sierra Pelada, Ruanda y la hambruna
en África, dan cuenta de su incansable actividad.
Nos proponemos en este trabajo abordar La sal de la tierra (2014), de Wim Wenders y
Juliano Ribeiro Salgado. Los directores de este documental optaron por una estética que
parece animar las imágenes fijas del fotógrafo brasileño.
¿Puede la fotografía modificar nuestra visión como espectadores? ¿Qué sucede con aquellos que han quedado atrapados casualmente en un encuadre y nos interpelan? ¿Adormecen acaso nuestros sentidos las fuertes imágenes que nos horrorizan? ¿Se puede captar
bellamente algo que nos sacude: la muerte o las hambrunas? Estas y otras preguntas guiarán nuestro abordaje para tratar de comprender no solo la obra de Salgado sino las líneas
hermeneúticas que atraviesan el film.

Acompañar estudiantes en prácticas puede llegar a ser una experiencia formativa para las dos partes. A través de situaciones como la que aquí se narra, la atención de la maestra hacia una de sus criaturas hace saltar las alarmas de la estudiante en prácticas. ¿Será cierto que a la maestra le cae mal este niño? ¿Qué habrá detrás de esa aparente no-escucha?

Este escrito es un testimonio de lectura, un regreso al Fakir, un homenaje a César Dávila Andrade en la celebración del centenario de su nacimiento. La autora vuelve a leer algu-nos de sus cuentos y escritos de prosa no ficcional, cartas suyas, novelas y semblanzas que algunos de sus contemporáneos escribieron sobre él o lo convirtieron, años más tarde otros, en personaje de novelas. Lo que me interesa es comprender cómo miró, sé miró y fue mirado, porque sobre la mirada del escritor quiero reflexionar.

La construcción histórica moderna de la subjetividad individual y la división heterosexual del cuerpo que tuvo influencia en los discursos estéticos, clásicos y modernos del arte, terminaron paradójicamente por invisibilizar el cuerpo del artista y del espectador como sujetos sexuados-genéricos. El giro performático de inicios de la década de 1960 representó para las artistas un cambio en las diversas concepciones y posibilidades estéticas acerca del cuerpo y la mirada. Desde este planteamiento el presente texto desarrolla un entramado histórico del cuerpo moderno y su injerencia en la performance feminista moderno. Usando como excusa la performance “Sobre la Av. México” de la artista mexicana Chantal Peñalosa, se plantea pensar en el cuerpo performático en el arte, como un medio subversivo que
posibilita una política de la presencia, además de modificar y reflexionar el papel de la mirada y el cuerpo como espacios empáticos.

Este artículo analiza la representación femenina en el cine de Claudia Llosa y Lucrecia Martel desde las perspectivas de género y de investigación audiovisual. A través de tres apartados: “La evocación de la diversidad”, “El lugar de la identidad” y “La mirada tramada”,  se desarrollan los temas de la diversidad, la identidad y la mirada. Estas  construcciones funcionan como modelos culturales cuestionados por las protagonistas que definen las películas elegidas para este escrito.

Apuntes, preguntas y reflexiones en torno del uso de la mirada, la palabra y la escucha como herramientas de comprensión, comunicación, formas de relacionamiento social y psicoafectivo, afrontamiento personal de situaciones e introspección.

Corría el año 1969, Sebastião Salgado abandonaba su Brasil natal para exiliarse de la dictadura que sacudía a su país. El rumbo fijado sería Francia, pero el cambio no se reflejaría solo en lo físico, sino que abandonaría una prominente carrera como economista para hacer lo que amaba: fotografiar el mundo. El éxito no tardaría en llamar a su puerta. Sus trabajos como fotoperiodista comprometido socialmente se convertirían en testimonios elocuentes del hambre, la maldad del ser humano y la codicia. De este modo, todas y cada una de sus series de fotografías interpelarían a sus espectadores: desde “Éxodos” a “Trabajadores”, desde sus trabajos sobre la Mina de Sierra Pelada, Ruanda y la hambruna en África, dan cuenta de su incansable actividad. Nos proponemos en este trabajo abordar La sal de la tierra (2014), de Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado. Los directores de este documental optaron por una estética que parece animar las imágenes fijas del fotógrafo brasileño. ¿Puede la fotog...

El presente estudio muestra el caso de una niña de Educación Infantil en la que observamos comportamientos llamativos y carencias en cuanto a las habilidades personales y sociales. Esta niña forma parte del alumnado de un Aula Hospitalaria que se encuentra integrada en una Unidad de Hematología y Oncología Pediátrica. Resaltaremos la importancia de mirar más allá de la enfermedad y de detectar las necesidades de la persona, considerando todas sus dimensiones y trabajando con ella desde las edades más tempranas. En primer lugar, conoceremos el contexto en el que nos encontramos y llevaremos a cabo pruebas y entrevistas que nos ayudarán a entender mejor cómo es y qué aspectos necesita trabar. De este modo, tendremos la posibilidad de atenderle con mayor eficacia, pudiendo plantear una futura intervención educativa que se adapte a sus necesidades, le proporcione recursos personales y sociales, y le facilite alcanzar una mayor estabilidad, consiguiendo así mejorar su calidad de vida y la de su familia.

The latest collection of the artist and critic Dionisio Cañas, La noche de Europa (2017), commits to denunciating the hypocrisy of the European continent regarding its way of treating and (not) welcoming people who migrate. In this paper, we study the multiple facets of the visuality in this poetry book. They allow for explanations of the paradoxes, tensions and transformations to which poetry and the poet's vision of reality give rise.

In analysing Christoph Schlingensief’s Viennese performance action Bitte Liebt Österreich, this article discusses
the (national) immune mechanisms that construct a particular type of gaze that objectifies the ‘Other’. Such a
gaze imbues the Austrian people with the ability to decide on the (effective) lives of ‘others’, in this case, foreign
refugees. Through a controversial performance in a public space (similar to the Big Brother), where the boundaries
between real and fictional life have been diluted, the German author highlights the ways in which Austrian people
(as well as other communities) generate their sense of belonging and their national identity.

Este artículo versa, a través del análisis de la acción vienesa Bitte Liebt Österreich de Christoph Schlingensief, sobre los dispositivos de inmunidad (nacional) que posibilitan la construcción de una mirada distanciada sobre el otro. Dicha mirada permitió, en la performance, activar una problemática capacidad de decisión sobre la vida (efectiva) del refugiado extranjero. Mediante una controvertida acción expandida en el espacio público, a modo de Gran Hermano, donde los límites entre lo auténtico y lo ficticio se diluyen, el autor alemán consiguió evidenciar los mecanismos de generación de la identidad nacional y del sentido de pertenencia del pueblo austríaco –y por analogía, de todos los demás.

Es a partir de la duda, la insatisfacción o la falta desde donde nos animaremos a probar algo diferente. Es a partir de sentir que no estamos contentos con determinada práctica, actitud o criterio, desde donde nos movilizaremos para procurar mejorar. Por eso hay que incorporar el mirar de vez en cuando lo que no tenemos claro. Eso indica que no hay anquilosamiento, pasividad, ni apa-tía, sino permeabilidad, apertura, deseo y disposición a buscar nuevas sendas. O sea, señas de vida, de avance, de movimiento, de latido.

Un recorrido por la poesía de Rubén Darío y por sus crónicas de la Exposición Universal de 1900 en París, permite pensar en dos modos de ver y escuchar la modernidad, el capitalismo. Lo que nos interesa indagar en este trabajo es la puesta en escena de un nuevo régimen de visibilidad y de escucha y sus puntos de resistencia. No se trata de modos aislados y autónomos sino de un diálogo en el que se configuran zonas de ceguera y sordera pero también solapamientos y puntos de contacto: entre la mercancía o el objeto industrial y el mundo del arte, las figuraciones de la vista panorámica y la mirada del detalle, se propone un mundo ensoñado, fuera del tiempo, interrumpido por el desperfecto o el chasco que hacen al doblez de la sensibilidad moderna.