Teatro Mexicano

Tragedia, risa y desencanto en el teatro mexicano contemporáneo es un recorrido histórico, teórico y literario por las dos facetas fundamentales del teatro: comedia y tragedia; dos manifestaciones estéticas que si bien parecen contrapuestas, son expresiones de dos actitudes ante la vida: la seriedad y la risa, y que para Claudia Gidi, son “dos visiones de mundo que pueden aprehenderse desde la teoría y que se traducen en muy diversas perspectivas estéticas que dan forma y sentido a la imaginación humana”.
La obra se divide en tres partes: en la primera, se analiza el fenómeno de la seriedad y la tragedia que, para Gidi, “a pesar de que algunos estudiosos consideran que ya no es posible hablar de tragedia en la actualidad”, no ha muerto, sino perennemente “se transforma, se actualiza y sigue vigente en múltiples manifestaciones estéticas”, que encontramos en muchos autores de la dramaturgia mexicana.
En la segunda parte, Gidi analiza a la comedia desde sus expresiones menos festivas, ya que “en la actualidad la risa se ha tornado sombría, es decir, ha ido perdiendo levedad y optimismo, para dar paso a la ironía, el sarcasmo y el absurdo”.
Para el estudio de tales expresiones estéticas, Gidi cuenta con un bagaje abundante en referencias literarias, enriquecido con la precisión analítica de las Poéticas de Aristóteles, Horacio y Boileau, así como una extensa bibliografía, necesaria para una investigación de tal envergadura.
Finalmente, y a manera de síntesis, la autora estudia la conjunción de estas dos manifestaciones estéticas en la obra de Molière, de Sabina Berman, que a decir de la autora: “Tematiza la oposición tragedia-comedia, y [...] reivindica la risa y la comedia, rescatándolas de la mira empobrecedora con que se las ha valorado en muchos momentos a lo largo de la historia”, y que “desde muchos puntos de vista, [...] concilia artísticamente la pugna histórica entre ambas visiones del mundo.”

Después de su sangrienta Revolución (1910-1917), el estado mexicano pretendió unir el país al definirlo racialmente como mestizo ya que los discursos oficiales afirmaban que la nación sólo sería redimida si aceptara dicha identidad. Paradójicamente, aunque los discursos oficiales celebraban la idea de una raza mixta, solían despreciar al indígena contemporáneo, interpelándolo como atrasado y primitivo. El estatus del amerindio dentro de la sociedad mexicana es un tema que trata Elena Garro a través de su literatura, donde intenta rescatar los discursos indígenas frente a una cultura colonizadora. Aunque se ha estudiado mucho cómo Garro trata las relaciones interraciales en su narrativa, hay pocas investigaciones que indagan esta cuestión en su teatro. No obstante, su obra de teatro, La dama boba (1963), cuyo título proviene de un drama de Lope de Vega, nos puede enseñar mucho de cómo la escritora entendía el indigenismo. El aspecto teatral de la obra permite que Garro critique cuestiones de performatividad —tanto racial como de género— de una manera distinta a su narrativa. En fin, el drama aboga por más entendimiento entre los mestizos y los indígenas, pues ridiculiza la confusión que surge cuando estos grupos no se pueden comunicar.

Este artigo faz uma breve análise e apresenta para o leitor a tradução para o português brasileiro do texto teatral "A mulher que caiu do céu", escrita pelo dramaturgo mexicano Victor Hugo Rascón Banda.

This article offers a brief analysis and presents to the reader the Brazilian Portuguese version of the play "La Mujer que Cayó del Cielo" ("The Woman Who Fell from the Sky"), written by the Mexican playwright Victor Hugo Rascón Banda.

Con una larga tradición en el caso de México, el término “teatro independiente” se ha usado históricamente para describir, por exclusión, una actividad cultural que es distinta y que a veces se contrapone al teatro institucional y al teatro comercial. Sin embargo, a dos décadas de iniciado el siglo veintiuno vale la pena plantear las siguientes interrogantes: ¿Qué significa realmente el término “independiente” a la luz del quehacer actual en dicho campo cultural y artístico? ¿Qué patrones identitarios y rasgos socioculturales son distintivos e invitan a que los creadores y artistas escénicos se describan a sí mismos como “independientes”? ¿Es adecuado y útil hablar de “teatro independiente” o debemos pensar en nuevas categorías descriptivas?



El presente volumen aborda estas y otras interrogantes a partir de una selección de entrevistas narrativas a artistas y creadores escénicos de la Ciudad de México. En su conjunto, los relatos de vida incluidos constituyen el punto de partida para un análisis prosopográfico que deriva en conclusiones de corte histórico y sociológico. Si bien es cierto que el término “independiente” se usa por los informantes como una categoría de tipo autoadscriptivo, hay otras nociones -como las de “autonomía” y “resistencia”- que también parecen útiles para describir los procesos y las estructuras del campo en cuestión.

Introducción Producto de una comercialización del ocio, el teatro novohispano de la segunda mitad del siglo XVIII se dividió en dos grandes corrientes. La primera y más notable, por ser la patrocinado y deseada por las autoridades civiles fue la que correspondía al teatro de corte ilustrado que estaba bajo el dominio de cierta censura, lo que implicaba además que era compuesto bajo las directrices de la preceptiva dramática neoclásica. Este tipo de teatro correspondía a tragedias, comedias o algún otro género de grandes dimensiones como óperas e incluso zarzuelas. Su ejecución se daba estrictamente dentro de los coliseos públicos como el Nuevo Coliseo de la Ciudad de México, que fue el más importante de la época. La segunda corriente es la del teatro de raigambre popular, representado por géneros menores y líricos como sainetes, tonadillas escénicas, bailes, follas, bailes teatrales y entremeses. Teatro de este tipo era presentado en los entreactos de las piezas mayores del coliseo; no obstante también se presentó en las calles y en casas particulares gracias a compañías de cómicos itinerantes. Dentro de esta última corriente debe añadirse al teatro de marionetas, pues durante la época tuvo un papel preponderante como vehículo de entretenimiento no sólo en las comunidades más alejadas, sino durante los tiempos en que, debido a órdenes civiles o religiosas, las representaciones en los teatros públicos cesaban. Es obligado, además, añadir una tercera corriente de naturaleza estrictamente escénica que podemos designar como circense. A ella se adhieren espectáculos como destrezas físicas, escamoteo, ilusionismo, animales amaestrados y títeres. 1 1 Es necesario señalar que había una sutil diferencia entre los títeres y las marionetas o muñecos para usar la palabra de la época, que consiste en el tipo de circunstancia en la que se veían implicadas estas figuras. Los títeres solían tener una función ilustrativa más que dramática, es decir, solían ser representaciones gráficas del contenido narrativo de alguna canción o historia pronunciada por un animador. Estos títeres eran generalmente de muñecos de guante o bien figurillas movidas por varillas u otros mecanismos. En cambio los muñecos eran figuras articuladas que se utilizaban para representar piezas dramáticas más complejas, como comedias, tragedias e incluso óperas.

Periodista, revolucionario, militar y crítico de ópera y teatro, don Manuel recogió en 1914 el relato autobiográfico de Francisco Villa, desde su adolescencia hasta la lucha contra el régimen huertista. Aunque ese manuscrito representaría más tarde una fuente de gran valor para escribir la historia del Centauro del Norte, su autor está hoy casi en el olvido.
Relatos e Historias en México, núm. 61, septiembre 2013

Fe de erratas: Carla Lorena Bauche, prima de Vanessa Bauche, señala que es "bisabuelo", no "tatarabuelo" de ellos.

El presente trabajo es el primer capítulo de la tesis de doctorado: Lenguajes olvidados en el Rabinal Achi, presentada en 2018 en la Universidad Iberoamericana, Ciudad de México. Desde su publicación como un apéndice de la Grammaire de la langue quichée 1 en 1862, el Rabinal Achi ou le Drame-ballet du tun. Pièce scénique de la ville de Rabinal 2 ha representado un enigma para los estudiosos de la literatura dramática. El responsable de la difusión del texto a nivel internacional es el abate Charles Brasseur de Bourbourg quien se atribuye el hallazgo del mismo en el pueblo de San Pablo Rabinal, Guatemala, lo traduce al francés y lo publica en París en 1862, dando a entender que el Rabinal Achi es el último vestigio del teatro prehispánico que existe.

Quiero delimitar dentro de este trabajo a las obras realizadas independiente y profesionalmente hablando, son interesantes los abordajes y exploraciones escolares, universitarias, amateurs, pero no los tomaré en cuenta para poder enfocarme en los de públicos más amplios, establecidos, generalmente con periodos más largos y publicidad o programas de mano como memoria gráfica. Otro limitante para este marco será el concepto gay, el cual al ser asumido por la comunidad, sirve a su vez como crítica política hacia los insultos y formas despectivas recibidos; y quiero asumirlo en el trabajo como parte de la contra cultura que sigue criticando y manifestándose aún dentro de la misma cultura, y en este caso, el teatro. Y para ser más específico, tomaré en cuenta obras de teatro de temática homosexual, son importantes todas, pero debemos delimitar y acotar el campo para poder profundizar y analizar detalladamente las fuentes.

El presente trabajo tiene por objetivo exponer el panorama general de la tonadilla escénica en Nueva España durante la segunda mitad del siglo XVIII, a partir de una lectura detenida de los avalúos y programas del Coliseo Nuevo de México. Después de esto, se ofrece la edición de una tonadilla escénica del periodo.

This work deals with the mass media in the trilogy Reliquias ideológicas by Luis Mario Moncada Gil. Firstly, it describes the reason of the inclusion of the mass media in the actual Mexican theatre, followed by the analysis of two parts of the mentioned trilogy. The aim of this work is trying to analyze the importance of the mass media communication as a product of the actual globalized world in these dramatic pieces.

El presente proyecto de investigación tiene como objeto de estudio las distintas propuestas teatrales que tienen lugar en las plataformas digitales, originadas como una alternativa de prevalencia ante la contingencia de salud Covid-19. El objetivo principal de esta investigación es esclarecer si la contingencia de salud y la situación tecnológica actual han dado paso a una nueva forma de ver y hacer teatro, considerando este nuevo fenómeno como “teatro digital” y no como vestigios teatrales publicados en una plataforma digital.

Tesis doctoral sobre tres textos dramáticos de Hugo Argüelles  cuyos títulos evocan especies animales y forman parte del llamado “animalario” argüelleano: "Los cuervos están de luto", "Los gallos salvajes" y "Los coyotes secretos de Coyoacán". Al proponer el zoomorfismo  como estrategia de análisis textual trato de equiparar a los personajes teatrales con el referente del animal humano y describir la acción dramática en términos de etología y antropología física, integrándolos en un sistema significante propio de la zoosemiótica. El análisis zoomorfo me permitió aproximarme a los personajes, concebidos como la representación escénica de la especie humana, para describir con precisión la acción dramática partiendo de los campos semánticos del zoomorfismo y el antropomorfismo.

La historia de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana se enmarca en este singular esfuerzo universitario y tiene su propio sitio dentro de la historia misma del teatro mexicano. Ahí trabajaron y aportaron sus visiones muchos de los más renombrados dramaturgos, actores, directores y escenógrafos de México. Gracias al apoyo de la institución, pero también –como lo relata este libro– a los esfuerzos y la perseverancia de sus integrantes, la compañía se ha mantenido durante 60 años, más que cualquier otra compañía de teatro de nuestro país.

En el artículo se analizan dos adaptaciones que la dramaturga, directora y activista social, Nancy Cárdenas, hizo de dos obras narrativas que ahora son parte del canon literario lésbico: Claudine en la escuela y El pozo de la soledad. Se destaca su "traducción" de textos narrativos a textos dramáticos. Y se plantea la formación incipiente de una identidad lésbica incipiente en México a través del quehacer teatral.

Se reporta el rescate biblio-hemerográfico de la obra dramática de Antonio Mediz Bolio, la cual se encontraba dispersa en diversas hemerotecas, librerías y bibliotecas de la ciudad Mérida. El aporte de esta investigación es la cantidad de información recopilada y analizada sobre el autor yucateco: a) 3 obras dramáticas; b) 51 reseñas de 17 obras dramáticas de Antonio Mediz Bolio, publicadas en diversos periódicos; c) información respecto a la labor de Mediz Bolio como director teatral; d) información 5 de las obras de Mediz Bolio que se representaron en el centro del país; e) 16 imágenes de las ediciones de seis obras de Antonio Mediz Bolio; f) 26 imágenes de la cartelera anunciada en diversos periódicos durante los estrenos de sus obras; g) 14 fotografías del elenco de las obras en sus estrenos; h) 15 fotografías de algunos artistas que trabajaron con Mediz Bolio; i) 4 escritos Mediz Bolio sobre el teatro.

La dramaturgia nos entrelaza a través de las palabras, los actos y las acciones para que en el transcurrir de las historias logremos reconocernos como seres humanos. Nueve obras y un estudio sobre los albores del teatro en Michoacán conforman esta segunda entrega antológica, en la cual no hay ningún Prometeo posmoderno sino los textos de quienes en el crear encuentran la mejor manera para expresarse; en palabras de Fernando Ortiz: “La creación es un asunto de quemarse la vida”, y por ello resulta evidente que, en su devenir, cada autor elige la hoguera de estímulos hacia la cual acerca su existencia. “Es un privilegio leer y es un pequeño sector el que lee; menos se lee teatro [...] mientras no se monte [el teatro] es literatura”, manifiesta Ortiz. Y justo para ello surge este libro, para trascender latitudes, temporalidades y culturas, con lo cual, en colectivo abonamos a la transformación aludida al dejar la piel literaria en el papel (o la pantalla) para encarnarse en los latidos de la puesta en escena.

Miguel Ángel García

La fecunda influencia de Samuel Beckett y Eugene Ionesco en las primeras piezas de Fernando Arrabal es el tema de este artículo, que busca subrayar asimismo el papel central que jugó el contexto bélico del que surgirá la obra de este original autor español, una coyuntura traumática que también compartirán sus modelos precursores. La infancia transcurrida en medio de la guerra civil española será llevada al escenario a través de una propuesta teatral que, aunque se inscribe en la corriente del Teatro del Absurdo, tendrá dentro de la misma un sello distintivo que resultará importante dilucidar.

La presente investigación se centra en el estudio del cabaret mexicano contemporáneo de la Ciudad de México, como un género teatral que destaca a nivel espectacular, por la presentación de elementos satíricos, esto es, vinculados a la crítica social y al humor, desde un tratamiento eminentemente performativo de los recursos escénicos, que requiere de un marco de copresencia fundamental entre actores y público.

Nuestro primer objetivo es aportar al campo de los estudios de teatro latinoamericano contemporáneo una herramienta de análisis de puesta en escena que permita relevar los rasgos esenciales de este formato en tanto sátira y en tanto performance. Nuestro segundo objetivo es trasvasar experimentalmente elementos dramáticos y performativos del cabaret mexicano y el Teatro Invisible para construir un nuevo formato teatral de cabaret contemporáneo, aplicado al espacio público.

Metodológicamente esta tesis implicó la revisión bibliográfica de fuentes sobre historia y teoría del teatro, la realización de entrevistas directas a creadores de cabaret contemporáneo, la observación de puestas en escena, la identificación de rasgos comunes, la presentación de un modelo de observación apropiado para el género, y el diseño y realización de un proyecto creativo.

El resultado del proceso implicó en su nivel teórico, la definición del cabaret mexicano como un género de sátira contemporáneo, que dramáticamente está vinculado a la farsa, y utiliza el humor inclusivo para revisar críticamente temáticas socialmente contingentes, vinculadas a la exclusión y la explotación, revalorando el imaginario popular mexicano. Dentro de sus aspectos performativos destaca ante todo, el juego de presencia y representación, la copresencia y cocreación de la vivencia espectacular por parte de actores y espectadores, y el distanciamiento que persigue la producción performativa de la materialidad escénica. A nivel experimental esta tesis desembocó en la realización del proyecto creativo Cabaret Invisible desarrollado en el transporte público de la ciudad de Santiago.

Partiendo de unas reflexiones generales sobre la forma compleja en la que el personaje de la Malinche se ha movido entre la historia y el mito desde el momento mismo de la conquista hasta nuestros días, lo que me propongo en el presente estudio es destacar algunos aspectos significativos de tres piezas del teatro mexicano de la segunda mitad del siglo XX que pueden resultar emblemáticas para entender la evolución que, a lo largo de dicho período, ha ido experimentando en los escenarios este personaje estrechamente vinculado al problema de la identidad mexicana.

"En cierto modo es comprensible que esta obra de teatro manuscrita no haya recibido casi ninguna atención hasta ahora: firmada en 1789 por un español emigrado a México, se trata de una obra satírica de teatro secular que nunca llegó a ser impresa, que fue representada sólo en la minúscula colonia secular californiana, conservada allí entre archivos privados, y posteriormente rescatada para ser archivada de nuevo entre los papeles de la debacle del proyecto colonizador hispano-mexicano en Alta California tras la anexión a los Estados Unidos (1846-1848).  Una de las razones obvias para la falta de consideración hacia esta pieza es la gran narrativa sobre la colonización hispana de California, dominada por el estudio del tejido misionero franciscano: en ese contexto, una obra de teatro secular es una indiscutible rareza muy difícil de explicar y entender.

This important book project will further our understanding of the Hispanic cultural heritage on the Pacific rim of the US, and will also contribute to the growing corpus of recovered literary texts from the Hispanic and Mexican period that preceded the annexation of many territories to the US. In 1796 a diverse group of families made up of veteran Catalan soldiers and Mexican prisoners was offered the chance to settle near the San Lorenzo River across the Franciscan Mission of Santa Cruz in what is today Eastern Santa Cruz. They were intent on creating Branciforte, a villa of the Enlightenment: a small agricultural township that entered into immediate competition with the alternate model of colonization represented by the neighboring feudal Misión Santa Cruz across the river. Both settlements constituted the basis for modern-day Santa Cruz in California. As the settlers naturally brought with them the artifacts and practices of daily life –including entertainment in the form of musical instruments, gambling games, and books– this play was one of the cultural products brought along and, according to archival evidence, also performed. And yet, the now obvious connection between this long-forgotten early Hispanic manuscript comedy and this community has not been traced before. The play has never appeared in print before nor has it been performed in the last two hundred years. "

La sorprendente variedad estilística y la personal adaptación de géneros de Emilio Carballido se interpretan como articulación y reflejo de una preocupación ética que denuncia la mutilación de la autenticidad del individuo al que se imponen discursos o miradas ajenas. El análisis muestra cómo los elementos dramáticos establecen una nueva perspectiva sobre la vida de los personajes y sus espectadores. Así, el estilo convencional de las piezas costumbristas se ve contradicho por un metatexto poético que revela la profundidad de las vivencias cotidianas. Por otra parte, los recursos épicos y espectaculares aparecen cuando Carballido trata de expresar la mutilación de grupos sociales o de la nación entera. Finalmente, el entorno ritual de sus obras más antirrealistas permite al espectador adentrarse en cuestiones existenciales acerca de la naturaleza humana.

RESUMEN – La Metodología de Actuación Realista como Dispositivo de Atenuación de la Presencia del Actor en Teatro y Cine – En el presente trabajo nos proponemos analizar la meto-dología de actuación realista como dispositivo de atenuación de la presencia del actor. Considera-mos que el sistema Stanislavski constituyó la primera y más acabada resolución técnica a una larga aspiración por la transparencia del enunciado escénico hacia el referente. Para ello, se propuso redu-cir el carácter disruptivo y acontecimental de la exhibición pública del cuerpo y de la acción del actor a través de una serie de procedimientos que analizaremos en este artículo. Palabras-clave: Actuación. Presencia. Realismo. Acontecimiento. Transparencia. ABSTRACT – The Realistic Acting Method as a Mechanism of Attenuation of the Actor's Presence in Theatre and Cinema – We have analyzed the realistic acting methodology as a mechanism of attenuation of the actor's presence. We consider that Stanislavski's system constituted the first technical resolution to an old aspiration for the transparency of the scene toward the referent. For that, the realistic acting method proposes the reduction of the disruptive nature of the public exhibition of the actor's body and action through a series of procedures that will be analyzed in this paper.