Storia Dell Arte Contemporanea

Anche in: Storia della civiltà europea. Vol. 16 - il Novecento. Arti visive,  RCS Quotidiani - Special edition for Il Corriere della Sera, Milano 2008, ISBN: 9771828050157, pp. 364-370.

Dal mondo antico allʼinizio del terzo millennio: migliaia di saggi e oltre 10.000 immagini, un imponente corpus testuale e iconografico organizzato in periodi cronologici e in aree tematiche: storia, filosofia, arti visive, scienza e tecnologia, musica, letteratura e teatro, comunicazione. Unʼopera curata da Umberto Eco, che propone nuove modalità di esplorazione della storia e del sapere e che offre potenti strumenti capaci di intrecciare e collegare, grazie a percorsi dinamici, i personaggi, le idee e gli eventi che hanno formato la nostra cultura. Lʼidea di partenza di Umberto Eco è quella di realizzare unʼopera a carattere enciclopedico che aiuti ad avere il senso delle distanze storiche, a stabilire rapporti di contemporaneità tra eventi di natura diversa e che consenta di ricostruire fenomeni di lunga durata, dinamiche sociali e culturali, comportamenti della vita quotidiana. Il progetto della Storia della Civiltà Europea, nato nel 1993, antesignano di unʼeditoria multimediale di qualità, raggiunge solo il suo compimento editoriale e la sua maturità tecnologica, organizzando i propri contenuti in ogni formato disponibile per ogni tipo di pubblico.

Nel Novecento gli intrecci fra arte, politica, società hanno prodotto ribaltamenti, cancellazioni e rinascite di modelli artistici oscillanti fra la ricerca di un ordine nuovo e la fascinazione per l’irrazionale, fra l’assunzione dell’arte come strumento politico e il rigetto di ogni ideologia, fra la tensione a un’arte individuale e aristocratica o al contrario anonima e collettiva. Nella collisione di fine Ottocento fra tradizione e novità dirompenti cola a picco l’idea di continuità nella storia: il secolo si apre all’insegna della rottura e delle sperimentazioni più ardite in termini di linguaggio e di contenuti. Le avanguardie, tra cui si contano cubismo, espressionismo, futurismo, neoplasticismo e costruttivismo, alleate in un percorso di astrazione, tagliano traguardi che paiono senza ritorno: la cancellazione del soggetto, la forma come forma assoluta, la nuova preminenza del linguaggio, la negazione del racconto, l’esilio dei sentimenti, tutte conquiste che sanciscono il primato culturale dell’Europa. Finché nell’arco di alcuni decenni si verifica un capovolgimento di prospettiva col ritorno al figurativo e con lo spostamento del cuore culturale dall’Europa verso New York e Los Angeles, rimesso più tardi in discussione dall’emergere della nuova polarità dell’Asia. In questo ebook si possono trovare tutte le maggiori espressioni artistiche del Novecento, in cui l’ideale dell’arte subisce un progressivo spostamento verso il futuro, arrivando, nelle sue forme più estreme, a produrre un’arte internazionalista, senza radici e senza memoria, dotata di una lingua aniconica universale, che cancella i confini delle identità nazionali e si proietta nella realtà globalizzata.

L’idea di una tesi che riguardasse il maestro Michele Depalma e la ricostruzione dell’ambiente artistico napoletano in cui si è formato è nata in maniera abbastanza naturale dopo un  contatto diretto con la personalità e le opere dell’artista.
L’influenza del maestro Emilio Notte ha fortemente segnato la formazione e il percorso artistico del giovane Depalma, giunto a Napoli nel 1949. Notte rivestiva un ruolo particolare in Accademia poiché la sua didattica, basata sul confronto e il dialogo con gli allievi, voleva “svecchiare” la tradizione figurativa partenopea. Frequentando le lezioni del maestro cegliese Depalma apprese il principio cardine della sua produzione pittorica: l’importanza della geometria come punto di partenza per la scomposizione strutturale della realtà, concetto che era alla base della rivoluzione modernista di Cézanne prima, e del linguaggio cubista poi.

Quante donne siano entrate a far parte della Storia dell'arte?
La nostra memoria è affollata di così tanti nomi maschili che, nell'immaginario collettivo, c'è sempre la presenza di un uomo con pennello e scalpello intento a realizzare un quadro o una scultura.
E le donne artiste?
Per molti secoli restano 'invisibili' fra le mura di casa o di un convento, dedite alle arti cosiddette minori quali il ricamo, la tessitura, la miniatura.

Il volume affronta l’opera dei due esponenti più importanti della videoarte dalle sue origini, entrambi cresciuti a stretto contatto con ambienti dell’avanguardia musicale: Nam June Paik e Bill Viola. Approfondisce le relazioni instaurate dai due artisti con la musica, con i musicisti e con l’ambiente musicale attraverso uno studio di ricostruzione storico-estetica. Inoltre, indaga la dimensione sonora delle loro opere, su molteplici piani: da una parte affronta un’analisi strutturale delle opere dei due artisti, dall’altra mira a ricostruire le strategie e le tecniche compositive da loro messe in atto, anche attraverso uno studio delle fonti e dei materiali di avant-texte oggi reperibili, con una ricerca condotta in numerosi centri di ricerca europei (Kunsthalle di Brema, archivio privato di Wulf Herzogenrath, archivio Sohm di Stoccarda, INA di Parigi) e statunitensi (Getty Research Institut, archivio privato di Bill Viola, archivi Moorman e Cage presso la Northwestern University, archivio del MoMA di New York).
Il volume è suddiviso nei seguenti capitoli: il primo capitolo, introduttivo, da una parte discute la questione dei generi e delle forme d’arte coinvolte, la loro definizione e la loro problematicità, e dall’altra stila un primo catalogo delle opere dei due artisti. Il secondo capitolo è dedicato allo studio e all’analisi delle performance e delle installazioni, sonore e in genere multimediali, mentre il terzo affronta le opere audiovisive. L’ultimo capitolo opera un confronto serrato che coinvolge molteplici piani tra le poetiche dei due artisti, basato sulle analisi in precedenza svolte.
Una particolare attenzione è riservata alle strategie e alle tecniche adoperate per il coinvolgimento del fruitore: in seguito al lavoro, nel contempo storico e analitico, si enuclea un contrasto tra i due artisti e tra la relazione opera-fruitore inscritta nelle loro opere. Contrasto che coinvolge molteplici dimensioni, dalla relazione tra suono e immagine, alla concezione del suono e della musica, dalla tipologia di tecnologia e dal modo di adoperarla, alla relazione tra spazio e fruitore, alla costruzione della dimensione temporale, alla concezione del nesso mediale, alla dimensione sociale dell’opera e al modo in cui questa costruisce la conoscenza del fruitore e ne determina il rapporto col mondo. Tale opposizione differenzia non soltanto due artisti, bensì due generazioni, il loro rapporto con l’arte e con il suono; un confronto, dunque, che enuclea due paradigmi nelle modalità di creazione dell’esperienza, l’una interattiva e l’altra immersiva, che hanno ampi riflessi su tutti i dettagli macro e micro compositivi delle opere.

Un saggio su Corrado Mezzana (1890-1952), grande disegnatore di francobolli, pittore e studioso, che ha giocato un ruolo molto importante tra gli anni Trenta e Cinquanta del secolo scorso, tra Fascismo e Repubblica. Nello scritto si cerca di dare una risposta a molti quesiti sul suo ruolo nella ricerca del consenso attraverso lo strumento del francobollo.

Tra l’ottobre e il novembre del 1964 ha luogo a Roma la prima mostra personale di Giulio Paolini. L'impressione è quella di trovarsi di fronte ad una mostra ancora in fase di allestimento, composta da una serie di pannelli di legno grezzo appesi o appoggiati alla parete. Le sette opere scelte da l'artista formulano una domanda e offrono una risposta: quali sono i rapporti fondamentali che si generano in un' esposizione di quadri?

"Ni una más" è il grido di protesta con cui le madres e gli attivisti conducono la loro lotta contro omertà e impunità che caratterizzano il fenomeno del femminicidio di Ciudad Juárez, città messicana al confine con gli Stati Uniti. Le relazioni tra violenza, misoginia, memoria e rappresentazione nella "città delle morte", sono esplorate attraverso un approccio interdisciplinare.
Francesca Guerisoli analizza le modalità con cui l'arte e le forme creative si oppongono al femminicidio, costruendo un orizzonte simbolico nel quale si colloca una battaglia culturale e politica transnazionale nel tentativo di ristabilire una memoria pubblica occultata dal sistema politico ed economico dominante. L'arte nata in relazione alla violenza e al femminicidio è indagata attraverso la descrizione delle opere e delle pratiche messe in atto da collettivi locali e da artisti che operano anche a livello internazionale, come Teresa Margolles, Lorena Wolffer, Ursula Biemann, Santiago Sierra, Regina José Galindo, Francis Alÿs.
Il progetto d'arte partecipativa Zapatos Rojos di Elina Chauvet, nato nel contesto di Juárez, è divenuto il simbolo più popolare della lotta al femminicidio nel nostro Paese. L'analisi critica mette in rilievo il significato della marcia di scarpe rosse e il valore che il progetto, nato in una realtà specifica, esprime anche in tutti quei contesti in cui la relazione asimmetrica tra i sessi porta al femminicidio.

Il libro ha ottenuto il patrocinio di Amnesty International - Italia: "Per la capacità di andare oltre i fatti del femminicidio, sapendo ispirare nel lettore un desiderio concreto di cambiamento. Un libro che non soltanto racconta, documenta alla perfezione e denuncia una piaga del nostro tempo con chiara fermezza, ma che trasforma l'arte in strumento per contrastare silenzio ed omertà".

postmedia books 2016
240 pp. 147 ill.
isbn 9788874901562

Sull’apprendistato dell’“arte di ridere della vita, invece che morirne” si fondò il sodalizio tra l’aspirante scrittore Ettore Schmitz e il più giovane ma già affermato pittore Umberto Veruda. I puntelli da fissare per ricostruire la mappa sentimentale dell’amicizia fraterna e scapigliata fra i due triestini sono rintracciabili attraverso una manciata di documenti, scrittorî e figurativi, reperti di quella che fu una fitta corrispondenza di affetti e sensi artistici, confluita all’interno di alcune tra le opere più significative dei due. Pochi dati sommari ricaviamo dal profilo autobiografico redatto da Svevo nel 1928: una sola pagina è dedicata al rapporto amicale con Veruda e alle convergenze, rintracciate in prima istanza da Silvio Benco, tra questi e il personaggio dello scultore Stefano Balli, deuteragonista maschile di Senilità. Più provvida di dettagli è la testimonianza tramandata dalla moglie dello scrittore, Livia Veneziani,  nel fondamentale volume Vita di mio marito. Italo Svevo e Umberto Veruda si conobbero nel 1987, un anno dopo la morte del ventitreenne Elio Schmitz, il fratello prediletto di Svevo, motivo per cui l’imberbe pittore diventa il sostituto di quella figura familiare tanto cara. Durante la sua stagione pittorica Veruda guarda alla pennellata rapida degli impressionisti francesi, all’immediatezza di tocco dei secessionisti monacensi, al colore vibrante dei Fauves e molto altro. Analogamente, intraprendendo un corto viaggio antologico nella narrativa sveviana incapperemo in scorci figurativi molteplici e vari che recano impresse le tendenze pittoriche contemporanee. Ciò che sostanzia le analogie tra la pittura di Veruda e la scrittura di Svevo sono le immagini e la tecnica utilizzata, dunque la resa dei soggetti e non le identità presunte che forse hanno offuscato il chiarore del profilo ritratto.

Questo saggio analizza l'unico dipinto a tema sacro realizzato da Antenore Soldi, membro della "Scuola di Rivara". Quest'opera, intitolata "La Vergine con il Bambino, San Giuseppe, Sant'Antonio da Padova, San Francesco d'Assisi, San Michele e le anime del Purgatorio" si trova nella chiesa parrocchiale di Acceglio. Questa pala d'altare contiene molti riferimenti a Gaudenzio Ferrari e Gerolamo Giovenone, pittori del Rinascimento piemontese, e Orazio Gentileschi, artista barocco. Indubbiamente le fonti di questi riferimenti erano alcune incisioni della pubblicazione "La Reale Galleria di Torino Illustrata", di Roberto d'Azeglio.


This essay is about the only painting of sacred theme realized by Antenore Soldi, a membership of the "School of Rivara". This picture, entitled "The Virgin and Child, St Joseph, St Anthony of Padua, St Francis of Assisi, St Michael and souls in Purgatory" is located in the parish church of Acceglio. This altarpiece contains many references to Gaudenzio Ferrari and Gerolamo Giovenone, peinters of piedmontese Renaissance, and Orazio Gentileschi, baroque artist. Undoubtedly the sources for these references were some engravings from the publication "La Reale Galleria di Torino Illustrata", of Roberto d'Azeglio.

Apparentemente due uomini di spalle; tra loro un vetro; sulla mensola (forse quella di un camino) è poggiato un libro. Si tratta de “Les Aventures d’Arthur Gordon Pym” di Edgar Allan Poe  e solo il fatto che sopra se ne veda riflesso il titolo capovolto, lascia intendere che non di vetro si tratti, bensì di uno specchio.
Un uomo è, perciò, dinanzi ad uno specchio che dovrebbe riflettere il suo volto, ma questo non avviene e l’immagine rimanda nuovamente la sua nuca come se, tenendo fede al titolo dell’opera, la “riproduzione del volto fosse vietata”.

This is the table of contents of the PhD thesis that will be defended in may 29. The thesis focus on the fortune of the interiors scenes in the Nineteenth-Century France visual culture, from the popular images on the July Monarchy (caricatures, vignettes, book illustration), to the major pre-impressionists and post-impressionists' works, pointing also on relations with literary descriptions and theatrical mise-en-scène.

Il saggio, pubblicato sul catalogo Milano 1950 – 1959. Il rinnovamento della pittura in Italia, catalogo, Palazzo dei Diamanti, Ferrara, 1997, pp. 101-116, è la mia prima ricognizione sul problema del rapporto tra arte contemporanea e architettura negli anni cinquanta. Dagli interventi in ceramica di Fontana per Menghi e Zanuso in via Senato 11 (1947), al Cinema Arlecchino (1948), fino alle collaborazioni di Somaini per il padiglione Soggiorno (1954) oggi biblioteca del parco), il saggio traccia una panoramica degli interventi di artisti contemporanei nelle architetture milanesi in un solo decennio ponendo in evidenza il ruolo attivo delle Triennali. Da questa ricerca sono nate le mie ricerche successive sugli interventi di Crippa e Dova al Qt8 e su Campigli e l'architettura, su Gio Ponti e gli artisti, su Fontana e l'architettura nel dopoguerra, e infine su  Dino Basaldella e l'architettura, ricerche pubblicate successivamente.

Il saggio delinea, attraverso l’analisi dell'opera di Pio Joris (Roma 1843-1921), l’evoluzione di alcuni aspetti della cultura artistica romana ottocentesca, dal rientro di Pio IX dall’esilio volontario a Gaeta (1849), all’Esposizione Internazionale di Belle Arti del 1883 che vide trionfare la nuova pittura celebrativa del Regno d’Italia. Il percorso di Joris, posto a confronto anche con quello degli artisti che maggiormente lo influenzarono, permette di riflettere su alcuni punti nodali dell'arte romana post-unitaria, sottolineandone gli aspetti più originali, come l'elaborazione di un linguaggio naturalista dal forte potenziale innovativo, la formazione di una nuova "committenza" borghese e l'affermarsi di un mercato, soprattuto internazionale, che, per certi versi, sembra porre un limite ad un vero e proprio rinnovamento.

«“È impossibile definire il design”. Sempre più spesso ci imbattiamo in questa affermazione, da parte di critici e storici del design. Un vezzo? o l’ammissione di un’impossibilità reale – di identificare e delimitare le frontiere di un fenomeno troppo esteso o sfuggente. Come se non si trattasse più di una disciplina all’interno di un sistema delle arti, di un settore professionale e produttivo all’interno di un sistema economico, di un campo di tecniche, concetti, pratiche e tradizioni all’interno di
un orizzonte culturale, ma al contrario di una nozione a cui si presta una forma di universalità: il design è tutte queste cose, e molto di più». È dunque, strategicamente, attraverso una serie di conversazioni che Emanuele Quinz ci offre in questo volume un’analisi comparata di questa disciplina in costante mutamento. L’autore si avvale della propria formazione storica per penetrare nei processi creativi indissolubilmente legati all’arte, e quindi non vincolati a finalità strettamente funzionali. Paradossalmente, infatti, molta parte del design recente nasce contro l’idea del design come produzione ad infinitum di oggetti commerciali, a partire dalla decisiva mostra Italy: The New Domestic Landscape, tenutasi al MoMA di New York nel 1972, che portò alla ribalta la cosiddetta architettura radicale italiana.
Le personalità qui interpellate costituiscono dunque uno spaccato generazionale che va dai pionieri del «controdesign» di allora, come Ugo La Pietra e Gianni Pettena,
ai rappresentanti del design concettuale olandese e del Critical Design degli anni Novanta, fino ad alcuni fra i principali autori dell’odierna scena internazionale, come Martino Gamper, i fratelli Bouroullec o Matali Crasset.
Il quadro che viene così a comporsi fa chiarezza sulla natura del design del XXI secolo, senza rinunciare a sottolineare non solo la pluralità delle posizioni, ma anche la trasmigrazione delle idee resa possibile dallo status peculiare di questa materia felicemente intermedia fra arte e industria che si avvia a essere sempre più determinante anche per le sorti dell’architettura e dell’urbanistica del nostro tempo.

Giornalista, narratore, sperimentatore di forme e linguaggi, Ragagnin (Buja, 1926-2003) esordisce nella letteratura con Rattle! (Cooperativa Scrittori 1975) e prosegue con A Pla Tà (1994), Vibrido (1998) e Il tipo (pubblicato postumo nel 2005), tutti editi da Manni.
Nel 2013 un convegno ha ricordato lo scrittore a dieci anni dalla morte. Nel 2016, a novanta dalla nascita, vengono pubblicati gli Atti. È questa l’occasione per ripercorrere la vita, l’impegno e la ricerca letteraria di un autore ancora attualissimo, che a lungo e tenacemente si è misurato con la sperimentazione non solo linguistica.

Resumo: O presente artigo parte do conceito de “embreantes”,desenvolvido pela filósofa Anne Cauquelin1,para postular os pares,no contexto da arte brasileira,que corresponderiam ao papel desempenho por Marcel Duchamp, Andy Warhol e Leo Castellinas artes ocidentais. Como objeto de estudo, serão analisadas as obras dos artistas brasileiros Lygia Clark e Hélio Oiticica, além do crítico de arte Mário Pedrosa, como protagonistas no período de transição da arte moderna para o pós-moderno. As proposições e formulações teóricas desenvolvidas pelos “embreantes brasileiros” foram decisivas para a consolidação de uma nova forma de se fazer e pensar a arte no país.
Palavras-chave: Lygia Clark; Hélio Oiticica; Mário Pedrosa;Embreantes; Anne Cauquelin; Arte Contemporânea.
Abstract: This article starts from the concept of “incoming”, introduced by philosopher Anne Cauquelin, to postulate the pairs, in the context of Brazilian art, that would correspond to the role played by Marcel Duchamp, Andy Warhol and Leo Castelli in the western arts. As an object of study, the works of Brazilian artists Lygia Clark and Hélio Oiticica, as well as the art critic Mário Pedrosa, will be analyzed as protagonists in the period of transition from modern to postmodern art. The propositions and theoretical formulations developed by the “Brazilian incoming” were decisive for the consolidation of a new way of making and thinking art in the country.
Keywords: Lygia Clark; Hélio Oiticica; Mário Pedrosa; Incoming; Anne Cauquelin; Contemporary Art.

Recebido em: 27/12/2019 – Aceito em 04/08/2020

Saggio in catalogo per: Aroldo Bonzagni e il suo tempo «Ironia, satira e dolore» nelle opere di un "primo futurista". Focus espositivo a cura di di Francesca Passerini, Ilenia Carozza e Guicciardo Sassoli De’ Bianchi Strozzi. Bologna, Raccolta Lercaro, 14 novembre 2020 - 10 gennaio 2021 (prorogata a luglio 2021)

Utilizing unpublished or little-known documents, this essay outlines the career of painter, engraver and commercial artist Gastone Celada (1912-2004), active from early 1930's to the end of the 1980's. Following his performative years at the Accademia Cignaroli in Verona, he became assistant to Carlo Donati in the execution of fresco cycles for several Trentino churches. Although ecclesiastic commission determined the subject matter of his early production, from the end of the 1940's he began to develop a style of painting with fabulistic overtones inspired by Trecento and Quattrocento art and by aspects of Metaphysical painting and Magic Realism. For about twenty years Celada exhibited intensively at the national level and participated regularly in the Biennali d'arte of Verona.

In occasione della Giornata della Memoria all'interno della Conferenza "Immagine e comunicazione del nazifascismo".
L'opera della Salomon "Vita? o Teatro?" è il suo testamento artistico, prodotto in poco più di due anni con l'urgenza di dire e rappresentare una vita che viene vissuta solo a metà.

Anche in: Storia della civiltà europea. Vol. 16 - il Novecento. Arti visive,  RCS Quotidiani - Special edition for Il Corriere della Sera, Milano 2008, ISBN: 9771828050157, pp. 117-121).

Dal mondo antico allʼinizio del terzo millennio: migliaia di saggi e oltre 10.000 immagini, un imponente corpus testuale e iconografico organizzato in periodi cronologici e in aree tematiche: storia, filosofia, arti visive, scienza e tecnologia, musica, letteratura e teatro, comunicazione. Unʼopera curata da Umberto Eco, che propone nuove modalità di esplorazione della storia e del sapere e che offre potenti strumenti capaci di intrecciare e collegare, grazie a percorsi dinamici, i personaggi, le idee e gli eventi che hanno formato la nostra cultura. Lʼidea di partenza di Umberto Eco è quella di realizzare unʼopera a carattere enciclopedico che aiuti ad avere il senso delle distanze storiche, a stabilire rapporti di contemporaneità tra eventi di natura diversa e che consenta di ricostruire fenomeni di lunga durata, dinamiche sociali e culturali, comportamenti della vita quotidiana. Il progetto della Storia della Civiltà Europea, nato nel 1993, antesignano di unʼeditoria multimediale di qualità, raggiunge solo il suo compimento editoriale e la sua maturità tecnologica, organizzando i propri contenuti in ogni formato disponibile per ogni tipo di pubblico.

Nel Novecento gli intrecci fra arte, politica, società hanno prodotto ribaltamenti, cancellazioni e rinascite di modelli artistici oscillanti fra la ricerca di un ordine nuovo e la fascinazione per l’irrazionale, fra l’assunzione dell’arte come strumento politico e il rigetto di ogni ideologia, fra la tensione a un’arte individuale e aristocratica o al contrario anonima e collettiva. Nella collisione di fine Ottocento fra tradizione e novità dirompenti cola a picco l’idea di continuità nella storia: il secolo si apre all’insegna della rottura e delle sperimentazioni più ardite in termini di linguaggio e di contenuti. Le avanguardie, tra cui si contano cubismo, espressionismo, futurismo, neoplasticismo e costruttivismo, alleate in un percorso di astrazione, tagliano traguardi che paiono senza ritorno: la cancellazione del soggetto, la forma come forma assoluta, la nuova preminenza del linguaggio, la negazione del racconto, l’esilio dei sentimenti, tutte conquiste che sanciscono il primato culturale dell’Europa. Finché nell’arco di alcuni decenni si verifica un capovolgimento di prospettiva col ritorno al figurativo e con lo spostamento del cuore culturale dall’Europa verso New York e Los Angeles, rimesso più tardi in discussione dall’emergere della nuova polarità dell’Asia. In questo ebook si possono trovare tutte le maggiori espressioni artistiche del Novecento, in cui l’ideale dell’arte subisce un progressivo spostamento verso il futuro, arrivando, nelle sue forme più estreme, a produrre un’arte internazionalista, senza radici e senza memoria, dotata di una lingua aniconica universale, che cancella i confini delle identità nazionali e si proietta nella realtà globalizzata.

At the heart of the growing entrepreneurial partnership between luxury brands and the art business, we can see a structural closeness of two realities that today are more than ever in a winning conjunction for the spread of culture. The narrative is fairly silent regarding luxury companies involved in patronage, art collecting and sponsorship practices, especially towards contemporary art. Arts and cultural foundations have been founded by luxury companies during the last decades, motivated by the intention to place the brand in the competitive scenario of the art business. This work contributes to the literature on cultural heritage through the analysis of three case studies. It is argued how the contribution in arts and cultural heritage by luxury brands cannot be considered only as a reflection of strategic marketing actions but also as a benefit aimed to improve the cultural and local environment.

The 1990’s China was characterized by the acceleration of transformation from indu-strial society to post-industrial society. Due to such transformation, a number of industries withdrew from the city center, with the consequence that warehouses and factories were abandoned. Outskirts were being included into the urban areas and China’s urban art district was born accordingly.
798 Art District in Beijing and the 50 Moganshan lu in Shanghai, just to mention the most famous,  are two huajia cun (artists’ village) within the global contemporary artistic world. They transformed the factory into the most symbolic place of contem-porar􀀁 research and the􀀁 functioned not onl􀀁 as subcultures of the “official” Chinese art world but also as networks of mutually supportive communities. They have linked themselves to the international market, offering new ways of interaction between e􀀂hibition space 􀀃and its historical significance􀀄, curator, artists and audiences.

Mercato dell'Arte al tempo del Coronavirus: Le gallerie sono state chiuse la maggior parte del tempo: le mostre sono state sospese e le vendite sono calate in media del 70%, visto che si vendevano solo nel retrobottega e con pochi visitatori a causa del pericolo di contagio da coronavirus. Al contrario, le case d'asta internazionali hanno dimostrato adattabilità e capacità di marketing memorabili. Sotheby's ha appena riferito di aver venduto per 5 miliardi di dollari e che le sue vendite private al di fuori dell'asta sono state di 1,5 miliardi di dollari, il che rappresenta un aumento del 60% in questa attività simile a una galleria d'arte. Christie's aveva riportato vendite per 4,4 miliardi di dollari e anche grandi vendite private. Le due principali case d'asta hanno realizzato più di 150 vendite online. E il 30% dei cyber-acquirenti ha meno di 40 anni. Entrambe le case hanno venduto circa il 27% in meno rispetto allo scorso anno, il che mi sembra miracoloso. A livello globale, non ci sono dati su quante case d'asta o gallerie d'arte hanno chiuso, ma indubbiamente molte hanno dovuto farlo e altre sono in arrivo. In Francia, la principale casa d'aste è ArtCurial, che ha venduto solo il 10% in meno rispetto allo scorso anno e le sue vendite sono state pari a $ 180 milioni. I grandi vincitori di questa crisi sono stati gli asiatici, che già rappresentano il 33% del mercato e in breve tempo potrebbero essere i primi acquirenti al mondo.

Tra la seconda metà del XIX Sec. e la prima metà del XX Sec. il corpo tatuato è diventato un’occasione, per artisti e intellettuali, per parlare della decadenza dei costumi, delle ideologie e della società a partire dal concetto di atavismo di Cesare Lombroso.
Conseguentemente il tatuaggio venne sempre più associato alla fascia della popolazione più emarginata, che gli studi positivi etichettarono come soggetti degenerati.
Otto Dix, rappresentante di punta della Nuova Oggettività tedesca (Neue Sachlichkeit), rese la classe proletaria protagonista della sua produzione artistica; il tatuaggio, popolare tra le classi basse, divenne così un elemento centrare delle sue opere, ed assunse una nuova connotazione sovversiva e politica.
Alla luce dell'inedito rapporto tra Otto Dix e il tatuatore di Amburgo Karl Finke, in questo articolo verranno analizzati alcuni dei quadri in cui compaiono soggetti tatuati come “(Der) Matrose Fritz Müller aus Pieschen” (1919), “Fleischrladen” (1920), “Suleika, das tätowierte Wunder” (1920) e “Abschied von Hamburg” (1921).

Anche in: Storia della civiltà europea. Vol. 16 - il Novecento. Arti visive,  RCS Quotidiani - Special edition for Il Corriere della Sera, Milano 2008, ISBN: 9771828050157, pp. 297-302.

Dal mondo antico allʼinizio del terzo millennio: migliaia di saggi e oltre 10.000 immagini, un imponente corpus testuale e iconografico organizzato in periodi cronologici e in aree tematiche: storia, filosofia, arti visive, scienza e tecnologia, musica, letteratura e teatro, comunicazione. Unʼopera curata da Umberto Eco, che propone nuove modalità di esplorazione della storia e del sapere e che offre potenti strumenti capaci di intrecciare e collegare, grazie a percorsi dinamici, i personaggi, le idee e gli eventi che hanno formato la nostra cultura. Lʼidea di partenza di Umberto Eco è quella di realizzare unʼopera a carattere enciclopedico che aiuti ad avere il senso delle distanze storiche, a stabilire rapporti di contemporaneità tra eventi di natura diversa e che consenta di ricostruire fenomeni di lunga durata, dinamiche sociali e culturali, comportamenti della vita quotidiana. Il progetto della Storia della Civiltà Europea, nato nel 1993, antesignano di unʼeditoria multimediale di qualità, raggiunge solo il suo compimento editoriale e la sua maturità tecnologica, organizzando i propri contenuti in ogni formato disponibile per ogni tipo di pubblico.

Nel Novecento gli intrecci fra arte, politica, società hanno prodotto ribaltamenti, cancellazioni e rinascite di modelli artistici oscillanti fra la ricerca di un ordine nuovo e la fascinazione per l’irrazionale, fra l’assunzione dell’arte come strumento politico e il rigetto di ogni ideologia, fra la tensione a un’arte individuale e aristocratica o al contrario anonima e collettiva. Nella collisione di fine Ottocento fra tradizione e novità dirompenti cola a picco l’idea di continuità nella storia: il secolo si apre all’insegna della rottura e delle sperimentazioni più ardite in termini di linguaggio e di contenuti. Le avanguardie, tra cui si contano cubismo, espressionismo, futurismo, neoplasticismo e costruttivismo, alleate in un percorso di astrazione, tagliano traguardi che paiono senza ritorno: la cancellazione del soggetto, la forma come forma assoluta, la nuova preminenza del linguaggio, la negazione del racconto, l’esilio dei sentimenti, tutte conquiste che sanciscono il primato culturale dell’Europa. Finché nell’arco di alcuni decenni si verifica un capovolgimento di prospettiva col ritorno al figurativo e con lo spostamento del cuore culturale dall’Europa verso New York e Los Angeles, rimesso più tardi in discussione dall’emergere della nuova polarità dell’Asia. In questo ebook si possono trovare tutte le maggiori espressioni artistiche del Novecento, in cui l’ideale dell’arte subisce un progressivo spostamento verso il futuro, arrivando, nelle sue forme più estreme, a produrre un’arte internazionalista, senza radici e senza memoria, dotata di una lingua aniconica universale, che cancella i confini delle identità nazionali e si proietta nella realtà globalizzata.

Per molto tempo, tutte le forme d'arte in Africa sono state accompagnate dall'aggettivo "esotico" o "tribale". Ma l'arte africana contemporanea si è da tempo lasciata alle spalle il colonialismo e le utopie degli anni 70. Oggi l'arte africana lascia il segno. Paula Nascimento fa parte della scena artistica internazionale. È stato lei il responsabile del padiglione dell'Angola che ha vinto il leone di qualcun altro alla Biennale di Venezia 2013. Abbiamo visitato una delle sue gallerie preferite a Luanda. Questo architetto e specialista d'arte definisce l'Angola come "una scena giovane e vibrante... Ci sono pittori, fotografi, videoartisti e si usano tutti i tipi di media. Ci sono spettacoli. È un crogiolo di idee». Uno degli artisti angolani contemporanei più famosi è António Ole, uno dei pionieri dell'arte contemporanea. Ole sta preparando una retrospettiva dell'ultimo mezzo secolo. L'indipendenza dell'Angola risale alla metà degli anni 1970. Il colonialismo ha segnato tutti i giovani artisti del continente. António Ole riconosce che gli artisti sono "molto attaccati all'idea dell'oppressione passata. A causa del colonialismo c'è stata una chiusura culturale. E il processo di ripristino della nostra identità ha richiesto del tempo", afferma. La storia non è dimenticata, è ancora presente nell'arte. Ma questo continente è immerso nella globalizzazione artistica e l'arte africana si riconosce: nella sua contemporaneità, sostanza e forma. Secondo Ole, "per anni nessuno si è interessato all'arte africana, ma improvvisamente negli ultimi decenni stiamo occupando quello spazio vuoto e ci rispettano molto più di prima".

Barisani Concretista e il Movimento Arte Concreta napoletano, in Renato Barisani. Sperimentatore nel tempo: Opere dal 1935 al 2011, catalogo della mostra a cura di G. Agnisola e F. Barisani, 22 luglio-8 ottobre 2017, Gaeta, Pinacoteca Comunale d’Arte Contemporanea, Palazzo San Giacomo, Magonza editore, Arezzo 2017, pp. 167-168.

Un saggio agile e slanciato sull'intricata vicenda intorno alla commissione dei mosaici per il Duomo di Messina. La ricerca illustra, tra fraintendimenti, intrighi e colpi di scena, l'incopiuta opera del pittore parmense Amedeo Bocchi per la cattedrale peloritana.
isbn: 978-88-7847-132-0
Nel testo in allegato, un estratto tratto da alcuni capitoli del libro.

Le opportunità lavorative di uno storico dell’arte, nonostante la crisi che ci affligge da diversi anni, sembrano ampliarsi, almeno qualitativamente, anche grazie alla creatività e all’intraprendenza. Artestorie propone una raccolta di testimonianze per una mappatura delle professioni praticabili oggi in Italia da chi è laureato in storia dell’arte. Le professioni possibili sono più numerose di quelle descritte nel libro, che ne propone alcune tra le più diffuse, dalle attività tradizionali (ricerca, insegnamento) a quelle più innovative e in via di consolidamento (cura dei social network, delle community, analisi dei pubblici, Technical Art History). Ciascuna delle trenta professioni qui raccontate, pur partendo dalla conoscenza approfondita della storia dell’arte acquisita durante il percorso accademico, richiede competenze specifiche maturate dagli autori attraverso percorsi ‘inventati’, il più delle volte al di fuori dei curricula universitari, che hanno reso possibile l’ingresso nel mondo del lavoro. Queste nuove professioni, talvolta ancora in cerca di una definizione condivisa, si inseriscono in un contesto che sta evolvendo verso una cultura della partecipazione aperta a differenti pubblici e che propone di agire in relazione alla fruizione, comunicazione e valorizzazione del patrimonio culturale. Artestorie è diviso in cinque macroaree in cui sono riunite le professioni che agiscono dentro e fuori le istituzioni culturali. I professionisti coinvolti hanno accolto l’invito a raccontarsi ai ‘futuri’ storici dell’arte e si sono messi in gioco, narrando luci ed ombre dei loro percorsi professionali. Il cantiere Artestorie si è rivelato anche luogo di scambio, riflessione e confronto non solo sulle forme della disciplina, ma anche su strategie e obiettivi che storici dell’arte di un paio di generazioni sentono di condividere, e per cui sono disposti a impegnarsi. Da questa esperienza si comprende ancora una volta l’importanza di fare rete, e infatti da qui che si propone di ripartire a chi studierà domani la storia dell’arte, a chi lo sta già facendo, a chi nelle istituzioni individua i percorsi formativi e ai professionisti del settore. Dalle esperienze raccolte emerge la necessità che in molte delle professioni si integrino competenze legate al mondo della comunicazione, del management e della mediazione. E nella mediazione includiamo anche il saper dialogare con diversi profili professionaliù – archeologi, architetti, restauratori, informatici, legislatori, amministrativi – per citarne alcuni tra quelli coinvolti nello studio e nella trasmissione del patrimonio al futuro. Una propensione al dialogo utile anche a costruire un lessico condiviso su cui fondare la costruzione di progetti e strategie comuni

Le opportunità lavorative di uno storico dell’arte, nonostante la crisi che ci affligge da diversi anni, sembrano ampliarsi, almeno qualitativamente, anche grazie alla creatività e all’intraprendenza. Artestorie propone una raccolta di testimonianze per una mappatura delle professioni praticabili oggi in Italia da chi è laureato in storia dell’arte. Le professioni possibili sono più numerose di quelle descritte nel libro, che ne propone alcune tra le più diffuse, dalle attività tradizionali (ricerca, insegnamento) a quelle più innovative e in via di consolidamento (cura dei social network, delle community, analisi dei pubblici, Technical Art History). Ciascuna delle trenta professioni qui raccontate, pur partendo dalla conoscenza approfondita della storia dell’arte acquisita durante il percorso accademico, richiede competenze specifiche maturate dagli autori attraverso percorsi ‘inventati’, il più delle volte al di fuori dei curricula universitari, che hanno reso possibile l’ingresso nel mondo del lavoro. Queste nuove professioni, talvolta ancora in cerca di una definizione condivisa, si inseriscono in un contesto che sta evolvendo verso una cultura della partecipazione aperta a differenti pubblici e che propone di agire in relazione alla fruizione, comunicazione e valorizzazione del patrimonio culturale. Artestorie è diviso in cinque macroaree in cui sono riunite le professioni che agiscono dentro e fuori le istituzioni culturali. I professionisti coinvolti hanno accolto l’invito a raccontarsi ai ‘futuri’ storici dell’arte e si sono messi in gioco, narrando luci ed ombre dei loro percorsi professionali. Il cantiere Artestorie si è rivelato anche luogo di scambio, riflessione e confronto non solo sulle forme della disciplina, ma anche su strategie e obiettivi che storici dell’arte di un paio di generazioni sentono di condividere, e per cui sono disposti a impegnarsi. Da questa esperienza si comprende ancora una volta l’importanza di fare rete, e infatti da qui che si propone di ripartire a chi studierà domani la storia dell’arte, a chi lo sta già facendo, a chi nelle istituzioni individua i percorsi formativi e ai professionisti del settore. Dalle esperienze raccolte emerge la necessità che in molte delle professioni si integrino competenze legate al mondo della comunicazione, del management e della mediazione. E nella mediazione includiamo anche il saper dialogare con diversi profili professionaliù – archeologi, architetti, restauratori, informatici, legislatori, amministrativi – per citarne alcuni tra quelli coinvolti nello studio e nella trasmissione del patrimonio al futuro. Una propensione al dialogo utile anche a costruire un lessico condiviso su cui fondare la costruzione di progetti e strategie comuni