Alejandro Amenábar

A la hora de traducir los diálogos cinematográficos una de mayores dificultades que se presenta ante el traductor es transmitir el lenguaje coloquial y garantizar la oralidad del texto meta. En el presente estudio analizamos dos traducciones al ruso del largometraje español Tesis dirigido por Alejandro Amenábar. Hacemos un análisis a nivel léxico-semántico en el contexto del lenguaje coloquial para determinar problemas que podían haber tenido los traductores y soluciones a las que habían llegado. Los personajes principales de la película son estudiantes españoles de los años 90, de ahí que el guión original cuente con numerosos ejemplos de unidades léxicas y fraseológicas pertenecientes al lenguaje coloquial.

Uno de los personajes más conocidos del mundo tardoantiguo es Hipatia, pero su historia se ha ido mezclando con la leyenda.

En este trabajo vamos a estudiar el fundamento histórico de la película Ágora de Alejandro Amenábar, que muestra a Hipatia como una precursora de los valores modernos: independencia de la mujer, autonomía de la razón, cientificismo, agnosticismo, etc. Además, a través de su historia, se acusa a la Iglesia de misoginia y de intolerancia hacia el mundo clásico greco-latino y hacia la ciencia. Por eso también nos preguntaremos sobre el fundamento que tienen estas acusaciones.

Este libro ofrece, por un lado, una extensa revisión de la producción cinematográfica de la memoria de la Guerra Civil desde 1975 hasta 2020. Por otro lado, aporta un análisis minucioso sobre el film de Alejandro Amenábar, al calor de los movimientos memorialísticos de los años 2000 y de los debates éticos y estéticos sobre los modos de contar el pasado traumático. Y finalmente, pretende vincular la memoria histórica y la ingente labor en el campo cultural con la obligación de defender los derechos humanos bajo el imperativo de verdad, justicia y reparación.

Os sonhos lúcidos são descritos como a consciência de estar sonhando durante o sonho e a capacidade de alterá-lo narrativamente. Uma breve introdução sobre tema será desdobrada, seguida pela análise de uma das características marcantes desse fenômeno: os personagens que habitam esse estado onírico, possuidores de um grau de autonomia e facilidade de comunicação surpreendente se comparados aos sonhos comuns. Na intenção de averiguar substrato psíquico dessas entidades autônomas será conduzida uma investigação sob a ótica da psicologia analítica, privilegiando o conceito Junguiano de “sombra” e a teoria dos complexos. Por fim, será destacada a importância dessa análise para o processo de individuação.

This essay explores Alejandro Amenábar´s The Others (2001) from the perspective of the gothic genre and in connection with new transnational trends in the postmodern thriller. As Amenábar´s previous films, The Others dramatizes the search for identity in a world ruled by simulacrum. Although its subscription to the gothic genre, a literary construction that dates back to the late 18th century, seems obvious at first sight, its moral relativism and self-reflexivity link it to the postmodern sensibility. In my essay I contend that what seems to be a contradiction can be explained in light of the common ground that exists between the two. Both the gothic and the postmodern emerged as counter-discourses that reacted against the narratives of the Enlightenment, while encouraging an attitude of skepticism and pluralism. Both share a “promiscuous generic cross-breeding” (Kilgour, “Dr. Frankenstein meets Dr. Freud,” 1998) that moves them to subvert stable norms and collapsing binary oppositions. In The Others, Amenábar puts these tendencies to work in extreme ways by proposing an original alternative to the traditional gothic thriller that may resemble most of the genre´s “classics,” but which often tends to deconstruct them. 
My analysis addresses three major components of the film: its self-reflexivity, its gothic elements, and its postmodern condition. Drawing on Lucien Dallenbach´s grammar of the mise en abyme (Le récit spéculaire, 1977) and on Robert Stam´s investigations on transtextuality in cinema (Reflexivity in Film and Culture, 1992), I start by establishing the specular structure of the film and its dialogue with its most immediate intertexts. The connection of the film with the gothic tradition is carried out by examining its affinity with major theories of the gothic, especially with Anne Williams´ concept of the “female gothic” (Art of Darkness, 1995).  Finally, I explore the film´s postmodern nature by discussing the ontological vertigo that results from Amenábar´s interrogation of our notions of reality, identity, and narrative.

This article analyzes various contemporary Spanish films as part of one of the most experimental trends within the paradigm of narrative complexity of contemporary visual culture: the so-called puzzle or mind-game films. To solve the question of what lies beneath these narrative disruptions in the Spanish case, we developed four sequence microanalysis based on a semiotic approach to one of the prevailing conflicts in the films Abre los ojos (1996), Los otros (2001), La mala educación (2004) y La piel que habito (2010). We conclude that the main discomforts which emerge are the fear of not distinguishing reality from fiction, the distrust against the technologies that determine human subjectivity and the oblivion of one's own guilt.

Este artículo analiza diversas obras del cine español contemporáneo como integrantes de una tendencia experimental de la complejidad audiovisual contemporánea: las llamadas puzzle films o mind-game films. Para resolver qué discurso subyace a su desestructuración en el caso español, analizamos fragmentos clave de Abre los ojos (1996), Los otros (2001), La mala educación (2004) y La piel que habito (2010). Concluimos que los principales malestares que emergen son el terror a no distinguir entre realidad y ficción, la desconfianza hacia la tecnología que condiciona la subjetividad y el olvido de la propia culpa. Palabras clave: análisis textual; cine postclásico; puzzle films; mind-game films; no linealidad narrativa, narrativas complejas; cine español.

Este artigo analisa várias obras do cinema espanhol contemporâneo como parte de uma tendência experimental da complexidade audiovisual contemporânea: os chamados filmes de quebra-cabeça ou filmes de jogos mentais. Para resolver o discurso subjacente à sua desestruturação no caso espanhol, analisamos fragmentos-chave de Abre los ojos (1996), Los otros (2001), La mala educación (2004) e La piel que habito (2010). Concluímos que os principais desconfortos que surgem são o terror de não distinguir entre realidade e ficção, a desconfiança da tecnologia que condiciona a subjetividade e o esquecimento da própria culpa. Palavras-chave: análise textual; cinema pós-clássico; puzzle films; mind-game films; não linearidade narrativa, narrativas complexas; cinema espanhol. CUADERNOS.INFO Nº 40

Cuando uno ve la película Ágora (2009), dirigida por Alejandro Amenábar, se lleva una impresión muy clara: la luz del paganismo clásico con su avanzada ciencia —representada por Hipatia— fue apagada violentamente por la ignorancia y brutalidad del cristianismo —representado por Cirilo y su gente—. Pese a que la película narra hechos históricos en los que intervienen personajes reales, su trasfondo ideológico hace necesario un análisis más crítico: ¿de verdad se oponía el cristianismo a la sabiduría y la cultura del mundo antiguo? ¿Fue Hipatia una “mártir de la ciencia”?

Este estudio se enfoca en tres categorías particulares de violencia en los textos de algunos de los directores más notables del cine español contemporáneo. Como punto de partida, este trabajo considera cómo Alejandro Amenábar estiliza el tema del Snuff en Tesis. Además, el análisis examina cómo Pedro Almodóvar experimenta con el rodaje de la violación en La piel que habito (2011). Y por fin, la esteticización de la violencia de la guerra en El laberinto del fauno (2006), dirigido por Guillermo del Toro, sirve como el último tema del presente estudio. Al emplear la teoría de Margaret Bruder sobre la aestheticization de la violencia en Aestheticizing Violence, or How to do Things with Style (2003), este trabajo pretende identificar cómo estos cineastas manejan ciertas técnicas cinematográficas para presentar la violencia con un estilo que a la misma vez fascina al espectador.

В статье представлен анализ фильма А. Аменабара «Агора» (2009), повествующего о конфликте между христианами и язычниками в Александрии на рубеже IV и V вв. и о судьбе философа и ученого Гипатии Александрийской.
Согласно герменевтическому осмыслению, произведение искусства всегда соотносится со своей эпохой, укоренено в собственном контексте, то есть, в случае с
данным фильмом, связано с современными социально-политическими и культурными событиями начала ХХI в. Расхождение двух эпох – давней и современной, обусловило и своеобразие фильма «Агора», и его историческую неточность.
В статье излагаются исторические сведения о Гипатии. Анализ расхождений
между интерпретацией образа Гипатии режиссером и историческими сведениями о Гипатии позволяет поставить вопрос о репрезентации истории в кино и о
природе кино как особой эфемерной реальности. Выводом статьи является подтверждение тезиса Х.-Г. Гадамера, согласно которому в произведении искусства
мы имеем дело не с реконструкцией исторических событий, а с нашим отношением к прошлому, с опосредованием прошлого, включением прошлого в настоящее.
The article presents an analysis of A. Amenabar's film “Agora” (2009), which
tells about the conflict between Christians and pagans in Alexandria at the turn of 4th
and 5th centuries and about the fate of the philosopher and scientist Hypatia of Alexandria. According to hermeneutical interpretation, a work of art is always correlated
with its own era, rooted in its own context, that is (in the case of this film) associated
with modern socio-political and cultural events of the beginning of the 21st century.
The discrepancy between the two eras – long-standing and modern, determined the
originality of the film “Agora” and its historical inaccuracy. The article presents historical information about Hypatia. The analysis of discrepancies between the film director's interpretation of the Hypatia's image and historical information about Hypatia
allows us to raise the question of the representation of History in cinema and the nature of cinema as a special ephemeral reality. The conclusion of the article is a confirmation of the thesis of H.-G. Gadamer, according to which in a work of art we are not
dealing with the reconstruction of historical events, but with our attitude to the past,
with the mediation of the past, the inclusion of the past in the present.

Questo articolo tenta di riportare "Agora" di Alejandro Amenábar all’interno di un più ampia riflessione sulle ragioni del frequente ricorso, da parte del cinema contemporaneo, alla storia e al mito antichi, in senso lato, con un’attenzione particolare alle promesse di visibilità che le narrative del mondo antico sembrano offrire al cinema

The aim of this paper is to bring Alejandro Amenábar’s "Agora" into a wider reflection on the reason why contemporary cinema often turns to ancient history and myth, in a broad sense, with a particular focus on the promises of visibility that the narratives of the Ancient World seem to make to the cinema.

"""""This book explores the representation of masculinity and the male body in contemporary film and popular culture. Paying special attention to the case of Spain and its relation to international cultural production during the democratic period, it includes key relevant case studies from North American and Western European film and popular culture that have impacted on popular domestic discourses on masculinities.

The project builds upon existing academic interpretations of contemporary depictions of the body, but it expands them by both exploring some material that has received little academic attention until now, and framing that material within a Spanish theoretical and socio-historical framework. The corpus of case studies has been carefully chosen to facilitate cross-media analysis in order to test rigorously the extent to which contemporary representations of the male body and masculinity can be said to belong to a coherent visual economy. Materials covered include: the films of leading Spanish contemporary directors (Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar, Bigas Luna and Ventura Pons); the recently revived Hollywood gladiator films; the so-called ‘costume drama’; iconic live performances, music videos and photographs of Madonna; the adult comic books of German cartoonist Ralf König (all translated into Spanish and very popular amongst the male gay community) and their film adaptations."""

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CUERPOS DE CINE
Masculinidades carnales en el cine y la cultura popular contemporáneos.

Cuerpos de cine es una reflexión sobre masculinidades y cuerpos masculinos en el cine y la cultura popular contemporáneos a través del estudio de casos especialmente representativos en la producción cultural de Europa y Norteamérica, pero de alcance e impacto globales. El estudio se desarrolla a lo largo de ocho capítulos que se fijan en el cine de importantes directores de la península ibérica como Almodóvar, Amenábar, Bigas Luna o Ventura Pons; las películas de gladiadores hollywoodienses (desde las clásicas como Espartaco a las más recientes como Gladiator, Troy o 300); las adaptaciones cinematográficas de obras clásicas de la literatura inglesa (Una habitación con vistas, Maurice); los vídeos musicales y la gira MDNA de Madonna (estudiada bajo el prisma de la masculinidad femenina), o los famosos cómics del alemán Ralf König.  Con un amplio marco teórico que va del psicoanálisis, al feminismo o a las varias ramas del pensamiento queer, el libro se enmarca en el campo de los estudios de género y sexualidad, así como a los estudios culturales y de cinematografía.

Santiago Fouz Hernández es filólogo (Univ. Santiago de Compostela, 1994) y máster y doctor en estudios cinematográficos por la universidad de Newcastle upon Tyne (1997 y 2002). Ejerce como profesor titular en la universidad de Durham, en el Reino Unido, desde 1999, con paréntesis para estancias docentes y de investigación en varias universidades europeas, norteamericanas y en la universidad de Queensland en Australia. Ha publicado numerosos artículos y contribuciones a libros sobre género, sexualidad y cine (sobre todo, pero no exclusivamente, en el contexto español). Es autor, con Alfredo Martínez Expósito, del libro Live Flesh: The Male Body in Contemporary Spanish Cinema (2007), compilador de dos colecciones de ensayos sobre las masculinidades en el cine, incluyendo Mysterious Skin: Male Bodies in Contemporary Cinema (2009), además de co-editor de las colecciones de ensayos académicos Madonna’s Drowned Worlds (2004) y Rethinking 'Identities': Cultural Articulations of Alterity and Resistance in the New Millennium (2014).
Cuerpos de cine es su primer trabajo publicado en castellano. En la actualidad trabaja en un proyecto patrocinado por la British Academy sobre el erotismo en el cine español de la etapa democrática, prestando especial atención al trabajo de Bigas Luna y Ventura Pons.""

The present paper argues that the semiotic concept of iconicity, as is defined in the theory of Algirdas Julien Greimas, is extremely useful in order to understand the relations between voyeurism, considered as one of the key-elements of the contemporary episteme, and violence, as is represented through both visual and non-visual media. Spanish director Alejandro Amenabar’s film Tesis is adopted as a case-study and analysed in-depth as a meta-logical reflection on the very peculiar filmic genre called snuff, wherein the concept of iconicity is indispensable in order to single out the semiotic devices which create an obsessive link between a scene of violence and the desire of observing it.

This introduction sketches the three sections and nine sections of the book that follows. The first 'Literature: History and Memory' explores texts that explore the aftermath of the Civil War, the resuscitation of Franco, and the audiovisual transition. The second 'Cinema: Authority and Society' examines Almodóvar's unpublished short stories, missing children in fiction film, and cinema and TV of immigration. The third 'Television: Genre and Transitivity' studies Saint Teresa in series and feature film, television comedy between soap opera and pseudo documentary and traveling narratives, comparing the Spanish and US adaptations of Ugly Betty. Texts and authors include Tusquets and Muñoz Molina, El espíritu de la colmena and El orfanato, and Crónicas de un pueblo and Los Serrano

Il s'agit d'un travail réalisé pour le cours "Questions d'esthétique de l'image" donné par le Professeur Dick Tomasovic de l'Université de Liège. J'y analyse une séquence du film "The Others" réalisé par Alejandro Amenabar selon une approche phénoménologique. Il s'agit de saisir comment le langage cinéma permet  de capter et de transmettre au spectateur une expérience de l’espace, en l'occurence ici, l'espace d'une maison familiale.

In the Introduction to the book Haunted Subjects:
Deconstruction, Psychoanalysis and the Return of
the Dead, Colin Davis tries to answer the question of
why the theme of the dead returning to haunt us is
so fundamental to modern culture. He emphasizes
the historical conditions by which the concept of
the ghost functions in culture and shows how our
thinking about ghosts changed between the time
of Augustine of Hippo and the Enlightenment.
The author points to two sources of hauntology:
epistemological, based on psychoanalysis (Nicholas
Abraham and Maria Torok), and ethically inspired
deconstruction (Jacques Derrida). Davis characterizes
the fundamental differences between them, and
then analyzes the impact of hauntology on literary
research, citing among others, the positions of Esther
Rashkin, Jodey Castricano and Nicholas Royle.

El  presente trabajo busca reflexionar en torno a los momentos más sentimentales  que salpican la película Mientras dure la guerra, de Alejandro Amenábar, el retrato social del inicio de  la  guerra  civil  española  que,  utilizando  como eje la  figura del intelectual  Miguel  de Unamuno, se estrenó en cines en 2019. La película aporta breves momentos amorosos sobre el  matrimonio Unamuno-Lizárraga que,  precisamente  por  su  carácter  puntual, sirven de interesante contrapunto a las escenas más históricas y dramáticas, como pretendo demostrar.

The essay elaborates on post-mortem films whose ghost-protagonists do not know that they are dead. It takes its point of departure from cognitive narratology and assumes that The Sixth Sense and The Others disguise their narrative unreliability under the cover of established ghost story conventions. It is argued that the films' unreliability is based on their main characters' restricted perception which is caused by their dissociative amnesia, that is, they repress the memories of their violent death. Apart from discussing the symptoms of trauma that the protagonists display, it is shown how the discovery and acceptance of their actual demise solves the inner and outer conflicts in the respective ghost story.

Resumo Os sonhos lúcidos são descritos como a consciência de estar sonhando durante o sonho e a capacidade de alterá-lo narrativamente. Uma breve introdução sobre tema será desdobrada, seguida pela análise de uma das características marcantes desse fenômeno: os personagens que habitam esse estado onírico, possuidores de um grau de autonomia e facilidade de comunicação surpreendente se comparados aos sonhos comuns. Na intenção de averiguar substrato psíquico dessas entidades autônomas será conduzida uma investigação sob a ótica da psicologia analítica, privilegiando o conceito Junguiano de “sombra” e a teoria dos complexos. Por fim, será destacada a importância dessa análise para o processo de individuação.

Los relatos ficcionales tienen una enorme importancia en nuestras vidas porque ponen de manifiesto la relación entre la realidad y los deseos del ser humano (Vargas Llosa, 1997: 28) y la labor de los docentes es mostrar a los alumnos que en ese juego de ilusiones transcurre la propia vida. En este curso, hemos analizado en clase la inquietud existencial de Segismundo en "La vida es sueño" de Calderón de la Barca. Este autor reflejó cómo los afanes de la vida son una carrera fugaz y difícil de comprender. Y es posible que hoy en día sea aún más cierto que la vida es un frenesí, una ilusión y una ficción. Esto nos llevó en clase hasta el choque de César (Eduardo Noriega) con la ilusión de sus percepciones en Abre los ojos (1997) de Alejandro Amenábar.

En este artículo pretendemos atender a la representación de la figura de la madre en los denominados por la academia como mind-game o puzzle films. Sin que ni el espectador ni, frecuentemente, las propias protagonistas lo sepan, las películas que estudiaremos sostienen su relato sobre subjetividades delirantes, sobre puntos de vista engañosos. La enunciación fílmica, cómplice del autoengaño, amnesia o trauma de los personajes, traslada su percepción alterada de la realidad al espectador. Aquí proponemos que una parte importante de este heterogéneo corpus plantea relatos en los que la causa del delirio es la pérdida dolorosa, y no aceptada, de un niño. A lo largo del texto procuraremos analizar la representación de la figura de la madre en estos relatos, asociada a la estética de lo siniestro y, frecuentemente, a un sentimiento íntimo de culpa relacionado con la muerte infantil.

In this article we aim to examine the representation of the figure of the mother in what some scholars label as mind-game or puzzle films. Without the spectators or, frequently, the protagonists themselves being aware of it, the films we study sustain their narrative on delirious subjectivities and deceitful points of view. The filmic narration, complicit in the characters’ self-deception, amnesia or trauma, transfers their altered perception of reality to the spectators. Here we propose that an important part of this heterogeneous corpus of films depicts stories in which the cause of delirium is the painful and unaccepted loss of a child. Throughout the text we will attempt to analyse the representation of the mother figure in these stories, associated with the aesthetics of the sinister and, frequently, with an intimate feeling of guilt related to the death of the child.

This article focuses on the theme of reconstituted sight in Spanish films made at the end of the Franco dictatorship and under the subsequent democratic period as they echo the famous opening scene in Un chien andalou (1929) where Luis Buñuel sliced the eye of a woman with a razor. It revisits The Spirit of the Beehive (El espíritu de la colmena, Erice, 1973) and Raise Ravens (Cría cuervos, Saura, 1976) through the eyes of its two main characters named Ana and how they process the trauma of the violence removed from their sight through imagination and playacting. The Ana's imagined relationship to violence in both films will be extrapolated to horror films from the democratic period that deal with the defiance of sight in a direct way, Bigas Luna's Anguish (1987) and Alejandro Amenábar's Thesis (Tesis, 1996). What we could not see in the first two films (both a circumvention of and commentary on Francoist censorship) becomes hypervisible in these films, signaling a resistance to looking away and a determination to confront and vanquish the trauma of Spain's brutal past.

Hegels Beharren auf der Differenz zwischen Licht und Schatten als konstitutiv sowohl für jegliche Wahmehmung als auch jegliche visuelle Darstellung ist für eine Betrachtung von Kino als Nachtmedium besonders fruchtbar. Denn das Filmbild lebt davon, dass im abgedunkelten Raum ein Spiel von Licht und Schatten Körper in Erscheinung treten lässt: So entsteht ein dritter Raum – zwischen einer mimetisch verifizierbaren Welt und der Welt der Einbildungen der Zuschauer. Der Kino-Raum lässt sich deshalb als nächtlicher begreifen, weil in ihm noch entschiedener als auf der Theaterbühne eine Heterotopie, ein Gegenort zum Alltag, entsteht. Auf einer zweidimensionalen Leinwand wird eine spektrale dreidimensionale Welt vergegen- wärtigt, die jedoch ihre Präsenz nur als Effekt einer Projektion entfaltet. Alles dort ist geisterhaft und zugleich gegenwärtig. Weder die Schauspieler noch die Szenerien, in denen sie sich bewegen und handeln, sind eigentlich anwesend, sondem nur als Spur eines Dagewesenen wahmehmbar. Wir erleben lediglich Schatten, den Abdruck eines Bildes auf einem Streifen Zelluloid – bisher jedenfalls noch –, der eine Welt aus der Vergangenheit wiederkehren oder überhaupt erst in dem Moment entstehen lässt, indem das Licht der Projektorlampe das Filmnegativ anstrahlt. Gleichzeitig ist das Ereignen dieser Lichtschatten auch unheimlich, weil es sowohl die Schauspieler wie den Schauplatz, auf dem sie in Erscheinung
treten, zwar früher einmal gegeben hat, die Welt, die sie darstellen,jedoch von Anfang an rein fiktional war. Somit sind Filmbilder und ihre Geschichten auf und zugleich gegen einen dunklen Abgrund gerichtet, aus dem sie ihre affektive Kraft beziehen.

Dennis West, Professor Emeritus of University of Idaho and a contributing editor to CINEASTE magazine, reviews the book 'Religion and Spanish Film: Luis Buñuel, the Franco Era, and Contemporary Directors' by Elizabeth Scarlett. Hispania 99.2 (June 2016): 354-55.