Ensino De Artes Visuais

Game online (disponível até 2021) + Site de Apoio ao Educador - Resultado de projeto com Ceart/UDESC, selecionado no Edital Universal CNPq, para re-design de jogo recomendado pela Secretaria de Educação Básica do Ministério da Educação, através do Guia de Tecnologias Educacionais (SEB-MEC, 2009 e 2011).

Este artigo é um relato de experiência de uma proposta pedagógica desenvolvida sobre a mitologia Iorubá, na disciplina Artes Visuais. Aliados aos estudos teóricos, temos como resultado plástico a produção de estandartes com referência aos orixás pertencentes ao culto do Candomblé de Ketu, desenvolvido com estudantes do 3° Ano do Ensino Fundamental, em uma escola pública da zona norte do Rio de Janeiro/RJ. Este processo de criação está ligado à ideia de que é necessário, constantemente, na prática de sala de aula, questionar hierarquias sustentadas pelo campo da arte, na qual alguns objetos são classificados como “artísticos”, enquanto outros são relegados a categorias marginais, subalternas, “primitivas”, “exóticas”, dentre outras.

Aqui analisamos entrevistas com professores de artes visuais da rede municipal de Goiânia (Goiás/Brasil). Tais professores definem o papel principal do ensino de artes através de termos como “humanização”, “sensibilização” e “espiritualização. Como estes objetivos se relacionam com a história do ensino de arte no Brasil? Indicam mudanças? Que contexto ajuda a explicar tais objetivos?

Neste artigo, assim como Mary Poppins  que retira de sua mala de viagem uma infinidade de objetos, compartilho minhas vivências, experiências, imagens, repertórios, arquivos e questionamentos que venho tendo nos últimos anos, para refletirmos sobre o ensino de arte  - Que ensino? Que arte? – é esse na contemporaneidade? Para tanto, exponho minhas reflexões na forma como se estivesse pensando alto ou falando sobre os desafios e impasses apresentados a nós professoras  de arte, tendo em vista as rápidas transformações sócio-culturais que vivemos nas últimas décadas e às práticas culturais criadas nas mediações com as infinitas produções e artefatos culturais. Como professora de arte, precisei (re)pensar e criar propostas de ensino para futuras pedagogas que irão trabalhar com as infâncias mutantes, educadas, em grande parte, pelas pedagogias visuais. Aqui trago alguns fragmentos dos meus caminhos como professora de arte.

A arte faz de conta. Crianças, artistas, fazem de conta que um rabisco, um objeto, um fragmento, um pensamento se transforme em outra coisa. Tanto as crianças, quanto àqueles adultos que persistem em deslocar a ordem estabelecida do mundo, compartilham de um pensamento similar, no sentido de que ambos propõem simulacros ou fingem que uma coisa é outra coisa. Artistas e crianças, percebem o mundo e dão sentido a ele através de formas singulares. Utilizam seus sentidos de forma mais aguçada do que a maioria dos adultos que deixaram para trás esta capacidade humana de ver, imaginar e simbolizar.
Por muitos motivos, e em um determinado período da infância (mais ou menos por volta dos 6-7 anos) a maioria das pessoas abandona seus infindáveis processos de elaborar enunciados poéticos. Por outros motivos, alguns adultos persistem em suas buscas de alterar os sentidos das coisas, insistindo em transformar o ordinário em extraordinário, o vulgar em diferente.....

Este terceiro fanzine esboça uma reflexão sobre o método, entendido como manifestação de uma subjetividade criativa, como possibilidade de meio para o autoconhecimento e de construção do conhecimento, também em suas possibilidades de transdisciplinaridade. E talvez o mais importante é a pergunta que fica: como a visão de mundo de um artista, expressa em seus trabalhos, pode também redesenhar o sistema da arte? Cada edição conta com entrevistas, que abrangem a dimensão prática dos temas propostos em cada fanzine, e dessa vez os colaboradores são: Ana Paula Garcia, Bruno Rios, Erre Erre, Flávia Péret, Janaina Barros, Luana Vitra, Marc Davi (que além da entrevista colaborou com os desenhos), Marcelo Ariel e Randolpho Lamonier.

Neste artigo, de maneira breve, pretende-se tecer algumas reflexões no campo da arte sobre a questão central dessa publicação: a criatividade. Que ensino de arte? Que criatividade promovemos nos contextos escolares? O que são estes conceitos na contemporaneidade e como operamos com eles em sala de aula? Para desenvolver os argumentos, optou-se por uma abordagem histórica da criatividade na Arte, pois acreditamos que esta abordagem possibilitará aos leitores/as situarem-se nessa história e procurarem de modo criativo, outros caminhos pedagógicos ao ensino de arte.

Nesta segunda edição, o fanzine Cadernos de Estudo, propõe uma reflexão sobre o afeto, a relação mestre e discípulo e a integração entre fazer e pensar arte, traz ainda a segunda parte da tradução do Capítulo 5, “Ensinar e Aprender como Formas de Arte”, do livro Fluxus Experience e em seguida um filme-entrevista com o Artista Professor Tuneu.

O presente trabalho versa sobre a atuação de Renina Katz na área da educação. Artista-professora, trabalhou em diversas instituições, do início da década de 1950 até meados da década de 1980. Ministrou aulas em cursos livres de museus, como no Museu de Arte de São Paulo (MASP) e Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ), bem como no nível superior, em cursos de graduação na Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP), Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU/USP) e Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI). Embora reconhecida por sua contribuição na formação de artistas, arquitetos, designers e professores, carece de um estudo referente a essa vertente paralela, ou seja, ao trabalho desenvolvido concomitantemente a prática artística. Nesse sentido, prezamos tanto em divulgar o seu trabalho, bem como dar visibilidade a um lado ainda pouco discutido.

Essa pesquisa busca uma discussão acerca da construção formativa do professor de Arte, com ênfase na metodologia aplicada no ensino de artes visuais para surdos de uma escola filantrópica de Fortaleza/CE. O processo formativo do professor bilíngue se faz importante para apresentar aspectos da construção desse profissional relatando barreiras, adaptações e conhecimentos necessários. O objeto da pesquisa, no entanto, foca no processo metodológico aplicado em sala de aula e fora dela, observando questões como educação bilíngue, abordagem triangular e educação em museus. O método trabalhado desenvolveu-se a partir de diário de campo, questionário e avaliado a partir da análise qualitativa referido no processo artográfico de pesquisa em ensino de artes visuais.

Palavras – chave: Ensino de Artes Visuais. Bilinguismo. Educação de Surdos.

Fanzine sobre Arte e Ensino, com a primeira parte da tradução do Capítulo 5 “Teaching and Learning as Art Forms”, do livro Fluxus Experience, de Hannah Higgins, em seguida uma entrevista com o Professor Artista, da Escola de Belas Artes, da Universidade Federal de Minas Gerais, Eugênio Paccelli Horta.

RESUMO: O ensaio analisa os métodos de leitura de imagem dos teóricos em arte/educação Edmund Feldman, Robert Ott, Michael Parsons e Abigail Housen, por
considerarmos serem os pioneiros em estudos sobre leitura de imagem no ensino da arte contemporânea. Utiliza como metodologia a revisão bibliográfica
pertinente ao tema e discorre sobre as implicações desses métodos para o surgimento da Proposta Triangular para o ensino da arte, ocasionando mudanças teórico metodológicas neste ensino. As reflexões construídas à luz das teorias que fundamentam este estudo trouxeram importantes apontamentos sobre a temática abordada neste trabalho, contribuindo para o debate educacional sobre o tema.

ABSTRACT
The essay analyzes the methods of image reading of the theoreticians in art/education Edmund Feldman, Robert Ott, Michael Parsons and Abigail Housen, because we believe they are the pioneers in research on teaching reading
in the image of contemporary art. Methodology uses as the relevant literature to the subject and discusses the implications of these methods for the emergence of
Triangular Proposal for the teaching of art, leading theoretical and methodological changes in this school. The reflections built according to the theories that underlie
this study provided important notes about the topic covered in this work, contributing to the educational debate on the subject.

O presente trabalho versa sobre a utilização do diário de bordo como ferramenta de avaliação no ensino
de Arte, buscando analisar e discutir seu alcance e utilização para avaliar a produção, a apreciação
estética, a contextualização da imagem/objeto de arte e a compreensão das artes como construção
cultural e social (MÖDINGER ET AL, 2012). O texto conceitua diário de bordo, discorre sobre a
avaliação em Arte e analisa diários produzidos por estudantes de uma escola da rede estadual de
educação da Bahia apoiado nos escritos de Ferrari (2012); Mödinger et al (2012); Martins, Picosque e
Guerra (1998); Russel e Airasian (2014).

Em 2009, o Mestrado em Artes do Programa de Pos- graduacao em Artes da Universidade Federal de Uberlândia (UFU) iniciou suas atividades. Desde entao, as pesquisas sobre ensino de arte desenvolvidas na regiao intensificaram suas praticas de disseminacao nos foruns especificos.
Apos a criacao do mestrado em Artes, acoes e discussoes, antes restritas aos grupos de pesquisas locais, se transformaram em dissertacoes de Artes e esse movimento foi importante para conectar os pesquisadores locais com outros pesquisadores por meio de publicacoes e encontros cientificos.
Como coordenadoras de grupos de pesquisa locais – notamos que algumas tematicas que circulam entre os pesquisadores do interior nem sempre confluem para as discussoes dos grandes centros urbanos. Este livro reune textos que tratam de assuntos relativos ao processo formativo do pro issional da área de arte: educador, professor ou artista. Assim, a formação e o ensino de arte no curso superior compõem o assunto central aqui, traduzido em temáticas e metodologias estruturantes da formacao na área.

Os artistas desde sempre utilizam as linhas, cores e formas para construir imagens; estas figuras nos apresentam novos mundos, novas culturas e novas possibilidades, ampliando nossa percepção, estimulando nossa compreensão do outro. Em um mundo imagético é importante pensarmos uma educação que contemple o estudo destas, preparando nossos alunos para ler e se comunicar utilizando imagens. Este trabalho foi desenvolvido nas aulas de Língua Portuguesa, em atividades interdisciplinares com contribuições da disciplina de Arte para introduzir os alunos nas potencialidades comunicativas e expressivas das imagens, integrando imagens e texto na produção de histórias em quadrinhos. A partir da pesquisa bibliográfica sobre Calasans Neto e de suas produções plásticas, foi desenvolvida uma pesquisa aplicada de engajamento, com alunos do ensino fundamental II no Colégio Estadual Bento Gonçalves, buscando através da construção de histórias em quadrinhos desenvolver a leitura imagética e textual destes; como produto final foi apresentada uma revista em quadrinhos sobre Calasans Neto com as histórias e as produções dos alunos realizadas durante as intervenções em sala de aula. Esta pesquisa está ancorada no grupo de pesquisa GEOTEC, no projeto “A Rádio da Escola na Escola da Rádio”, através do apoio ao desenvolvimento da pesquisa e das interlocuções sobre Pesquisa Aplicada de Engajamento. Este trabalho buscou suporte teórico nos estudos de Ana Mae Barbosa para o Ensino de Arte, no trabalho de Waldomiro Vergueiro sobre a importância do ensino de histórias em quadrinhos na Educação Básica, e em outros teóricos que discutem interdisciplinaridade, importância da imagem, análise de Histórias em Quadrinhos, História da Arte baiana, Ensino de Arte.

O presente desenvolvimento teórico exprime em sua temática, os termos conceituais da metodologia de pesquisa e sua presença e funcionamento nas artes visuais, buscando auxiliar artistas e estudantes de artes, dentro da pesquisa em seu campo de atuação. A primeira seção procura explanar a respeito de conceitos da metodologia de pesquisa científica em parâmetro gerais e em sua segunda seção, discorrer a respeito das particularidades da pesquisa no campo das artes visuais, dando maior destaque as especificidades da pesquisa em arte. Para tanto apresenta como base norteadora os estudos de Hélio R. Silva Brantes, Maria C. de Souza Minayo, Sandra Rey e Silvio Zamboni.

Busca-se refletir sobre as relações entre Artes Visuais e Música no âmbito de momentos específicos da História da Arte, elaborando uma análise comparativa entre a arte renascentista e a arte barroca e examinando as relações entre artes visuais e Música nestes períodos. Os elementos essenciais do estilo Barroco e do estilo Renascentista são considerados em oposição de modo a identificar possíveis similitudes existentes entre os aspectos pictóricos e os aspectos musicais de cada um destes estilos. O artigo parte do pressuposto de que, uma vez que estejam envolvidas pelo mesmo contexto histórico-social, a produção artística visual e a produção artística musical de um mesmo período e sociedade devem trazer elementos fundamentais em comum, e que, de maneira análoga, podem ser percebidas mudanças e rupturas entre as artes visuais e sonoras de dois períodos históricos distintos. Metodologicamente, dialoga-se na parte inicial do artigo com o sistema conceitual proposto por Wölfflin para análise de estilos artísticos. Na parte final do artigo dialoga-se teoricamente com a filosofia nietzscheniana, ao utilizar-se os conceitos de apolíneo e dionisíaco em sua aplicabilidade às artes visuais e à música.

O presente trabalho aborda o Audiovisual na Arte-educação como prática pedagógica às aulas de Artes. Com base em uma revisão bibliográfica feita sobre o Cinema, o Vídeo, e as Artes tecnológicas nos interterritórios que transpassam essas áreas, constata-se que a partir da década de 1960, a inserção do Vídeo na Arte marca um novo momento nas Artes Visuais. Assim, analisando a relação entre Artes Audiovisuais, Tecnologia e Educação, este trabalho se pôs a examinar a especificidade e a confluência desses campos e linguagens em integração com a Arte-educação. Como finalização desta investigação, o texto apresenta o material didático “Moviaula” como prática da interterritorialidade entre os campos de conhecimento e linguagens.

Publicação dos Anais de Resumos do I Encontro de Educadorxs e Pesquisadorxs da Fotografia e do Cinema, evento realizado em março de 2019, na cidade de Alcântara - MA, organizado pelo NUPPI - Núcleo de Pesquisa e Produção de Imagem, através do Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Maranhão (IFMA), com apoio de financiamento do Edital de Realização de Eventos Científicos da FAPEMA.

Resumo: Este artigo busca respostas para a pergunta “o que estudam os estudos de cultura visual?”. Busca demonstrar que a dificuldade em responder a esta interrogação feita com frequência por alunos que se interessam pelos trabalhos de autores vinculados à Cultura Visual é compreensível. Argumenta que isso ocorre porque, apesar das semelhanças aparentes entre estes trabalhos, eles trilham caminhos específicos. O texto propõe uma revisão bibliográfica que mapeia esse labirinto e auxilia os alunos a perceberem diferentes nuanças. Inicia questionando os conceitos de visão e visualidade e, em seguida, identifica dois importantes dissensos entre os autores deste campo. O primeiro, refere-se ao debate entre autores que focam exclusivamente experiências visuais mediadas por imagens ou artefatos visuais e aqueles que se posicionam em favor de um conceito de visualidade mais amplo do que “estudo de imagens”. O segundo dissenso, refere-se à delimitação ou não de um foco histórico, ou seja: estudar toda e qualquer época ou apenas uma época específica? O artigo ressalta, ainda, que em meio a esses debates há uma variedade de usos da expressão “Cultura Visual” que precisa ser compreendida. Palavras-chave: cultura visual, visualidade, campo, objeto.

RESUMO: O alcance dos videogames na sociedade contemporânea tem sido claramente percebido quando se fala na movimentação financeira alavancada pelo setor. Entre pesquisadores, como neurocientista ou educadores, o assunto também desperta interesse. Seu uso tem sido apropriado por empresas e empreendimentos a fim de oferecer formação eficiente, segura e econômica a seus colaboradores. Entretanto, o impacto dos games incide de forma mais direta e forte sobre os jogadores, claro. A proposta desse artigo, portanto, é discorrer sobre os videogames como artefatos culturais e sua potência como pedagogia cultural 1. Para tanto, abordaremos o princípio da gamificação em obras de artistas da geração dos nativos digitais para aproximar arte e educação ao refletir sobre as críticas propostas por esses artistas usando o videogame como suporte. Mas antes de tratar dos games relacionando-os à arte ou à educação, vale a pena apresentar um panorama sobre sua importância econômica e social.

ABSTRACT The importance of videogames in contemporary society has been clearly understood when speaking in leveraged financial transactions by sector. Among researchers, as neuroscientist or educators, it also arouses interest. Its use has been appropriated by companies and enterprises in order to provide effective training, safe and economical to its employees. However, the impact of the games focuses more directly and strongly on the players, of course. The purpose of this article, therefore, is to discuss video games as cultural artifacts and their power as a cultural pedagogy. To this end, we discuss the principle of gamification in works by artists of the generation of digital natives to bring art and education to reflect on the criticism brought by these artists using video games as support. But before we deal with games relating them to art or education, it is worthwhile to present an overview of its economic and social importance.

O objeto principal desta tese é o Centro de Estudos ASTER, um híbrido entre ateliê e escola dedicado principalmente à formação de artistas visuais na cidade de São Paulo entre 1978 e 1981. No ASTER, foram realizadas tanto palestras, conferências e cursos teóricos ligados a disciplinas como História da Arte, Filosofia e Ensino de Arte, como também cursos de criação artística ligados às Artes Visuais, especialmente às técnicas de gravura. Para compreender a experiência artística e pedagógica do ASTER, são analisadas as trajetórias profissionais precedentes dos seus fundadores: Donato Ferrari, Julio Plaza, Regina Silveira e Walter Zanini. Para identificar as contribuições do ASTER para a História da Arte e para a História do Ensino de Arte no Brasil, também são tratadas neste estudo iniciativas conectadas com o ASTER: a criação da Faculdade de Artes da Fundação Armando Alvares Penteado, a gestão de Walter Zanini no Museu de Arte Contemporânea da USP, a criação da Escola de Comunicações e Artes da USP, as atividades de videoarte da produtora Cockpit, a elaboração do livro História Geral da Arte no Brasil e a organização da XVI Bienal de São Paulo.

Objetivamos analisar propostas curriculares de inserção do audiovisual no ensino
de artes visuais na 1ª série do ensino médio no que se refere à construção dos conteúdos e
suas propostas metodológicas. Encaminhamos metodologicamente a pesquisa a partir de
levantamento bibliográfico e documental, analisando os Parâmetros Curriculares Nacionais
para o Ensino Médio, bem como planos de curso da disciplina arte (na linguagem artes
visuais) de quatro instituições públicas de ensino básico da cidade de Belém, além de
realizarmos um relato da experiência do Estágio Curricular do curso de Licenciatura em
Artes Visuais na 1ª série do Ensino Médio, refletindo so

This article aims to discuss the importance of supervised training in the Bachelor's Degree in Computer, as well as share experiences with the use of technological tools in the teaching of art, exploring some of the works of Joan Miró, in the early years of elementary school. These experiments were performed on a stage school-supervised field when educational activities based on educational computing proposals were explored. In this context were cited the Valente studies (2008), Fugimoto (2009) and Boog (2002), which deal with the use of computers in education, as well as ideas Gennaro (2009) and Alarcão (1996), authors who discuss the importance of supervised internship. It was found that the use of digital resources is possible in the teaching of Arts, as these features make contact with works of art a specific time, making significant teaching-learning process, since the children who participated in these activities could view artistic productions, in moments of enjoyment, and were able to discuss and produce readings using image editing programs available in free software packages included with the operating system Linux Education. Also it was noted that in supervised training is possible to approach the teaching practice and allow the educational use of the computer lab of the school units.

RESUMO: O presente artigo visa analisar as histórias em quadrinhos inseridas na sala de aula como recurso metodológico para o ensino de arte, por meio de um minicurso realizada com este tema em uma escola estadual de Uberlândia, com uma turma de quarta-série. O objetivo proposto foi analisar as produções gráficas – HQ’s finais – desenvolvidas durante esse minicurso, no qual foi necessário o levantamento bibliográfico de autores para que pudessem subsidiar teoricamente o desenvolvimento
deste trabalho. Como procedimento metodológico, a pesquisa se caracteriza como qualitativa, com abordagem etnográfica, pois o objeto de estudo colocado nesta investigação se iniciou na sala de aula, em âmbito escolar, no qual os dados coletados foram obtidos nesse ambiente de estudo com o contato direto do pesquisador e os alunos envolvidos na minicurso. Além de nos instigar a compreender melhor a relação imagem e texto, podendo constituir uma fonte de atrativos para a imaginação da
criança durante o seu processo criativo nas aulas de ensino de arte, procuramos neste trabalho dar ênfase a essa expressão artística e meio de comunicação enquanto recurso metodológico para o ensino de arte, verificando não apenas questões de sua estrutura gráfica, mas também ressaltando as que estivessem relacionadas aos vários recursos metodológicos dos quais o professor pode ter em mãos para trabalhar com qualidade em âmbito escolar e acadêmico.

ABSTRACT
This article aims to analyze the stories included in the classroom as a methodological resource for arts education through a workshop on this subject in a state school in Uberlândia, with a class of fourth-grade. The present paper was to analyze the comic end graphic productions developed during this workshop, which required the authors of literature that theoretically could support the
development of this work. As a methodology, the research is characterized as qualitative, with an ethnographic approach, because the object placed in this research study began in the classroom in the school, which collected data were obtained in this study environment with the direct contact of researcher and the students involved in the workshop. In addition to instigate better understand the
image and text, may be a source of attraction for the child's imagination during his creative process in the classroom teaching of art, this study sought to emphasize the artistic expression and media as methodological resource for teaching art to verify not only questions of your graphic structure, but also that were related to various methodological resources of which the teacher can have on hand to work with quality in the school and academic.

O trabalho discute a precarização docente no campo do Ensino de Artes, discutindo as condições de trabalho de professores artistas e arte educadores a partir de uma pesquisa sociológica realizada na rede pública de ensino de Juiz de Fora, articulando as vozes dos entrevistados ao contexto nacional e regional referentes às políticas públicas de contratação docente.

O texto foi publicado no livro Arte/educação: ensinar e aprender no ensino básico" organizado por PILLOTTO, Silvia e BOHN, Leticia (2014, Ed. Univille, p. 83-96). Trata da relevância da ludicidade nos processos de aprendizagem infanto-juvenil com reflexões sobre o espaço, os materiais e as ações pedagógicas em jogos com/em/nas artes visuais.

Esta publicação, de organização das professoras Priscila
Anversa e Tharciana Goulart da Silva, é um convite à reflexão
sobre a relevância do Estágio Curricular Supervisionado nos
cursos de Licenciatura em Artes Visuais. No decorrer do livro,
temos acesso a dez artigos que nos levam a pensar sobre o
papel do estágio na experiência docente. Os textos, escritos
pelas professoras e pelos estudantes, revelam articulações
sobre a realidade do estágio e reafirmam a importância da
percepção deste enquanto prática de pesquisa.
Oriundos de experiências de estágio ocorridas no ano
de 2019 nas disciplinas de Estágio Curricular Supervisionado
I e Estágio Curricular Supervisionado III (UDESC), os artigos
destacam inquietações vivenciadas pelos estudantes durante
suas atuações em escolas de Educação Infantil e Ensino
Fundamental Anos Finais. Através do olhar para a prática e
para a teoria exercitado por esses professores em formação
inicial, a leitura do livro permite desvelar a necessidade da
documentação sobre as práticas pedagógicas, bem como,
nos propõe adensar os conteúdos, metodologias, teorias
educacionais, entre outros aspectos inerentes ao exercício de
estágio e que permeiam o ensino de arte na educação básica e
a licenciatura em Artes Visuais.

Dissertação de mestrado em Artes Visuais.

Em um contexto de desvalorização e adoecimento de docentes, faz-se necessário olhar para tais profissionais e pensar em condições propícias para uma atuação que lhes traga prazer e sentido. Neste sentido, a pesquisa investiga estratégias que professores/as de artes visuais utilizam para se manter com prazer e identificação com a prática docente na Educação Básica. O conceito de eros pedagógico, que abarca a motivação, a satisfação, o afeto, o prazer, o desejo e a identificação com a prática docente, é utilizado para pensar tais questões. O pensamento de John Dewey acerca de uma prática de ensino voltada para a produção de experiências significativas, com atenção ao conhecimento prático; de Paulo Freire, acerca de uma pedagogia ancorada no diálogo e de bell hooks, que une ambos aspectos às noções de eros e de comunidade, são as principais bases teóricas utilizadas. Foi escolhida uma metodologia qualitativa que se insere na denominação da Investigação Baseada em Artes e, mais especificamente, da A/r/tografia, na qual oito professores/as de artes trocaram cartas com a pesquisadora acerca do prazer e identificação com a prática docente, as quais foram analisadas e relacionadas com a parte teórica. Constatou-se a existência de uma variedade de estratégias utilizadas por professores/as de artes visuais para se aproximar do prazer e da identificação com a prática docente, destacando-se o importante papel das trocas com outros/as profissionais, das ações criativas e do compromisso maior com o ensino das artes visuais, o desenvolvimento dos/as estudantes e as próprias perspectivas do que com normas institucionais.

In a context of devaluation and illness of teachers, it is necessary to look at these professionals and think of conditions that can lead to a practice that brings them pleasure and meaning. In this regard, the research aims to investigate strategies used by visual arts teachers to maintain themselves with pleasure, and identification with the teaching practice in the Basic Education (from 0 to around 17 years old). Therefore, the concept of pedagogical eros, which includes motivation, satisfaction, affection, pleasure, desire and identification with the teaching practice, is used to think about these issues. John Dewey's thinking regarding teaching practice directed to producing meaningful experiences, with attention to practical knowledge, Paulo Freire´s thinking about a pedagogy anchored in dialogue, as well as bell hooks’, which unites both aspects to the notion of eros and community, are the main theoretical bases used. A qualitative methodology was chosen that falls within the denomination of Arts-Based Research and, more specifically, of A/r/tography, in which eight art teachers exchanged letters with the researcher about pleasure and identification with teaching practice, which were analyzed and related to the theoretical part. It was found that there are a variety of strategies used by visual arts teachers to approach pleasure and identification with teaching practice, highlighting the important role of exchanges with other professionals, creative actions and the greater commitment to the teaching of visual arts, the development of students and their own perspectives than to institutional norms.

A arte-educadora Ana Mae Barbosa organizou e publicou junto com Fernanda Pereira da Cunha o livro Abordagem Triangular no ensino das artes e culturas visuais (CORTEZ, 2010), no qual fez um balanço dos vinte anos de experiências com a Abordagem Triangular no ensino de artes no Brasil. O livro faz um apanhado de algumas interpretações e revela facetas dessa múltipla Abordagem que vem desde a década de 1980 e, sobretudo de 1990, dando suporte as mais diversas práticas em nosso contexto educacional em ensino de arte. Neste trabalho temos como horizonte discutir parte da trajetória epistemológica da arte-educadora Ana Mae Barbosa para sistematização da Abordagem Triangular, com especial atenção à publicação de seu primeiro livro Teoria e prática da Educação Artística, de 1975, período de transformações no campo de ensino da arte, com a lei 5692/71 e a criação dos cursos de Licenciatura em Educação Artística.

O artigo apresenta uma proposta de prática pedagógica para o ensino de arte com jogos digitais (games). Inicia com contextualização sobre o uso de mídias digitais na escola atual, já considerando o contexto da pandemia do COVID-19. Depois, apresenta os fundamentos teórico-metodológicos da proposta: como a BNCC incluiu os jogos digitais; a perspectiva da Cultura Visual; singularidades da mídia jogos digitais. Por fim, apresenta a proposta de prática de ensino de arte com games, voltada a alunos dos Anos Finais do Ensino Fundamental, enfocando objetos de conhecimento e habilidades das unidades Artes Visuais e Artes Integradas. A proposta abrange seis semanas letivas e inclui: objetivos e temas a serem trabalhados; procedimentos metodológicos e materiais da sequência didática; instrumentos e critérios de avaliação. Destaca-se que a proposta é um ponto de partida, não uma prescrição, e deve ser adaptada pelo/a docente tendo em vista cada contexto de ensino.

Este artigo procura traçar linhas de encontro entre a arte contemporânea e a arte como materialidade de estudo no campo educacional. Em sua delimitação teórica, filia-se ao pensamento de Loponte (2014), que concebe à docência-artista como uma tomada de posição que vai além das pretensões modernas de estabilidade, essencialismo e emancipação. Metodologicamente, aproxima-se da experiência labiríntica proposta por Benjamin (2004), que considera o método como um caminho indireto, digressivo, marcado pelos acasos e surpresas, que busca assumir a desordem do mundo e sua ação sobre o sujeito e a sua relação com o mundo. Alicerçada em múltiplas linhas que se encontram, esta escrita percorre considerações sobre a potencialidade da arte para o campo da Educação, por meio da proposição da docência como um trabalho eminentemente artístico.

Este  texto apresenta  uma síntese  de experiências  atinentes  a um seminário  desenvolvido em 2018  no  Programa de  Pós-Graduação  em  Artes  Visuais  da  Universidade  do  Estado  de Santa  Catarinaintitulado  “Intertextualidade como proposta pedagógica”,no  qual,  após o estudo deteóricos que tratam de questões intertextuais,  mestrandos e doutorandos  f oram instados  a f azer uma pesquisa  pontual,  adotando  princípios  intertextuais  em experiências educacionaisf ormais ou  não f ormais. Ficou  a  critério  de  cada  pós-graduando  def inir  seupúblico-alvo,  bem  como escolher o conteúdo  e a metodologia  de ensino.  Desse modo,  os resultados  são  expressivamente  dif erenciados,  mas  todos  consideraram  seus  objetivos atingidos.Nessas sínteses, percebem-se modos dif erentes de a intertextualidade  contribuir  para o ensino  da arte.Palavras-chave:intertextualidade,  leitura  de imagens, ensino  de arte,pesquisa  em arte.

Este texto procura abordar alguns aspectos importantes para compreender os cenários em que identificamos perigos para o ensino de arte no Brasil. Somando-se aos ataques no campo curricular, as artes
em geral têm sido ameaçadas de várias formas no país, tanto em relação aos cortes orçamentários e a diminuição dos incentivos financeiros para a produção artística, como em relação ao teor dessas produções. Neste texto, apresentamos três movimentos: a apresentação resumida do cenário atual da situação política da arte e educação no Brasil, as possibilidades de resistência a partir da escola, especialmente os colégios de aplicação ligados às universidades públicas brasileiras, e alguns desfechos como translocações possíveis entre docentes e artistas. Essas e outras questões são ativadas, neste texto, para a criação de um modo de resistência contido na potencialidade artista da docência.

Objetivamos analisar as possibilidades de inserção da produção contemporânea
de videoarte paraense como conteúdo e material didático no Ensino Médio, a partir da
construção e distribuição de um DVD-ROM, com prévia intervenção metodológica na 1ª
série do Ensino Médio da Escola de Aplicação da UFPA. Neste artigo apresentaremos as
etapas de desenvolvimento da primeira experiência de intervenção realizada no ano de
2013, da construção do material didático às produções audiovisuais discentes, bem como
considerações preliminares sobre discussões resultantes desse processo.

O artigo discute os resultados de uma pesquisa cujo objetivo foi conhecer o processo de desenvolvimento da compreensão estética visual de alunos, em função de uma exposição sistematizada a atividades de leitura e discussão estética durante as oito séries da Educação Fundamental, numa mesma turma, em estudo longitudinal. Compara a compreensão estética dos alunos do grupo experimental com a de alunos do grupo controle, apresentando trechos dos diálogos realizados frente às obras e às imagens. Defende a introdução da discussão estética em sala de aula, desde as séries iniciais, respeitando e valorizando as idéias e teorias intuitivas que os alunos trazem, criticando as abordagens de leitura de imagens vigentes, normalmente de cunho formalista.