Storia della musica

Il dibattito fra idealismo universalista e materialismo individualista ha avuto inizio più di duemila anni fa nell’Antica Grecia con Platone e Aristotele, ed è giunto fino all’epoca moderna con la contrapposizione fra Classicismo e Romanticismo. Nella prima metà dell’Ottocento i tumulti sociali e i malcontenti che portarono alla Rivoluzione Francese si scontrarono prima con le sue conseguenze dirette e poi con i meccanismi della Restaurazione; il senso di “nulla di fatto” portò a quella serie di atteggiamenti collettivi che nell’arte si traducono nei temi topici del Romanticismo, nello specifico: la fuga dalla realtà verso mondi lontani nello spazio e nel tempo; la fuga intimista introspettiva; l’esaltazione della coscienza e dell’autodeterminazione individuale in luogo di grandi ideali collettivisti sempre validi; e infine la scoperta dei concetti di infinito e di eterno ritorno, che applicati alla storia e all’evoluzione della società, danno vita a una concezione circolare del tempo, contrapposta a quella giudaico-cristiana finalistica del tempo lineare. A causa dello smontaggio di alcuni valori fondativi della società, che iniziava il suo cammino verso il moderno capitalismo, tali concetti portarono gli intellettuali e gli artisti da un lato a operare con maggior libertà espressiva, dall’altro a dover scendere a continui compromessi con i gusti dei committenti. Per alcuni ciò era in qualche misura sopportabile, ma la mercificazione dell’arte e la perdita del ruolo sociale dell’intellettuale causate dal ceto borghese sempre più plutocratico, generarono dapprima un atteggiamento caricaturale e provocatorio nei confronti delle sue conseguenze, e subito dopo ad una netta opposizione conflittuale. È l’inizio della variegata stagione delle Avanguardie storiche, che spaziano dall’Espressionismo alla Nuova Oggettività. Ancora una volta però, gli atteggiamenti provocatori sfociarono in aspri conflitti sociali fra le varie anime del “Modernismo”, inteso come coesistenza del tardo Romanticismo decadente, delle Avanguardie e del Positivismo; essi portarono rapidamente alle due guerre mondiali, che sanciscono rispettivamente la fine della stagione borghese, e la fine delle “grandi narrazioni” e l’inizio del Postmodernismo. Esso si profila come l’ennesima crisi dell’idealismo, aggravata però dalla totale liquefazione globalizzante della società e delle informazioni fino alla rottura del logocentrismo, sintomo che rappresenta l’unica grossa differenza con il Modernismo. Nell’arte postmoderna, la contrapposizione tra Postavanguardie e Neoromanticismo si presenta per la prima volta dopo duemila anni non come scontro ma come dialettica non-violenta tra idealismo e materialismo. Le prime si presentano come voglia di rivoluzionare il pensiero tramite una rivoluzione del linguaggio tramite il metodo dell’apprendimento sperimentale. Il secondo accetta in realtà la globalizzazione, ma non in maniera rassegnata: bensì vuole sfruttare romanticamente i linguaggi stilistici di epoche passate, decontestualizzati e fusi in una sinergia eclettica promossa ad elemento strutturante e armonizzante nelle opere d’arte. Esse diventano quindi immagini di un’idea nascosta nell’anima mundi, la “memoria collettiva eterna”, aperte tra l’altro a varie interpretazioni come le opere postavanguardiste. La differenza sta invece
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nell’intento di salvaguardia di una complessità non elitaristica in un’epoca privata del logocentrismo e in cui l’arte ha perso non solo ogni fine etico, ma anche la pretesa che possa averlo.
Analizzando tre brani con il corno, di cui uno per corno e pianoforte e due concerti per corno e orchestra, si sono andati a ricercare gli elementi che dimostrano l’appartenenza non al Romanticismo o ad un semplice “stile personale”, bensì ad uno stile nuovo legittimato da una nuova idea musicale, facendo tesoro della distinzione operata da Arnold Schönberg fra stile e idea. Ognuno di questi brani si colloca in modo diverso nella musica del Neoromanticismo corni stico, della quale in particolare si identifica il Secondo Concerto per Corno e Orchestra di Richard Strauss come uno dei precursori, in quanto sebbene lo stile non abbracci ancora un largo eclettismo storico, le idee sono già presenti in toto. En forêt di Eugène Bozza si configura come il più accademico e “antecedente” dei tre brani, che tuttavia si colloca perfettamente negli ideali neoromantici, mentre il Concerto per Corno e orchestra di John Williams, anch’esso assolutamente neoromantico, costituisce fra i tre il più complesso e sperimentale, caratterizzato da uno stile particolare e del tutto originale.
Il Neoromanticismo si afferma quindi non come revival del Romanticismo - tramontato assieme alle grandi narrazioni del passato - e neanche come sua semplice attualizzazione, ma come un’idea artistica nuova, figlia dell’epoca contemporanea postmoderna, che testimonia la possibilità non solo di entrare in polemica senza andare a cercare scontri ideologici, atteggiamento coerente del resto con l’accettazione della condizione di società liquida, ma anche di poter costruire la novità rimanendo legati alla totalità del passato collettivo eterno e all’anima mundi.

Attraverso le ricerche riportate in questa tesi si è voluto approfondire nelle sue diverse sfaccettature il ruolo del clarinetto e dei clarinettisti nella composizione delle Fantasie su temi d'Opera, genere molto diffuso all'inizio dell'Ottocento.

Si sono visti nel dettaglio il Potpourri n. 2 per clarinetto e orchestra su Là ci darem la mano di Franz Danzi, le Variazioni su Euer Liebreiz, eure Schönheit in Sib maggiore dall'Opera Alruna di Louis Spohr e la Fantasia da Concerto su motivi del Rigoletto di Luigi Bassi. Per ogni brano si sono analizzate le origini storiche ponendo grande attenzione al contatto e talvolta alla collaborazione avvenuta tra compositore e strumentista.

Lo scopo di tale lavoro non è quello di riportare semplicemente nozioni di valore storico, ma di riuscire a fornire al lettore l'idea di una corretta interpretazione filologica grazie al supporto della ricostruzione della vita dei personaggi coinvolti nella storia di questi brani; tenendo conto del fatto che il paesaggio sonoro in cui viviamo è diverso da quello di duecento anni fa e che le caratteristiche acustiche del clarinetto hanno subito numerose modifiche nel corso del tempo.

La tesi è articolata in quattro capitoli e un'appendice in cui si può trovare una breve storia del clarinetto. Ogni capitolo è strutturato in maniera indipendente e può essere letto separatamente dal resto della tesi. Per ogni capitolo viene fornita un'introduzione al contesto storico e geografico a cui si fa riferimento, una storia dell'autore e dell'esecutore del pezzo e una breve analisi del brano considerato.

Alle soglie del Novecento, quello squarcio di vita aperto dalla “Cavalleria rusticana” di Mascagni nel cuore del meridione d’Italia acquisisce con “Pagliacci” una forma più complessa e più matura, sorretta da una formidabile inventiva melodica, il che fa dell’opera di Ruggero Leoncavallo (1857 – 1919) il capolavoro del Verismo musicale. Per dirla con lo studioso Virgilio Bernardoni “Pagliacci rimane uno dei pochi lavori del genere verista che riesce a comunicarci il fascino di un’inquietudine drammaturgica”.

Table of contents
· Prefazione/Foreword, di Luca Clerici, Marcello Meli, Paola Mura > p. 9.
· Nota introduttiva / Introductory note, di Paola Mura, p. 17.
· Quasi una premessa / Almost a foreword, di Marcello Meli > p. 23.
· La Compagnia delle Indie Orientali britannica: economia, politica e cultura tra India ed Europa durante la seconda metà del Settecento e la prima metà dell'Ottocento, di Luca Clerici > p. 33.
· Fra filologia e linguistica. Divagazioni sulla conoscenza del vedico nell'Ottocento, di Romano Lazzeroni > p. 69.
· Il Rgveda e la tradizione nordica, di Marcello Meli > p. 81.
· Michele Kerbaker e la ricezione del Rgveda nell'Italia dell'Ottocento al tempo dell'Aurora di Giosue Carducci, di Daniele Maggi > p. 93.
· La letteratura indiana classica nell'editoria italiana contemporanea, di Giuliano Boccali > p. 111.
· Splendori e miserie della Sakuntala. I giudizi opposti di Herder e Hegel sull'India, di Davide De Pretto > p. 123.
· Gioco di specchi e coni d'ombra. Declinazioni del "pensiero indiano" in Hegel, Schopenhauer e Nietzsche, di Emanuela Magno > p. 145.
· La Sakontala di Foerster, Goethe e l?oriente, di Marco Meli > p. 167.
· Presenza della leggenda indiana di Sakuntala nelle creazioni musicali ottocentesche di area austro-ungarica, di Elisa Grossato > p. 179.
· Itinerari poetici e musicali tra India ed Europa, di Stefania Cerutti > p. 193.
· Aria di Sakontala, di Franz Schubert, revisione di Vittoria De Leonardis > p. 213.
· Il canto dell'ospite indiano. La suggestione indiana nel melodramma europeo tra Otto e Novecento, di Adone Brandalise > p. 229.
· Il fascino dell'India nelle arti figurative occidentali: le scenografie ottocentesche per il teatro d'opera, di Gabriella Olivero > p. 243.
· Mahler e l'Oriente: un percorso letterario e musicale, di Alberto Fassone > p. 261.
· Schegge indiane in due nuove opere liriche: Big Bang Circus (Piccola storia dell'universo) e Il canto della pelle - Sex unlimited, di Claudio Ambrosini > p. 273.
· Il fascino della musica indiana nel cinema di Pier Paolo Pasolini, di Roberto Calabretto > p. 307.
· Avventure coloniali, enigmi e viaggi dello spirito: alcune riflessioni sull'India nel cinema occidentale, di Stefano Socci > p. 319.

About this book
La ricezione della cultura indiana in Occidente è tema di grande interesse attuale e sottende un fenomeno complesso, stratificato e ricco di molteplici dissonanze. Uno degli aspetti indubbiamente rilevanti è costituito dalla funzione assunta dalle figure culturali provenienti dalla tradizione indiana nella rappresentazione dell'India operata in Occidente. Tradizione e ricezione, però, sono fenomeni distinti, e differenti gli intenti che ne sono all'origine. È vero infatti che, per un verso, la conoscenza della tradizione e dei testi indiani aiuta a comporre un discorso sull'India, più o meno scientifico che sia l'approccio prescelto. Per un altro verso, tuttavia, la ricezione non si arresta a un semplice dialogo con la tradizione, ma si sviluppa nell'elaborazione di una rappresentazione occidentale dell'India, dove quest'ultima costituisce spesso un pretesto per formulare un discorso che riguarda principalmente l'Occidente medesimo. Attraverso la rappresentazione dell'India, insomma, l'Occidente riflette e rappresenta se stesso.

http://www.padovauniversitypress.it/publications/9788869380266

L'esecuzione milanese del mottetto "Exultate, jubilate" di Mozart, avvenuta il 17 Gennaio 1773, influenzò la produzione musicale dei maestri di Cappella milanesi contemporanei, si veda ad esempio il mottetto "Tube angelice" di Carlo Monza (1735-1801)

Cipriani A., (vers. 2016) "Verso una tradizione elettroacustica? Appunti per una ricerca" in Musica/Realtà N°49 Marzo 1996 LIM Lucca  - Versione riveduta e aggiornata, 2016

In questo articolo viene delineata, nei suoi aspetti principali, un'ipotesi di esistenza di una nuova tradizione basata sulle tecnologie elettroniche, la quale si sovrappone alla tradizione orale e a quella scritta e ne influenza gli sviluppi. Si cerca di dimostrare che questa nuova tradizione, definita elettroacustica, porta con sé modificazioni nella trasmissione del repertorio, nell'ascolto, nel contesto, nella composizione e nell'esecuzione che stanno determinando un mutamento nel pensiero e nell'espressione musicale pari a quello che ebbe luogo nella vita musicale europea con l'avvento della tradizione scritta. Alcuni anni dopo la prima pubblicazione di questo articolo per l’ICMC95, François Delalande ha espanso i concetti riguardanti la tradizione elettroacustica
nel libro Le son des musiques, entre technologie et esthétique (Delalande 2000) e nell’articolo ”Il Paradigma elettroacustico” (Delalande 2001), ma molti aspetti di questo tema vanno continuamente aggiornati. Questo articolo, la cui prima versione fu pubblicata negli atti dell’International Computer Music Conference nel 1995 (Cipriani 1995), è stato ora aggiornato a causa degli enormi mutamenti intervenuti in questi ultimi dieci anni.

A quasi due secoli dalla sua creazione, “L'elisir d'amore” mantiene intatta un'innata freschezza. Se il canovaccio dell'opera rispecchia apparentemente i canoni dell'opera buffa settecentesca, compreso un palese riferimento alle maschere della Commedia dell'Arte, il lirismo infuso dal tessuto musicale è già Romanticismo vissuto con tutta l'ingenuità e la forza della prima “cotta” adolescenziale (o “scuffia” che dir si voglia). Per tali motivi, l'Elisir rimane per eccellenza l'opera della giovinezza, contrapposta al “Don Pasquale”, l'altro capolavoro buffo di Gaetano Donizetti (1797 – 1848), che invece rappresenta l'autoironica constatazione del decadimento.

Nata all'inizio dell'anno 1900, la “Tosca” inaugura il XX° secolo lasciandosi definitivamente alle spalle il melodramma Romantico. Con Giacomo Puccini (1858 – 1924), se da una parte l'opera italiana si apre al sinfonismo orchestrale di matrice mitteleuropea (sulla scia di Wagner e Strauss), dall'altra diventa specchio della nuova drammaturgia di inizio secolo, al contempo decadente e naturalista, dannunziana e piccolo-borghese, influenzata in maniera cospicua dalla nascita del cinema.

Al pari del più popolare “Barbiere di Siviglia”, “La Cenerentola, ossia La bontà in trionfo” rappresenta la massima espressione del genio rossiniano nonché del teatro musicale di tutti i tempi. Realizzata in soli 24 giorni secondo la proverbiale velocità del maestro appena venticinquenne, l’opera debuttò al teatro Valle di Roma il 25 gennaio 1817 conseguendo un riscontro che, seppur non disastroso come per il “Barbiere” dell’anno prima, non fu certo esaltante. Ciò non dispiacque al suo autore che, secondo le cronache dell’epoca, ne preconizzò l’imperituro trionfo.

«Can you tell me where my country lies?» I Genesis alla ricerca del tempo perduto, tra gotico e sublime. Studio sugli album del periodo con Peter Gabriel alla voce: analisi dei testi e riferimenti culturali e intertestuali ad altre opere della tradizione gotica, orrifica, del sublime e del perturbante inglese.

FREE COPY ON REQUEST. The Nancy-born composer Jules-Marie Laure Maugüé remains absent from any French musicological literature, although his work was particularly applauded at the Concerts Lamoureux, Colonne, Straram, the Société Nationale de Musique and the Société Musicale Indépendante. The recent discovery of the musician’s personal papers at the library of the Conservatoire de Nancy – autograph manuscripts of scores and theoretical writings, correspondence, press clippings, concert programs, sketchy catalogues of his works, autobiographical notes and booklets – makes it possible to lift the veil for the first time from this “man of taste” whose music was very favorably greeted by critics, and valued by his friends Florent Schmitt and Maurice Ravel. This exhaustive critical catalog is accompanied by a list of all known public performances of Maugüé’s works, and by an inventory of the documents available in Nancy.

Piano quintett: https://www.youtube.com/watch?v=WJcPoFxlYEY

“La Bohème” di Giacomo Puccini (1858 – 1924) non cessa di colpire il cuore dell’ascoltatore grazie al lirismo di una mirabile pagina musicale che continua a tramandare eterna e immutabile la freschezza dell’età giovanile, l’infinita tenerezza di quell’età beffarda, spensierata e libertina destinata per ognuno a concludersi bruscamente con la constatazione dell’umano dolore.

Critical edition of two music books printed in Venice in 1584 with 25 3-part canzonette by Cesare Borgo and 18 4-part canzonette  by Giuseppe Caimo, prominent Milanese musicians.
The canzonette, which combine the elevated style with the popular genre, are analyzed in the poetic  and in the musical text and related to other compositions.
The extensive preface concerns the life and works of the two musicians in connection with the historical and artistic environment of the time. Caimo's membership in the Accademia della Val di Blenio (chaired by the painter Giovan Paolo Lomazzo) and his attempts to be hired at the Bavarian court are investigated. Letters from Caimo to Cardinal Carlo Borromeo are published.
The diversified contribution of the two musicians illuminates the specific musical role of Milan.

Insieme con ”Andrea Chénier”, “Fedora” costituisce il titolo più famoso nel repertorio di Umberto Giordano (1867 – 1948), compositore di origine foggiana che, alle soglie del XX° secolo, si caratterizza per una formidabile inventiva melodica e quella perfetta “aderenza della musica all’azione” (per dirla con l’insuperato musicologo Massimo Mila) che ne fa uno degli interpreti più pregevoli della poetica verista.

Note su una conversazione musicale su Claude Debussy  a cura Associazione culturale " I luoghi della Sorgente " su . "Crisi del sistema tonale e dissoluzione del romanticismo" a cura del professore Giorgio Lombardo, studioso di musicologia e storia della musica.

Prendendo spunto da alcuni personaggi del mondo culturale a artistico ritratti da Ottavio Leoni che furono in rapporto con la famiglia Bardi, viene qui delineato il ruolo del Conte di Vernio Giovanni Maria de' Bardi e dei suoi figli (in particolare Piero, Cosimo, Ainolfo) nella vita accademica, artistica e musicale, tra Firenze e Roma, al tempo di Clemente VIII e Urbano VIII.

Atti del Convegno
DA PAOLO V A URBANO VIII
STORIA, FILOSOFIA, LETTERATURA,
ARTE E SCIENZA
NELLA ROMA DI OTTAVIO LEONI (1578-1630)
a cura di Piera Giovanna Tordella
in
ATTI E MEMORIE
DELL’ACCADEMIA TOSCANA
DI SCIENZE E LETTERE
LA COLOMBARIA
VOLUME LXXXV
NUOVA SERIE – LXXI
ANNO 2020
FIRENZE

Adeodato Malatesta e il mito di Matilde di Canossa nella Restaurazione. 

Nella cultura della Restaurazione che ebbe in Modena, capitale del ducato austro-estense, una delle sue roccaforti, il recupero del Medioevo riveste, com’è noto, un ruolo di straordinaria importanza nell’elaborazione intellettuale di un preciso schieramento ideologico. E’ un Medioevo mitizzato nei suoi aspetti religiosi e confessionali, entro cui il personaggio di Matilde di Canossa viene collocato in un ruolo centrale, oggetto di un’interpretazione talora del tutto strumentale a correnti politiche: come “amazzone” della Chiesa e paladina del papato, infatti, la si poteva vagheggiare come artefice e strumento di un progetto teso a sostenere il Vicario di Cristo in terra. In altri termini, questa concezione ierocratica, propria di una corrente cattolica controrivoluzionaria e conservatrice, vedeva, in quell’età di mezzo rievocata come epoca di assoluta armonia fra potere temporale e potere spirituale, la figura della Contessa di Canossa trasfigurata appunto come l’artefice di una perfetta alleanza fra trono e altare.
In questo particolare clima, il personaggio di Matilde si prestava anche a un’opposta chiave di lettura: un’interpretazione liberale e antiimperiale, pur se in toni moderati, infatti, considerava la figura della Contessa emblematica dell’ideale di Vincenzo Gioberti di un’unione di Stati italiani sotto il primato della Chiesa, nel riscatto dalla dominazione straniera.

La produzione di libretti d'opera nel Settecento, con riferimento al "Saggio" dell'illuminista Algarotti, che pubblicò la sua edizione a Livorno.  E' presente un'analisi puntuale di alcuni passi letterari,  con particolare riferimento ai principi di drammaturgia musicale coevi.

"L’amarezza delle cose belle: Villa Velluti tra storia, arte e memoria".

Saggio pubblicato in: "LUOGHI E ITINERARI DELLA RIVIERA DEL BRENTA E DEL MIRANESE. VOL. 4"
Pagg. 174 / Cm 12x16
ISBN 9788899091095

Riferimenti: http://www.pandaedizioni.it/dett_libro.asp?id=19100

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Il volume affronta l’opera dei due esponenti più importanti della videoarte dalle sue origini, entrambi cresciuti a stretto contatto con ambienti dell’avanguardia musicale: Nam June Paik e Bill Viola. Approfondisce le relazioni instaurate dai due artisti con la musica, con i musicisti e con l’ambiente musicale attraverso uno studio di ricostruzione storico-estetica. Inoltre, indaga la dimensione sonora delle loro opere, su molteplici piani: da una parte affronta un’analisi strutturale delle opere dei due artisti, dall’altra mira a ricostruire le strategie e le tecniche compositive da loro messe in atto, anche attraverso uno studio delle fonti e dei materiali di avant-texte oggi reperibili, con una ricerca condotta in numerosi centri di ricerca europei (Kunsthalle di Brema, archivio privato di Wulf Herzogenrath, archivio Sohm di Stoccarda, INA di Parigi) e statunitensi (Getty Research Institut, archivio privato di Bill Viola, archivi Moorman e Cage presso la Northwestern University, archivio del MoMA di New York).
Il volume è suddiviso nei seguenti capitoli: il primo capitolo, introduttivo, da una parte discute la questione dei generi e delle forme d’arte coinvolte, la loro definizione e la loro problematicità, e dall’altra stila un primo catalogo delle opere dei due artisti. Il secondo capitolo è dedicato allo studio e all’analisi delle performance e delle installazioni, sonore e in genere multimediali, mentre il terzo affronta le opere audiovisive. L’ultimo capitolo opera un confronto serrato che coinvolge molteplici piani tra le poetiche dei due artisti, basato sulle analisi in precedenza svolte.
Una particolare attenzione è riservata alle strategie e alle tecniche adoperate per il coinvolgimento del fruitore: in seguito al lavoro, nel contempo storico e analitico, si enuclea un contrasto tra i due artisti e tra la relazione opera-fruitore inscritta nelle loro opere. Contrasto che coinvolge molteplici dimensioni, dalla relazione tra suono e immagine, alla concezione del suono e della musica, dalla tipologia di tecnologia e dal modo di adoperarla, alla relazione tra spazio e fruitore, alla costruzione della dimensione temporale, alla concezione del nesso mediale, alla dimensione sociale dell’opera e al modo in cui questa costruisce la conoscenza del fruitore e ne determina il rapporto col mondo. Tale opposizione differenzia non soltanto due artisti, bensì due generazioni, il loro rapporto con l’arte e con il suono; un confronto, dunque, che enuclea due paradigmi nelle modalità di creazione dell’esperienza, l’una interattiva e l’altra immersiva, che hanno ampi riflessi su tutti i dettagli macro e micro compositivi delle opere.