Arte peruano

Articulo "LAS VISIONES MÁGICAS DE MIGUEL BRENNER". En: Rhiap. Revista de Historia del Arte Peruano / Año 1, Nº 1, 2014. pp.  106-107. De: ALBA CHOQUE PORRAS
Análisis sobre la emblemática obra "El hombre y el tiempo" (1988) del artista peruano Miguel Brenner, realizado por la historiadora del arte Alba Choque Porras.

"Con El hombre y el tiempo, el artista logra una pintura de variadas interpretaciones, el volador invita
a continuar hacia el vacío del centro, de lo misterioso, de lo que es proclive a variados mundos: los del arte, de la ciencia, la cultura, la historia. El hombre y el tiempo se convierte en la catarsis de Brenner frente al devenir del futuro y también el de unir el pasado con el presente. Brenner es el Volador, posee el reloj, lo porta porque maneja el tiempo, lo soporta, lo hace llevadero. Crea mundos metafísicos paralelos, compone seres en base a otros, todo es mágico porque se lo inventa Brenner. El hombre y el tiempo convierte a este artista con justa razón en el 'pintor mágico surrealista del Perú' como el mismo se denomina".

Hijo de oso como el motivo migrante entre Europa y América. Ukuku o ukumari en las épocas históricas y los tiempos contemporáneos [en:] Anna Wendorff (ed.), In-migraciones: Historia oral y escrita en América Latina, Sandomierz: Textoprint, Katedra Filologii Hiszpańskiej UŁ 2016, pp. 21–63.

La pintura en el Perú se remonta a la época prehispánica, en la que se utilizaban distintos soportes y colorantes de origen mineral, vegetal y animal. Con la llegada de los españoles, se produce la propagación de la pintura y otras artes con una nueva temática de carácter religioso católico, además se introducen materiales y técnicas novedosas para los artistas americanos. Por su parte la época virreinal, caracterizada por su catolicismo, se inundó de imágenes religiosas, las cuales se superpusieron a las deidades e iconografía anteriores en medio de un gran sincretismo. Durante estas diferentes épocas y hasta la actualidad, no menos importante ha sido la pintura de carácter costumbrista.

Con este artículo, Sirley Ríos Acuña, llama la atención acerca de la importancia de la pintura popular del Perú, en tanto expresión plástica, e intenta rescatar del olvido a pintores que fueron destacados en su momento. Abarca un análisis de la pintura popular en Ayacucho y las tradicionales Tablas de Sarhua, el arte pictórico del Cusco y finalmente la producción amazónica, en particular de la comunidad Shipibo-Conibo.

Trabajo de investigación académica que fue la base teórica para la conferencia sobre el método de las generaciones que expuse en febrero de 2015 por invitación de la Biblioteca Nacional del Perú para el IV Programa de Historia del Arte organizado por la BNP. No incluye la tabla generacional.

Dos pinturas del Perú virreinal se encuentran en los fondos del MUBAM (Museo de Bellas Artes de Murcia, España), los retratos de José Antonio de Lavalle y Cortés, conde de Premio Real, y su esposa Mariana Zuasti Ortiz de Foronda. Estos fueron destacados personajes de la sociedad limeña de fines del siglo XVIII, quienes dada su fortuna y favores a la Corona española lograron situarse en la más alta esfera del poder. En este trabajo vinculamos estas obras al pintor peruano José Joaquín Bermejo, mulato y maestro mayor del arte de la pintura, quien supo reflejar a través de la postura e indumentaria el poder social alcanzado por este matrimonio.
http://hdl.handle.net/10433/7766

Artículo "RITO, FERVOR Y MESTIZAJE SEMANA SANTA DEL CUSCO" publicado en la Revista CABILDO SEMANA SANTA EN MURCIA, que reúne aportes de diversos investigadores sobre la Semana Santa En España y otras expresiones similares en ciudades distantes.
Se expone el gran fervor con el cual se celebra la Semana Santa del Cusco, otrora capital del Imperio de los Incas, manifestación de la cultura viva andina que se sincretiza con la tradición española.
Año de Publicación 2016
Editores:  Real y Muy Ilustre Cabildo Superior de Cofradías de Murcia

Poco o nada se ha escrito sobre el aprecio de las élites gobernantes incas hacia la actividad artística y sus ejecutantes. Esta ponencia revela una consideración privilegiada de la práctica artística dentro del escalafón de la estructura de la sociedad inca. Lo artístico fue una labor productiva de absoluta dedicación de grupos familiares especializados, pero también con la posibilidad de que personas pertenecientes a las clases altas lo practicaran. El proceso de creación artística en el Tahuantinsuyo estuvo supervisado por quienes dirigían el culto, quienes a su vez sostenían ideológicamente el poder real. Como los artistas incas se hallaron siempre al lado del poder, viviendo en los templos o cerca a ellos, fueron adquiriendo conocimiento preferente, convirtiendo la práctica artística en eslabón de primera importancia entre el poder terrenal y el poder del más allá. (Ponencia expuesta en el V Congreso Nacional de Historia del Perú)

Este artículo aborda los procesos de memoria sobre el conflicto armado interno peruano de 1980-2000 y, en particular, las diferentes narrativas generadas en torno a María Elena Moyano Delgado, una figura clave de este periodo. Dentro de este marco, se insertan algunas propuestas artísticas que se han caracterizado por generar nuevas narrativas que cuestionan la memoria concebida como instrumento de control político. La obra “Buscando a María Elena” (2011), de la artista peruana Natalia Iguiñiz, es una de ellas. Esta propuesta busca complejizar la identidad y ampliar las representaciones que se han fijado en torno a Moyano, en  un contexto marcado por situaciones de violencia, dictadura y guerra. A su vez, da cuenta del rol crítico que juegan las imágenes en las batallas por la memoria en el Perú. A través de este proyecto, Iguiñiz nos confronta con las narrativas construidas alrededor de la vida y muerte de María Elena Moyano, dotándolas de nuevos significados y proponiendo nuevas maneras de mirar nuestra historia reciente.

El cuantioso volumen de acuarelas de Pancho Fierro que se ha conservado, tanto en colecciones en el Perú cuanto en el extranjero, ha permitido estudios que, en los últimos años, nos acercan con mayor objetividad a la exégesis de la obra de este enigmático pintor decimonónico. El análisis de las escenas y personajes que captó contribuye además a la construcción de su propia imagen, sobre la que se ha especulado mucho, pues hay escasez de datos exactos sobre su biografía. La imagen de los negros, mulatos y zambos captada a la acuarela por Francisco Fierro, el pintor popular representativo del siglo XIX y a quien se atribuye los inicios del costumbrismo en la pintura peruana, es el tema de este trabajo. El objetivo es conocer las representaciones que Fierro realizó sobre los negros, siendo él mismo un mulato. Pretendemos indagar sobre qué nos dicen esas imágenes y, a partir de ello, plantear algunos alcances sobre la figura del propio pintor.

Hemos querido en esta oportunidad brindar a través de los excelentes dibujos del artista Juan Zárate, una breve historia gráfica de la plástica andina, título de la presente publicación, y, por cierto, muy ambicioso por los términos en que aparece registrado.

En este volumen se muestran los dibujos de 124 objetos artísticos que van desde el prehispánico, virreinal, republicano hasta la década del 70 del siglo XX. Claro que no están aquí representados todos los géneros artísticos de nuestros pueblos sino sólo una mínima parte a partir de la cual hemos tratado tentativamente levantar una Breve historia, tomando en parte el título del libro Breve historia del arte peruano de Francisco Stastny.

El libro trata el tema de los dibujos y el dibujante y se centra en los mates, cerámica, platería, keros y la talla de piedra de Huamanga.

Estudio de las diferentes expresiones artesanales del Perú, tales como el mate decorado, textiles, la indumentaria, el bordado, el tejido con fibra vegetal, la cerámica, la pintura, la platería, la hojalatería, los instrumentos musicales, la arpillera urbana y las diferentes manifestaciones culturales en relación a las festividades, la cosmovisión, la religiosidad y la oralidad popular de las comunidades andinas; se explica las formas y las tipologías más representativas, el material y la técnica de elaboración, la temática.

Libro que analiza una parte de la historia del arte peruano, el del Antiguo Perú; teniendo como fin demostrar que la imagen del felino estuvo presente como divinidad propia y como fusión con otras deidades desde tiempos inmemoriales. El felino fue símbolo de poder, vinculado a la fertilidad, ancestro totémico, dios benefactor y castigador según su control de las fuerzas de la naturaleza. El antiguo peruano analizó su comportamiento y trató de imitarlo como su alter ego. Todo ello se trasladó y quedó reflejado en el arte. El felino fue una de las deidades principales del repertorio religioso andino, en el cual también se hallaban el Sol, la Pachamama o diosa tierra, la serpiente y aves sagradas.
Temas:  El Felino en la Religión del Antiguo Perú, el felino y el culto al agua, el artista andino y la creación, la deidad felina, el felino que se convierte en sol, felino solar , las primeras manifestaciones del felino, los felinos de Cutimbo, análisis iconográfico de la figura del felino, felinos arcoiris, arquitectura con felinos, análisis plástico de la figura del felino y mucho más.

Tadeo Escalante fue el máximo representante del arte mural cusqueño de fines del siglo XVIII e inicios del siglo XIX, realizó numerosas pinturas murales en la ciudad del Cusco y este estudio nos señala la obra que dejo en su pueblo natal de Acomayo, lugar donde pintó en una serie de molinos de su propiedad. La investigación detalla las imágenes del programa realizado por el artista en el Molino del Génesis Cristiano de Acomayo, y da cuenta de su origen étnico y datos biográficos

Libro monográfico bilingüe editado por Miguel A. López que acompaña la exposición antológica homónima presentada en febrero de 2018 en el ICPNA de Miraflores. Incluye ensayos de Fiorella E. López López, Margarita Saona y María Teresa Garzón, así como textos de Natalia Iguiñiz y Laperrera (Natalia Iguiñiz y Sandro Venturo)

"Los ceramistas tradicionales del Perú, a la tecnología prehispánica, incorporaron durante la Colonia técnicas.

En la costa norte Simbilá y Chulucanas se ponen en práctica el paleteado, el uso de labradoras y el negativo. Cajamarca era una importante región de producción, queda en la memoria la elaboración de la pallama con reminiscencias de las vasijas vidriadas del S. XVIII.

En Ayacucho sobresale el distrito de Quinua donde se continúan elaborando las iglesias de techo. En esta región fue reconocido con un estilo propio el ceramista Leoncio Tineo Ochoa.

En Puno, en Santiago de Pupuja y Pucará hay la producción de chuas o chuwas que son platos vidriados, los famosos “Toritos de Pucará”, las apajatas o jarras matrimoniales y las limitatas, incalimitas o botellas ornamentales.

En Cusco, que desde la Colonia generó talleres artesanales de cerámica vidriada y en la primera mitad del S. XIX se impulsó en el ámbito campesino la elaboración de objetos bruñidos sin vidriar y de color rojizo. En la Amazonía está la cerámica de los Shipibo-Conibo, que se caracteriza por su decoración llamado kené y por una pasta muy fina.
"

El artículo busca establecer una metodología para el estudio del arte del Perú antiguo desde el punto de vista de la historia del arte. De un lado critica el empleo del método iconográfico de Panofsky y plantea otro que denomina método histórico-crítico y el análisis formal. Previamente presenta el  estado de la cuestión de los principales estudios  que han tratado el tema con una visión de la historia del arte, destacándose los aportes de la antropología. El método histórico-crítico es entendido como un sistema integrador de las metodologías de la historia del arte y de diversas ramas del saber, cuya base es la ‘interrogación de la obra’, y  el desarrollo del más completo análisis formal, para  identificar los valores plásticos. Toma en consideración  el contexto social, temporal y espacial, y compara las obras con otras de su mismo contexto.

Las primeras décadas del siglo XX peruano se caracterizaron por el flujo del diálogo intelectual cuyo escenario histórico predominó en una Lima menos densa y más cohesionada (encapsulada, quizás) que la actual. Fue incubadora, por lo tanto, del pensamiento crítico. ¿Existe una nación? ¿Existe una identidad peruana? ¿Existe lo peruano? Son preguntas abordadas por intelectuales que se movían con deleite sobre las aguas literarias, pictóricas y políticas. El presente ensayo pretende hacer un análisis del concepto de mito presente en la obra de José Carlos Mariátegui y su relación con la obra pictórica de José Sabogal, durante la década de 1920, y su repercusión en la creación del discurso indigenista posterior a la muerte del Amauta.

El presente estudio recoge cerca de trescientas obras que representan temas y personajes del Antiguo Testamento, elaboradas en el Virreinato peruano o que llegaron a él. El tema resulta, sin lugar a dudas, muy novedoso y presenta un análisis detallado de las piezas.

El artículo presenta una breve historia de la panadería tradicional en el Perú destacando en el siglo XX las variantes regionales de pan según sus denominaciones, tamaños, formas, sabores, consistencias y significados van de acuerdo con los gustos y costumbres de la clientela local.

Se explica sobre las expresiones plásticas vinculadas a la producción panadera según su carácter duradero y efímero. Como expresiones duraderas se consignan las bateas de madera de formas alargadas y circulares. En la plástica efímera se encuentran los diversos tipos de pan con formas heredadas y otras creadas, que reciben diferentes denominaciones. De este grupo resaltan por sus formas artísticas y escultóricas las famosas t´anta wawas, que adquieren un significado vital dentro y fuera del contexto de las festividades y son consideradas objetos mágico-religiosos y de propiciación.

Se trata de valorar una tradición plástica vigente hasta nuestros días y que todavía no ha merecido un estudio profundo.

Versión impresa de RHIAP, Revista de Historia del Arte Peruano.
Fondo Editorial Universidad Peruana de Arte Orval.
Año I, Nº1, Noviembre 2014 / ISSN - 2409-3033
Formato A4.
Precio de venta: S/. 30 soles o 10 dólares, en la propia Universidad Peruana de Arte Orval (Av. Primavera 207, San Borja) Telf. 719-2319 y- 719-2320
Email: informes@uorval.edu.pe

El presente ensayo examina el hito central que articula los relatos históricos sobre la emergencia del arte contemporáneo en el Perú: la relación entre producción artística y “desborde popular” (categoría inaugurada por José Matos Mar en 1984) en la Lima de los 80. Con énfasis en la experiencia del colectivo E.P.S. Huayco y la sociología peruana de la época, el autor analiza las semejanzas y diferencias del análisis de la realidad social local que ambas prácticas desarrollan, discutiendo los horizontes artísticos y políticos implicados en ellas. Finalmente, se esboza una crítica de la comprensión del “mundo popular” a la luz de los recientes debates sobre la subjetividad política desde la teoría crítica contemporánea, extrayendo los principales problemas que atraviesan la historia del arte contemporáneo en el Perú.

Los mates decorados en los Andes peruanos han seguido una continuidad cultural desde el periodo precerámico hasta la actualidad, en cuanto a sus usos, técnicas y decoración  que han sido influidos por los procesos de cambio histórico ocurridos en el Perú en sus diferentes etapas. Desde el siglo XIX los mates sobresalen en la zona de Ayacucho, Huancavelica y Junín y paulatinamente van surgiendo maestros materos, como Mariano Inés Flores, quien fuera reconocido en la primera mitad del siglo XX. Desde este siglo, a consecuencia de la creciente producción industrial y oferta comercial de utensilios domésticos de otros materiales, disminuye la demanda utilitaria de mates, pasando a ser cada vez más piezas decorativas con gran desarrollo técnico y plástico. Actualmente se decoran y ofrecen mates en la sierra central y centro-sur y en la costa norte del Perú a un público conformado mayormente por sectores urbanos y turistas.

Estudio de las diferentes expresiones artesanales del Perú, tales como el mate decorado, textiles, la indumentaria, el bordado, el tejido con fibra vegetal, la cerámica, la pintura, la platería, la hojalatería, los instrumentos musicales, la arpillera urbana y las diferentes manifestaciones culturales en relación a las festividades, la cosmovisión, la religiosidad y la oralidad popular de las comunidades andinas; se explica las formas y las tipologías más representativas, el material y la técnica de elaboración, la temática.

La arpillería es una actividad artesanal característica de las zonas urbano-marginales de Lima y las provincias del Perú, y es de alta significación en la vida y economía de las clases más vulnerables. Se encuentra en íntima relación con los procesos migratorios de la Región Andina, fue popularizada por las mujeres de los barrios urbano marginales del Perú y de otros países latinoamericanos a partir de la década de los setenta. En este artículo se presenta un estudio del origen de esta artesanía en el Perú, pero al mismo tiempo se hace una amplia referencia a su génesis en Chile, donde la arpillería está vinculada a los resultados políticos y sociales de la dictadura de Pinochet. Luego se describe los materiales, técnicas, diseños y temáticas utilizadas en este trabajo, sin dejar de lado el análisis relacionado a las innovaciones, comercialización y organización de los talleres. Finalmente se estudia la arpillería dentro del contexto actual, contexto en el cual lo global y lo local interactúan. Las arpilleras no pertenecen a un solo pueblo, sino que han sido apropiadas por diferentes zonas urbano-marginales de América Latina. Las mujeres migrantes y sus descendientes han adoptado una artesanía urbana, en un principio, “no local”, “no territorial” o “foránea”, pero que se ha convertido con los años en “local”.

La vestimenta surge como una necesidad de protección y abrigo. Con el tiempo se convierte en un elemento identitario entre los grupos huma¬nos.

La trayectoria histórica de la vestimenta en el Perú tiene larga data. En la época prehispánica existieron diferentes vestimentas según el status, género, edad, etc. Entre los Incas destacó dentro del vestido femenino: acsu o anacu, lliclla, chumpi y tupus. La vestimenta masculina común fue el uncu.

En los inicios de la Colonia la vestimenta indígena se mantuvo vigente a pesar de las prohibiciones de su uso. Por el contrario se produjo un mes¬tizaje, con la conjunción de tradiciones indígenas y occidentales.

La actual vestimenta tradicional es mestiza y algunas prendas de vestir tradicionales son consideradas como símbolos de identidad en muchas regiones. Tal es el caso de los wankas del valle del Mantaro que toman como referencia de distinción y orgullo a la kutuncha, mujer indígena vestida con el traje autóctono, el anaku, pero modificado, llamado kotón. Este traje es una especie de túnica negra sin mangas que se complementa con otras piezas de origen prehispánico y europeo: el wathraku (faja), la lliclla (manta), el chusi (mantón), la shucupa (especie de tocado), la wetsha (vincha), el anaco (especie de mandil), las manguillas bordadas, la pollera, blonda o fustán, pañal de carnaval y el ticpe (prendedor). En conjunto esta vestimenta resulta emblemática y es asumida como un símbolo de identidad wanka.

El retrato de la nobleza inca tiene en la imagen de Beatriz Clara Coya, el testimonio más importante de la posición y trascendencia de las élites originarias durante el Virreinato del Perú. La imagen de la última princesa del Tahuantinsuyo forma parte de un retrato colectivo, el del célebre matrimonio que contrajo con Martín García de Loyola, con el cual se unía simbólicamente el linaje inca con la propia Compañía de Jesús. La presente investigación devela los símbolos, códigos y significados en el retrato de la joven Beatriz a través del análisis de su vestuario, tocado y joyas que refieren directamente a la exaltación del pasado incásico y la encumbran como la portadora del pensamiento, la religión y la conservación de los fines políticos del Imperio de los Incas. Su retrato servirá de modelo e inspiración a otras damas nobles incas que buscarán retratarse como ella hasta el mismo siglo XIX.
Contacto: bendecida2102@gmail,com

Este extenso homenaje a Eielson recopiló muchos textos del artista (poesía, narrativa, artículos, crónicas, ensayo) en un momento en que no estaban disponibles. También incluyó un amplio dossier crítico y una muestra de su obra plástica (que no se incluye en el PDF).

La cestería en el Perú data de tiempos precolombinos y es en la actualidad una actividad bastante extendida a lo largo de la costa peruana.

El presente artículo nos presenta un amplio panorama, de la producción de tejidos en fibra vegetal, en Santa Rosa de Chontay. La elaboración de cestas en ese lugar, está estrechamente relacionada a la producción de canastas de uso doméstico, tradicionales esteras y las ancestrales trampas para recolectar camarones.

El río Lurín juega un papel importante en la geografía de Santa Rosa de Chontay, en las actividades realizadas por sus habitantes y en su producción artesanal. En los márgenes del río crecen el carrizo y la caña brava, materias primas que los hábiles pobladores han sabido aprovechar, con gran ingenio, en la elaboración de cestas para diversos usos.

O Instituto de História da Arte da Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa encontra-se a organizar o I Simpósio de História da Arte – O Retábulo no espaço Iberoamericano: Forma, função e iconografia, que terá lugar na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, a 26 e 27 de Novembro de 2015.

O Simpósio “O Retábulo no espaço Iberoamericano: forma, função e iconografia” pretende divulgar a recente investigação desenvolvida em Portugal, Espanha, Brasil, México, Uruguai, Perú e Colômbia. Neste encontro de carácter científico, a eleição das três vertentes de análise – forma, função e iconografia – constituirá o mote para a abordagem histórico-artística da arte retabular. Quem eram os artistas ou oficinas capazes de idealizar as imponentes “máquinas” retabulares que adornam todo o espaço iberoamericano? Quais foram os principais mecenas e agentes do mercado artístico intervenientes na execução das obras? Que materiais estavam disponíveis para a conceção dos retábulos? Que leituras podemos construir perante a complexidade dos seus programas iconográficos? Por conseguinte, o debate contemplará a caracterização da dimensão arquitetónica, ornamental e simbólica do retábulo, procurando salientar as especificidades autóctones e as divergências sócio-culturais, a fim de aferir as transferências artísticas operadas durante o período compreendido entre os séculos XVI-XVIII.

Barcelona a los Andes del Perú de 1963 fue una expedición conformada por dos equipos autónomos en su organización, plan de actividades y manejo de presupuesto: el deportivo y el científico. En el primero participaron los escaladores del Grupo de Alta Montaña del Club Montañés Barcelonés y en el segundo los representantes del Museo Etnológico de Barcelona. Esta investigación se centra en explicar el desarrollo de la expedición de corte patrimonial de dicho museo y la conformación de la colección peruana de objetos arqueológicos, etnográficos y de arte popular tradicional.

Arquitectura PUCP Publicaciones, Marzo 2019

Presentación:

A lo largo de Extravíos de la forma: vanguardia, modernismo popular y arte contemporáneo en Lima desde los 60, Mijail Mitrovic analiza la praxis artística como parte de los procesos sociales, políticos y culturales que configuran el Perú contemporáneo. Las coyunturas en las que el arte participó en las reflexiones críticas sobre el país se ven confrontadas con recientes teorizaciones y relatos históricos que, en retrospectiva, dan cuenta de la emergencia del arte contemporáneo en Lima. El autor propone atender a las transformaciones artísticas y culturales propiciadas por el régimen militar entre 1968 y 1980 como un momento crucial para comprender las redefiniciones del arte de vanguardia. Finalmente, el libro apunta a debatir el sustrato histórico e ideológico de la reciente articulación de la escena artística limeña al sistema del arte contemporáneo global.