Arte Y Artesanía Amerindia

The early ethnological works of Alfred Métraux are analysed bearing in mind his first fieldwork trip to the Chiriguano, in 1929. The paper discusses personal, academic and professional features of Métraux’s ethnological experience, the nature of the 1929 trip and his concrete relationships with the Chiriguano groups and individuals. Next, we analyse his ideas on material culture as a privileged means of understanding the synthesis of Andean, Chaco and Amazonian cultural influences. Finally, the dilemmas and limitations of his analytical approach regarding Créole cultural influence and social and cultural change are discussed. [Key words: Alfred Métraux, Chané, Chiriguano, material culture, change.]
Se analiza la etnología temprana de Alfred Métraux a la luz de su primer viaje de campo a los chiriguanos, en 1929. Se discute el perfil personal, académico y profesional de Métraux, las peculiaridades de su trabajo de campo en 1929 y sus relaciones concretas con los indígenas chiriguanos en el terreno. Se examinan luego sus ideas sobre la cultura material como campo experimental privilegiado para rastrear procesos de síntesis de influencias culturales andinas, chaqueñas y amazónicas, así también sus dilemas y límites a la hora de interpretar el factor de la influencia criolla y el proceso de cambio social y cultural en un sentido amplio. [Palabras clave: Alfred Métraux, Chané, Chiriguano, cultura material, cambio.]

Este artigo propõe compreender as transformações cerâmicas do Poti Velho e representações femininas nas peças de barro da COOPERART-Poty, em Teresina, Piauí. Para realizar o estudo fizemos uso da metodologia oral, jornais e fotografias, além de pesquisa de campo para o acesso aos objetos cerâmicos. Procuramos entender que transformações ocorrem na cerâmica do Poti Velho, além das relações existentes entre identidade cultural, memória social e a cultura material. Percebemos que as peças se modificam na medida em que as mulheres dominam o trabalho cerâmico e que desenvolvem um trabalho que mostra suas identidades, memórias e histórias de vida enquanto grupo social. O conjunto de peças cerâmicas das Mulheres do Poti representa as mulheres habitantes do Poti Velho: a oleira, a ceramista, a pescadora, a religiosa e a das continhas. Palavras-chave: Mulheres. Cerâmica. Representações. Teresina.

Resumo: Em “O Tempo das Huacas”, projeto de Filipa Cordeiro e Rui Mourão, noções ameríndias são articuladas em variados contextos. O foco do presente artigo observa relações entre alguns destes funcionamentos em consonância a conceitos proeminentes à obra de Mourão. Com isso, verificam-se estratégias de flexibilização das estruturas da instituição artística e da realidade, encabeçadas pelo diálogo multicultural e pelo corpo-manifesto. Num processo de redefinição das sociedades pós-coloniais, este ímpeto utópico é, na arte contemporânea, exemplar.
Palavras chave: arte pós-colonial / indigenismo / corpo-manifesto / ativismo cultural.

Abstract: In “The Huacas’ Time”, a project of Filipa Cordeiro and Rui Mourão, Amerindian notions are articulated in diverse contexts. The focus of the present article observes relations among some of these trends in consonance with paramount concepts of Mourão’s body of work. Thereby, it detects strategies to constraint the structures of the artistic institution and of the reality, led by multicultural dialogue and the bodymanifesto’s protagonism. In a redefinition of postcolonial societies’ context, this utopian impetus is exemplary in contemporary art.
Keywords: postcolonial art / indigenism / bodymanifesto / cultural activism.

"Un valle andino llamado también "pedazo de cielo" es la cuna de los indígenas otavalos. Famosos por sus artesanías, sus capacidades comerciales y su presencia en varios países -Estados Unidos, Asia, Europa, Chile o México- los indígenas de Otavalo se distinguen de otros grupos indígenas en el Ecuador. Su música y artesanía son el vehículo para ir por el mundo. El pueblo otavalo tiene éxito y fama mundial. Jeroen Windmeijer decidió averiguar porqué los otavalos son considerados "indígenas ejemplares", Y emprendió un proyecto de investigación que inició con la idea de buscar en la teoría de las etnicidades y que lo llevó al encuentro de una realidad mucho más compleja que el lector encontrará en este recorrido por el valle amanecido."

Hemos querido en esta oportunidad brindar a través de los excelentes dibujos del artista Juan Zárate, una breve historia gráfica de la plástica andina, título de la presente publicación, y, por cierto, muy ambicioso por los términos en que aparece registrado.

En este volumen se muestran los dibujos de 124 objetos artísticos que van desde el prehispánico, virreinal, republicano hasta la década del 70 del siglo XX. Claro que no están aquí representados todos los géneros artísticos de nuestros pueblos sino sólo una mínima parte a partir de la cual hemos tratado tentativamente levantar una Breve historia, tomando en parte el título del libro Breve historia del arte peruano de Francisco Stastny.

El libro trata el tema de los dibujos y el dibujante y se centra en los mates, cerámica, platería, keros y la talla de piedra de Huamanga.

Estudio de las diferentes expresiones artesanales del Perú, tales como el mate decorado, textiles, la indumentaria, el bordado, el tejido con fibra vegetal, la cerámica, la pintura, la platería, la hojalatería, los instrumentos musicales, la arpillera urbana y las diferentes manifestaciones culturales en relación a las festividades, la cosmovisión, la religiosidad y la oralidad popular de las comunidades andinas; se explica las formas y las tipologías más representativas, el material y la técnica de elaboración, la temática.

Este ensayo parte de la hipótesis de que la artesanía contiene, al menos, dos posibles versiones de sí misma. Analiza las relaciones que se establecen entre la artesanía, sus productores y los actores externos que la convierten en un producto más de la indusria cultural.

This article presents an anthropological examination of the link between art and culture. What is “art” and what is “culture”? How do the production, circulation and reception of the “work of art” take place? How important are the formal, functional and semantic dimensions in art? How to classify the arts? How does art become linked with the intellect and the feelings, with religion, festival, politics, social organization, technology, property, and heritage? To answer these and similar questions, this paper reviews much of what has been written on the subject to present it in the form of an original line of argument. Beginning with a discussion on three levels on the concept of “culture”, in which “artifacts” have a prominent role, and continues with an examination of the concept of “art”, stating on one hand, the futility of our current concept for transcultural application and, on the other hand, the possibility of providing it with anthropological value if it is included within a theory of man-made objects. Plotted these coordinates of culture and art(ifact), the relationship between the two terms
is analyzed in different contexts.

Como muchos han subrayado, el arte es una palabra –y una institución– demasiado circunstancial e idiosincrásica como para hacer de ella una categoría transcultural. Cuando los antropólogos lo han intentado, su éxito ha sido como mucho relativo. Al definir los « objetos de arte » como aquellos con atributos estéticos y/o semánticos que sirven para representar o presentar (cf. Morphy y Perkins 2006), o bien al definirlos como aquellos que permiten inferir que alguien ha actuado intencionalmente buscando cumplir un fin mentado en relación con un « otro » (cf. Gell 1998) se consigue, en el mejor de los casos, delimitar una clase de objetos bien diferente de la clase, ya de por sí compleja, que recorta el término vernáculo. Usar el término « arte » para hablar de los artefactos, los atavíos y las ceremonias de los indígenas del Paraguay parece una tarea imposible. Con todo, el afamado curador y crítico paraguayo Ticio Escobar encuentra buenas razones intelectuales y políticas para hacerlo.

Esta tesis estudia las dinámicas de continuidad y cambio entre la cultura material procedente del período prehispánico, en diversas sociedades que habitaron en las regiones que hoy conforman Venezuela y proximidades, con las del presente amerindio. Para ello, se ha elaborado un análisis que parte desde la historia del arte, pero que a su vez incorpora las contribuciones de la arqueología, la etnografía y la historia. De este modo, el estudio se
enfoca en el desarrollo de las formas simbólicas que se ha producido en estas sociedades, a través del lenguaje visual abstracto, teniendo en cuenta las variaciones existentes en el
período prehispánico, así como los cambios que se sucedieron a partir de la Colonia. Este trabajo considera, igualmente, la valoración de esta cultura material como objeto estético
desde Occidente, los valores de autenticidad y las distintas perspectivas tomadas a partir de la relación de estas sociedades con sus concepciones religiosas y mitológicas, así como su
adaptación al mundo laico y contemporáneo occidental.

Martha Luz Machado’s most important publication was awarded the Prize of Fundacion Alejandro Angel Escobar, considered the highest scientific recognition in Colombia. Her Ph.D. dissertation and subsequently her book on Chocó focuses on the region in Colombia along the Pacific Coast where the majority of people of African descent reside in that country.
In her thesis, Machado Caicedo states that the Chocó were culturally influenced because for centuries, they shared the same territory with the African slaves and their descendants. She supports her theory using historical sources and myths as well as comparative research. Prominently featured in her thesis are the carvings of religious staffs used by the Chocó. According to Machado Caicedo, these staffs exhibit African features.

La tesis pretende responder la pregunta: ¿Cuál es la organización de la producción y las estrategias de distribución de los artesanos(a)s nahuas del bordado del municipio de Chicontepec, ubicado en el Estado de Veracruz en los años 2018 a 2020? La cuestión del párrafo anterior —se plantea responder— con la siguiente hipótesis: “si consideramos que hombres y mujeres de Chicontepec han empezado a buscar en la producción de textiles una forma de ganarse la vida, entonces es de suponer que, para lograr su inserción en el mercado nacional e internacional, necesitan valerse de diversas estrategias entre las que destacan, la conformación de redes de distribución para su producción y el apoyo de instituciones gubernamentales”. Para lo anterior se fijaron los siguientes objetivos generales de la investigación: 1.- Explicar la organización de la producción de los artesanos(a)s del bordado nahua de Chicontepec, Veracruz. 2.- Describir las estrategias de distribución de los artesanos(a)s del bordado nahua.

Los mates decorados en los Andes peruanos han seguido una continuidad cultural desde el periodo precerámico hasta la actualidad, en cuanto a sus usos, técnicas y decoración  que han sido influidos por los procesos de cambio histórico ocurridos en el Perú en sus diferentes etapas. Desde el siglo XIX los mates sobresalen en la zona de Ayacucho, Huancavelica y Junín y paulatinamente van surgiendo maestros materos, como Mariano Inés Flores, quien fuera reconocido en la primera mitad del siglo XX. Desde este siglo, a consecuencia de la creciente producción industrial y oferta comercial de utensilios domésticos de otros materiales, disminuye la demanda utilitaria de mates, pasando a ser cada vez más piezas decorativas con gran desarrollo técnico y plástico. Actualmente se decoran y ofrecen mates en la sierra central y centro-sur y en la costa norte del Perú a un público conformado mayormente por sectores urbanos y turistas.

El Atlas de Experiencias Comunitarias en el Manejo Sustentable de los Recursos Naturales de Michoacán, pretende mostrar la forma en que diferentes sectores del medio rural se están organizando para generar un esquema de producción aproximado a lo que se pretende sea el desarrollo sustentable, en una región de la República Mexicana donde confluyen un variado mosaico de ecosistemas con un componente importante de población indígena, como es el Estado de Michoacán.
El documento está dividido en diferentes secciones. Cada una de ellas aborda, como es usual, una breve revisión de las investigaciones regionales y estatales precedentes dentro de las que se incluyen los trabajos realizados desde la perspectiva etnoecológica, investigaciones relacionadas con la modernización al campo michoacano, otros más sobre migración, marginación, pobreza y desarrollo humano y, finalmente, se abordan antecedentes relacionados con uso de leña y deforestación.
La parte metodológica muestra los procedimientos empleados para obtener la información que incluye, además de los procesos, las fuentes principales de consulta que incluyen diferentes instancias académicas, gubernamentales, organizaciones civiles y redes productivas.
Dentro de los resultados se presenta la lista de 103 experiencias inventariadas y ubicadas en cada una de las principales regiones de la entidad, una descripción más amplia de 12 experiencias que por diversos motivos y atributos fueron seleccionadas como casos especialmente exitosos, un inventario de las principales redes de carácter estatal y multi-comunitario que articulan a varias comunidades en torno a alguna modalidad de manejo de recursos y, finalmente, una breve semblanza del panorama develado, acompañado de algunas reflexiones y conclusiones. A lo anterior se ha agregado una sección final de anexos y mapas, en donde se ha ubicado la lista completa de las experiencias incluidas. Como se verá, el texto ha sido profusamente acompañado de figuras, cuadros y mosaicos fotográficos. Este proyecto fue financiado por la SEMARNAT y publicado en otro formato de edición, cuya autoría es de Víctor M. Toledo, Pablo Alarcón-Cháires, Tamara Ortiz Ávila y Lucero Acosta Moreno.

Sshinda es, por un lado, el sobrenombre de un artesano juguetero, de sangre indígena otomí, que vive y que tiene su taller, hoy en día, en el pueblo de Santacruz de Juventino Rosas, en el estado de Guanajuato, México. Sshinda es “Gumersindo España Olivares, quien nació el 13 de enero del año de 1935; es hijo de Gabriel España Chavero y Blandina Olivares Muñiz; es el mayor de nueve hermanos”. Pero Sshinda es, además de todo eso —que no es poco—, un demiurgo que ha dedicado su vida a construir, de modo absolutamente artesanal, una cantidad inverosímil de juguetes complejísimos, dotados de engranajes ocultos que se mueven al son del perpetuum mobile que hace sonar alguna mano que mueve una palanca que dibuja una esfera. Juguetes que se hallan impregnados y que al mismo tiempo reproducen y eternizan relatos que forman parte de la memoria tradicional suya y de su pueblo, y que hay que mover arrastrando una palanquita que traza esferas y ciclos como los que gobernaban el mundo ideado por el demiurgo de Timeo y de Platón.

La presente investigación se delimita temáticamente en torno a la transmisión del aprendizaje de la producción y distribución e inserción en mercado de los bordados nahuas de Chicontepec, Veracruz, México. El objetivo es describir los tipos de relaciones sociales que subyacen para la manufactura de los bordados de un grupo de artesanos a partir de los datos recabados en trabajo de campo entre 2018-2020. El tema es relevante por el impacto social que tiene la actividad del bordado como fuente de ingresos en múltiples familias de Chicontepec, y porque a nivel académico permite trazar un antecedente de exploración para hacer frente al fenómeno de la artesanía en la tripartita esfera de lo material, social y contextual.

Las Molas son un tipo de arte textil realizado por las mujeres de la comarca Guna Yala ubicada en el Archipiélago de San Blas en la costa atlántica de Panamá. Este texto acompañó la propuesta curatorial en la exposición "Molas, el arte de pintar con tela". Museo de Arte Popular José Hernández, Buenos Aires, Argentina (Dic. 2015 - Marzo 2016)

Resumen – El presente texto plantea que la adquisición de la pericia y del conocimiento de una práctica de trabajo artesanal está relacionada con una serie de estrategias que ocurren en un ambiente de aprendizaje. Este ambiente puede ser el espacio doméstico. En los pueblos indígenas es muy común que los oficios artesanales femeninos se desempeñen en la casa, lo que hace que la enseñanza y el aprendizaje integre una serie de saberes más allá de los propiamente técnicos. Emplearemos el caso de la producción de textiles en telar de cintura de las mujeres purépechas de Michoacán y tzotziles de Chiapas (México), para proponer una reflexión sobre la complejidad de los mecanismos de transmisión de saberes llamados tradicionales y los emergentes escenarios de innovación. Palabras clave: Saber-hacer. Textil. Aprendizaje. Indígenas. Trabajo de las mujeres. INTRODUCCIÓN ¿Quién teje?, ¿quiénes fueron los primeros tejedores?, ¿qué tejen? Las respuestas deben buscarse en los mitos, las danzas, los rituales, el poder, el parentesco; en fin, en el vestido [….] (GUTIÉRREZ DEL ÁNGEL, 2012, p. 23). Hace más de veinte años, cuando empecé a interesarme por conocer y registrar la produc-ción artesanal de rebozos tejidos en telar de cintura de las mujeres purépechas de Michoacán (México), una de las primeras preguntas que hacía a las tejedoras que entrevistaba era sobre cómo habían aprendido a tejer. La mayoría de ellas contestaba con una sencilla frase: " nomás viendo ". Esa es una respuesta aceptable mas incierta, pues yo misma he pasado largas horas observando, tomando notas y fotografías del tejido y no puedo decir que haya aprendido a tejer, en todo caso lo máximo que ha ocurrido es que he aprendido a describir el proceso. Durante mucho tiempo quedé satisfecha con el tema, estando incluso dispuesta a explicar a otros que las mujeres y los hombres que se dedican a oficios artesanales aprenden viendo.

Abstract | Presentation made by the editor-director an the guest editors for issue 35.
This article deals with the relations between craftwork, material culture and religious devotion in the Nuevo Reino de Granada; explains and defines the role that met the craftsmen at religious festivals and the elaboration of ephemeral art objects for civil parties. His dedication to his work as a “work of God” and the condition of cultural mediators allowed to perform different activities and build economic independence and commercial networks. Carpenters, tailors, silversmiths, blacksmiths, masons and barbers were indigenous shaping, since the second half of the seventeenth century, as a “middle class” with economic power and independence of the hegemonic social groups. The cofradía and the workshop would be the most effective way to build a subculture within the Hispanic world.

Resumen | Presentación del editor-director y de los editores invitados para el número 35.
Este artículo se ocupa de las relaciones entre el trabajo artesanal, la cultura material y la devoción religiosa en el Nuevo Reino de Granada; explica y tipifica el papel que cumplieron los artesanos en el trabajo urbano. Su dedicación al trabajo como una “obra de Dios” y la condición de mediadores culturales les permitió desempeñar distintas actividades y construir independencia económica y redes comerciales. Carpinteros, sastres, plateros, herreros, albañiles y barberos indígenas se fueron perfilando, desde la segunda mitad del siglo XVII, como una “clase media” con poder económico e independencia de los grupos sociales hegemónicos. La cofradía y el taller serían el vehículo más eficaz para construir una subcultura dentro del mundo hispano.

El Instituto Oaxaqueño de las Artesanías (IOA), es el organismo estatal que se encarga de la promoción de la actividad artesanal en el Estado de Oaxaca.  Recibe financiamiento del Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (FONART).  Actualmente, este instituto emplea una herramienta que evalúa a las creaciones artesanales para que puedan acceder a los apoyos: la Matriz de Diferenciación entre Artesanía y Manualidad. Este trabajo plantea que esta Matriz es resultado de la compleja relación que se construyó entre el estado mexicano surgido de la Revolución Mexicana y las creaciones artísticas indígenas. Relación que puede seguirse en las ideas expresadas por personalidades como Gerardo Murillo (Dr. Atl), Manuel Gamio o Alfonso Caso, así como de las acciones que se propusieron en el Primer Congreso Indigenista Interamericano, celebrado en Pátzcuaro, Michoacán, en el año de 1940.

The Instituto Oaxaqueño de las Artesanías (IOA), is the state agency in charge of the promotion of artisan activity in the State of Oaxaca. Receives financing from the Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (FONART). Currently, this institute uses a tool that evaluates the artisan creations so that they can access the support: the Matriz de Diferenciación entre Artesanía y Manualidad. This paper argues that this tool is the result of the complex relationship that was built between the Mexican state that emerged from the Mexican Revolution and indigenous artistic creations. This relationship can be followed in the ideas expressed by personalities such as Gerardo Murillo (Dr. Atl), Manuel Gamio or Alfonso Caso, as well as the actions proposed at the Primer Congreso Indigenista Interamericano, held in Pátzcuaro, Michoacán, in 1940.

Este artículo reflexiona acerca de las categorías estéticas entre las nociones de arte y artesanía en objetos procedentes de culturas no-occidentales. Usando como ejemplo el caso venezolano, se compararán el "arte" prehispánico con las "artesanías" procedentes de sociedades amerindias en las que se entretejen las tradiciones ancestrales y las formas de vida occidentalizadas. La diferenciación en el juicio entre una y otra forma estética se debe a que al arte de sociedades indígenas alejadas del mundo occidentalizado se le atribuye una autenticidad artística, mientras que la artesanía pierde su autenticidad cuando es producto de una sociedad que está en proceso de mestizaje con Occidente. Se intentará, por tanto, proponer alternativas interpretativas tomando en cuenta los significados que estos objetos tienen desde la perspectiva de las sociedades indígenas actuales.

Palabras clave: arte y artesanía, percepción estética, mundo amerindio, arte no-occidental.

Abstract: This article explores the aesthetic categories between the concepts of Arts and Crafts, in objects that pertain to non-Western cultures. Using the Venezuelan case as an example, the pre-Hispanic "art" will be compared with the "handicrafts" from Amerindian societies in which ancestral traditions and westernized life forms are interwoven. The differentiation in the judgement between one aesthetic and the other is due to the fact that the art of indigenous societies far from the westernized world is attributed an artistic authenticity, while the craftsmanship loses its authenticity when it is the product of a society that is in the process of miscegenation with the West. An attempt will therefore be made to propose interpretative alternatives taking into account the meanings that these objects have from the perspective of current indigenous societies.

Este artículo tiene como objetivo dar cuenta de una serie de cambios en la economía de dos comunidades indígenas, nahua y otomí, en un mismo municipio (Pahuatlán) de la región Huasteca poblana. El análisis comprende el periodo que va de los años sesenta del siglo pasado a la primera década del nuevo milenio. La producción agrícola y su comercialización han pasado a segundo término entre las estrategias de reproducción de la unidad doméstica, superadas por la actividad artesanal, la movilidad laboral y la migración transnacional. Con el enfoque de la nueva ruralidad se propone revisar cuáles han sido las alternativas de subsistencia nahuas y otomíes durante ese tiempo, qué nuevos procesos se han gestado, así como quiénes fueron y son los partícipes de unas y otras actividades.

The Indigenist discourse in post-revolutionary Mexico massively revaluated regional handicrafts as allegedly authentic relics and expressions of a ‘pure indigenous sense of art’. Both within and outside Mexico, artesanía became a highly demanded collectible. Exhibited in museums and fairs, it also became a fashionable home accessory for the urban elites. Especially the modernist bohème in Mexico City used artesanía as an anachronistic source, allowing them to establish the collecting and semi-private exhibiting of handicrafts as an Indigenist art practice. From the 1930s onwards, mainly North-American tourists visited Mexico in great numbers, bought artesanía objects as touristic souvenirs and popularized them internationally.
The paper seeks to problematize the relationship between the cultural reevaluation of the rural and indigenous with modernist art practices. The goal is to critically review the appropriation practices and authentication strategies of modernist artists involved in a nationalist discourse.

Em “O Tempo das Huacas”, projeto de Filipa Cordeiro e Rui Mourão, noções ameríndias são articuladas em variados contextos. O foco do presente artigo observa relações entre alguns destes funcionamentos em consonância a conceitos proeminentes à obra de Mourão. Com isso, verificam-se estratégias de flexibilização das estruturas da instituição artística e da realidade, encabeçadas pelo diálogo multicultural e pelo corpo-manifesto. Num processo de redefinição das sociedades pós-coloniais, este ímpeto utópico é, na arte contemporânea, exemplar. / In “The Huacas’ Time”, a project of Filipa Cordeiro and Rui Mourão, Amerindian notions are articulated in diverse contexts. The focus of the present article observes relations among some of these trends in consonance with paramount concepts of Mourão’s body of work. Thereby, it detects strategies to constraint the structures of the artistic institution and of the reality, led by multicultural dialogue and the bodymanifesto’s protagonism. In a redefinition of postcolonial societies’ context, this utopian impetus is exemplary in contemporary art.

El libro aborda la estrecha relación entre el tejido de rebozos en la región purépecha del estado de Michoacán (México) y las identidades étnica y de género. Además, se describen las técnicas de tejido, así como la imbricación del rebozo en la vida cotidiana y ritual de este pueblo indígena de México

Definitivamente al visitar un lugar, siempre destaca la belleza de las artesanías de la región, su colorido, el misticismo, sus formas, la utilidad, solo el imaginar que décadas o siglos atrás era lo que se utilizaba en los hogares, en el campo o en las actividades cotidianas, genera alegría que en cada pieza, se sintetice y concentre toda esa cultura construida por los ascendientes de nuestros grandes artesanos. México es un país muy rico, no solo por su extensa variedad de ecosistemas sino además por contar con una multiculturalidad inigualable llena de historia y tradiciones que lo caracterizan, de esta manera para ser diferenciados cada comunidad crea algún rasgo peculiar para ir haciendo sus artesanías típicas. y de Mercados del Sector Privado, en la línea de investigación: El DESARROLLO SOCIOECONÓMICO Y PROYECTOS PRODUCTIVOS QUE FAVOREZCAN LA ECONOMÍA INDÍGENA, CON PERSPECTIVA DE GÉNERO, alumna del Tecnológico Nacional de México, campus Pachuca. Existen diversos tipos de artesanías como, la artesanía indígena, la cual se integra principalmente por los medios que tienen raíces propias del sitio, conservándola de generación en generación; la artesanía tradicional popular, la que es resultado de la mezcla de la cultura europea y criolla, pero sigue empleando los recursos que habitan en el entorno; la artesanía contemporánea o neoartesanía, en esta básicamente en el proceso de elaboración ya se ve involucrada la tecnología y al mismo tiempo hacen uso de otras técnicas pertenecientes a otros entornos.

Caracterizando la artesanía. La artesanía es una de las manifestaciones más visibles de la diversidad cultural de una sociedad, en ella se reflejan tradición, identidad, creatividad y cultura. Por todo esto, es impostergable contribuir al reconocimiento de la importancia de las artesanías como un valor que debe ser conservado, enriquecido y proyectado hacia el futuro. Las y los artesanos del país son, por tanto, un sector social de innegable importancia para nuestro país. México tiene una riqueza artesanal que la sitúa como una de las ofertas más diversificadas, de mayor calidad y con una valiosa aportación al patrimonio cultural intangible de la humanidad. (FONDO NACIONAL DE FOMENTO A LAS ARTESANÍAS (FONART)., 2019) A pesar de la aportación económica, social y cultural de las y los artesanos, se ha identificado que una parte importante de éstos no cuenta con las condiciones para generar ingresos sostenibles de su actividad. La actividad artesanal se reconoce como el trabajo realizado por persona o personas para realizar artesanías de forma manual ya sea individual, familiar o comunitaria, que tiene por objeto transformar productos o sustancias orgánicas e inorgánicas.
La Filigrana Chiapaneca, se prepara a partir de dos hilos de plata u oro entorchados  y planchados ,  se cortan diminutos trocitos que sirven de relleno en cada hueco o compartimiento de una pieza mayor, pudiendo llevar cada obra terminada de 800 a 1200 rellenos, en un tiempo de fabricación que puede ser como mínimo una semana hasta varios meses de trabajo.  La característica especial que ha diferenciado a las artesanías de filigrana chiapaneca y que la han reconocido e identificado por su Estado de origen, es porque se realiza con una técnica que permite generar piezas con hilos más delgados que la filigrana realizada en otras Entidades de México.
Es fundamental identificar las rutas estratégicas para detonar el crecimiento del sector artesanal, de ello depende el eliminar algunas ramas de la artesanía del peligro de extinción, como es el caso de la filigrana chiapaneca, que ha brindado premios, reconocimientos y gratos momentos a la comunidad de artesanos de Chiapas durante varias décadas.

El cuero ha sido utilizado por el hombre y sus antepasados desde la prehistoria hasta la actualidad. Diversas culturas se han valido del cuero crudo en la vida cotidiana, en el trabajo y en la guerra. Desde entonces, el tratamiento del material no ha cambiado en esencia.

Esta pesquisa de abordagem etnográfica apresenta uma coleção de narrativas que atravessam as práticas cotidianas sociais e artefatuais que conformam o Viver Sossegado, o modo de viver do povo Pataxó, especificamente na comunidade artesã da Reserva da Jaqueira localizada na Terra Indígena Pataxó de Coroa Vermelha, Porto Seguro - Bahia. Como práticas sociais, temos a autogestão da comunidade, o trabalho coletivo para a produção de artesanato e a prática do etnoturismo, as celebrações, a educação das crianças etc. E são práticas artefatuais, tecer tucum, trabalhar o barro, esculpir madeira e coco, pintar grafismos, trançar miçangas e arte plumária. Observou-se que, muito além de mero souvenir turístico, o artesanato é uma forma de arte de rexistência. Ou seja, além de constituir a principal fonte de renda da comunidade, o artesanato é um instrumento de resistência política no contexto turístico, quando se torna etnomercadoria usada para contar histórias contra-hegemônicas e promover a cultura indígena; e, ao mesmo tempo, adereços e grafismos corporais fortalecem seus usuários em suas lutas e reafirmam visualmente a existência da etnia perante as demais e diante da sociedade envolvente. Verificou-se, ainda, que a fabricação do artesanato promove autonomia e a autoestima dos artistas Pataxó quando aliada à atividade etnoturística autogestionada, a partir da integração da comunidade para o trabalho coletivo, além de atuar como uma espécie de celeiro onde os artistas têm a oportunidade de desenvolver suas potencialidades e são incentivados a explorar sua criatividade, seja praticando as técnicas artefatuais tradicionais que aprendem na aldeia desde a infância e a juventude, seja na apropriação de novas técnicas. Participei desse convívio a partir do convite para ensinar o macramé na aldeia da Jaqueira. A apropriação da nova técnica tem viabilizado a criação de novos adereços com materiais tradicionalmente utilizados e o trançado dos grafismos tradicionais Pataxó. O etnoturismo é uma via para a contracolonização do território da chamada Costa do Descobrimento e para a autonomia do povo Pataxó. Nesse sentido, a retomada das técnicas artefatuais Pataxó ancestrais, na atualidade, conforma parte de um conjunto de estratégias de retomada do Viver Sossegado na Reserva da Jaqueira, movimento no qual a arte indígena é enaltecida e empregada como um dos vetores fundamentais na construção de um novo regime de memória e alteridades. O princípio basilar do viver sossegado é a luta por terra para se viver bem. É, portanto, autonomia; é o convívio e o trabalho em comunidade; é a preservação da mata; é fazer artesanato; é educar nas tradições e na cultura dos ancestrais, que seguem mais fortalecidas a cada nova geração. O direito de viver sossegado é, nesse sentido, um devir refletido na luta por direitos, que começa pela retomada de territórios tradicionais - condição fundamental para a conquista da autodeterminação dos povos originários da América Latina.

Resumen – El presente texto plantea que la adquisición de la pericia y del conocimiento de una práctica de trabajo artesanal está relacionada con una serie de estrategias que ocurren en un ambiente de aprendizaje. Este ambiente puede ser el espacio doméstico. En los pueblos indígenas es muy común que los oficios artesanales femeninos se desempeñen en la casa, lo que hace que la enseñanza y el aprendizaje integre una serie de saberes más allá de los propiamente técnicos. Emplearemos el caso de la producción de textiles en telar de cintura de las mujeres purépechas de Michoacán y tzotziles de Chiapas (México), para proponer una reflexión sobre la complejidad de los mecanismos de transmisión de saberes llamados tradicionales y los emergentes escenarios de innovación. Palabras clave: Saber-hacer. Textil. Aprendizaje. Indígenas. Trabajo de las mujeres. INTRODUCCIÓN ¿Quién teje?, ¿quiénes fueron los primeros tejedores?, ¿qué tejen? Las respuestas deben buscarse en los mitos, las danzas, los rituales, el poder, el parentesco; en fin, en el vestido [….] (GUTIÉRREZ DEL ÁNGEL, 2012, p. 23). Hace más de veinte años, cuando empecé a interesarme por conocer y registrar la produc-ción artesanal de rebozos tejidos en telar de cintura de las mujeres purépechas de Michoacán (México), una de las primeras preguntas que hacía a las tejedoras que entrevistaba era sobre cómo habían aprendido a tejer. La mayoría de ellas contestaba con una sencilla frase: " nomás viendo ". Esa es una respuesta aceptable mas incierta, pues yo misma he pasado largas horas observando, tomando notas y fotografías del tejido y no puedo decir que haya aprendido a tejer, en todo caso lo máximo que ha ocurrido es que he aprendido a describir el proceso. Durante mucho tiempo quedé satisfecha con el tema, estando incluso dispuesta a explicar a otros que las mujeres y los hombres que se dedican a oficios artesanales aprenden viendo.

Esta dissertação apresenta um estudo dos Ye'kuana – grupo indígena atualmente fixado em aldeias dispersas ao longo do noroeste do estado brasileiro de Roraima e no sul da Venezuela –, cuja língua é classificada na família linguística caribe, concentrando-se no conjunto de saberes e práticas associados a sua tradição cesteira e sua cosmologia. Pretende não apenas empreender uma revisão bibliográfica do assunto, mas também relacionar a atividade cesteira a certas considerações atuais da etnologia americanista, tais como a categoria indígena usualmente traduzida por “dono” ou “mestre”, agência sociocósmica e predação, e da antropologia da arte, a saber: agência dos objetos, beleza e produtividade, figuração do invisível e técnicas de alteração da percepção. A dissertação pretende ainda oferecer pistas e contribuições para o estudo de processos tecnológicos dos povos indígenas das terras baixas da América do Sul e para a crítica da própria prática antropológica. Por fim, ainda sugere contribuições, por meio de uma comparação das produções artísticas ye'kuana e wayana, para a pesquisa etnológica entre grupos indígenas do Maciço Guianês.

En este artículo nuestro propósito es reflexionar respecto a algunas memorias del oficio artesanal relatadas por artesanos tonaltecas, a fin de entender cómo llegan a aprender su oficio y las razones para seguir en él, a pesar de atravesar múltiples dificultades económicas, de discriminación y poco reconocimiento social. Hemos realizado un trabajo de corte etnográfico en Tonalá, Jalisco, donde se ha entrevistado a tres familias de tradicionales al- fareros tonaltecas. Como se verá, la memoria familiar cumple un importante papel en la transmisión de saberes y en la permanencia de actividades de antigua raigambre.

La fiesta del arete es tradicionalmente el rito más importante de la vida religiosa chané. Se trata de un evento festivo anual de gran complejidad, que en sus fases de inicio, desarrollo y cierre involucra un buen número de prohibiciones simbólicas y prescripciones rituales, referencias al simbolismo y al horizonte cosmológico, convites de bebidas, danzas, luchas rituales, la renovación de la cosmogonía, la escenificación de las relaciones interétnicas, una reflexión colectiva sobre el problema de la temporalidad y finalmente la destrucción ritual de todos los elementos de la fiesta. El elemento que aquí interesa examinar de manera particular es uno de los tantos tipos de máscara que aparecen en las jornadas finales de la celebración. Se trata de las aña-häti, que según revelan la etimología de su nombre, los testimonios nativos y las observaciones de la literatura etnográfica, están estrechamente ligadas con el alma de los muertos –llamadas, justamente, aña. Sin embargo, no es menos cierto que esta relación tan íntima origina interpretaciones abusivas: así, sin mayores precauciones exegéticas, se señala con ligereza que los chané creen literalmente que estas aña-häti 'son' los espíritus de los muertos. Nuestra intención aquí consiste, justamente, en examinar con cierto cuidado esa sola idea; no para negar su realidad, sino más bien para problematizarla al restituirla a su contexto de sentido correspondiente, advirtiendo matices que revelen en qué medida es lícito –si es que lo es– traducir la vaga, nebulosa y presentida identificación entre enmascarados y muertos a equivalentes de ideas como 'transformación', 'posesión' o 'encarnación'. Parece imperioso, en este sentido, realizar una revisión crítica de la presunta credulidad de los chané, haciendo el esfuerzo de evitar algunas de las trampas que nuestras categorías y nuestro propio lenguaje nos imponen en la labor de traducción.