Diseño De Indumentaria

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¿Cómo nace, crece y se consolida el diseño de indumentaria en Buenos Aires hasta convertirla en una ciudad referente de América Latina? Tras la crisis de 2001, cada año eran más los estudiantes que elegían inscribirse en carreras de este tipo de diseño en la ciudad de Buenos Aires. También comenzaban a presentarse diferentes iniciativas privadas, empresariales, junto a incipientes políticas públicas que apuntaban a su desarrollo, y poco a poco comenzaba a hablarse de diseño de indumentaria en los suplementos de diarios y revistas especializadas. Hoy, encontramos una oferta diversificada de producción local en indumentaria marcada por la impronta del valor agregado del diseño. Buenos Aires se hizo eco de este dinamismo: hablamos de mecanismos económicos, sociales y simbólicos que sostienen miles de puestos de trabajo, que producen miles de pesos en ganancias y que incluso –poco a poco– moldearon la imagen de algunos barrios y la percepción misma de la ciudad proyectada hacia afuera.
En este libro se analizan las trayectorias de diseñadores que, a contrapelo del contexto económico, se hicieron empresarios y cuyos emprendimientos resultaron exitosos tanto simbólica como económicamente. Este proceso implica la puesta en marcha de una serie de redes en las cuales interviene un conjunto de personas que ponen en juego sus relaciones, instituciones e intermediaciones, y movilizan una importante energía y capital social, económico y simbólico. La investigación se concentra en el hilván secreto de estos mecanismos sociales de la producción de lo fashion.

Es interesante el desafío que nos plantea el tema, ya que como explicaremos más adelante, hemos trabajado en la enseñanza del diseño de indumentaria desde hace más de 8 años, en pos de la construcción de una mirada particular y a través del fomento para propiciar espacios de vinculación como una manera de reforzar la construcción del conocimiento y la formación integral en relación con las problemáticas manifiestas en los diferentes niveles y sectores del territorio. En primer lugar, consideramos pertinente comentar sobre la problemática planteada y su relación con el rol del diseño. En este sentido, como todos sabemos, en los últimos años se evidencia un aumento, en complejidad, magnitud y conexión, de problemas de escala global que obliga a afrontarlos con un enfoque integral. Especialmente es el caso de las problemáticas ambientales como la contaminación de suelo, agua y aire, cambio climático, deforestación, desertificación, y pérdida de biodiversidad. Entonces podemos pensar, sin miedo a equivocarnos que el desarrollo, producción y venta de productos, servicios y experiencias, anclados en el objetivo de acumulación de capital y crecimiento económico, que promueven y satisfacen patrones de consumo convenientes a este fin, son la explicación a las problemáticas ambientales mencionadas. Estamos convencidos que el diseño cumple un rol muy importante en la solución de estos problemas. Cuando pensamos específicamente en el diseño de indumentaria, consideramos que debiéramos preguntarnos ¿Cuál es la mirada que tiene la cultura local, o sea, nuestra sociedad sobre el diseño de indumentaria contemporáneo? La preponderancia de la función simbólica de la indumentaria con contenidos de moda, por ejemplo, como elemento de distinción, ha contribuido con la banalización de la moda en general y esto también recae sobre la enseñanza de diseño de indumentaria, se de esta manera genera una mirada peyorativa. Al estar inscripto en esta lógica, hemos enseñado a renovar las aspiraciones de consumo en cada temporada y a contribuir en la trasformación de una disciplina, que originalmente estaba relacionada al rol del modisto, artesano y luego al diseñador, y hoy es funcional a una de las industrias más contaminantes del planeta. Nos cuestionamos entonces en que momento el diseño de indumentaria pasó de resolver las necesidades de la gente a ser una disciplina que solo busca satisfacer las necesidades del mercado, con consecuencias no gratuitas, cuando perdió una de sus razones de ser. El capitalismo industrial fue determinante en este proceso. ¿Como sucedió? Fue muy fácil: si la moda nos exhorta al cambio, pero los productos con contenido de moda son de uso efímero, solo pueden democratizarse las tendencias y orientarse a las mayorías si estos objetos sujetos a la moda cuestan cada vez menos. Y ese es el éxito de la moda rápida y una de las fuertes consecuencias. Es importante destacar aquí algo muy cierto, el concepto de desarrollo sostenible no es nuevo y ha evolucionado en el tiempo, lo que no ha evolucionado al mismo ritmo es la manera de llevarlo a la práctica. Las sociedades, las empresas y los gobiernos han abordado la sostenibilidad como un objetivo con diferentes modelos industriales y desde una perspectiva lineal. Incluso

Both practice and education in clothing design in Latin American countries such as Colombia, have been focused on the stylistic production of forms directed towards accelerated consumption, under the premises of fashion trends. Consequently, different social problems centered in the relation body-artifact are left behind, especially those from minority groups, like the people who live in poverty, disability, rural contexts, and forced displacement, amongst others. These conditions require an approach from clothing design that addresses, not only the operational and functional aspects, but also those linked to an understanding from the intuitive, affective and emotional factors of their surrounding world.

El artículo se refiere las acciones artísticas del grupo Las Inalámbricas, de la ciudad de Buenos Aires. Se parte de la hipótesis de que las acciones del grupo pueden leerse como una temprana y vital respuesta a los embates del terror dictatorial y sus secuelas durante la apertura democrática. Siguiendo esa idea, se reconstruyen sus principales acciones y se analizan los modos en que en ellas se conjugan arte, cuerpo-vestido y política, a partir de la utilización de las herramientas conceptuales de la sociología de la moda y del arte.

Resumen. El presente trabajo tiene por objeto el estudio el vestido femenino de fallera y su impacto en las festividades valencianas llamadas Fallas. Actualmente, el traje de fallera se encuentra entre la tradición y modernidad, entre lo sacro y lo profano, ya que se ha empleado como un elemento idiosincrático para engrandecer al pueblo valenciano, también, se sigue manteniendo como inspiración para creativos y diseñadores contemporáneos. Asimismo, debemos detenernos ante la manufactura sedera valenciana, puesto que Valencia se convirtió en el siglo XVIII el principal centro de producción de sedas en la península en detrimento a Toledo. La monarquía contribuyó a la realización de una política mercantilista de producción y al fomento de la fabricación textil nacional. La seda y su decoración constituyeron una de las más relevantes manufacturas modernas, que hasta hoy en día siguen estando presente en las festividades populares.

Abstract. The purpose of this work is to study the female dress of fallera and its impact on the Valencian festivities called Fallas. Currently, the fallera suit is between tradition and modernity, between  the sacred and the profane, since it has been used as an idiosyncratic element to enlarge the Valencian people, also, it is still maintained as inspiration for creative and contemporary designers. Likewise, we must stop at the Valencian sedera manufacturing, since Valencia became in the 18th century the main center of silk production in the peninsula at the expense of Toledo. The monarchy contributed to the realization of a mercantilist production policy and the promotion of national textile manufacturing. Silk and its decoration were one of the most important modern manufactures, which until today are still present in popular festivities

Journal of the Sociology and Theory of Religion (E-ISSN 2255-2715). Núm. 2 (2020): Número Extraordinario: Indumentaria, Rito y Religión: La Religiosidad popular como elemento de reproducción cultural y socioeconómica.

Relegada al rincón de la subjetividad y el estilo, la indumentaria ha cargado durante décadas el estigma de devenir diseño sin el debido reconocimiento de los demás diseños. Su carácter temporal, su sospechosa cercanía a una autoría artística y al flujo pasatista de la moda ha impedido durante un largo tiempo su inclusión sin reparos en el mundo de los diseñadores. Algo de lo inefable se cierne en esa resistencia. Quizás por converger en la moda y en la indumentaria un conjunto de fenómenos sociales que, muy lejos de la frivolidad, son visiblemente serios y complejos, y por cierto nada nuevos. En ese sentido, el haber sido objeto privilegiado de reflexión de la teoría social ya da una pista muy clara en relación a la magnitud y el evidente carácter social que recubre a la moda en las sociedades modernas. El orden simbólico de una sociedad, la construcción de los géneros, las diferencias sociales, las ideas de uso, pervivencia y obsolescencia, el protagonismo del cuerpo, la relación entre individualidad y grupalidad, la irrepetibilidad y la seriación, la unicidad y la tipología de uso, son un abanico muy extenso de problemas que cruzan a este fascinante objeto de estudio. El libro que aquí se presenta es el resultado de ese rico y complejo proceso reflexivo. Invito a leer con detenimiento este logrado volumen (Verónica Devalle).

Este artículo, presenta parte de los hallazgos de la tesis doctoral El vestido como artefacto del diseño: consideraciones para su estudio y reflexión al interior del pensamiento de diseño (2016), en la cual se afirma que todo proyecto de diseño del vestir ha de considerarse como proyecto de diseño del cuerpo. En consecuencia, para pensar un diseño del cuerpo vestido desde y para el sur, los diseñadores deben incluir decisivamente en su práctica, un ejercicio de conciencia acerca de la trascendencia de sus proyectaciones sobre las vidas de las personas y sobre los contextos en los que estas habitan. El bajo compromiso, frente a estas dos importantes consideraciones, ha caracterizado la acción del profesional del diseño del cuerpo-vestido, la cual privilegia la estilización de la forma indumentaria sobre las condiciones sociales culturales de las personas. En estas líneas, se enuncian los argumentos por los cuales esta situación resulta problemática, no solo para las personas participantes en la acción del diseño, sino para la concepción misma de la profesión, pues su práctica, en un sentido amplio, se aparta de la que podría denominarse como la ideología de la disciplina centrada en la pregunta por el bienestar humano en un mundo artificial. El objetivo principal de este artículo es por tanto, interrogar críticamente a las profesiones y profesionales del diseño del cuerpo-vestido acerca de su conciencia sobre el contexto de su práctica y la trascendencia de sus acciones frente a la producción y reproducción de usos del cuerpo.

La presente investigación establecerá una relación entre la retórica del diseño de indumentaria y la construcción de identidades de género no binario en las colecciones de diseñadores/as emergentes; si se tiene en cuenta que estas propuestas se presentan en desfiles de moda con un carácter performativo.
Se analizará los argumentos retóricos que permiten que los/as diseñadores/as de indumentaria deconstruyan los roles de género asignados a la vestimenta por el pensamiento binario; si entendemos a los modos de vestir como un dispositivo que cumple un rol importante para generizar a los cuerpos y hacerlos inteligibles; pero que también pueden tener un carácter subversivo, como en el caso de las prácticas travestis y en el estilo de las identidades queer.
Es así como dichos/as diseñadores/as emergentes desarrollan marcas bajo la premisa de deconstruir el binarismo y de presentarse como propuestas contrahegemónicas dentro de la industria de la moda.

A lo largo del siglo XX y principios del siglo XXI, los estándares de belleza, salud y bienestar referidos al cuerpo han variado mucho; pero sobre todo la industria de la moda ha dejado claro que las siluetas delgadas son las que deben ser celebradas y representadas como aspiracionales. La moda asocia la delgadez al bienestar y a la salud con fines meramente comerciales; ya que “al ser la belleza cada vez menos un don y cada vez más un trabajo”, obtener el cuerpo deseado requiere de una inversión de tiempo y de dinero.
¿Pero qué cambios se han dado en la representación del cuerpo, tanto en la industria de la moda como en el diseño de indumentaria, durante las primeras dos décadas del siglo XXI? ¿Y de qué manera la actual revolución del género ha modificado estas formas de representación? A continuación, explicaré estos procesos con la ayuda de algunos ejemplos de la cultura pop, la moda y el diseño de indumentaria.

"De la comunidad a la boutique. Reflexiones en torno al trabajo del textil tradicional y la alta costura en México."
El presente documento es un breve recuento de algunas reflexiones en torno a los resultados obtenidos durante el proceso de investigación y elaboración de mi tesis de posgrado "El arte textil tradicional de Hueyapan Puebla y su inclusión al sistema de la Moda global. Una perspectiva desde la Antropología del Diseño y los Fashion Studies." Por tal motivo he decidido dividir el presente documento en tres momentos, en el primero se abordará un pequeño marco teórico-contextual para después describir de forma breve a los actores y sus entornos, al final se abordarán de forma breve algunas reflexiones aunque están todavía en construcción pero que ya pueden tomarse como conclusiones finales, así como posibles hilos para investigaciónes futuras.

Saberes, refinamientos y modas. Relaciones laborales entre (el mundo del) diseñadoras y (el mundo del) artesanas: el caso de las mujeres bordadoras de la comunidad de Hueyapan, Puebla.
El desarrollo de los estudios de la moda o Fashion Studies en América Latina, resulta un campo fértil y en pleno desarrollo para la transversalidad de disciplinas que abordan a la indumentaria como un fenómeno cultural y relevante para su estudio.

Se trata de un texto desde muchos puntos de vista excepcional. Aun cuando el autor se apoya en trabajos anteriores, lo esencial surge de sus investigaciones llevadas a cabo con minuciosa precisión; en realidad extraordinarias y sobre todo novedosas. Demuestra cómo el Ejército Libertador de Cuba se adapta a sus condiciones particulares de vida en la manigua. Prácticamente todos los aspectos de la vida cotidiana de los mambises han sido estudiados: tácticas y estrategias militares, vivienda, medios de transporte, armamentos, alimentación, indumentaria, farmacopea, etc. Sin duda, estamos frente a una obra que por su gran novedad, amplitud y precisión es única. De sedimentada metodología y de gran aportación a la historia de Cuba y de América Latina [Dr. Bernard Lavallé, Université Paris III - Sorbonne Nouvelle].
Reseñas científicas:
-CALIBAN, Nº. III, 2009, por O. Portuondo.
-REVISTA DE LA BIBLIOTECA NACIONAL JOSÉ MARTÍ, Nº. 1-2, 2010, por O.
Portuondo.
-DEL CARIBE, Nº. 52, 2008, por I. Escalona.

Reseñas divulgativas:
-PORTAL EDUCATIVACUBANO: http://www.ispmtz.rimed.cu).
-CUBA LITERARIA: http://www.cubaliteraria.cu).
-TRABAJADORES, La Habana: http://www.trabajadores.cu.
-TV YUMURI, Matanzas, Cuba: www.tvyumuri.icrt.cu.
-ECURED: www.ecured.cu.
-CubaEduca: www.cubaeduca.cu.
Presentaciones:
-Feria del Libro, Santiago de Cuba, 05/02/2009.
-Colegio de España, Paris, 09/07/ 2009.
-Feria del Libro, Matanzas, Cuba, 25/02/2010.

El presente artículo derivado de la investigación doctoral El vestido como artefacto del diseño: Contribuciones para su estudio y
reflexión al interior del pensamiento del diseño (2016), la cual propende por un conocimiento del vestido al interior desde la reflexión
teórica del diseño y sus fronteras con otras áreas del conocimiento, a partir de dos instancias que definen su identidad como artefacto:
a) la capacidad de recrear el cuerpo de su portador, para lo cual se revisan algunas teorías alrededor del cuerpo y los artefactos, en
especial el vestido, en los siglos XX y XXI (Baudrillard, 1974, 1980; Attfield, 2000; Onfray 2002; Dagognet 1989; Belting 2002, 2005,
2006; Eicher, 2013). Y b) la experiencia de dilución de las fronteras entre sujeto y objeto que se da en el momento de su uso, desde el
estudio diferentes autores y conceptos que aluden a esta interrelación (Ortega y Gasset, 2010 [1957]; Merleau-Ponty, 1962; Bourdieu
1988; Broncano, 2005, 2009, 2012).
Palabras clave: diseño, vestido, cuerpo, prótesis, interfaz







The present article presents part of the results of the doctoral research Dress as an artifact of design: Contributions for its study and
reflection within the design thinking (2016), which seeks for a knowledge of the dress into the design thought, from the theoretical
reflection of design and its borders with other areas of knowledge, from two moments that define its identity as an artifact: a) the
ability to recreate the body of the wearer, for which some theories were revised around body and artifacts, especially the dress, in he
20th and 21st centuries (Baudrillard, 1974, 1980; Attfield, 2000; Onfray 2002; Dagognet 1989; Belting 2002, 2005, 2006; Eicher,
2013). And b) the dilution of boundaries experience between subject and object which occurs at the time of use, from the study of
different authors and concepts that allude to this interrelation (Ortega y Gasset, 2010 [1957]; Merleau-Ponty, 1962; Bourdieu 1988;
Broncano, 2005, 2009, 2012).
Keywords: design, dress, body, prosthesis, interface.

A presente dissertação, apresentada para defesa perante a banca de avaliação para obtenção do
grau de mestre, é dedicada ao estudo das marcas empresariais que agem, por meio de suas
estratégias promocionais, na formação dos hábitos e desejos de indeterminados grupos sociais.
Apresenta-se como questão fundamental a seguinte dúvida: “Há, efetivamente, influência das
imagens marcárias no universo sociocultural?” e, para o desenvolvimento do tema, de abordagem
fenomenológica, foi utilizado, basicamente, o método hipotético-dedutivo, que iniciou com o
estudo de conceitos, seguido da seleção e da análise de discursos imagéticos proferidos pela
Nike, e do perfil dos seus consumidores. A estratégia propagandística elaborada pela empresa
esportiva foi apresentada como modelo de discurso persuasivo, invasivo e capaz de modificar a
sociedade sem violência nem armas, mas com imagens que tornam seus produtos necessários
para a constituição do “ser” entre grupos jovens. O texto apresenta um estudo de caso: os jovens
adolescentes que se encontram no Shopping Tijuca. Analisando o universo social desses jovens
que são da classe média carioca, seus hábitos e atitudes, chegamos à conclusão de que há
influência decisiva de certas marcas na desejabilidade dos grupos e de que o desejo de
espelhamento na imagem relacionada a determinadas marcas induz à aquisição do simulacro, se
necessário, a fim de garantir a semelhança nas tribos para poder “ver-se” como um participante.

El libro aborda la estrecha relación entre el tejido de rebozos en la región purépecha del estado de Michoacán (México) y las identidades étnica y de género. Además, se describen las técnicas de tejido, así como la imbricación del rebozo en la vida cotidiana y ritual de este pueblo indígena de México

Este artículo analiza las transformaciones urbanas preguntándose por la estetización del espacio, la espacialidad de lo estético y las formas que adoptan la producción, los intercambios y la circulación de productos simbólico-creativos en el espacio urbano. Este trabajo se pregunta: ¿qué hace la producción creativa con el espacio? ¿Qué hace el espacio con esa producción? Se analiza el caso del barrio de Palermo en Buenos Aires haciendo foco en las transformaciones urbanas en relación con el desarrollo de las industrias creativas. En estos procesos, el espacio del barrio reproduce y amplifica elementos que contribuyen a definir y valorizar simbólicamente la producción del propio territorio.

Este estudio analiza los cambios y permanencias experimentados por las sociedades del valle medio del Ebro y del Pirineo central a finales de la Edad Moderna, a través de su indumentaria. La influencia de las modas extranjeras, la necesidad práctica y los posibles de cada individuo son elementos a través de los cuales se calibran unas variaciones que progresivamente transportaron a aquellas gentes de unos usos modernos al mundo liberal decimonónico

Este trabajo analiza el proceso de valorización, legitimación y creciente autonomía que adquiere el diseño de indumentaria a partir del año 2000 en Buenos Aires, centrándose en diseñadores profesionales-empresarios. Usando como disparador la preocupación por los mundos de la “alta cultura”, la producción cultural, estética y de valor simbólico en la obra de Pierre Bourdieu, se retoman sus ideas a propósito de los “universos de creencia” para articular la presencia de diferentes actores con lógicas particulares en un espacio relacional compartido por productores, productos, intermediarios y público, donde se construyen, reproducen y renuevan gustos y preferencias, donde se negocian posicionamientos y se plantean jerarquías.

El trabajo se refiere a las producciones estéticas de Genios Pobres, grupo de artistas y diseñadores surgido a fines de los años 80 en la Ciudad de Buenos Aires, entre quienes se hallaban Sergio De Loof, Gabriela Bunader, Andres Baño, Gabriel Grippo, Cristian Delgado, Marula Di Como, Pablo Simón, Kelo Romero y Cayetano Vicentini. Se realiza primero una reconstrucción de sus acciones en torno al bar Bolivia y la Primera Bienal de Arte Joven, para analizar luego su presentación en la muestra Genios Pobres en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Este evento visibilizó tempranamente en la institución un fenómeno contracultural que fue al mismo tiempo un programa artístico y de contra-costura, signado por fecundos cruces que difuminaron los límites disciplinares, renovaron los lenguajes estéticos contemporáneos y dieron lugar a la aparición de nuevas poéticas vestimentarias, listas para exhibir y usar.

Modelo del Mes de diciembre del 2021 dedicado a un spencer con diversas manipulaciones de los primeros años del siglo XIX. En este estudio se ahonda en la datación y procedencia de la pieza, además de contextualizarla a finales de los siglos XVIII y primeros de la nueva centuria.

Museo del Traje CIPE, Madrid
Modelo del Mes de diciembre de 2021
NIPO: 822-21-006-1

El Curso de Posgrado de Diseño de Indumentaria de la Facultad de Arquitectura Urbanismo y Diseño, de la Universidad Nacional de Córdoba, propone entre sus objetivos formar profesionales capacitados en la generación de valor en el sector textil y del vestido en etapas de diseño, producción y gestión sustentable, fortaleciendo el vínculo entre universidad e industria. A su vez, contribuir desde el conocimiento y perfeccionamiento profesional, supone la posibilidad de minimizar los impactos que el actual sistema de producción manifiesta gracias a la incorporación de criterios de sustentabilidad anclados en la innovación, investigación y desarrollo de industrias locales.
Las primeras experiencias académicas permitieron identificar la necesidad de profundizar en el trabajo interdisciplinario para ofrecer mejores herramientas al egresado. Con el propósito de agregar valor desde el diseño y generar prácticas que, además de resultar interesantes experiencias académicas, puedan aportar a la incorporación de prácticas sustentables desde la materia prima es que se generó la vinculación estratégica entre la Universidad y la Hilandería Warmi. Warmi es una empresa y emprendimiento social que busca potenciar una Hilandería de casi 100 años en donde las materias primas se caracterizan por ser fibras naturales, y su proceso de producción garantiza practicas de bajo impacto ambiental en todo su desarrollo.
La metodología utilizada fue formar equipos heterogéneos entre estudiantes y marcas cordobesas contemporáneas, y generar procesos de diseño y producción incorporando los nuevos enfoques de sustentabilidad que se discuten hoy en el sector textil. Las actividades del proceso implicaron la articulación de los contenidos del Curso, por un lado desde la investigación teórica y, por otro, a través de ejercicios de conceptualización, investigación proyectual y experimentación textil, bajo la tutoría del cuerpo docente.
Para los estudiantes significó la posibilidad de trabajar con materia prima cuya trazabilidad completa es posible y desarrollar un proyecto real vinculado a la sustentabilidad y a la realidad regional. Para Warmi significó la posibilidad de descubrir posibilidades de innovación a partir del trabajo y experimentación con su materia prima.

En el marco de la lucha por la legalización del aborto en Argentina –específicamente en la ciudad de Buenos Aires entre el 2018 y el 2020–, el símbolo de la Campaña Nacional por el Derecho al Aborto Legal, Seguro y Gratuito representado por el pañuelo verde excedió su lugar de origen expandiendo y generando nuevas ocasiones, modos de uso y ampliando sus significados. El presente artículo indaga sobre el lugar que ocupó el pañuelo verde en la lucha por la legalización del aborto, haciendo foco en las características de esta prenda política que incidieron en la problematización del género, desde su actuar performático.

Agamben realiza una relectura a Foucault y define a los dispositivos como “todo aquello que tiene, de una manera u otra, la capacidad de capturar, orientar, determinar, interceptar, modelar, controlar y asegurar los gestos, las conductas, las opiniones y los discursos de los seres vivos”. Hacia el siglo XXI, los dispositivos han modelado, contaminado y controlado todos los instantes de la vida del ser humano y van desde el lenguaje, la escritura y la indumentaria generizada , hasta la televisión, las computadoras y los smartphones.
Es así que Monterde define al cine como “un gran dispositivo de naturaleza semiótica resultante de la articulación de un conjunto de dispositivos absolutamente necesarios y relativamente autónomos”. El autor identifica que el cine está compuesto por seis dispositivos: tecnológico, narrativo, socioeconómico, espectatorial, estético-artístico y representacional.

El presente texto se enfocará en el fashion film como un género cinematográfico relativamente definido e independiente, el mismo que puede ser entendido como un “dispositivo híbrido” al fluctuar entre el marketing experimental, el arte audiovisual y la editorial de moda. Se analizará el film “Certezas” (2017), dirigido por el artista interdisciplinario español Ernesto Artillo, en colaboración con la marca china Izzue.

La siguiente ponencia explora el espacio en el que el ser humano se encuentra con un ente inanimado que es a su vez el constituyente de su propia identidad humana: el vestido. Busca tender puentes conceptuales entre la biología y el diseño, los cuales se han circunscrito al biodiseño y a la biónica. A partir de analogías y metáforas de los tipos de adaptaciones y clasificaciones de las relaciones interespecie que propone el campo de la biología (mutualismo, simbiosis, proto cooperantes, amensalismo, entre otras), se analiza la relación de determinación mutua entre cuerpo y  vestido (análisis de referentes), con el fin de reconocer los impactos externos que esta genera; ya que no solo tiene este artefacto la capacidad de transformar el cuerpo sino el espacio en el que este habita. Las conclusiones  abarcan desde una coamprensión de las redes complejas
que se tejen entre cuerpo-vestido-hábitat; una ética del cuerpo vestido que pone en cuestión a la sostenibilidad; las dualidades entre sujeto-objeto, individuo-sociedad, natural-artificial y los subsecuentes compromisos
que ha de adquirir el diseño como pensamiento y práctica frente a los efectos del posthumanismo, las relaciones de horizontalidad en entre sujetos y objetos, lo vivo y lo no vivo.

Resumen. El estudio de la moda se convierte en un fenómeno de profunda significación por la impronta que dejan en ella los factores económicos, sociales, estéticos y evolutivos, puesto que a partir del siglo XIX nacen los primeros análisis de indumentaria femenina y se conocen los creadores que están detrás de la apariencia de las reinas. En el siguiente artículo daremos las principales claves de la imagen y apariencia de la reina María Isabel de Braganza, además analizaremos los primeros vestidos de corte de la segunda esposa de Fernando VII.

Editor: Fernando Criado
ISSN: 2695-5997
Depósito legal: CS 1188-2019

Originalmente acuñado en el siglo XIX como un título honorífico para las principales sopranos de ópera, el término diva, que proviene del latín “diosa”, ha ampliado constantemente su uso y significado en la “cultura gay” para referirse a una amplia gama de intérpretes femeninas de diversos géneros musicales y estratos de la cultura, cuya personalidad espectacular y su extravagancia performativa, inspiran la devoción de la población queer (Farmer, 2005). Para Craig Jennex (2013) este fanatismo responde a la búsqueda de un escape de la realidad heteronormativa, de un potencial político, de un sentido de comunidad y de una resistencia queer utópica. Sin embargo, las más famosas divas de la cultura pop, convertidas en “iconos gay”, fueron y son mujeres heterosexuales cisgénero, es decir, que no forman parte en sí de la disidencia sexo-genérica. Y es aquí donde surge el problema de la representación de la identidad y del cuerpo, ya que las personas trans han tenido una menor representación en la industria del entretenimiento (proveniente de Europa y Norteamérica) e incluso tienen menor protagonismo dentro de la comunidad LGBTIQ+.

Entonces surge una importante pregunta ¿dónde están las divas disidentes? durante las dos primeras décadas del siglo XXI han sucedido cambios en la escena de la música pop y electropop, donde artistas que se autoperciben trans y no binarixs han ganado mayor representación y respeto de parte de la crítica, tales como: Sophie, Christine and The Queens, Dorian Elektra o Kim Petras. En este contexto se encuentra Alejandra Ghersi, conocida en la escena musical como Arca, una artista transgénero venezolana, basada en Barcelona, quien se desempeña como cantante, DJ, performer, productora y compositora; cuyo gesto performativo, desde la feminidad trans, nos permitirá cuestionar la construcción del cuerpo, el género y la femineidad en el siglo XXI.

Es de extrema importancia reconocer que dentro del sistema productivo de la moda actual, existe una inminente carencia de valor sobre los daños que las actividades industriales producen y el impacto que generan en el medio ambiente; coexisten a su vez fuentes científicas que verifican y profundizan sobre cómo el planeta tierra está sufriendo dicha falta de noción en lo que hace a la sostenibilidad. Acumulación de metales pesados en la tierra , aumento de los gases del efecto invernadero, lluvia ácida sobre bosques, lagos y cosechas, reacciones químicas desarrolladas en animales y humanos, son sólo algunos de los efectos que causa la ignorancia del ser humano sobre la industria de la moda. Se prescribe una falta de responsabilidad en el sistema productivo de la moda bajo el consenso de un respeto por los ritmos humanos y la calidad de vida mínima que todos los eslabones de la cadena productiva deberían obtener. Su circuito globalizado genera, desde su conformación, importantes marcas de corrosión medioambiental y la exigencia de una acelerada rotación de producto que se traduce en cantidad incalculable de prendas en desechadas por año.
A modo de establecer un panorama sobre la problemática, se expone a lo largo del  presente trabajo de investigación, documentación de carácter elemental y estadísticas fehacientes que dejan en evidencia la existencia de dos modelos que conviven e interactúan actualmente dentro del Sistema de la moda. El tradicional vigente, instalado de manera monumental en la sociedad de consumo, con sus mecanismos y circuitos establecidos, y otro que emerge en las últimas décadas, que se apoya sobre el cuestionamiento del sistema mencionado anteriormente, planteando una alternativa de producir  moda que se desarrolla de manera más sustentable, y busca reducir el impacto ambiental y generar propuestas que desarrollen procesos de diseño más amigables con el medio ambiente.

En búsqueda de aportar posibles respuestas que lo contemplen, se considera de gran importancia instalar una mirada crítica con foco en la ciudad de Córdoba y en su desempeño dentro de dicho escenario con el propósito de incrementar el desarrollo de proyectos de indumentaria que involucren un nuevo enfoque, siendo planteados desde procesos productivos más eficientes y sustentables, que prioricen la ética y el compromiso profesional; haciendo hincapié en profesionales del área, productores del rubro, y estudiantes en proceso y cómo éstos tienen a su alcance la posibilidad de generar un cambio en la industria. La idea surge en prioridad, como un aporte con profundidad de análisis tanto en los sectores de producción, como así también las propuestas de proyectos de indumentaria sustentables y éticos. Pero ante todo, como respuesta a la insuficiencia de conocimiento, información y transferencia del concepto de Moda Ética en el ámbito académico detectado en la Ciudad de Córdoba, con el objetivo central de brindar herramientas que colaboren con su transferencia dentro del campo del Diseño de indumentaria en la misma.

Este trabajo analiza el diseño de indumentaria, respecto del componente simbólico que encarna en su producción y que se traduce en un valor agregado económico. En este sentido, se entiende el diseño como una economía creativa, es decir que produce valor a partir de un plus simbólico que se plasma en un producto determinado. Se explora la forma en que se produce diseño de indumentaria en la Ciudad de Buenos Aires, a partir de los cambios estructurales que se dieron en el país a nivel económico, político, social y cultural, durante la década del ’90. Se ve este tipo específico de diseño como un emergente de ese contexto, a la vez que se sigue el proceso de su valorización, legitimación y su creciente autonomía como disciplina desde el 2000 en adelante, cuyo exponente más interesante se encuentra –en esta propuesta- en los diseñadores profesionales, egresados de la UBA que se convierten en empresarios durante ese período. A la vez, este proceso se reconstruye el recorrido del diseño por diferentes espacios urbanos que dan cuenta de su fortalecimiento como disciplina.

El objetivo principal se centra en la revisión de los conceptos necesarios para abordar la construcción de una teoría del diseño de vestuario. La cual, proponemos, haya su fundamento en la pregunta por si el vestido como artefacto del diseño requiere de un estudio diferenciado dentro del campo disciplinar. Para abordar esta pregunta desarrollaremos algunos de los principales argumentos por los que consideramos que esta consideración es válida y nece-saria en el siguiente orden: 1) presentación de algunas de las dificultades que la reflexión sobre el vestido ha tenido que experimentar en los últimos catorce años (2001–2015); 2) posteriormente, abordaremos las condiciones que el di-seño de vestuario como especialidad del diseño no debe olvidar; 3) pero también las premisas sobre las cuales funda las bases de su autonomía con respecto a las otras objetivaciones del mismo; 4) concluiremos con la propuesta de una reflexión sobre el vestido al interior del campo disciplinar del diseño, que contemple sus múltiples dimensiones como artefacto.

Resumen. El objetivo de este trabajo es examinar el real guardarropa de la reina poniendo en valor el trabajo de la costura a través de las primeras modistas de la esposa de Carlos IV. La acción de vestirse en el ámbito cortesano se ha abordado con frecuencia de manera periférica, con la finalidad de ilustrar un discurso sobre el poder real. La aparición de las primeras creadoras de moda en el reinado de María Luisa han pasado desapercibidas en los estudios biográficos e historiográficos dedicados a la soberana, además se convirtieron en identidades artísticas en el arte de la confección española y francesa. La gran mayoría de ellas eran de nacionalidad francesa y se establecieron con su propia familia, la cual estaba ayudando en la casa de modistería como era el caso de la modista Joseph Martin y Maria Moulinier y Darguins, entre las
más destacables.

Abstract. The objective of this work is to examine the royal wardrobe of the queen, highlighting the work of sewing through the first dressmakers of the wife of Carlos IV. The act of dressing in the court environment has often been addressed peripherally, in order to illustrate a discourse on real power. The appearance of the first fashion creators in the reign of María Luisa have gone unnoticed in the biographical and historiographic studies dedicated to the sovereign, they also became artistic identities in the art of spanish and french clothing. The vast majority of them were French nationals and settled with their own family, which was helping in the dressmaker’s house as was the case of the dressmaker Joseph Martin and Maria Moulinier and Darguins, among the most notable.


Editor y coordinador: Lola Dopico, Universidad de Vigo
ISBN: 978-84-8158-854-5
Depósito legal: VG 442-2020
Disponible en: https://drive.google.com/file/d/1kEBmrnlFfAF6juzpNAbWBF5JNWhdsIQL/view?usp=sharing