Estetica

Nel corso degli ultimi trent'anni la rapida evoluzione delle tecnologie digitali ha determinato la comparsa di nuove tipologie di immagini e di nuovi dispositivi di visione, introducendo forme inedite di visualizzazione e di spettatorialità. A fronte di un panorama iconico e mediale in continua trasformazione, diventa sempre piú urgente elaborare una serie di concetti e di strumenti in grado di aiutarci a comprendere la dimensione culturale -tecnicamente, socialmente e storicamente determinata -delle immagini e dello sguardo. Il volume ricostruisce innanzitutto le origini del concetto di «cultura visuale» e lo sviluppo di quell'ampio campo di studi che si è affermato a livello internazionale con i nomi di visual culture studies e Bildwissenschaft, determinando una vera e propria svolta iconica nelle scienze umane e sociali (e persino in settori rilevanti delle scienze naturali). Vengono quindi presentate le coordinate teoriche e metodologiche essenziali per affrontare un'analisi critica delle culture visuali del presente e del passato. Sommario: Introduzione. i. Un campo di studi transdisciplinare. ii. Genealogie. iii. Occhi, sguardi, spettatori. iv. Supporti, media, dispositivi. v. Alta e bassa definizione. vi. Gli usi sociali delle immagini. -Bibliografia. -Indice dei nomi.

The musical universe of the 20th and 21st centuries is a force-field in which styles, instruments, personalities and stories can be found that are ascribable to conceptual frameworks that may differ greatly one from another. Such complexity cannot be traced back to single theories or all-encompassing interpretations, but may be tackled, philosophically, starting from certain characteristics. This book identifies nine such characteristics: namely, Extremes, Noise, Silence, Technology, Audience, Listening, Freedom, Disintegration, and New Media. Each of these permits us to open up unforeseen philosophical-cultural paths and interpret, in its multifarious variety, the developments of contemporary music, profoundly interwoven with the history of thought, culture and society.

Hans Urs von Balthasar (Lucerna 1905 - Basilea 1988) è stato uno dei più importanti e influenti teologi del XX sec., soprattutto per aver realizzato unʼestetica teologica che ha prodotto una svolta estetica nella riflessione teologica. La sua estetica teologica è stata a lungo maturata dai suoi studi di letteratura e filosofia allʼUniversità di Vienna e di Berlino. La sua formazione, prima che teologica, fu filosofica. Il compito che questa tesi si propone consiste nell'illustrare l’interessante e originale interpretazione della storia dell’estetica che Balthasar espone nel IV e V volume della sua più importante opera, Gloria. Il quadro che emerge dell’intera storia dell’estetica occidentale raffigura e narra una drammatica bellezza: una bellezza in azione sul palcoscenico della storia del mondo, la cui luce nell’antichità e fino al medioevo si diffonde ovunque, perché l’essere è bello e il tutto è glorioso. In epoca moderna, però, la luce di questa trascendentale bellezza si vede o concentrarsi completamente sul soggetto, nella contemplazione della sua stessa bellezza e gloria, oppure si vede impallidire posandosi qua e là su ciò che il soggetto ritiene di suo gusto, fin anche a spegnersi tragicamente nell’epoca contemporanea, in cui l’estetica, ormai divenuta una scienza particolare, può permettersi di confondere e identificare il bello con il brutto. L’interpretazione che Balthasar propone deve essere considerata del tutto originale, poiché non trova alcun paragone con altre opere di carattere storico sull’estetica. E proprio per questo motivo va ritenuta di somma importanza per uno sguardo diverso e alternativo sull’intero arco della storia dell’estetica occidentale. Questo mio studio, pertanto, si propone di rendere evidenti i punti più originali e rilevanti di questa interpretazione della storia dell’estetica.
La sintesi proposta nella prima parte di questo studio dei due volumi dedicati da Balthasar alla storia dell’estetica non ha lo scopo e l’ambizione di riassumere nei dettagli le lunghe e sottili analisi svolte sui testi dei vari autori in più di 900 pagine. Lo scopo di questo studio consiste invece semplicemente nel rilevare l’evoluzione del cammino che porta tramite degli snodi fondamentali dall’estetica trascendentale dell’antichità e del medioevo all’estetica della ragion trascendentale dell’epoca moderna. In modo particolare cercherò di rilevare nell’interpretazione, che Balthasar offre dell’estetica dei vari autori, due temi che ritengo degni di nota.
Innanzi tutto il primo tema da rilevare sarà quello della relazione tra ontologia ed estetica, tra la concezione dell’essere e l’idea della bellezza dei diversi autori presi in esame. Balthasar analizza tutti gli autori presi in esame dal punto di vista della quadruplice differenza ontologica, che egli espone in modo compiuto nella conclusione dei due volumi.
Il secondo tema da rilevare lungo il percorso sarà quello della relazione tra estetica e storia. Quest’ultimo tema sarà sviluppato nella seconda parte di questo studio. L’analisi di come Balthasar affronta l’estetica dei vari autori sarà utile per comprendere non solo il suo particolare punto di vista estetico, ma anche per cogliere quali siano stati i suoi punti di riferimento, gli autori più importanti dai quali ha attinto le idee fondamentali per la sua stessa estetica drammatica.
Nella seconda parte di questo studio, infine, cercherò non solo di riassumere l’interpretazione della storia dell’estetica di Balthasar, ma anche ciò che da essa egli stesso ne ha ricavato per una sua particolare e originale estetica drammatica della e nella storia, la quale a mio avviso è uno dei più pregnanti contributi che questo teologo e filosofo ha lasciato in eredità alla teologia e alla filosofia. Un’estetica drammatica nella storia perché, come si evince proprio da questi due volumi, essa è pienamente in azione nella storia, in un cammino che, come si è già anticipato, fino ad ora si è dimostrato «più che drammatico» tragico per le sorti della bellezza. Un’estetica drammatica nella storia anche perché rivela l’essenza drammatica della bellezza nella sua intrinseca e inscindibile relazione con il bene e il vero.

Resumo As estrias surgem como lesões eritemato-purpúricas que evoluem para alterações brancas e atróficas. Ainda podem ser consideradas cicatrizes resultantes da lesão dérmica dos tecidos de conexão, nas quais o colágeno cede em resposta às forças estressoras locais. Nessa pesquisa o objetivo foi verificar o efeito da microdermoabrasão com peeling de cristal na terapêutica das estrias. Para tanto, foi realizado um levantamento bibliográfico por meio de livros e publicações de periódicos indexados (SciELO ,MEDLINE) que focalizavam o tema em questão. A técnica da microdermoabrasão não remove completamente as estrias, porém essa afecção fica cada vez menos visível com os sucessivos tratamentos. Essa revisão evidencia que a microdermoabrasão é uma técnica que remove células envelhecidas, estimula a produção de células jovens e, novo colágeno. Desse modo, o uso da microdermoabrasão provoca uma regeneração e uma melhora na textura da pele, consequentemente um progresso na melhora do aspecto das estrias. Por isso, é uma medida que pode ser utilizada pelo fisioterapeuta na abordagem terapêutica das estrias.

"A partire dal momento in cui si vuole fare una storia che abbia un senso, un uso, un'efficacia politica, non la si può fare correttamente se non a condizione di essere legati in un modo o nell'altro alle lotte che hanno luogo in questo settore. Ho cercato dapprima di fare la genealogia della psichiatria perché avevo una certa pratica ed una certa esperienza nell'ospedale psichiatrico e vi percepivo delle lotte, delle linee di forza, dei punti di scontro, delle tensioni. La storia che ho fatto non l'ho fatta che in funzione di queste lotte. Il problema, la posta in gioco, la scommessa era di poter fare un discorso vero, strategicamente efficace; o anche, come la verità della storia potesse avere politicamente un suo effetto."

L'intento è mettere in luce le modalità d'uso del pensiero nietzscheano da parte di Michel Foucault. A questo punto è legittimo chiedersi: che posto occupa Nietzsche all'interno della produzione foucaultiana? Cosa può voler significare "osservare la messa in funzione di un processo di significazione" del pensiero di un filosofo oramai appartenente alla storia della filosofia? Non stiamo forse sopravvalutando l'influenza che tale filosofo ha avuto nella filosofia contemporanea francese? E, d'altra parte, non si rischia di fare di Foucault un nietzscheano tout court? 

L'intento sarà, non di specificare quali parallelismi esatti si possano fare tra il filosofo tedesco e il pensatore francese, quale filiazione sia possibile diagnosticare, quali strumenti quest'ultimo abbia ereditato, quali percorsi abbia perseguito in funzione di una presunta "eredità" nietzscheana. Questo non significa rinunciare a qualunque riferimento filologico o attenzione mirata all'opera, dell'uno o dell'altro, ma non intendiamo neanche occuparci, in termini esclusivamente storico-filosofici, del ruolo di Michel Foucault nel quadro del pensiero francese contemporaneo. Piuttosto, vorremmo occuparci di come il pensatore francese abbia non tanto reinterpretato, quanto utilizzato l'effort nietzscheano in funzione della propria indagine, all'interno del proprio tempo.

RESUMEN:
BIOLOGÍA CULTURAL, CONTINGENCIA DEL LENGUAJE Y ONTOLOGÍA DEL EXPLICAR.
La Emoción en la Construcción de la Teoría; Crítica a la pretensión de objetividad en el conocimiento. Friedrich Nietzsche, Richard Rorty y Humberto Maturana.
En el presente artículo se esbozan controversias en torno a los sistemas de convivencia y dominios explicativos, la relación del lenguaje con la realidad, el rol constructivo del “observador”, la importancia de la experiencia estética, la reivindicación del emocionar humano y la constitución de lo patológico.
El fundamento de la biología del conocer está en el reconocimiento  del observador como constitutivo de lo observado–. Desde esta perspectiva epistémica unitaria vivir es conocer –y mientras mayor sea la plasticidad estructural de un organismo, mayor será su capacidad de conducta inteligente en la interacción con otros–.La ponencia se constituye como un espacio de investigación y experimentación a partir de preguntas que dan cuenta del desarrollo continuo de los ámbitos epistemológicos, comprensivos y explicativos que se generan a partir de abstracciones de las coherencias del vivir en los ámbitos generados por la Autopoiesis, la Deriva Natural, la Biología del Conocer, la Biología del Amar, el Conversar liberador y el habitar biológico-cultural en las Organizaciones y Comunidades Humanas.
    Se exponen los fundamentos de la teoría del conocimiento de Humberto Maturana, que surgen de tres preguntas: ¿Cuál es la organización del ser vivo? ¿Cuál es la organización del sistema nervioso? ¿Cuál es la organización del sistema social? Maturana desarrolla una teoría sobre la organización de los seres vivientes y la naturaleza del fenómeno del conocer basada en la autonomía operacional del ser vivo, proponiendo una descripción del operar cognoscitivo del ser vivo sin referencia a una realidad externa. Se esbozan controversias en torno a los sistemas de convivencia y dominios explicativos, la relación del lenguaje con la realidad, el rol constructivo del ‘observador’, la importancia de la experiencia estética, la reivindicación del emocionar humano y la constitución de lo patológico.
Espacio psíquico.  Co-inspiración (Richard Rorty)

1.- Una cultura surge como una red cerrada de conversaciones. Una nación o una época, por ejemplo, tiene una cultura particular con una red cerrada de conversaciones que uno conserva de manera consciente o inconsciente. Una familia tiene su propia cultura con una red cerrada de conversaciones que se conservan en el ejercicio de vivir. Entonces, cuando revelas esa red de conversaciones puedes orientarla de manera distinta.

Como señala  Richard Rorty[4]:

–  El mundo no habla. Sólo nosotros lo hacemos. El mundo una vez que nos hemos ajustado al programa de un lenguaje, puede hacer que sostengamos determinadas creencias.
La verdad no puede estar ahí afuera -no puede existir independientemente de la mente humana- porque as proposiciones no pueden tener esa existencia, estar ahí afuera. El mundo está ahí afuera, pero las descripciones del mundo no. Sólo las descripciones del mundo pueden ser verdaderas o falsas. El mundo de por sí –sin el auxilio de las actividades descriptivas de los seres humanos- no puede serlo.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca         
Universidad Complutense de Madrid

This work has been structured to be divided in two parts: the first section is focused on the epistemological basis with many references at theories and specific studies, instead, the second one, that is the real core of the elaborate, refers to a projectual proposal that embrace a new way to experience and perceive the children’s art museum.
Before the work on the project has begun a previous analysis on the concept of “children’s art” has been made. The main feature of this concept has been enucleated following an aesthetical and a psychological approach.
To consider children as artist is furthermore necessary for building new didactical paths intended to enhance children’s products.
The idea for this museum was born from the willing to realize a place in which children can recognize themselves and their own art. A very special environment that allow them to feel conscious about their creative and artistic power, to feel comfortable with their culture and
works.
A place that might become a bridge between the territory, the scholastic institution and the museum.
The school and the territory, at this point, are ready to configure as a network system that is capable to give new life to artistic education and children’s art.
Every actor of this system has been taken into exam to show its connection with children’s art and art’s education.
At the end of this analysis it has been definitively shown how a children’s museum like this is supposed to be and act with this aims in mind.

Hans Urs von Balthasar (Lucerna 1905 - Basilea 1988) è stato uno dei più importanti e influenti teologi del XX sec., soprattutto per aver realizzato unʼestetica teologica che ha prodotto una svolta estetica nella riflessione teologica, complementare alla svolta antropologica di Karl Rahner. La sua estetica teologica, da non confondere con una teologia estetica, è stata a lungo maturata dai suoi studi di letteratura e filosofia allʼUniversità di Vienna e di Berlino. La sua formazione, prima che teologica, fu filosofica.
Questo studio non ha la pretesa di prendere in considerazione tutti gli aspetti della sua filosofia ma semplicemente di rispondere a una domanda: che cosʼè la bellezza per Balthasar? Ritengo però che questa particolare prospettiva dʼindagine possa illuminare complessivamente, come da un centro dʼirradiazione, tutta la sua riflessione metafisica, ontologica e gnoseologica. La tesi generale che sʼintende dimostrare è la seguente: la metafisica di Balthasar può essere definita come unʼestetica trascendentale. Trascendentale in un duplice senso, gnoseologico e ontologico. Trascendentale perchè alla base della sua gnoseologia, come suo apriori, Balthasar vi pone la capacità estetica, «mistica», del soggetto di «trasferirsi» nellʼoggetto che appare cogliendovi nella Gestalt la sua essenza. Trascendentale, inoltre, perchè la sua ontologia pone al centro la bellezza, e il suo mistero , come onniriassuntiva proprietà dellʼessere.

Esta obra compila los estudios presentados en las I Jornadas de Filosofía del Instituto CEU de Humanidades Ángel Ayala y está prologada por Abelardo Lobato, O. P.
Los filósofos tienen el deber de buscar y alcanzar la verdad apelando a las fuerzas de la razón, la cual, por cierto, no impide otras vías genuinas de conocimiento, como la fe.

La búsqueda intelectual exige un trabajo de análisis que debe afinarse ante las obcecaciones que a menudo se interponen en el horizonte de la existencia humana. En no pocos momentos de la historia ha habido claudicaciones generalizadas ante esa búsqueda, olvidos más o menos conscientes de que las verdades se alcanzan si se mantiene la esperanza de sabiduría y el amor a ella. El relativismo y el escepticismo se presentan casi como el polo opuesto de esa esperanza y ese amor; como una consecuencia de la “con-fusión” cultural, de las mentiras interesadas y de la desidia moral de algunas sociedades. La nuestra, la europea occidental, es una de ellas. El relativismo afecta al modo de pensar y de comportarse del hombre y es habitual que le lleve por vericuetos que a la postre terminan dañándole a él y a sus congéneres. En este libro se analizan algunos errores que han llevado a suscribir las tesis del relativismo y a rechazar la posibilidad de dar con algunas verdades comunes para todos.

La obra tiene dos partes, una histórica y otra temática. Las páginas con enfoque histórico estudian las tesis que sobre el relativismo han mantenido algunos pensadores o corrientes de la filosofía. De su lectura se puede extraer la conclusión de que el fenómeno del relativismo es tan  viejo y tan actual como el propio hombre y su apertura inteligente a la verdad. Filósofos de la época antigua de la talla de Protágoras, Pirrón o los “Académicos” coetáneos de San Agustín; modernos como Descartes; contemporáneos como Wittgenstein o Kuhn han dejado huellas que luego abrieron el camino hacia un régimen de pensamiento en que el hombre abandona la posibilidad de admitir verdades universales. Algunos argumentos favorables al relativismo —y, más aún, algunas actitudes “propedéuticas” de él— se han ido instalando culturalmente hasta consolidarse de manera cada vez más indiscutida.

La segunda parte analiza el relativismo de forma temática, como un asunto abordable desde las diversas ramas del saber filosófico. Así, se tratan las repercusiones que tiene esta forma de pensamiento en la pragmática, la lógica, la estética o la religión, y se intentan desenmascarar los tópicos y falsos argumentos que justifican un comportamiento ético o religioso “abierto a todas las opciones”.

RESUMEN:

1.-  "En cuanto a la doctrina de la represión, es seguro que la concebí yo independientemente; no sé de ninguna influencia que me haya aproximado a ella, y durante mucho tiempo tuve a esta idea por original, hasta que Otto Rank nos exhibió aquel pasaje de El mundo como voluntad y representación, de Schopenhauer, donde el filósofo se esfuerza por explicar la locura. Lo que ahí se dice acerca de la renuencia a aceptar un fragmento penoso de la realidad coincide acabadamente con el contenido de mi concepto de represión, tanto, que otra vez puedo dar gracias a mi falta de erudición libresca, que me posibilitó hacer un descubrimiento. No obstante, otros han leído ese pasaje y lo pasaron por alto sin hacer ese descubrimiento, y quizá lo propio me hubiera ocurrido si en años mozos hallara más gusto en la lectura de autores filosóficos. En una época posterior, me rehusé el elevado goce de las obras de Nietzsche con esta motivación consciente: no quise que representación-expectativa de ninguna clase viniese a estorbarme en la elaboración de las impresiones psicoanalíticas. Por ello debía estar dispuesto-y lo estoy de buena gana-a resignar cualquier pretensión de prioridad en aquellos frecuentes casos en que la laboriosa investigación psicoanalítica no puede más que corroborar las intelecciones obtenidas por los filósofos intuitivamente. La doctrina de la represión es ahora el pilar fundamental sobre la que descansa el edificio del psicoanálisis".
FREUD, S. Contribución a la historia del movimiento psicoanalítico.(1)

2 - “Schopenhauer dio una sacudida, anticipándose a Freud en medio siglo, a la filosofía de la conciencia que había predominado en el pensamiento occidental. En Schopenhauer aparece por vez primera una filosofía explícita del inconsciente y del cuerpo.”
SAFRANSKI, Rüdiger,  Schopenhauer y los años salvajes de la filosofía. Tusquets Editores, Barcelona, 2008. Introducción.

3.- “Schopenhauer fue el primer filosofo de categoría en darse de baja de la iglesia occidental de la razón. Junto a Marx y a los jóvenes hegelianos fue quien fundamentalmente llevó a cabo la ruptura revolucionaria en el pensamiento del siglo XIX. Con él da comienzo la larga del buen motivo, dando así una despedida concisa a las teologías griegas y judeo-cristiana. Lo más importante de todo había sido dejar de ser para él una entidad espiritual divina y racionalmente justa. Con su doctrina de la voluntad salta por los aires la teoría del fundamento del mundo en torno al racionalismo religioso, tal como seguía en vigor desde los tiempos de Platón, para pasar a un reconocimiento de lo irracional marcado por el horror y el asombro: Schopenhauer es el primero en intuir la naturaleza energética e impulsiva, exenta de razón, del ser. En esto es uno de los padres del siglo psicoanalista … fundador de una época sistémica y teorizante del caos. En el hecho de que abrió las puertas europeas con gran respeto a las doctrinas asiáticas de la sabiduría, en especial al budismo, podría radica a largo plazo su repercusión más importante en la historia intelectual. Puede que, en el anhelo de vida de la humanidad en el primer mundo actual, la doctrina de Schopenhauer de la resignación de la voluntad suene por fuerza aún más sorprendente que a sus contemporáneos, los positivistas progresistas y los revolucionarios creyentes en la humanidad; pero en la actualidad sigue recordando que el anhelo desatado de vida no podrá solucionar, mediante su intensificación, los problemas que crea  su desbordamiento libre. De Schopenhauer podría proceder la frase: sólo la desaparición puede salvarnos aún; claro está que él no habló de desaparición, sino de renuncia. Para los modernos, “renuncia” es la palabra más difícil del mundo. Schopenhauer la invocó contra viento y marea. Tras él, las cuestiones éticas están abiertas de una manera más radical de lo que nunca lo había estado hasta entonces.”
SLOTERDIJK, Peter, Temperamentos filosóficos. De Platón a Foucault,  Madrid, Siruela, 2010.

SCHOPENHAUER:
EL DESCUBRIMIENTO DE LO INCONSCIENTE,
LA METAFÍSICA DE LA VOLUNTAD
Y LA ETIOLOGÍA DE LAS NEUROSIS.

INFLUENCIA SOBRE FREUD
Y CONTRIBUCIONES A LA PSIQUIATRÍA MODERNA.
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Dr. Adolfo Vásquez Rocca

Jacques Derrida -Memorias del ciego 1 Selección de fragmentos y traducción por Carlos Fisgativa -¿Debería solamente escuchar? ¿u observar? ¿o mirarte en silencio mostrándome los dibujos? -Las dos, una vez más, o entre las dos. Te haré observar que la lectura no procede de otro modo. Ella escucha al mirar. He aquí una primer hipótesis: el dibujo es ciego, o si no el dibujante o la dibujante. En tanto que tal y en su momento propio, la operación del diseño tendría algo que ver con el cegamiento. Según esta hipótesis abocular (ceguera (aveugle) viene de ab oculis: no desde o por los ojos, sino sin los ojos) queda esto por escuchar: el ciego puede ser un vidente, tiene en ocasiones vocación de visionario. Segunda hipótesis, implante del ojo, implante de un punto de vista sobre el otro: un dibujo de ciego es un dibujo de ciego. Doble genitivo. No hay ahí una tautología sino una fatalidad del autorretrato. Cada vez que un dibujante se deja fascinar por la ceguera, cada vez que hace de la ceguera un tema de sus dibujos, proyecta, sueña o alucina una figura de dibujante o en ocasiones, más exactamente, alguna dibujante. Más preciso aun, comienza a representar una potencia dibujante en obra, el acto mismo del dibujo. Inventa el dibujo. El trazo no se paraliza entonces en la tautología que pliega lo mismo a lo mismo. Al contrario, está atormentado por la alegoría, por este extraño autorretrato del dibujo liberado a la paraba y a la mirada del otro. Subtítulo de todas las escenas de la ceguera, entonces: el origen del dibujo (p. 10). ________________ Mira los ciegos de Coypel. Todos llevan las manos adelante, su gesto oscila en el vacío entre la prensión, la aprehensión, la plegaria y la suplica (p. 12). ________________ Un dibujante no puede no estar atento al dedo y al ojo, sobretodo a aquello que toca el ojo, a aquello del dedo que lo alcanza para dar finalmente a ver. A veces, Jesús sana los ciegos por un simple toque, como si le bastará dibujar en el espacio el contorno de los párpados para darles la vista (pp. 15-16). ________________ El ciego de Lucas Leyde es menos pasivo. Por sí mismo, por su propia mano, el habrá dibujado sus ojos, el habrá mostrado su ceguera a Cristo. Se presenta a sí mismo, como si un ciego hiciera su retrato, el autorretrato de un ciego contando su propia historia en primera persona, habrá indicado, localizado, circunscrito la invidencia de su mano derecha girada hacia su rostro, señalando con el indice hacia el ojo derecho. Girada hacia su ojo, el gesto del dedo mostrando pero sin tocar el cuerpo propio. A distancia conveniente o respetuosa, el dibuja una suerte de auto-deíctico obscuro, nocturno pero asegurado. Extraña flexión del brazo o reflexión del pliegue. Autoafección silenciosa, retorno a sí, relación consigo sin vista y sin contacto (p. 16). ________________ Pero Platón los representa inmóviles. Nunca llevan las manos hacia la sombra (skia) o hacia la luz (phos), hacia las siluetas o las imágenes que se dibujan sobre la pared. En dirección de esta skiao photo-grafía, en vista de esta escritura de la sombra o de la luz, ellos no se aventuran, como el hombre solo de Coyppel, con las manos en frente (p. 22). ________________ Derrida, Jacques (1990) Mémoires d'aveugle. L'autoportrait et autres ruines. Paris, Editions de la 1 Réunion des Musées Nationaux.

A partir de un estudio detenido de algunos de los postulados de las teorías cuánticas y de sus relaciones con el campo electroacústico (Rocha Iturbide, 1999), el autor de este artículo establece un campo comparativo más arriesgado que involucra al campo filosófico de la estética, específicamente el que se relaciona con la música contemporánea de mediados del siglo XX. Se intenta definir una estética cuántica que nos daría como posibilidad el surgimiento de distintos estilos válidos (Zohar 1990), pero haciendo énfasis en los que más se acercan - de manera consciente u inconsciente - a estos principios cuánticos. El resultado de esta investigación le ha permitido al autor establecer una nueva manera para percibir y analizar la música contemporánea, la electroacústica y el paisaje sonoro, así como para crear obras sonoras nuevas dentro de estos distintos ámbitos.

Il libro è un tentativo di risposta a due questioni: la prima riguarda le ragioni della profonda crisi dei processi “simbolici” rintracciabile nelle forme contemporanee di vita umana; la seconda è relativa alle altrettanto profonde trasformazioni nelle sperimentazioni artistiche che si sono imposte a partire dalla seconda metà del Novecento.
Il volume cerca innanzitutto di mostrare come gli ambienti mediali della fotografia, del cinema, della televisione e del computer abbiamo accelerato e radicalizzato la crisi del simbolico, ciascuno condizionando specifiche modifiche destrutturanti sia negli assetti sociali sia negli assetti psichici degli individui, ciascuno ri-mediandosi e ibridandosi con gli altri in modalità complesse.
In secondo luogo, il libro sostiene che le trasformazioni in senso non-simbolico delle pratiche artistiche tardo novecentesche non sono solo il riflesso del composito “processamento” non-simbolico al quale sono state sottoposte le forme di vita contemporanee, ma contengono anche una risposta artistico-culturale, in buona parte ancora da portare alla luce, alla crisi dei mondi simbolici.

Resumo: Que modelos teóricos são produtivos para problematizar as "estéticas da comunicação", tornadas campo conceitual? O capitalismo cognitivo, as teorias do dispositivo, o modelo das redes colaborativas são alguns dos campos e conceitos apresentados e mapeados aqui. Aspectos biopolíticos e estéticos do capitalismno contemporâneo que apontam para a co-evolução entre dispositivos, produção de subjetividades e estéticas comunicacionais. Se a estética e o artístico já foram considerados uma "exceção" hoje vêm se tornando a regra e a base do capitalismo comunicacional erigindo a criação como modelo da produção. O "artista" tornase paradigma na constituição do precariado cognitivo, o produtor simbólico. Palavras-Chave: Capitalismo Cognitivo. Midia-Arte. Teorias dos Dispositivos.

Resumen
Es mediante la apelación a algunos críticos relevantes de la modernidad – Freud, Simmel, Adorno, Horkheimer, Shestov, Müller-Hill, Kafka, etc.– que Bauman se esfuerza por construir una auténtica ontología de la modernidad, así como una fenomenología crítica de sus implicaciones culturales, morales y políticas, y de sus límites –perfilados por la presencia infranqueable de la ambivalencia–, con las que su texto adquiere el rango de una aportación señera a esta misma tradición moderna de la sospecha.2 Bauman, apoyado en autores como Horkheimer y Adorno, quienes realizan una crítica demoledora de la Ilustración y dejan entrever un influjo de desconfianza y pesimismo sobre buena parte de la literatura filosófica europea de la segunda mitad del siglo XX. Es Horkheimer, uno de los miembros fundadores de la Escuela de Frankfurt, quien desarrolla la “teoría critica”3, a partir del predominio de una racionalidad procedimental a partir de la cual el conocimiento humano no opera según presupuestos jerárquicos-metafísicos (teoría tradicional) sino pragmático-procedimentales (teoría crítica) al interior de las comunidades científicas y de los contextos socio-culturales del mundo. Esto significa que todo modo de conocer es interesado y, que sólo conocemos por el interés. Con lo que sienta las bases de la Ecuela de la Sospecha. De allí que Bauman en Modernidad y ambivalencia4 pretendiera, como bien lo apunta Wellmer, complementar la tarea emprendida por los pensadores más destacados de la primera generación de la Escuela de Frankfurt. Bauman “intenta envolver con carne histórica y sociológica el esqueleto de la Dialéctica de la Ilustración”.6 Lo que dota a Bauman de una particular originalidad a la vez que de una filiciación a tradiciones filosóficas reconocibles y contrapuestas: “por un lado, la que originándose en Schopenhauer, pasa por Nietzsche para acabar alcanzando a Klages y, por otro, la que desde Hegel, pasando por Marx y Weber, arriba hasta el joven Lukács”.

The Influence of the Frankfurt School in Zygmunt Bauman and Richard Rorty: From Theory Criticism of Liquid Modernity and Pragmatism

Abstract
It is by appealing to some important critics of Freud, Simmel, Adorno, Horkheimer, Shestov, Müller-Hill, Kafka, etc. Bauman strives to build a real ontology of modernity modernity, and a critical phenomenology cultural, moral and political implications, and its limits -perfilados by the impassable presence of ambivalence with which the text acquires the status of a landmark to this very modern tradition of sospecha.1 Bauman contribution, based on authors as Horkheimer and Adorno, who made a devastating critique of the Enlightenment and glimpse an influx of mistrust and pessimism over much of European philosophical literature in the second half of the twentieth century. It Horkheimer, one of the founding members of the Frankfurt School, who developed the "critical theory" from the predominance of a procedural rationality from which human knowledge does not operate as hierarchical-metaphysical assumptions (traditional theory) but pragmatic-procedural (critical theory) within scientific communities and socio-cultural contexts of the world. This means that every mode of knowing is concerned, and we know only the interest. Thus the basis of Ecuela of Suspicion. Hence Bauman in Modernity and ambivalencia pretend, as well as pointing Wellmer, complement the work undertaken by the leading thinkers of the first generation of the Frankfurt School. Bauman "try wrapping with historical and sociological flesh the skeleton of the Dialectic of Enlightenment". What Bauman gives a particular originality while a filiciación a recognizable and competing philosophical traditions: "first, which originating from Schopenhauer, passes Nietzsche6 to finish reaching Klages and, secondly, that from Hegel, Marx and Weber through, up until the young Lukács".

Palabras clave
Modernidad, individualismo, sociedad, miedo, posmodernidad, globalización, Escuela de Frankfurt, Teoría crítica, Dialéctica de la Ilustración, pragmatismo, ironismo, contingencia.
Keywords
Modernity, individualism, society, fear, postmodernism, globalization, Frankfurt School Critical Theory, Dialectic of Enlightenment, pragmatism, ironism, contingency.

Introducción:

El influjo del pensamiento de Nietzsche, en los varios niveles de la cultura occidental, se insertó en un ambiente espiritual acompañado de otros movimientos, enraizados en el proyecto de una nueva moralidad y religiosidad postcristianas. Movimientos contemporáneos y ligados muchas veces al nietzscheanismo han sido el wagnerismo, el espiritismo y el ocultismo, las sectas antroposóficas y teosóficas, algunas formas de socialismo o de anarquismo, y grupos análogos, que buscaban en este tipo de filosofías, y en las ciencias contemporáneas, la justificación de su visión del mundo y de sus prácticas heterodoxas neopaganas. En este contexto Nietzsche influyó de modo notable en la praxis de la psicología en sus mismos orígenes, aún antes y más fuertemente que en filosofía. Un ejemplo claro de ello es Ludwig Klages, uno de los fundadores de la caracterología y de la grafología. La psicología klagesiana se funda en su pensamiento filosófico nietzscheano que inspiró su militancia en círculos teosóficos y ocultistas pro-arios y antisemitas -algunos lo consideran como uno de los fundamentos teóricos del nacionalsocialismo-. La "psicología del futuro", si quiere ser fecunda, afirma Klages, debe inspirarse en las intuiciones nietzscheanas. Sobre todo, el psicólogo debe, como Nietzsche, superar su misma humanidad, poniéndose más allá del bien y del mal, descubriendo la malicia esencial del corazón humano. Para Klages, finalmente, el psicoanálisis es una versión vulgarizada de la psicología de Nietzsche. Klages es hoy un autor casi olvidado, tal vez por su vinculación con el nacionalsocialismo, y fue vencido por el psicoanálisis. Sin embargo, su influjo fue grande en sus contemporáneos, sobre todo en aquellos dedicados al estudio del carácter. Además de su discípulo Hans Prinzhorn, podemos nombrar entre los autores que se inspiran enormemente en el caracterólogo alemán a Philipp Lersch, tercer sucesor de Wundt en Leipzig, y después profesor en Munich.

Os signos da cultura, utilizados para a comunicação do conhecimento sistemático entre nos humanos, podem ser entendidos como "formas simbólicas". Embora percebidos pelos órgãos humanos dos sentido, há muitos sinais e sintomas do mundo real que não são "formas simbólicas". São expressões que surgem no limiar de nossas percepções, reais novidades que aparecem aos sentidos ou signos interpretados de maneiras completamente inusitadas. Esses sinais e sintomas do mundo real também são "formas não-simbólicas" ou podemos denominá-los de "formas diabólicas". "Diábolo" é o antônimo etimológico de "símbolo". Portanto, "formas diabólicas" são todas as impressões percebidas pelos sentidos humanos, que não dispõem de significado, sentido, interpretação geral ou codificação cultural. Por depender sempre da criatividade e da inovação do pensamento e da ação humanos, as "formas diabólicas" oferecem a base do conhecimento estético.

L’arte collettiva deriva un adattamento dell’esperienza che è meno cosciente e più di massa, come la vita fisica non può esistere senza il supporto di un ambiente fisico cosi la vita morale non può procedere senza il supporto di un ambiente morale.

The argument here is that Peirce was much stranger and more complicated than he has been taken to be in art history (by readers from Rosalind Krauss onward). And a parallel argument that in most cases, what art historians want to say does not require the concept of the index.

RESUMEN
Este trabajo se propone un análisis de las transformaciones contemporáneas de la idea de música, así como del cruce de discursos y disciplinas que intentan dar cuenta del alcance estético,  sociológico y terapéutico de aquellas transformaciones, las que, como se mostrará, nutren el debate filosófico.  Finalmente, a la luz del pensamiento del filósofo alemán Peter Sloterdijk, se esbozará una lectura del mundo como sistema polifónico de sonidos y una analogía entre la música y la vida humana.
La música que atesoramos, que nos habita y secuestra, provoca un ahondamiento, una receptividad hacia emociones que de otro modo nos serían desconocidas. Los intentos de desarrollar una psicología, una neurología y una fisiología de la influencia de la música sobre el cuerpo y la mente se remontan a Pitágoras y la magia terapéutica, pasando por Schopenhauer y Nietzsche, hasta llegar a Sloterdijk, quien plantea como basamento de este interrogar, como pregunta estrictamente filosófica, exploratoria de la experiencia musical: ¿dónde estamos, cuando  escuchamos música? A la que podríamos añadir ¿a dónde nos dirigimos cuando escuchamos música?  O, mejor aún, ¿hacia dónde somos conducidos?
Adolfo Vásquez Rocca

Resumen
En este trabajo se abordará la pregunta por el estatuto y naturaleza de un eventual vínculo comunitario originario, el cual se torna una exigencia que interroga los modos de vivir en común. A partir de diversos cuestionamientos realizados por Jean-Luc Nancy a las metafísicas de la comunidad, se profundiza en el modo que para Nancy la admisión de la alteridad resulta ser un concepto ineludible para pensar el ser-en-común, indagando la dimensión ontológica subyacente al diseño sociopolítico occidental en una dirección no-esencialista. La perspectiva del análisis del diseño sociopolítico será puesto en relación con la estetización de la política cuestión que se ha abordado previamente desde Heidegger en artículos previos como:
“Heidegger y Sloterdijk: La política como plástica del ser, nacionalsocialismo privado y crítica del imaginario filoagrario”.
Palabras Clave:
Cuerpo, comunitario, política, religión, arte, comparecencia, singular-plural.
REVISTA OBSERVACIONES FILOSÓFICAS ISSN 0718-3712 – Vol. 11 – 2011

It.Estetica della musica elettroacustica; Fr. Esthétique de la musique électroacoustique; Germ. Ästhetik der Elektroakustischen Musik; Span. Estética de la música electroacústica. This expression refers to a branch of the aesthetics of music which deepens musical thinking on electroacoustic music and the conceptual frameworks in which it can be located. Electroacoustic music, not least from an aesthetic point of view, has been studied above all by composers and much less by philosophers. For this reason, the label “aesthetics of electroacoustic music” has often been used not in reference to a specific theoretical context (subjective genitive) but rather in reference to the aesthetic qualities and the poetics of a work of electroacoustic music (objective genitive).

This special issue of "kritische berichte" contains seven interdisciplinary essays on the human face.

CONTENTS
Jeanette Kohl and Dominic Olariu: Editorial 3

Jean-Claude Schmitt: For a History of the Face: Physiognomy, Pathognomy, Theory of Expression 7

Bernard Andrieu: Appearance-Based Prejudice. Between Fear of the Other and Identity Hybridization 21

Sigrid Weigel: Phantom Images: Face and Feeling in the Age of Brain Imaging 33

Georges Didi-Huberman: Near and Distant: The Face, its Imprint, and its Place of Appearance 54

Claudia Schmölders: Eye Level. The Linear Perspective in Face Perception 70

Jonathan Cole: Facial Function Revealed through Loss. Living with the Difference 83

Jeanette Kohl, Dominic Olariu and Rainer Schmelzeisen: Face Matters. Facial Surgery from the Inside 95

View on:
http://www.ulmer-verein.de/?page_id=14080

TESIS DOCTORAL
Adolfo Vásquez Rocca
Dossier
PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE VALPARAÍSO
FACULTAD DE FILOSOFÍA Y EDUCACIÓN
INSTITUTO DE FILOSOFIA PUCV
TESIS DOCTORAL
"EL GIRO ESTÉTICO DE LA EPISTEMOLOGÍA. NUEVAS RETÓRICAS DE LA POSMODERNIDAD".
Adolfo Vásquez Rocca.
Profesor Guía:
Hugo Renato Ochoa Disselkoen
2 0 0 4
Calificación SOBRESALIENTE
Summa cum laude
Convalidada
Proyecto Postdoctoral
Dr. Jacobo Muñoz Veiga
Facultad de Filosofía
Departamento de Filosofía IV
UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID

Questa breve opera deriva da un piccolo ciclo di lezioni sull'estetica contemporanea che ho tenuto all'università di Tor Vergata nell'anno 2012-2013. In questo caso, poiché il testo non si rivolge a un pubblico specializzato, userò un linguaggio divulgativo, colloquiale, informale e ricco di esempi, ma non per questo si vuole rinunciare a un'impostazione metodologica e critica che eviti i cliché delle pubblicazioni che trattano questi argomenti in maniera amatoriale, in modo che possa essere un'introduzione valida anche per gli studenti universitari. Trattandosi di un argomento vastissimo, nelle poche pagine in cui mi è stato chiesto di contenere l'argomento, mi limiterò solo a offrire degli spunti. Infatti, il mio intento non è quello di riassumere un lista di nozioni, come fanno i divulgatori di professione, e di volgarizzarli in un linguaggio chiaro e accessibile elencato per punti in modo didascalico e didattico. Questo tipo di lavoro presuppone delle certezze, ovvero un discorso già deciso e codificato dagli esperti, di cui si accettano le verità in modo indiscusso e si procede pertanto solo alla loro trasformazione in parole povere o in riassuntini. Questo non è quello che sarà fatto qui. Non vi saranno presentati dei piatti pronti alla portata di tutti, in stile fast food, ma sarete portati, anche se solo per una rapida occhiata, nelle cucine. Se dobbiamo scegliere tra

Resumen:

La antipoesía es, en  el proyecto deconstructivo de Parra, un contratexto, un contradiscurso lírico, de entonaciones más bien urbanas, donde ya no habla el nerudiano yo heroico de la naturaleza gestándose, sino el sujeto moderno, irónico y sarcástico, cuyo monólogo fragmentario tiene la desnudez confesional de un documento clínico y la elaboración intelectual de una sátira de los usos del habla formalizada. En su poesía, Parra logra integrar por ejemplo el laconismo de Samuel Beckett con el humor taciturno de Buster Keaton.
El antipoeta, mediante un proceso de descontextualización, incorpora a su obra discursos del habla coloquial, la fórmula científica, la sentencia filosófica, así como de los múltiples lenguajes que provienen del mundo industrial y comercial. El antipoeta traslada discursos de lugar. Deconstruye o desmantela la escritura de ellos, los saca del lugar natural en el cual surgen para instalarlo en uno nuevo, en un espacio artístico. Es precisamente a estas construcciones poéticas a las que Parra llama Artefactos dramáticos. Son dispositivos poéticos puestos en escena.

The present paper focuses on the concepts of urban and linguistic space. It considers the city as a diamesic melting pot. Graffitism is seen as a communication channel that needs to be examined in order to better understand the urban language and its many forms.
Key words: graffiti, linguistics, diamesia

Nuova versione, integrale e gratuita, del saggio pubblicato nel 2011 sull'influsso dei principi estetici della corrente pittorica post-impressionista francese sull'elaborazione del romanzo novecentesco modernista in Inghilterra, a partire dal circolo di Bloomsbury e in particolare Virginia Woolf.

Questo studio intraprende un’analisi interdisciplinare dell’adozione, in ambito letterario, dei principi estetici della corrente post–impressionista; un’operazione grazie alla quale tra gli anni Venti e Trenta l’autrice inglese Virginia Woolf è stata tra le prime figure–chiave in letteratura a porre le basi per considerare il romanzo come un universo con una propria, fondata, dignità epistemologica. L’analisi si concentra soprattutto sui romanzi To the Lighthouse e The Waves, prendendo anche in considerazione i saggi critici, i racconti brevi e la corrispondenza dell’Autrice, ed evidenziando il senso di limitatezza dell’esperienza individuale e la tensione verso una dimensione di impersonalità, astoricità ed eternità in cui la verità e la bellezza vengono colte in una dinamica "chiaroscurale" di continua perdita e riconquista.

Angelica Tornero y Lydia Elizalde  (coords.)  Coautores: Patrizia Granziera, Ma Celia Fontana, Luisa Ruiz Moreno, Oscar Cornago, Elena Bossi, María Ema Llorente, Angélica Tornero,  Alberto López Cuenca y Emilia Ismael Simental,  Lydia Elizalde, Anne Kurjenoja.
Este es un libro cuya lectura pone de relieve este aspecto de la sensibilidad, el grotesco, presente en las expresiones estéticas de nuestros días con su potencia emocional y su peculiaridad estilística. Los cuatro capítulos en los que se divide: “El grotesco en la pintura y escultura”, “El grotesco en discursos literarios”, “Teorías contemporáneas del grotesco” y “El grotesco en discursos visuales contemporáneos”, abren perspectivas a partir de las cuales podemos arribar a una comprensión más amplia y pormenorizada de sus modos de aparición, y que demuestran que no tendremos una visión completa del arte contemporáneo si ignoramos el lugar que, dentro de él, le corresponde al grotesco.

RESUMEN:
Sloterdijk critica a Heidegger su concepto de mundo y particularmente el modo de concebir la entrada del hombre en él. Según Heidegger somos arrojados en el mundo, cosa ominosa que tiene el acento de un un oscuro castigo; de este modo el mundo moderno, hogar largamente preparado por la historia de lo monstruoso violento y arbitrario (das Ungeheure), es el lugar en el que luchan los gigantes poderes impersonales ligados a la técnica apocalíptica.
La verdad, pues, no se descubre inocuamente y sin batalla, sino sólo después de triunfar batallando contra sus antecesoras, que la enmascaran y se le oponen. “En el universo del conocimiento moderno predominan los bastidores, los suelos dobles, los panoramas, las imágenes engañosas, los gestos torcidos, los sentimientos secretos, los motivos ocultos los cuerpos envueltos”. La historia de la verdad es concebida por Heidegger, a partir del estado de cosas del año 1946, como la quemazón de un hilo conceptual combustible extendido desde Atenas a Hiroshima[5]. El cual, como puntualiza Sloterdijk, sigue hasta los laboratorios de ingeniería genética (Gentechnik) actuales.
Sloterdijk no repara en objetar a Heidegger el haberse dejado arrastrar por la marea de la política, comprometiéndose con el nacional-socialismo –cuestión tratada exhaustivamente por una copiosa literatura previa–, criticándole además por sus preferencias localistas, provincianas y nacionalistas, todas las cuales le habrían impreso un talante anacrónico no sólo a su personalidad sino fundamentalmente a sus doctrinas y a sus obras.
Situado pues en esta perspectiva crítica, Sloterdijk describe de manera paradójica su relación con Heidegger: ‘con él’–contra él’, ‘íntimo y distante’. Sloterdijk piensa en la línea de Heidegger, aunque generalmente lo haga contra Heidegger. De este modo aunque Sloterdijk admite una deuda con Heidegger, en quien reconoce a alguien próximo que ha hecho un aporte decisivo al pensamiento moderno oponiéndose a la metafísica, al idealismo y al logicismo, él no deja nunca de ser un pensador original, independiente y hasta inclasificable, un profundo conocedor de la tradición europea que a la vez honra y critica implacablemente.
Dr. Adolfo Vásquez Rocca
CITAR:

– Vásquez Rocca, Adolfo,  “El claroscuro de la verdad: Sloterdijk y Heidegger; observaciones aporéticas en torno a los conceptos de mundo, técnica y verdad”, En REFLEXIONES MARGINALES,  Revista de la Facultad de Filosofía y Letras, UNAM, Universidad Nacional Autónoma de México,  Año 6. Nº 34 – 2016, http://reflexionesmarginales.com/3.0/el-claroscuro-de-la-verdad/

RESUMEN:
El presente escrito, de algún modo legendario, ha sido reproducido múltiples veces y ha circulado en la web como una suerte de Manifiesto Blogger. El Artículo se escribió y se reescribió (y seguramente seguirá escribiéndose) tal como queda definido en su programa original: ‘Un Blog como forma de experimentación, como bitácora, como crónica, como diario, croquis, crónica y registro de los disturbios en el Parque Humano’ Cuando el año 2013 –y replicando la iniciativa el 2014– ARCO (Madrid) desarrolla una primera experiencia editorial participativa online concebida como performance de Net-Art, y coordinada por Roberta Bosco* y Stefano Caldana*  quienes describen los alcances del proyecto en un escrito de circunstancias denominado ‘El arte en la edad del silicio’, [Nota 5] consideré oportuno fijar un texto oficial y publicarlo.
Producción cultural: el cultivo de lo humano.
La cultura es el mundo propio del hombre, el que él mismo ha cultivado, en oposición al mundo natural, que existiría igualmente aun sin él. La cultura se produce –culturas mitológicas, humanístico-letradas, post-literarias, post-epistolográficas y post-humanísticas–. Existe un conjunto de actividades a las que podemos denominar ‘producción cultural’; trátese de teorías científicas, desarrollos tecnológicos, bienales de arte, exposiciones universales, juegos olímpicos y otras tantas configuraciones del mundo. De modo que el horizonte que constituye el espacio de nuestra actuación plantea la necesidad de una ‘nueva estructura del cultivo’ de lo humano.
Ciencia zoológica y ciencia pneumática; entre el animal y el superhombre
Como animales hemos fracasado y como hombres somos una existencia tensada, estamos entre la naturaleza y los monstruos –prodigios–. Las ciencias naturales estudian la naturaleza, luego está la monstruología, de la que la teología es una rama. Nuestra incertidumbre de animal acrobático [Nota 10].–prodigioso– nos fuerza a pensar en la domesticación humana, la de nuestros sistemas educativos, económicos y legislativos para proyectarnos en un horizonte más amplio, uno eco-bio-político.
En Nietzsche el hombre aparece no sólo como un ser que se encuentra inacabado –sin una determinación ontológica definida– sino como una elevación maníaca semidepresiva, como un punto de inflexión entre el animal y el superhombre. ‘El hombre es una cuerda tendida entre el animal y el superhombre, una cuerda sobre un abismo [...] La grandeza del hombre está en ser un puente y no una meta: lo que en el hombre se puede amar es que es un tránsito y un ocaso’ . Esta tensión está en el centro de los problemas que plantea la biopolítica, de allí la actualidad de Nietzsche. La filosofía de Nietzsche intenta redefinir no sólo los conceptos de vida, política y poder, también los límites difusos entre ‘hombre’ y ‘animal’. La filosofía de Nietzsche se configura así a partir de la reflexión en torno al problema de la humanidad y la animalidad, es decir, se articula como un intento de ir más allá del humanismo entendido como un esfuerzo de domesticación del hombre en el que se pretende desinhibir su condición animal (fracasando en el proceso). De allí la importancia de la discusión en torno al estatuto biopolítico del hombre, debate en el que se insertan autores como Peter Sloterdijk y Giorgio Agamben.

RESUMEN - ABSTRACT
Este trabajo se propone un análisis de las transformaciones contemporáneas de la idea de música. De su condición inarmónica en su vertiente experimental contemporánea, así como del cruce de discursos y disciplinas que intentan dar cuenta del alcance estético, sociológico y terapéutico de aquellas transformaciones, las que, como se mostrará, nutren el debate filosófico. Finalmente, a la luz del pensamiento del filósofo alemán Peter Sloterdijk, se esbozará una lectura del mundo como sistema polifónico de sonidos y una analogía entre la música y la vida humana.
Dr.  Adolfo Vásquez Rocca

1 OSCAR MEO CATTURARE IL DIVENIRE. MODI E RAPPRESENTAZIONI DELLA TEMPORALITÀ: AIÓN, KHRÓNOS, KAIRÓS in S.M. Barillari -M. Di Febo (a cura di), Calendari. L 'uomo, il tempo, le stagioni, Gruppo Ed. Castel Negrino, Aicurzio 2018, pp. 311-343 Ainsi, qu'il s'agisse du dedans ou du dehors, de nous ou de choses, la réalité est la mobilité même.