Walter Siti

Cosa intendiamo con umorismo, e in che misura possiamo parlare di umorismo, oggi? Il concetto che durante il modernismo Luigi Pirandello ha definito come capacità di saper esprimere il «sentimento del contrario» (1908) appare come requisito fondamentale per lo scrittore contemporaneo: uno strumento necessario a chi si adoperi a appresentare la società del soggetto scisso, retta da un’ideologia che si fonda e si costruisce sull’ambivalenza dei messaggi e sulla progressiva incapacità del pubblico medio di riuscire a decifrarli. In questo articolo, attraverso una lettura dei testi tratti da quella che ho individuato come fase maggiore dell’opera di Walter Siti  – i cinque romanzi dell’”autofiction”: Scuola di nudo (1994), Un dolore normale (1997), Troppi paradisi (2006), Resistere non serve a niente (2012), Exit Strategy (2014) – in comparazione con alcuni scrittori a lui contemporanei, ossia Philip Roth, Don DeLillo e Jonathan Coe, nonché attraverso il recupero della lezione umoristica pasoliniana, è mia intenzione ragionare su una possibile teorizzazione di un umorismo ipermoderno, che, paradossalmente, ha conservato le caratteristiche dell’umorismo così come è stato trasmesso dal modernismo, tuttavia anteponendole alla capacità di provocare il riso.

Walter Siti (Modena 1947), tra gli autori più significativi del panorama letterario italiano ed europeo contemporaneo, è romanziere e saggista. Tra le opere narrative ricordiamo Scuola di nudo (Einaudi 1994), Un dolore normale (Einaudi 1999), Troppi paradisi (Einaudi 2006), Il contagio (Mondadori 2008), Autopsia dell’ossessione (Mondadori 2010), Exit strategy (Rizzoli 2014), Bruciare tutto (Rizzoli 2017), Pagare o non pagare (Nottetempo 2018). Con Resistere non serve a niente (Rizzoli 2012) ha vinto il Premio Strega. Della sua produzione saggistica ricordiamo Il realismo nell’avanguardia (Einaudi 1975), Il neorealismo nella poesia italiana (1941-1956) (Einaudi 1980), Il realismo è l’impossibile (Nottetempo 2013). È inoltre curatore dell’antologia poetica La voce verticale (Rizzoli 2015).
Valentina Sturli è dottoranda in Scienze Linguistiche, Filologiche e Letterarie presso l’Università degli Studi di Padova e l’Université Paris Sorbonne. Si occupa di narra- tiva italiana e francese contemporanea, di media studies e teoria della letteratura. È tra i curatori del saggio postumo di F. Orlando, Il soprannaturale letterario (Einaudi 2017).

Sulla falsariga delle ricerche di Sergio Zatti sull’uniforme cristiano e il multiforme pagano, e sugli incerti destini dell’eroe della fede preda di diversioni, tentazioni e smarrimenti, si indagano alcune celebri rappresentazioni letterarie di una situazione che, quasi per suggestione, sembra costituire una tardissima declinazione novecentesca del tema dell’errore/erranza che minaccia il paladino: come un moderno Rinaldo, un intellettuale, in grado di esercitare una funzione normativo-pedagogica, si imbatte in un oggetto di desiderio che lo porta su una via di perdizione, se ne innamora e ciò innesca un processo di caduta irreversibile.

Il saggio cerca di osservare le interazioni fra tre modi narrativi: il modo epico e due versioni del "modo romanzesco", uno che si rifà al romance, l'altro al novel. Si vuole illustrare come ogni modo abbia una sua peculiare tendenza a un tipo di rappresentazione – intensiva o estensiva – che influisce sui caratteri formali, oltre che contenutistici. Inoltre si osserva l'evoluzione di questi modi nella narrativa contemporanea (con particolare attenzione a 2666 di Roberto Bolaño, Underworld di Don De Lillo, Troppi paradisi di Walter Siti) in relazione a problemi culturali più ampi e generali, come la crisi delle strutture di mediazione.

Introduzione



Nel corso degli ultimi anni, in Italia, è entrato nel linguaggio critico un nuovo termine: "autofiction". È stato spesso usato per definire alcuni romanzi a metà appunto fra autobiografia e finzione, fra cronaca lineare di avvenimenti vissuti e loro palese distorsione romanzesca. L'etichetta di autofiction è andata a colpire testi fra loro molto diversi sia per intenti poetici, sia per realizzazioni stilistiche e che prima sembrava impossibile mettere in un unico sottogenere. L'unico aspetto in comune, apparentemente, era però abbastanza forte: tutti questi romanzi, infatti, raccontavano la vita dell'autore mescolandola a fatti incredibili quando non contraddittori, ed erano dunque soggetti a un continuo sospetto riguardo la veracità di quel vissuto. La critica nel recensire le opere evidenziava, stigmatizzandolo, un certo carattere à la page di questo nuovo stratagemma letterario, che ai più sembrava solo un artificio ammiccante, sterile e vuoto. Mettendo in scena l'io autoriale con una violenza descrittiva al limite del morboso, sembrava, dunque, solo prolungare la serie di romanzi "ombelicali", senza innovare in nulla il romanzo postmoderno italiano, stretto, secondo la critica ufficiale, tra fallimentari tentativi sperimentali e nuove ricadute nei generi.

La parola "autofiction" ha origine francese ed è stata coniata nel 1977 da Serge Doubrovsky, professore e scrittore francese, che la pose sulla quarta di copertina del suo romanzo (la notazione peritestuale, come vedremo, non è banale) Fils1. Il termine ha avuto più fortuna del romanzo stesso (mai tradotto in Italia al pari delle altre opere di Doubrovsky), a tal punto che sin da subito critici e scrittori hanno cominciato a interrogarsi sulla natura di questo nuovo oggetto letterario e in alcuni casi a sfruttare la formula in altre opere. La proficua riflessione sulle forme che il racconto ha assunto e può assumere, da sempre caratteristica della cultura francese, ha fatto sì che questo termine non giungesse estraneo come un meteorite, ma che invece stimolasse polemiche e lavori specifici, impegnando non solo giovani ricercatori (Colonna), ma anche accademici affermati (Lejeune, Genette). In special modo ha costretto gli specialisti del racconto fattuale e quelli dei dispositivi finzionali a fare i conti vicendevolmente; e allo stesso tempo ha offerto una nuova chiave per rileggere opere antiche come lavori più recenti.

L'intento di questo lavoro è indagare il modo in cui è stato ricevuto in Italia il termine “autofiction” e le forme letterarie che questa traduzione ha prodotto. Si proporrà quindi prima una disamina del dibattito critico francese, in cui le varie concezioni si sono scontrate per dare uno statuto preciso a una forma disagevole e piena di contraddizioni; si vedrà poi come in Italia è stato accolto il genere ˗ e il termine che molto precariamente lo designava ˗ e si proporrà una sorta di cronistoria delle opere per le quali si è parlato o si potrebbe parlare di autofiction; a questo proposito si analizzeranno nello specifico tre romanzi pubblicati in Italia negli ultimissimi anni: romanzi che nella loro profonda diversità sono accomunati non solo da caratteristiche formali ma soprattutto da un atteggiamento comune verso la trasposizione del vissuto personale. Esso è raccontato allo stesso tempo con la perizia e la scaltrezza del romanziere e l'ingenuità e la partecipazione emozionale del diarista, il quale sente sulla propria pelle, spesso letteralmente, il peso di quel che narra.
Nel 2006 Walter Siti pubblica per Einaudi Troppi paradisi2, terzo romanzo della trilogia iniziata dodici anni prima con Scuola di nudo3, e proseguita con Un dolore normale4, uscito nel 1999. Due anni dopo Giuseppe Genna dà alle stampe Italia De Profundis5 per minimun fax mentre nel 2010 Giorgio Vasta fa uscire per i tipi Contromano di Laterza, il suo Spaesamento6. L'indicazione editoriale, della collana, così come quella peritestuale, sarà importante per delineare le aspettative del lettore e le dinamiche di ricezione che questi "oggetti letterari" provocano prima, durante e dopo la fruizione.
Nel giro di pochissimi anni, insomma, autori diversissimi per profilo storico-culturale, età, precedenti letterari, fortuna critica ed editoriale, si cimentano, vedremo quanto consapevolmente, con una forma particolare e sicuramente molto rischiosa di narrazione.
Sfida e ambizione di questo lavoro è riuscire a rendere ragione dei testi e del loro accostamento, provare a dare uno spaccato della situazione narrativa in Italia, molteplice e forse irriducibile a qualsiasi tentativo di mappatura sistematica.  La difficoltà nel tracciare una linea precisa del percorso della nostra letteratura, l'oggettiva impossibilità di riferirsi a una koinè artistica dominante, o a una poetica egemone, non deve però impedire che si continui a indagare, senza pregiudizi, cercando di guardare il reale e le sue rappresentazioni con occhio attento, nuovi strumenti e nuove categorie, senza recedere mai dall'istanza critica, dando giudizi sui testi senza mai prescindervi. 
E magari insinuare un dubbio, avanzare una proposta.
È pacifico, ad esempio, che il nostro contesto narrativo sembra composto da monadi, da traiettorie isolate e non intercettabili, soprattutto se lo paragoniamo a quello americano dove invece non solo i romanzi ma anche altre e nuove forme d'arte come la serie tv concorrono alla produzione e alla messa in scena di una grande narrazione romanzesca.
Ebbene, non sarà che proprio dalla scrittura autobiografica, dal ripensamento del sé in forma fittizia, la narrativa italiana trovi finalmente una grande narrazione dei propri tempi? Che proprio il dispositivo finzionale, a lungo osteggiato, riesca a mettere in discussione il deposito consapevole dell'io e a mostrare nuove, inaspettate, verità?
Sarebbe l'estremo paradosso, fra i tanti, dell'autofiction.

Raccontare di sé attraverso la scrittura narrativa significa fare una scelta ben precisa, una scelta che può venire a coincidere con una piccola sfida: modificare, attraverso la messinscena narrativa, le letture della nostra vita che nel tempo si sono solidificate, mettendole in discussione in maniera fertile. Questo perché la scrittura non è un supporto neutro ma interviene a modificare direttamente – reinventandola – la percezione che abbiamo di noi stessi.7

La tesi indaga l’intera produzione romanzesca di Walter Siti (fino al 2016), che comprende la cosiddetta trilogia autofittiva (Scuola di nudo, Un dolore normale, e Troppi paradisi) e le opere che ad essa seguono (Il contagio, Autopsia dell’ossessione, Resistere non serve a niente e Exit strategy). Due fasi della scrittura sitiana che stanno in rapporto conflittuale tra loro. Sebbene durante la conclusione di Troppi paradisi, infatti, il protagonista-sosia dell’autore dichiari di non voler più scrivere di sé, i romanzi seguenti dimostrano sempre un rapporto di correlazione, di opposizione dialettica con le modalità di scrittura dell’autofiction. L’io fintamente autobiografico dell’autore/narratore tende a riemergere anche laddove sembra che l’opera guardi al romanzo in terza persona.
L’indagine è condotta tenendo in considerazione la rilevanza di questo io paradossale in relazione sia al desiderio soggettivo, plasmato dalla perversione e da un conflitto edipico irrisolto, sia al discorso ideologico. Si tenta cioè di ricostruire la funzione, feticistica e sintomatica, di questo io al contempo reale e immaginario, che cioè non solo è sintomo dell’ideologia individualistica contemporanea, ma è anche il luogo del godimento del soggetto. Il cosiddetto “discorso del capitalista” (Lacan) trova cioè nel godimento del singolo un appoggio, una “collusione” del desiderio soggettivo nell’operazione ideologica di mantenimento dello status quo. Sfruttando cioè la tendenza alla ripetizione del desiderio, l’ideologia “interpella” (Althusser) l’individuo fornendogli l’illusione di autonomia e di libertà pur collocandolo in un quadro di aspettative prevedibili e compatibili con il sistema capitalistico.
Ma la forza dell’autofiction, per come emerge in Siti, è proprio quella di aderire fino in fondo a tale illusione ideologica, di mostrarne le contraddizioni interne e l’inevitabile insostenibilità. L’autofiction si dimostra essere allora una sorta di colpo di coda dell’autobiografia e della centralità che in essa assume il soggetto, rivelando in tal modo il suo fondamento menzognero.

• I rapporti fra narrativa verbale e immagini stanno ricoprendo sempre mag-giore importanza nella letteratura contemporanea. Questo articolo intende analizzare le forme iconotestuali nella narrativa europea e nordamericana più recente cercando di proporre un modello di analisi teorico in grado di dar conto delle retoriche, delle strutture e delle funzioni dell'immagine nella sua interazione con la componente ver-bale. Abstract • The relationship between verbal narrative and images is more and more important in the literary panorama of the last years. This essay analyzes contemporary iconotexts in Europe and North America, proposing a model for the analysis of the rethorics, structures and functions of images interacting with a verbal narrative.

Il lavoro presenta l'analisi semiotica di un romanzo, di genere autofiction, pubblicato per la prima volta nel 1999 da Einaudi e ripubblicato nel 2016 da Rizzoli: Un dolore normale, di Walter Siti.
Lo scopo principale è indagare il ruolo della componente soggettiva nell'ambito della funzione semiotica della contemporaneità, secondo la definizione di Louis Hjelmslev per il quale questa si dà sottoforma di effetto di senso, grazie al rapporto di presupposizione reciproca di forma dell'espressione e del contenuto. La prospettiva semiotico-analitica adottata è quella individuata da Roland Barthes e accolta dalla metodologia elaborata, primo fra tutti, da Algirdas Greimas.
A tal fine, in via preliminare si attraversano gli snodi principali della teoria dell'enunciazione, principio organizzativo della struttura significante, fino all'ipotesi per la quale si ammette un'intersoggettività trascendentale, di stampo fenomenologico, come base dinamica del meccanismo enunciativo.
Il testo analizzato è estrapolato, secondo i criteri epistemologici della disciplina, dal più ampio contesto del genere letterario autofinzionale di recente affermazione, ed è il campo di prova su cui dimostrare la validità di tale ipotesi.
Questa verifica viene portata a termine attraverso l'analisi delle componenti strutturali dell'intero romanzo, con particolare attenzione a quelle che permettono l'emergere del gioco enunciativo intersoggettivo.

Il saggio, dopo una ricognizione delle diverse posizioni critiche sull'autofinzione, sottolinea le evoluzioni avvenute all'interno di questa forma narrativa e propone una distinzione fra le autofinzioni che tendono a mettere in discussione l'io e quelle che invece tendono a utilizzare il dispositivo autofinzionale per raccontare il mondo.

Questo contributo intende concentrarsi sulla forma più antica di traduzione intersemiotica: l’ekphrasis. In un’epoca come la nostra, sempre più dominata dalle immagini, praticare l’ecfrasi significa ritenere che le parole, la narrativa e più in generale la letteratura siano in grado di tenere testa all’universo visuale. Per mostrarlo, esaminerò tre opere letterarie del 2010 in cui viene impiegata l’ekphrasis: Point Omega di Don DeLillo, La carte et le territoire di Michel Houellebecq e Autopsia dell’ossessione di Walter Siti.

The aim of this paper is to focus on ekphrasis, the oldest form of intersemiotic translation. In an increasingly image-dominated age like ours, using ekphrasis means to believe that words, fiction and more generally literature can compete with the visual universe. In order to show this, three literary works published in 2010 in which ekphrasis is used will be analyzed in detail: Don DeLillo’s Point Omega, Michel Houellebecq’s La carte et le territoire and Walter Siti’s Autopsia dell’ossessione.

L’idea che esista uno stretto rapporto tra una data struttura economica – compresi anche i mutamenti che occorrono in seno a essa – e una forma letteraria, nello specifico quella del romanzo, non è nuova. Si tratta di una prospettiva che negli anni Sessanta, ad esempio, prese forma nei dibattiti sul rapporto tra letteratura e industria (da cui il titolo del quarto numero de Il Menabò, nel 1962), o nella tavola rotonda Requiem per il romanzo?, trascritta e pubblicata nel 1965 su «Paese Sera», in cui ci si interrogava sul destino del romanzo, in quanto espressione della società borghese, a seguito di un mutamento dell’asse strutturale economico; è un tema che ritroviamo ancora, qualche decennio dopo, nella celebre definizione del postmoderno come “logica culturale del tardo capitalismo” a opera di Fredric Jameson.
In questa ricerca, tuttavia, lo sguardo si sposta e restringe il suo campo analitico: cosa succede in Italia tra la metà degli anni Novanta e i primi anni Duemila, quando il capitalismo si mostra ancora più saldo e la cui struttura modella, in maniera ancor più pervasiva, la realtà sociale?
Cercare gli effetti dell’ordine socioeconomico contemporaneo all’interno dell’intelaiatura romanzesca non è un mero esercizio di stile. Riciclando un’espressione utilizzata prima da Daniele Giglioli e ripresa poi da Raffaele Donnarumma, l’obiettivo è quello di rintracciare i sintomi di una condizione esistenziale collettiva caratterizzata dalla pervasività del sistema capitalistico, la cui opera di livellamento e reificazione – lo diceva già alla fine dell’Ottocento Georg Simmel – non risparmia l’individuo in nessun ambito. L’espressione “sintomo” è significativa e va opposta all’idea di “documento”. La letteratura, soprattutto nella società occidentale contemporanea, già satura di testimonianze e interpretazioni di vario genere, non va letta tanto come scienza documentaria, intesa come «atto di coscienza» e in cui «la storia viene alla trasparenza nelle opere»; è qui che subentra l’idea del sintomo, che rimanda, invece, a «un’ermeneutica dell’inconscio», alludendo a «una produzione di senso verificabile, ma non pianificata dalla ragione progettuale, dispersa, a tratti inapparente».

La critica marxista e il materialismo storico hanno sempre posto la questione economica alla base dell’analisi letteraria; si tratta di un punto di vista che tiene insieme la necessità di un confronto diretto con il presente e con il ruolo dello scrittore in quanto intellettuale all’interno della società civile.
La premessa per cui la base strutturale dell’economia è centrale per comprendere i meccanismi che muovono la produzione culturale è qui condivisa, come si è detto, in quanto punto di partenza dell’analisi. Per rendere conto, tuttavia, della complessità del contesto storico da un lato, e della diversità che occorre tra le opere studiate dall’altro, si è ritenuto necessario tentare di circoscrivere il campo tenendo conto di alcune variabili ritenute significative.
Per riuscire a individuare dei “sintomi” che potessero essere coerentemente inseriti in un continuum nella maniera meno arbitraria possibile, si è costruito un corpus di testi secondo un preciso criterio di selezione, che verrà chiarito nel Capitolo II.
Alla base dei criteri vi era la volontà di distinguere tra un gruppo appartenente a un “polo di qualità” della letteratura, in cui sono stati inseriti quei romanzi che hanno destato maggiore interesse nella critica accademica e a cui si attribuisce un maggiore capitale di prestigio, e uno identificabile con un “polo di successo”, che rappresenta la produzione culturale che è stata meglio in grado di assorbire le richieste del pubblico e, pertanto, del mercato.
Al primo appartengono la trilogia de Il dio impossibile di Walter Siti, di cui fanno parte Scuola di nudo (1994), Un dolore normale (1999) e Troppi paradisi (2006), e i romanzi del Ciclo delle stelle, di Mauro Covacich, composto da A perdifiato (2003), Fiona (2005), Prima di sparire (2008) e A nome tuo (2011).
Al secondo gruppo appartengono, invece, Almost blue (1997), di Carlo Lucarelli, e Romanzo criminale (2002), di Giancarlo De Cataldo.
La distinzione tra i due poli non intende recare in sé un giudizio estetico o di qualità, operazione che, per altro, non è contemplata nell’analisi. Essa è utile, invece, a individuare delle tendenze interne al campo letterario, cercando eventuali punti di contatto o di separazione tra le diverse sfere della produzione culturale.
5
Inoltre, si tenterà di instaurare un dialogo tra opere, autori e il contesto circostante, attraverso una ricostruzione delle dinamiche produttive di fine Novecento, delle conseguenze sociali che hanno trascinato, cercando di circoscrivere ancora di più lo sguardo individuando le peculiarità del contesto italiano.
L’attenzione ai diversi attori in campo deve molto alle teorie di Pierre Bourdieu, che ha sottolineato la necessità di analisi delle condizioni di produzione delle opere. In tal senso, il sistema economico è qui considerato come una struttura di partenza, all’interno della quale le stesse condizioni iniziali generano risultati differenti, per via del modo in cui i diversi sottocampi interagiscono tra loro.
Lo studio, pertanto, prevede un capitolo iniziale, dedicato ai principali contributi teorici nell’ambito del materialismo storico (da Marx ed Engels a Fortini), da cui verranno estrapolati diversi spunti di riflessione sul metodo utilizzato, fino ad arrivare all’approccio di Pierre Bourdieu. Un secondo capitolo, invece, prevede l’esposizione dei criteri scelti nella costruzione del corpus testuale; sarà analizzato, inoltre, il contesto economico e sociale di partenza, da cui verranno estratti alcuni spunti, utili all’interpretazione delle strutture narrative.
Gli ultimi due capitoli, infine, saranno dedicati all’analisi dei due gruppi romanzeschi individuati, quello del polo “di qualità” (Capitolo III) e quello del polo di “successo” (Capitolo IV).

L'intervento ha l'obbiettivo di sondare le modalità di impegno insolito nell'opera letteraria di Walter Siti. A partire da una certa concezione del realismo e da alcune posizioni ironiche nei confronti delle pratiche politiche "classiche", si tenterà di individuare le dinamiche di partecipazione all'impegno nelle scritture dell'io di Siti.

Si presentano qui gli atti del convegno tenutosi al Collegio Ghislieri di Pavia nel maggio 2019. Otto studiosi si confrontano sul tema del tabù e dell'osceno nell'immaginario artistico fra letteratura, teatro, cinema e nuovi media. Dal medioevo romanzo al muto, dal mondo dello spettacolo a Facebook, la messa in scena dei grandi contenuti paradossalmente "irrappresentabili" (il sesso, il sacro e la morte) costituisce una questione di interesse dal punto di vista storico, culturale ma anche squisitamente estetico. Un approccio programmaticamente eclettico e diacronico porta alla luce non solo l'evoluzione di tali concetti nel tempo, ma anche le diverse sfaccettature di volta in volta implicate nell'uso che ne fanno gli artisti e nella ricezione da parte del pubblico. Alla prospettiva degli studiosi si unisce anche quella di due autori contemporanei, Patrizia Valduga e Walter Siti, tra le personalità più rilevanti del panorama italiano ma anche tra le più controverse per la loro poetica.

Cosa ne è del desiderio all’interno del Kitsch, sistema in cui la vita è vissuta come uno spot pubblicitario e l’identità come una eterna performance? In una dimensione utopistica in cui l’uomo non cerca altro che una continua soddisfazione come possono trovare spazio le tensioni e le mancanze che muovono il desiderio?
Dopo una premessa teorica su cosa è il Kitsch, l’intervento si propone di rispondere al quesito attraverso tre opere di Walter Siti: i romanzi Troppi paradisi e Autopsia dell’ossessione e il reportage narrativo Il canto del diavolo. In queste opere vengono individuati tre paradigmi dell’esperienza Kitsch: il turismo, la televisione e un certo tipo di prostituzione. Indagandone le modalità e analizzando le riflessioni dell’autore in merito si vedrà come si deforma il desiderio quando si trova a dover fare i conti con il perpetuo sforzo del Kitschmensch di camuffarsi, per dirla con Kundera, «dans le miroir du mensonge embellissant et de s’y reconnaître avec une satisfaction émue».
La meravigliosa e sostenibilissima leggerezza dell’essere che assurge a cifra interpretativa dell’utopia Kitsch non prevede la presenza del desiderio se non nella sua veste di “realizzabilità”: il desiderio Kitsch, il surrogato del desiderio, è offerto in omaggio col prodotto che lo appaga.

L'obiettivo di questo articolo è analizzare le modalità in cui la dimensione del gioco incontra quella del sesso nelle rappresentazioni letterarie dell'erotismo in alcune opere di David Foster Wallace, Michel Houellebecq e Walter Siti. Nello specifico si sottolineerà come la rappresentazione dei giochi sessuali e, in particolare, del sesso sadomaso sia utilizzata dai tre autori per condurre un di-scorso parallelo sulla volontà di potenza e di possesso come risposta a una diffusa incapacità di amare dei loro personaggi.

Il saggio legge in chiave comparatistica l’opera di Siti e Houellebecq, con particolare riferimento al tema del desiderio. Entrambi gli autori infatti cercano di riflettere sulle dinamiche di eros e denaro attraverso personaggi contagiati, contemporaneamente capaci di osservare criticamente il mondo e di fare esperienza di esso. Il romanzo diventa un vero e proprio laboratorio antropologico. Lo smantellamento dell’ordine simbolico tradizionale e la coazione a godere in ogni ambito generano in questi ultimi un sentimento di frustrazione e di inadeguatezza, il desiderio si fa ossessione inappagabile e rende i soggetti impotenti per definizione. Il loro tentativo di emanciparsi da questa condizione di subalternità si rivela vano, spesso risolvendosi in una resa totale e definitiva.

Il saggio indaga la rappresentazione idiosincratica e ambivalente che Walter Siti dà dell’i- percapitalismo contemporaneo, letto attraverso la lente estremizzante e deformante degli Emirati Ara- bi Uniti nel reportage Il canto del diavolo. Da un lato la voce narrante si mostra affascinata dal tempio mondiale del lusso e della finanza, dall’altro insiste su tutto ciò che esso programmaticamente elimina e nega: il proprio passato, gli spazi naturali come il deserto, i diritti dei lavoratori immigrati.

This article analyzes the development of the protagonist's conception of desire in one of the most relevant works in the Italian queer canon-Walter Siti's Scuola di nudo-in order to show how the Platonic erotic conception eventually yields to modern theories on social behavior in the context of power relations between individuals as formulated by Hegel, Kojève, and Girard. Such a conclusion marks the paradoxical failure of the main character Walter, since it proves his intellectual defeat against the prevarication logic governing the contemporary world. From the close reading of the novel, it appears that the analysis of desire becomes the stage of Walter's personal struggle, who at the end of the novel rejects intellectualized love and accepts abusive relationships as the only successful kind of relationship. An effective image to describe Walter's inner development throughout the novel is the "katabasis", since he moves from an extremely intellectualized to a utilitarian conception of love. Such a shift of perspective ensures Walter's integration into society, but on the other hand confirms his intellectual ineptitude and inability to oppose an ideological system which he despises.

La pubblicazione di Bruciare Tutto (Walter Siti, Rizzoli, 2017) solleva diverse polemiche, sui giornali e sul web. Oggetto di discussione, in particolare, è la dedica a don Milani in un romanzo che tratta di un prete pedofilo. Il libro di Siti diventa un caso giornalistico per qualche settimana. Una soglia del testo interna al libro, dunque, è messa in discussione dalla soglia del testo esterna al libro, rappresentata dall'epitesto pubblico allografo: per lo più articoli giornalistici o interviste. A partire dalle categorie di Soglie (G. Genette, Einaudi 1989-Seuil 1987), l'articolo tenta un'interpretazione della polemica che vada al di là di una sua semplice ricostruzione e che interroghi i nuovi equilibri di un paratesto espanso nella multimedialità.

La conoscenza veicolata dal romanzo possiede, per sua natura e sin dalle origini, specificità che la distinguono dalle modalità di indagine e dalle prassi ermeneutiche caratteristiche di altre discipline come le scienze naturali, storiche e filosofiche; e tuttavia non è possibile negare che anche nel caso del romanzo di paradigmi del sapere si tratta: sperimentabili, praticabili, testabili. È possibile inoltre notare come le forme e modalità di conoscenza proposte da questo genere letterario, per eccellenza multiforme e complesso, varino ed evolvano nel tempo. Nell’intervento si indagheranno in ottica comparatistica le peculiari forme e modalità di narrazione e conoscenza rintracciabili nelle opere di due autori contemporanei, Walter Siti e Michel Houellebecq, che ben si prestano a un ravvicinato confronto sia dal punto di vista tematico che formale. Mediante l’ibridazione di narrativa e saggismo, ma soprattutto attraverso un certo tipo di rappresentazione romanzesca – iperbolica e paradossale – delle traiettorie di formazione (o de-formazione) di personaggi e situazioni, entrambi gli autori ci propongono visioni potentemente idiosincratiche, ma anche per questo originali e illuminanti, della realtà storico-sociale in cui siamo immersi. In questo senso proprio l’esplorazione dei dichiarati meccanismi di deformazione e di esagerazione, peculiari e ammissibili in letteratura ma non in altri tipi di indagine sul reale, può contribuire a chiarire alcuni tratti specifici di questa forma di conoscenza del mondo.

In many Italian and European novels of the new millennium, television is not only a motive, a stage element or an instrument for conveying the "background noises" of society; on the contrary, it is a remarkable thematic presence. Yet when compared with its use in 20th century novels – and even more so when compared with its dystopic variants – this mass medium seems to have lost its role of the "great accused" (Menduni 2012). In fact, in the narratives of the new millennium it is possible to observe a new metamorphosis of the television theme, driven by the criticism of Western culture and civilization, which entails a relinquishment of the more traditional representation of the conflict between emblematic humanist characters and this medium, once a symbol of totalitarian powers and hetero-directed societies. Through the thematic isotopies that express an idea of the West in terms of the dissolution of its founding values, in the novels in question we note a symbiosis between the characters and this mass medium: characters whose ethos and whose self-image are now built through their being spectators and TV viewers.

Therefore, the Kulturkritik these texts zero-in on also serves as an identity critique which does not spare the protagonists, often presented as alter-egos or auto-fictional doubles of their authors. The comparative, thematic and hermeneutic analysis of three novels by Antonio Scurati, Walter Siti and Michel Houellebecq will thus unveil the inconsistencies and paradoxes of the so-called “literature of inexperience" (Scurati 2006), whose symbiosis with the language of television (and of other mass media) eventually raises several questions.

“Sois un homme”, “agis comme un homme” : le langage quotidien permet de démontrerà quel point grandir ne suffit pas pour devenir un homme. La masculinité résulted’une construction dynamique ; elle est une conquête quotidienne, un impératif auquel
on ne peut pas déroger. C’est sur ces mécanismes de construction (et déconstruction) du masculin que se concentrent les articles contenus dans ce volume : notre but est de réfléchir à la façon dont les hommes sont représentés dans la littérature italienne contemporaine et au rapport que les personnages entretiennent avec les différents modèles de masculinité. Le roman permet-il de renforcer et diffuser les stéréotypes liés au masculin ? Ou au contraire peut-il s’y opposer, les contraster et les invalider ?
*****************
“Sii un uomo”, “comportati da uomo”: già il linguaggio quotidiano permette di dimostrare quanto non basti crescere per diventare un uomo. La mascolinità si rivela una costruzione dinamica e non uno stato fisso; è una conquista quotidiana, un imperativo che non concede deroghe. È a questi meccanismi di costruzione (e decostruzione) del maschile che sono dedicati i saggi contenuti nel volume: il nostro scopo è riflettere su come gli uomini vengono rappresentati nella letteratura italiana contemporanea e sul rapporto che i personaggi intrattengono con i diversi modelli di mascolinità.
Il romanzo permette di rafforzare e diffondere gli stereotipi maschili? O al contrario vi si oppone, li contrasta, li invalida?