Parigi

Un uomo cammina per le strade di Parigi, solo e senza una destinazione. Percorre lunghi viali dai palazzi maestosi, si perde tra la folla dei Grands Magasins. Abbottonato nel cappotto nero, vaga per la città irrequieto. Ma che cosa cerca? Dove va?

La parola flâneur deriva dal verbo francese flâner che significa «gironzolare», «perdere il proprio tempo».

Questo libro insegna a perdersi nella città: contiene racconti di promenades e di avventure urbane, storie di dandy e di flâneur… Contiene informazioni su personaggi, autori e artisti che hanno vagato per le vie di Parigi. Leggendo queste pagine scoprirete i segreti della flânerie, la nobile arte di vagabondare senza una meta.

Il progetto fotografico  Les Logements Imaginaires di Davide Weber mostra spazi apparentemente illusori che ricordano architetture vicine ai disegni impossibili dell’incisore e grafico olandese M. C. Escher e raccontano dettagli di Parigi mostrando ciò che solitamente non si è abili a vedere.

Questo lavoro nasce dalla volontà di ripercorrere, in poche pagine, la vita dell'artista olandese attraverso una selezione di opere meno conosciute.
Quando Van Gogh decise che sarebbe diventato artista, nessuno, e tanto meno lui stesso, immaginava celasse uno straordinario talento artistico. Tuttavia in un arco di tempo, sorprendentemente breve, Vincent si trasformò da principiante maldestro in artista vero e proprio.

The article aims to explain the first contacts between Franco Russoli and Fernanda Wittgens thanks to their correspondence from 1950, when the young officer of the Soprintendenza of Pisa was assigned to the Milanese one, to 1953, when he curated the Picasso exhibition at Palazzo Reale in Milan. Furthermore this work allows to highlight the contribution Russoli offered in organising the Parisian Exposition d’art Moderne Italien in 1950, when he acted on behalf of the Amici di Brera.

in Impressione e verità nella pittura tra De Nittis, Patini e i Palizzi. Dalla Puglia a Parigi attraverso la Via degli Abruzzi, catalogo della mostra (Pescara, Fondazione Museo Paparella-Treccia Devlet, 10 marzo-2 settembre 2018), a cura di Floriana Conte, Pescara, Collana Fondazione Pescarabruzzo diretta da Enrico Mattoscio - Fondazione Paparella, Edizioni Menabò, 2018, pp. 11-50 – ISBN: 9788895535999.

La storia del violino realizzato nel 1728 da Antonio Stradivari e dai figli Francesco ed Omobono, in uso a Giovanni Battista Viotti e poi ceduto nel 1794 a Domenico Dragonetti (che lo lascia in prestito anche a Niccolò Paganini) e da quest'ultimo legato alla sua morte, avvenuta nel 1846, alla violinista diciannovenne Teresa Milanollo. Il violino porta il nome di «Dragonetti-Milanollo» dai suoli due principali proprietari.

I teatini a differenza dei gesuiti preferirono insediarsi per ragioni di economia in edifici religiosi esistenti. Ne mantennero le intitolazioni originali aggiungendo quella a san Gaetano. Un riuso che si accordava all’idea di rigore e di modestia, espressione del rinnovamento della vita ecclesiastica segnato dalla riforma cattolica antecedente il concilio di Trento con lo scopo di restaurare nella Chiesa la regola primitiva di vita apostolica. Presto però, con l’affermarsi dell’ordine e con l’appoggio di papi, principi e nobili italiani ed europei, avviarono importanti cantieri. Alcuni  teatini furono architetti spesso fedeli ai modelli della controriforma, ma spesso ben più liberi dai canoni tridentini dei gesuiti. A volte furono ortodossi nel ripetere lo schema di sant’Andrea della Valle: aula unica con cappelle laterali, cupola transetto e coro; ma il teatino Francesco Grimaldi difese fino all’ultimo la sua idea a pianta centrale quincunx (cinque cupole) contro Maderno che aveva trasformato San Pietro a croce latina tradendo Michelangelo. Altre volte in importanti edifici come san Giuseppe a Palermo, San Vincenzo a Piacenza, Santa Cristina a Parma o san Siro a Genova seguirono la tipologia basilicale a tre navate delle origini, oppure sperimentarono le audaci spazialità barocche di Borromini in chiese a pianta centrale, nonostante la loro scarsa funzionalità liturgica, o ancora si ottennero impianti longitudinali attraverso l’intersezione di ellissi. Guarino Guarini, teatino, portò l’architettura teatina, se così si può dire o di committenza teatina,  a risultati originalissimi, fondamentali per il rococò europeo. Seppe rappresentare il regno di Dio in terra. Ciò avvenne anche con il contributo della musica. Organi e cantorie sono infatti sempre presenti nelle chiese teatine.

TUTTO SUL PIÙ CELEBRE CIMITERO DI PARIGI, VISITATO OGNI
ANNO DA OLTRE DUE MILIONI DI TURISTI E DIVENTATO LUOGO
PER LA TRASGRESSIONE A OGNI REGOLA.
ATTRAVERSO LE TESTIMONIANZE DI CHI LAVORA NELLA NECROPOLI,
O HA SCELTO DI TRASCORRERE LE GIORNATE IN QUEL
CIMITERO STRAORDINARIO, SCOPRIREMO SEGRETI E LEGGENDE
CHE CIRCONDANO LE TOMBE FAMOSE DI PERSONAGGI COME JIM
MORRISON, OSCAR WILDE, LO SPIRITISTA ALLAN KARDEC E I
CADUTI DELLA COMUNE DI PARIGI.
UNO STUDIO ANTROPOLOGICO APPROFONDITO E DETTAGLIATO,
MA ANCHE UN VADEMECUM PER TURISTI SENZA TABÙ CHE
VOGLIONO CONOSCERE UN CIMITERO DENSO DI EROTISMO, UN
MUSEO ALL’APERTO, UN PARCO-GIARDINO E UN LUOGO DI PASSEGGIO
PIÙ CHE DI PASSAGGIO, SENZA LA VELOCITÀ E LA TENSIONE
DEL PRESENTE, DOVE ENTRARE IN CONTATTO CON IL PASSATO
E LE SUE MEMORIE.

Il volume, articolato in 52 saggi e una premessa, è stato ideato dal curatore come un organico percorso originale di lunga durata all’insegna della Storia dello spettacolo: dal mondo antico sino ai giorni nostri, teatro e arte, musica e cinema si intrecciano nel volume, in prospettiva europea (ma non mancano incursioni oltreoceano), articolandosi in una mirata serie di contributi. Ne deriva un quadro scientifico strutturato che illustra orizzonti culturali diversi instaurando un ‘colloquio’ tra studiosi italiani e stranieri che guardano alla Storia dello spettacolo e al suo contesto con differenti metodi e punti di vista. Tra gli argomenti trattati spicca l’arte dell’attore. Un aggiornato punto di riferimento metodologico.

The reflections presented by this contribution address the various ways of illustrating and representing cities and their territories. Studying urban transformations by means of literary sources has become a patrimony also shared by Urbanism. The processes of urban and territorial transformation have cancelled portions and, at times, entire cities which, however, we can reconstruct and revive thanks to literature. Especially during the 20th century, the narrative of cities created many myths (i.e., Paris) and contributed to introduce smaller towns (as, for instance, Ferrara); for its part, Urbanism turned narrative into a practice for facing and tackling the issues of city planning and design.

Also known as Sepo, was a renowned international graphic designer. He started working as a graphic designer in the early Twenties in Paris, but in the next decades he achieved his major success thanks to his genuine approach and his revolutionary ideas concerning product advertisement and illustration. Indeed his works are characterized by sophistication and graphic elegance, but they also attest to a profound awareness of customers' desires and dictates of the market. By considering in a new light his theoretical and historical background, this paper proposes a new critical approach concerning his productions and his international relevance within the European context.

Sono circa due milioni coloro che ogni anno la visitano, in qualsiasi periodo dell’anno; all’interno del suo perimetro si trovano alcune delle più importanti testimonianze dell’architettura e della scultura europea del XIX e XX secolo; la presenza di una vegetazione variegata, fatta di alberi e cespugli che incorniciano gli edifici e delimitano le differenti strade e percorsi pedonali, contribuisce a rendere l’ambiente gradevole ed invitante; iscrizioni in ogni lingua testimoniano del cosmopolitismo e dell’apertura all’altro che storicamente la caratterizza. Sembrerebbe la descrizione della “metropoli ideale” e in un certo senso é di una città realmente esistente, che si sta parlando: il fatto é che si tratta di una città dei morti, di una necropoli. Nello specifico, di quello che é il cimitero forse più conosciuto e certamente più visitato al mondo, ovvero il Père-Lachaise di Parigi.

Enzo Venturelli, Claude Parent and Roger Anger belong to the same period of time, as the latter two are contemporary while the former was born 13 years earlier, in 1910. However, their stories are quite different. Their approach to architecture reflects the widely varied characteristic and personal features of the three authors, despite their contradictions and complexities. Venturelli is reserved, proposes innovative, visionary architectures within a feasible, consistent context. His reclusive personality kept him away from the French glowing, international environment, in fact he remained in his hometown of Turin that did not love him and soon forgot the contribution of his works. Parent, on the other hand is a brilliant, omnipresent, polemic, provocative personality. Architect among artists, he was the real driving force among artists and intellectuals of post-war Paris; he was appreciated by institutions and was therefore included in the French architectural elite. Anger is the architect who was integrated into the system, a prolific, trendy architect who developed several residential projects, in Auroville, India, therefore implementing his utopian vision of the town. Differences that do not exclude and, on the contrary, confirm the opportunity to identify in the three authors a common urban representation. We refer in particular to the special declination of the ideal, utopian town, according to similarities and repetitions that make this comparison rather interesting. This is even more significant as the analysis highlights a network of cultural, personal relationships, either ascertained or highly probable.

Un giorno d'autunno Federico Bellomi incontrò l'incisore Dante Broglio in una piccola strada detta "tra due mura", nel paese di Colognola ai Colli. Da alcuni mesi era tornato a vivere con la madre nella casa natia, l'infanzia la trascorse tra balie e collegio dopo che il padre morì in un incidente stradale. L'incontro con il maestro incisore fu importante e decisivo per il suo futuro. Dal maestro imparò la tecnica dell'incisione ma soprattutto a dipingere, lo incoraggiò a partecipare ai concorsi d'arte contemporanea e, con la famiglia del dottor Cazzola medico del paese, contribuì notevolmente alla sua formazione culturale. Nel dopoguerra il dipingere divenne per il Bellomi un mestiere, su commissione iniziò ad affrescare pareti interne di alcune ville nel territorio veronese. Molte sono le opere murali che realizzò nel corso della sua vita, l'ultima è collocata nel transetto laterale destro della chiesa di Sant'Anna di Lugagnano di Sona. Questo grande dipinto, Arbor Redemptionis, racconta la storia della salvezza attraverso episodi, trattasi di una tempera di caseina lattica di duecento quaranta metri quadri probabilmente una delle più grandi nel territorio italiano. Per questo dipinto, il Bellomi ha utilizzato una tecnica già in uso nel Rinascimento, la caseina lattica una proteina che si ricava dal latte crudo scremato. 1 Federico Bellomi dipinse tutta la parete della chiesa di Sant'Anna con l'uso di questa tecnica nella quale i pigmenti colorati sovrapposti con maestria, danno origine a moltissime velature e timbri tonali. Una curiosità: la caseina madre va conservata in frigorifero, il Bellomi per questo grande lavoro la teneva all'interno di un barattolo di vetro immerso in un composto di calce spenta ed acqua e il tutto in un contenitore di plastica posto sull'impalcatura, come si usava anticamente 2. Nell'opera Arbor Redemptionis vi sono rappresentati simbolicamente momenti importanti 1 In commercio la caseina si presenta come una polvere bianca o giallastra. La colla di caseina usata nelle pitture murali, si ottiene aggiungendo, alla quantità di 20 grammi di polvere, 200 millilitri di acqua. A questo composto si aggiungono successivamente, 4 grammi di ammoniaca e 10 grammi di glicerina. Questa soluzione madre viene conservata in frigorifero per evitare che si alteri per poi diluirla, all'occorrenza, con acqua prima di essere mescolata ai pigmenti colorati. Una volta terminato di dipingere la superficie con questo procedimento, il colore diviene tutt'uno con il muro e il dipinto rimane per secoli. 2 La calce spenta veniva utilizzata già dagli antichi egizi come disinfettante e conservante, contenuta in vasi di terracotta.

This text intends to discuss the profile of three architects belonging to the past century: Enzo Venturelli, Claude Parent and Roger Anger. The aim is to compare their representations to prefigure their ideal towns. Interest is even greater, if we hypothesize and sustain the existence of a link be-tween these three personalities which is far from being simply indirect. A new interpretation of the three authors highlights common cultural aspects. The identified links open up new prospects for investigation, substantiated by an exam of the works of these three architects. In particular, a spe-cific element is compared: the representation – through the drawing – of a model town based on innovative, spatial organization in architecture both in terms of structure and shape. This proposal anticipates the “town of the future” in its different utopian, ideal or alternative aspects, also in view of their subsequent, cultural influence.