Retrato

El artículo muestra la metodología empleada para investigar una figura (la señora Ludovisi, Jeanne-Catherine Esperon) activa en Valencia como fotógrafa a mediados del siglo XIX. Se indican los archivos civiles y religiosos, tanto en España como en Francia, y las fuentes hemerográficas consultadas.

" Wearing Images " es el título del volumen monográfico número 6 de la revista Espacio, Tiempo y Forma, dirigido por Diane Bodart, David Rosand Assistant Professor of Italian Renaissance Art History de la Columbia University de Nueva York, que propone el siguiente tema: En las últimas décadas, los estudios sobre la materialidad y la eficacia de las imágenes, así como aquellos sobre las prácticas sociales y artísticas vinculadas a ellas, han permitido explorar hasta qué punto la fabricación, los usos, el manejo o la exhibición de imágenes contribuyeron a la activación de sus capacidad de hacerse presentes a través de su interacción con el espectador. Además, el creciente interés por el diálogo entre la historia del arte y la antropología de las imágenes ha resaltado los lazos estrechos entre el objeto artístico y el cuerpo: así, si el cuerpo puede ser el medio del objeto artístico animado, el objeto artístico puede a su vez llegar a actuar como sustituto del cuerpo animado. Pero, ¿qué ocurre cuando el cuerpo no es el medio, sino el soporte de una imagen específica?, ¿qué ocurre cuando incrusta otra imagen en su propia superficie, ya sea directamente sobre la piel, por ejemplo, sobre el vestido o sobre un adorno corporal? " Wearing Images " pretende investigar los diferentes modos de interacción entre la imagen y el cuerpo que la aloja durante la Edad Moderna (entre aproximadamente 1400 y 1800), en un periodo en el que algunas imágenes devocionales, políticas, dinásticas o familiares fueron exhibidas a través de medallas, joyas, insignias, adornos bordados o tatuajes. En el transcurso de procesiones o rituales públicos, se exhibían pegadas al cuerpo, como si fueran parte de él, por ejemplo a través de un motivo decorativo sobre una armadura o sobre un traje en una fiesta. Este volumen planteará cuestiones como el papel de las imágenes incrustadas en el cuerpo en la definición de la propia identidad, en la afirmación de la afiliación con un colectivo, o en la construcción de la individualidad; la dimensión apotropaica y el empoderamiento creado por el contacto entre el cuerpo y la imagen; la performatividad de imágenes adosadas al cuerpo en movimiento y la interacción que provocan entre el portador de la imagen y su espectador. También prestará atención a la representación del portador de imágenes, que incorpora una potencial estructura de repetición, con la consiguiente inserción dentro de una composición pictórica de una imagen dentro de otra imagen. Este volumen Wearing images integrará textos originales que investiguen sobre el acto de inscribir y portar imágenes sobre el cuerpo durante la Edad Moderna, a través de medios como los tatuajes, las joyas, las medallas, el vestido, las armaduras o los escudos. También se aceptarán trabajos sobre la representación de los propios portadores de imágenes. Las contribuciones podrán centrarse en un caso en particular o analizar un grupo de objetos. No existen restricciones geográficas, y pese a que la cronología se centra sobre todo en la Edad Moderna, se aceptarán análisis comparativos con otras épocas. Le rogamos difunda este Call for Papers. Si está interesado en enviar una contribución le rogemos consulte las normas para autores, y se registre en la web de la revista para remitirnos su propuesta:

Este trabalho parte de uma reflexão pessoal, quase intima na relação com a fotografia. Dai que, nas linhas abaixo este resumo não se fundamenta em bibliografias académicas, mas antes no pensamento e manifestação subjetiva da minha parte.

É interessante perceber as ambivalências e reflexões sinalizadas pelas imagens. Elas mobilizam os olhares e exaltam as mentes.

A fotografia é uma ferramenta de “afetos e impactos” que nos pode chocar, fazer rir ou chorar. Quando se trabalha um grupo de pessoas, como é o caso, é possível identificar, laços de amizade, a intimidação que a lente proporciona e a própria libertação dessa intimidade,
proporcionando uma cumplicidade entre fotógrafo e a pessoa, fazendo com que as imagens finais sejam mais naturais e mais bem produzidas.

Este proyecto incluye el diseño, construcción y puesta en escena de una “arquitectura del ser” que expresa a un individuo en el espacio virtual y en tiempo real usando: (1) datos fisiológicos como material de construcción, (2) el diseño arquitectónico como intención expresiva, (3) el espacio digital como medio plástico, (4) proyecciones de pantalla como técnica de visualización e inmersión, (5) la interactividad y performance del usuario como socio, y (6) colaboraciones interdisciplinarias entre la Arquitectura, Coreografía, Danza Moderna, Música, Bioengeniería, Medicina y las Ciencias de la Computación como su contexto creativo y técnico.

La ponencia presenta la implementación de la cyberPRINT durante un espectáculo tecno-mediático en el Rose Wagner Performing Art Center en Salt Lake City, EEUU en mayo de 2000.  Este trabajo es el primero de su tipo en el mundo.  La cyberPRINT establece una nueva area de investigación arquitectónica en colaboración con las Artes y las Ciencias.

En el imperio romano el retrato tendrá un protagonismo central; será uno de los ejes que vertebrarán buena parte de los valores que lo configuraron y que lo proyectaron hacia el futuro como un modelo casi permanente (que llega hasta nuestros días). Pues bien, dentro de la retratística romana, no fueron los bustos de mármol las imágenes que gozaron de mayor relevancia. Las imagines maiorum (imágenes de los antepasados), elaboradas en ceras polícromas y custodiadas en los atrios de los hogares fueron las que aglutinaron la esencia de la retratística clásica. La genealogía familiar, el poder, la gloria… quedaban impresos con particular energía en estas imágenes que, paradójicamente, sólo han llegado hasta nuestros días a través de las fuentes escritas: su materialidad cerosa, aquella que las dotaba de una vitalidad única, motivó que desaparecieran sin dejar apenas rastro. Sin embargo, la pieza en sí misma no era lo importante; su fuerza residía en su exclusividad, en el derecho a poder realizarlas (sólo reservado a una élite) o… al menos, esto es lo que creían en el Renacimiento.

Este artigo empreende uma análise da obra de Madalena Schwartz, fotógrafa húngara radicada em São Paulo desde a década de 1960, responsável por constituir um acervo visual do Brasil no final do século xx por meio do retrato. A partir de sua obra, exploro o significado do retrato na construção do imaginário moderno e seus rebatimentos nas discussões conceituais sobre imagem, fisicalidade, pessoa, semelhança e indivíduo na antropologia. A reflexão que empreendo sobre os retratos de Madalena Schwartz segue conceitualmente a virada fenomenológica na formulação teórica sobre a fotografia nas ciências sociais, que privilegia mais o nível experiencial do que o semiótico. O retrato, assim, envolve engajamento e experiência, sendo constituído por meio de relações sociais. Nesse sentido, o retrato é tomado enquanto materialização da relação entre o fotógrafo e o fotografado.

O livro visa o estudo de uma das personagens mais carismáticas e incontornáveis no panorama da História da Arte Portuguesa oitocentista. “Uma das mais idolatradas, mas também das mais controversas, nomeadamente no epíteto dado, do “mais português dos pintores portugueses“.

Apesar da popularidade da sua figura, e da extensa fortuna crítica que a ele lhe tem sido dedicada, Malhoa carecia ainda de um estudo sistemático global, e de contextualização, quer a nível nacional, como, sobretudo internacional, no sentido de compreender a eventual especificidade da sua obra, e personalidade. Pretendeu-se realizar uma análise detalhada e sistemática da sua vida e obra, não apenas desconstruindo esse “mito da portugalidade”, como também, perceber os moldes em que se desenvolveu a sua produção pictórica, através das ideias, dos modelos, influências e resultados, numa obra profusamente ilustrada com cerca de 300 fotografias.

This work aims to study one of the most charismatic and compelling characters in the panorama of nineteenth-century Portuguese Art History. One of the most idolized, but also most controversial, particularly given the epithet of "the most Portuguese Portuguese painters."

Despite the popularity of his figure, and the vast fortune that the criticism he has been paid, Malhoa still lacked a systematic study of global and context, both at national and especially international, to understand the possible specificity of his work and personality.

We intended to conduct a detailed and systematic analysis of his life and work, not only deconstructing the myth of the Portuguese ", but also understand the ways in which developed his pictorial production, through the ideas, models, influences and outcomes , a work profusely illustrated with 300 photographs

El retrato de la nobleza inca tiene en la imagen de Beatriz Clara Coya, el testimonio más importante de la posición y trascendencia de las élites originarias durante el Virreinato del Perú. La imagen de la última princesa del Tahuantinsuyo forma parte de un retrato colectivo, el del célebre matrimonio que contrajo con Martín García de Loyola, con el cual se unía simbólicamente el linaje inca con la propia Compañía de Jesús. La presente investigación devela los símbolos, códigos y significados en el retrato de la joven Beatriz a través del análisis de su vestuario, tocado y joyas que refieren directamente a la exaltación del pasado incásico y la encumbran como la portadora del pensamiento, la religión y la conservación de los fines políticos del Imperio de los Incas. Su retrato servirá de modelo e inspiración a otras damas nobles incas que buscarán retratarse como ella hasta el mismo siglo XIX.
Contacto: bendecida2102@gmail,com

Se propone la aplicación de un conjunto de técnicas estadísticas multivariadas conocidas bajo el nombre de morfometría geométrica para el estudio de la variación morfológica en representaciones parietales. Ofrecemos una introducción acerca de los métodos utilizados y presentamos los resultados del análisis cuantitativo de las variaciones en forma y tamaño de los retratos de Neferhotep (TT49, dinastía XVIII, Reino Nuevo).

Retratos da Rainha Nzinga, ISBN: 1230000948500, é um texto que em Fevereiro de 2016, foi disponibilizado na Plataforma Kobo pela Editora Kotev (Kotev ©). Em Março de 2018, este mesmo material foi reformatado como material de acesso livre na Internet em Formato PDF. Editorialmente, Retratos da Rainha Nzinga é um texto elaborado a partir de ensaios preliminares, decorrentes de conferências e cursos de capacitação em afro-educação nos quais o autor atuou enquanto professor no transcorrer do decênio 2004-2014, particularmente junto ao Centro de Estudos Africanos da Universidade de São Paulo (CEA-USP). A presente edição de Retratos da Rainha Nzinga incorpora revisão ortográfica com base nas regras atualmente vigentes quanto à norma culta da língua portuguesa, cautelas de estilo e normatizações editoriais inerentes ao formato PDF. Esta edição é acompanhada do Anexo Rainha Ginga: Majestade da Memória Negra, artigo do mesmo autor que retrata a trajetória histórica e os significados auferidos pela Rainha Nzinga no imaginário social africano e brasileiro. Retratos da Rainha Nzinga é um material gratuito, sendo vedada qualquer forma de reprodução comercial e de igual modo, divulgação sem consentimento prévio da Editora Kotev (Kotev©). A citação de Retratos da Rainha Nzinga deve incorporar referências ao autor e apensos bibliográficos conforme padrão modelar que segue: WALDMAN, Maurício. Retratos da Rainha Nzinga. Série Africanidades Nº. 22. São Paulo (SP): Editora Kotev. 2018.

El retrato fue uno de los géneros más populares entre los pintores sevillanos del barroco. Fueron diversos los pintores que alcanzaron un alto nivel de calidad en sus obras, como se puede apreciar en muchos de los ejemplos que a continuación se presentan.

O presente artigo discute a presença da imagem de Tiradentes no interior do Museu Paulista, tanto na gestão de Hermann von Ihering, a partir da doação de um busto do Inconfidente em 1898, e que causou uma série de suspeitas sobre a sua "veracidade", quanto na de Afonso Taunay, quando houve a encomenda do retrato de Tiradentes em 1922 para ser alocado entre os "homens da Independência".

En la Ermita de Nuestra Señora de la Oliva, de Vejer de la Frontera, existe un  cuadro al oleo, recién restaurado, que representa a Antonio Pizano, junto a la efigie de la patrona del municipio. La tradición ha considerado que este chiclanero, fue benefactor del templo, costeando obras de restauración a finales del siglo XVIII, al igual que realizó en la Iglesia de San Juan Bautista de Chiclana de la Frontera.
En este trabajo se estudian los aspectos principales de este personaje, intentando esclarecer sus relaciones con la hermandad vejeriega.

Resumen:
Consultado Peter Sloterdijk acerca de ¿qué obras recomendaría?, responde: En primer lugar, El nacimiento de la tragedia, de Nietzsche, una teoría del arte. En segundo lugar, a Andy Warhol, con su libro: The philosophy of Andy Warhol. From A to B and back again (‘Mi Filosofía de A a B y de B a A’). Este originalísimo libro constituye no sólo una crónica de la vanguardia artística de New York y su particular fauna, sino a través de un repertorio de frases y agudas observaciones Warhol nos ofrece lo que es fundamentalmente una crónica del american way of life, de su glamour y decadencia. Entre sus frases memorables no se puede dejar de citar entre otras: «Shopping is much more american than thinking» (‘comprar es mucho más americano que pensar’). O «Nunca me molesto en arreglarme o en tratar de ser atractivo porque simplemente no quiero que nadie se comprometa conmigo; descuido mis buenos atributos y destaco los malos, de modo que tengo un aspecto espantoso y llevo los pantalones equivocados y los zapatos equivocados y llego en el momento equivocado con amigos equivocados y hablo con la gente equivocada, y si aún así, alguien se interesa por mí huyo y me pregunto. ¿En qué me equivoqué?… El asunto es que conocer a una persona más me resulta simplemente demasiado difícil, porque cada nueva persona ocupa más tiempo y espacio…»

En este trabajo se estudian dos interesantes pequeños retratos realizados al óleo sobre naipe que han ingresado en los últimos años en el Museo Nacional de Artes Decorativas y que destacan por su calidad artística y su significado histórico: uno del Carlos II fechado hacia 1690 obra de Jan van Kessel II y otro de su segunda esposa, Mariana de Neoburgo, ya viuda, que aún conserva su montura original de oro y esmeraldas.
Un artículo de Mercedes Simal López (Museo Nacional del Prado)

Como bien indica su título, en el texto “Joaquín Costa, retratista ocasional: las «Semblanzas» (1868) o la impronta de Balmes en la caracterología literaria de la segunda mitad del siglo XIX español” se aborda, por un lado, la edición del cuadernillo manuscrito de Joaquín Costa titulado «Semblanzas», datado en Madrid y 1868, y por otro se ubica aquel en la historia literaria del siglo XIX atendiendo esencialmente a las deudas contraídas con el magisterio de Jaime Balmes y su «Criterio». Para el primero de los propósitos se sigue el procedimiento filológico estricto; a saber: localización del manuscrito; descripción material del mismo; reconstrucción razonada del tiempo de escritura (términos «a quo» y «ad quem») del texto, junto con apuntes de contextualización en la trayectoria biográfica de Joaquín Costa; y edición escrupulosa del manuscrito de las «Semblanzas», con anotación exhaustiva, señaladamente la relativa a la descodificación de los personajes retratados, cuya identidad ocultó Joaquín Costa tras siglas acrónimas. En cuanto a la ubicación del texto en la historia literaria del siglo XIX español, en primer lugar fue necesario comprender el texto de las «Semblanzas» dentro del conjunto de curiosos ejercicios literarios del Joaquín Costa juvenil, determinados por las lecturas de Trueba, Hartzenbusch, Castro y Serrano, Zorrilla, Castelar, Chateaubriand, Lamartine oVerne, según confiesa el propio Costa en textos fundamentales como sus «Memorias» o en cuadernillos manuscritos, también de índole autobiográfica, como el «Nosce te ipsum», contemporáneos ambos de las «Semblanzas». Pero en tanto que «retratos», la veintena de las semblanzas recogidas en el manuscrito de Costa, tiene la virtud de documentar la influencia decisiva del libro de Jaime Balmes, «El criterio», uno de los más leídos del siglo XIX español, en la construcción de retratos literarios; o dicho de otro modo, «El criterio» —y se aportan pasajes muy reveladores y determinantes—  fue modelo seguido por muchos autores para la fragua de «caracteres», tanto en novelas, cuentos o poemas narrativos, toda vez que respondían a «resortes» de carácter y a una «pasión dominante» que los acababa de perfilar más allá de la fisionomía simbólica.

French blurb / quatrième de couverture:
Ce livre est le fruit d'un projet ambitieux visant à replacer l'émergence du portrait européen dans le contexte large d'une évolution où parmi d'autres facteurs les rites funéraires et les masques mortuaires jouent un rôle déterminant. L'« archéologie de la ressemblance » est ainsi la formule que l'auteur propose pour renouveler notre connaissance des débuts du portrait au XIIIe siècle, c'est-à-dire bien avant l'apogée du portrait individuel à la Renaissance. Par une transgression audacieuse des frontières du champ disciplinaire, l'enquête jette un éclairage inattendu sur l'environnement culturel qui favorisa l'apparition de ce genre visuel si caractéristique du continent européen. Le recours à la méthode étymologique enrichit tout particulièrement l'investigation en éclairant d'un jour nouveau les causes profondes de cette représentation figurée. Sur un sujet où tout déjà semblait avoir été dit, un arrière-plan aux multiples facettes se trouve ici mis au jour, qui d'une manière exemplaire révèle la complexité des facteurs intervenant dans l'histoire de la représentation figurée.

Hans Belting


German blurb / Klappentext:
Das Buch spannt einen weiten Bogen und ordnet die Herausbildung des europäischen Porträts in einen viel größeren Zusammenhang ein, in welchem auch Grabriten und die Totenmaske eine Rolle spielen. So ist etwa die „Archäologie der Ähnlichkeit“ ein Stichwort, um unsere Aufmerksamkeit für die Anfänge des Porträts im 13. Jahrhundert, lange vor der Blütezeit des Individualporträts in der Renaissance, neu zu wecken. Indem sie die Fachgrenzen kühn überschreitet, bietet die Untersuchung einen unerwarteten Einblick in das kulturelle Umfeld, in welchem es zur Entstehung dieser für Europa so charakteristischen Bildgattung kommen konnte. Das gilt auch für die Etymologie der Begriffe, die bei diesem Vorgang eine Rolle spielen und ein neues Licht auf die Motivation hinter diesem Bildnis werfen. In einem Thema, in dem alles schon gesagt schien, wird hier ein vielfach verzweigter Hintergrund freigelegt, der exemplarisch beweist, wie komplex die Gründe sind, die in der Bildgeschichte eine Rolle spielen.

Hans Belting

RESUMEN
No cabe duda de que la fotografía se posicionó en el siglo XIX como el elemento trascendental que democratizó definitivamente el retrato. La ciudadanía halló en este procedimiento el medio más eficaz para su representación social. En este sentido, planteamos en este artículo el importante papel que va a desempeñar la fotografía como documento sociocultural a finales del siglo XIX a través del estudio ideológico del retrato post mórtem como una modalidad usual en el ámbito familiar de aquel tiempo. Para la comprensión de esta iconografía tomamos como referente las reflexiones del fotógrafo y teórico Gaspard-Félix Tournachon «Nadar», con el fin de profundizar tanto en la función social del retrato de difuntos como en su posicionamiento dentro de la práctica fotográfica.
Palabras clave: Fotografía post mórtem, Retrato, Siglo XIX, Gaspard-Félix Tournachon «Nadar».
SUMMARY
There is no doubt that photography was a transcendental element in nineteenth-century that definitely democratized portraiture. Citizenship found in this procedure the most effective way for their social representation. In this sense, this article deals with the important role photography played as as sociocultural document in late nineteenth-century through post mortem portrait studio. To understand this iconography we take as reference to Gaspard-Félix Tournachon «Nadar» testimony. The reflections of this photographer and theorist will help to clarify the social role of post mortem portrait at that time.
Key words: Post Mortem Photography, Portrait, XIXth Century, Gaspard-Félix Tournachon «Nadar».

Resumen: Francisco de los Cobos (ca. 1477-1547) fue uno de los personajes políticos más relevantes del reinado de Carlos I y promovió una destacada labor artística. Sin embargo su personalidad no fue ni la de un humanista ni la de un coleccionista en sentido estricto. Antes bien, su biografía —formación, inquietudes y objetivos— parece revelar un uso de las expresiones culturales e imágenes artísticas como medio
para consolidar su estatus social y otorgar notoriedad a su linaje, fin último al que consagró su estrategia vital.
Palabras clave: Siglo XVI. Nobleza. Francisco de los Cobos. Coleccionismo. Retrato. Arquitectura.
Summary: Francisco de los Cobos (ca. 1477-1547) was one of the most prominent politicians of the Reign of the Emperor Charles V and promoted a remarkable artwork. But his personality was strictly of neither a humanist nor a collector. Rather, his biography —formation, concerns and goals— seems to reveal a use of the cultural works and artistic images as a medium to consolidate his social status and give visibility to his lineage, final target to which he dedicated his life strategy.
Keywords: Sixteenth century. Aristocracy. Francisco de los Cobos. Collecting. Portrait. Architecture.

Este artigo analisa o modo como seis artistas latino-americanos construíram suas aparências e imagens públicas através de seus auto-retratos realizados nas primeiras décadas do século XX. Centra-se nas figuras dos argentinos Emilio Pettoruti e Ana Weiss de Rossi, dos mexicanos Diego Rivera e Abraham Ángel e dos brasileiros Ismael Nery e Tarsila do Amaral. A partir de variáveis como gênero e trânsito, produto das viagens de formação à Europa, se analisa como nas imagens que cada um produziu, plasmou-se subjetividades múltiplas e complexas que buscaram afirmar seus variáveis estatutos como artistas.

This article analyzes how six Latin American artists elaborated their public appearances and public images through their self-portraits in the first decades of the twentieth century. It focuses on the figures of the argentines Emilio Pettoruti and Ana Weiss de Rossi, the mexicans Diego Rivera and Abraham Ángel and the brazilians Ismael Nery and Tarsila do Amaral. From variables such as gender and transit, the product of studying trips to Europe, the article analyzes how in the images produced by each one, multiple and complex subjectivities were formulated that sought to affirm their variable status as artists.

Resumen: en este trabajo se ofrece un estudio comparado del «retrato de la dama», canción seriada de transmisión oral que presenta importantes conexiones con la tradición culta. El análisis textual ha permitido explicar, entre otros rasgos, el funcionamiento de la «propagación» literaria, mecanismo compositivo consistente en que una imagen o metáfora, asociada prototípicamente a un elemento concreto que ejerce como origen o «foco propagador», se extiende a otros elementos que por sí mismos no podrían establecer una relación motivada o previsible con el término de comparación aplicado.

Palabras-clave: literatura oral, lírica popular, retrato de la dama, mayos, propagación literaria.

Summary: this paper offers a comparative study of the so-called «retrato de la dama» (portrait of a lady), a serial song from oral tradition that shows important connections with the written poetic tradition. The analysis of these texts will allow us to explain, among others compositive mechanisms, the operation of the literary propagation, consisting in the spread of an image or metaphor, that is associated to a specific element, to other elements that by themselves can’t establish a reasoned and understandable relationship, or in any foreseeable case, with the new comparison terms.
Keywords: oral tradition, folk poetry, portrait of a lady, spring songs, literary propagation.

The journey of the Flemish painter Simon Pereyns in Lisbon around 1558 is
known for Ibero-American historiography since 1938, after the seminal work of Manuel Toussaint. In light of new documents, this text seeks to better explain the circumstances of Pereyns passage to Portugal, before leaving for Spain, from where he will depart to Mexico in 1566. The artistic contacts with the Flemish community established in Lisbon since the late fifteenth century and the close interaction set up with the court painters who excelled in portraiture are some aspects that we will tackle for a better understanding of Pereyns career in New Spain.

Con el título 'Las mujeres de Madrazo' reivindicaba la crítica Margarita Nelken la capacidad artística de Federico de Madrazo y Kuntz para captar la personalidad de las retratadas y por eso sus figuras cautivaban tan intensamente. Entre las retratadas se encuentran las mujeres más notables de la España liberal de mediados del XIX, desde la familia real hasta sus pinturas de mujeres célebres que destacaron por su habilidad para desenvolverse en los círculos de sociabilidad de la Corte, pero especialmente destacan las mujeres escritoras y poetas que formaron parte de las tertulias literarias junto a la familia Madrazo. Se analizan los referentes estéticos que eligieron estas mujeres de letras para su representación en un momento clave de inicio de la Modernidad.

https://revistas.ucm.es/index.php/ARIS/article/view/68389
https://revistas.ucm.es/index.php/ARIS/article/view/68389/4564456554947

Este artículo propone una descodificación del cuadro Niña muerta (1957) de Antonio López. Una pintura clave de los años cincuenta que debe ser abordada desde varias perspectivas de interpretación para comprenderse en su totalidad. Con tal propósito este estudio plantea en su desarrollo el análisis tanto de su origen iconográfico como de su construcción morfológica, para así aclarar las diferentes tácticas que el artista asume en su estructuración ideológico narrativa. En este sentido, presentamos un texto en el que se evidencia, por un lado, el uso de la fotografía por parte del artista como fuente de inspiración para la creación de esta pieza, tratándose en profundidad el proceso apropiacionista que efectúa López para concebirla –bajo el parámetro de fusión de lo fotográfico con lo pictórico como estrategia representativa–. Mientras, por otro, se pone de manifiesto la clara convivencia idealizada de la realidad e irrealidad en la misma, manifestándose en consecuencia como una pintura esencial en la composición de su época surrealista.

This article proposes a decoding of the painting Dead girl (1957) by Antonio López. A key painting from the fifties that must be approached from various perspectives of interpretation to be fully understood. To this end, this study proposes in its development the analysis of both its iconographic origin and its morphological construction, in order to clarify the different tactics that the artist assumes in his narrative ideological structuring. In this sense, we present a text that evidences, on the one hand, the use of photography by the artist as a source of inspiration for the creation of this piece, treating in depth the appropriation process that López carries out to conceive it –under the parameter of fusion of the photographic with the pictorial as a representative strategy–. Meanwhile, on the other, the clear idealized coexistence of reality and unreality in it is revealed, consequently manifesting itself as an essential painting in the composition of its surrealist period.

Este trabajo plantea una aproximación diferente a la trayectoria vital y profesional del pintor Juan Ventura de Miranda y Cejas (1723-1805), incidiendo en su dedicación continua al retrato. Trata por primera vez algunas obras que pueden vincularse con su arte, junto a otras atribuidas o documentadas en el pasado. El objetivo radica en resaltar la contribución del maestro a este género artístico y, en última instancia, reivindicar su protagonismo como hábil fisonomista de la sociedad canaria durante el siglo XVIII.

The recent rediscovery of an early seventeenth-century mural painting hidden beneath an eighteenth-century painting on canvas on the nave crossing arch of the Church of Santo Domingo provides striking visual evidence of individual and corporate identities and shifting devotional contexts at the Dominican monastery. Complementing and clarifying the visual evidence in the paintings, recently recovered archival documents confirm the identities, roles, and activities of the major protagonists in the Dominican artistic and building campaigns of the early seventeenth century.

El reciente redescubrimiento de una pintura mural que data de los principios del siglo XVII sobre el arco oeste del crucero de la iglesia de Santo Domingo, la cual había sido ocultada por un lienzo pintado a principios del siglo XVIII, ofrece importante evidencia visual en cuanto a identidades individuales y corporativas, y subraya una transformación de devociones en el convento dominico. Complementando y clarificando la evidencia visual, la nuevamente recuperada documentación en los archivos permite confirmar las identidades, los roles y las actividades de los protagonistas principales en las campañas artísticas e arquitectónicas de los dominicos a principios del siglo XVII.