Teoria Del Arte

Hace ahora casi cuatro décadas que Throbbing Gristle hizo su aparición en la escena underground internacional como un estallido inesperado. Sin duda, también, inesperable. Un estallido electrónico, cuyas reverberaciones se prolongan hasta nuestros días. Surgidos del colectivo artístico COUM Transmissions, la banda dio nombre a la música industrial mediante la fundación de su propio sello discográfico Industrial Records en 1976. Desde aquellos años, ha adoptado formas y estilos diversos. Y, lo que parece aún más importante, sus miembros han sembrando un espíritu y una actitud renovados, propagando un modo más amplio de entender el arte de los sonidos, fundiéndolo a otras disciplinas e introduciendo cierta complejidad creativa a base de samples pre-grabados, sobresaltos y distorsiones. Este ensayo presenta a Throbbing Gristle como uno de los grandes motores no sólo de la música sino de la estética y el arte contemporáneo.

Se aborda las condiciones de producción y recepción que se establecen cuando el arte se utiliza en contextos de atención a la salud, reflexionando sobre su pertenencia al campo del arte y su dimensión poético- política en la construcción identitaria.

Frente a la perspectiva de los pintores desarrollada en Italia, el estudio de los tratados específicos sobre la perspectiva en España en el siglo XVII arroja luz sobre cuáles eran los intereses de la especulación científica en torno a la configuración geométrica del espacio en nuestro territorio. Esta comunicación se propone constatar cómo en España el desarrollo teórico sobre los procedimientos geométricos o perspectivos estuvo, cualitativamente hablando, en manos de arquitectos, ensambladores o escultores. Se trata, por tanto, de profundizar en una narrativa distinta a la reflejada en los estudios sobre la perspectiva pictórica, para  penetrar, más bien,  en el ámbito de las artes del espacio y reconocer la aportación de aquellos artífices al desarrollo artístico y científico.

El ciento cincuenta aniversario del natalicio de José Martí fue ocasión propicia para invitar a los lectores a repasar la crítica artística que nos legara, y tentarlos a participar del descubrimiento de lo que parece constituir toda una concepción acerca de la originalidad y la autenticidad en el arte, cuya lógica estructuradora precisa ser sacada a la luz. Más que la frecuencia léxica del adjetivo “original” y de un conjunto de términos correlativos cuando se describen procesos o se enjuician pintores, tendencias o cuadros, es el reiterado interés reflexivo y conceptualizador del Maestro lo que con mayor frecuencia sugiere toda una teoría.

Con su ejercicio de compilación tan especialmente selectivo, su aportador y extenso ensayo introductorio y su cronología final, estas páginas ofrecen todas las armas necesarias para estimular y conducir de manera certera numerosas investigaciones futuras en esta dirección.

Trabajo práctico acerca de La escuela de Glasgow (The Glasgow Four) y sus vinculaciones y disrupciones con el Sistema Moderno del Arte.

La Escuela de Arte de Glasgow fue el centro del Movimiento de Artes y Oficios en Escocia. Cuatro figuras clave, Charles Rennie Mackintosh, Herbert MacNair, Margaret y Frances MacDonald fueron conocidos como "The Glasgow Four". La Escuela de Arte de Glasgow fue una de las más importante del Reino Unido, esto se debió en gran parte al liderazgo de su director, Francis Newbery. Sus innovaciones incluyeron el establecimiento de estudios de arte técnico en 1893, el nombramiento de artistas como maestros en lugar de maestros de arte aprobados por el Departamento de Ciencias y Arte de Londres, la promoción de la escuela a través de exposiciones, conferencias y publicaciones y la inclusión de mujeres en el grupo.

This article presents an anthropological examination of the link between art and culture. What is “art” and what is “culture”? How do the production, circulation and reception of the “work of art” take place? How important are the formal, functional and semantic dimensions in art? How to classify the arts? How does art become linked with the intellect and the feelings, with religion, festival, politics, social organization, technology, property, and heritage? To answer these and similar questions, this paper reviews much of what has been written on the subject to present it in the form of an original line of argument. Beginning with a discussion on three levels on the concept of “culture”, in which “artifacts” have a prominent role, and continues with an examination of the concept of “art”, stating on one hand, the futility of our current concept for transcultural application and, on the other hand, the possibility of providing it with anthropological value if it is included within a theory of man-made objects. Plotted these coordinates of culture and art(ifact), the relationship between the two terms
is analyzed in different contexts.

Fernando Pessoa é conhecido geralmente como poeta e escritor, mas foi também um grande ensaísta, e nos seus textos de ensaio existem muitos textos sobre arte, que são pouco conhecidos do grande público e mesmo do público académico. Este livro consiste numa antologia dos textos que Fernando Pessoa escreveu especificamente sobre arte, por vezes associados também a algumas reflexões sobre literatura. Trata-se de uma antologia inédita, dado que é a primeira vez que é publicada uma antologia de textos de Fernando Pessoa focada no tema da arte. Organizámos esses textos através de diversos capítulos : a divisão e a classificação das artes, a definição e a caracterização da arte, a finalidade e o valor da arte, a psicologia da arte, a sociologia da arte, a crítica de arte, o artista, a genialidade, a celebridade, a arte e a moral, as escolas e correntes artísticas.
Este livro contém também algumas das muitas obras do artista plástico  António Canau, por um lado como exemplificação de obras de arte, e por outro devido ao facto de haver neste artista relações com a obra de Fernando Pessoa, nomeadamente as figuras de animais antropomórficos, ou de seres humanos animais, que se relacionam com a tese de Fernando Pessoa sobre a organicidade da obra de arte, comparando-a a um animal.  Há também em António Canau uma forte ligação aos mitos, ao oculto e à Grécia antiga, como em Fernando Pessoa. Com as obras de arte de António Canau somos conduzidos  a uma espécie de cosmogonia, a uma evocação de um passado ancestral mágico, a uma espécie de regresso às origens do Homem, telúricas e culturais.
Outra característica a salientar em António Canau, relacionando-a com Fernando Pessoa, é a ligação da metamorfose, que é central na obra de António Canau, com a heteronímia, que é central na obra de Fernando Pessoa. A palavra “metamorfose”, em sentido figurado significa : alteração da personalidade, da identidade e do modo de pensar. Ora, a metamorfose, na obra artística de António Canau, é uma forma de despersonalização, e por outro lado a despersonalização, nos heterónimos de Fernando Pessoa, é uma forma de metamorfose.

En este documento aparece recogido mi Trabajo de Fin de Máster presentado en el Máster en Creación e Investigación en Arte que cursé entre 2013 y 2015. En él se citan diferentes causas que invitan a la no comprensión y valoración del arte, los prejuicios que giran en torno al mismo como herramienta de conocimiento y la forma en que la educación reglada margina este tipo de enseñanzas que invitan a la reflexión y a la crítica, traduciéndose esto en una precarización del empleo y la perpetración de la no valoración anteriormente citada. Este trabajo fue tutorizado por la artista y docente Txaro Arrazola.

Texto publicado en Baldasarre, María Isabel y Silvia Dolinko (Editoras) Travesías de la imagen. Historias de las artes visuales en la Argentina. Volúmen 1. Archivos del CAIA IV. Centro Argentino de Investigadores de Arte. EDUNTREF. Buenos Aires. 2011.

El presente trabajo terminal constituye un análisis lógico-semiológico respecto de los tres campos teóricos: Arsología, Neurociencias y Pedagogía, que deben incidir en el diseño curricular de los planes de estudio de las licenciaturas en el área artística que se imparten en la Escuela Superior de Artes Visuales, ubicada en Tijuana, Baja California, México. Institución que se distingue por ser el punto de origen de la metodología Arsológica para el estudio del arte, así como de la Teoría General del Arte (TGA). Como resultado de este análisis, se propone una síntesis que relaciona los diversos modelos teóricos de estas disciplinas, en base a una serie de tablas simples y sus correspondientes explicaciones que muestran la forma en que estas disciplinas convergen como una base teórica unitaria que informa el proceso de diseño del plan y programas de estudio del campo referido.

En este ensayo estudio la interacción entre el sonido, las artes visuales y el arte conceptual, su desarrollo en el tiempo y su comportamiento en diferentes espacios acústicos. Me concentraré en los conceptos de escultura e instalación sonoras, así como en sus implicaciones estéticas. Analizaré como entenderlas en un nuevo campo expandido. Las obras aquí estudiadas pertenecen a una disciplina interdisciplinaria (llamada arte sonoro, arte basado en el tiempo o arte intermedia) que se encuentra entre la música y las artes visuales. Distintos tipos de contextos que afectan a estas obras serán analizados. Estudiaré también al sonido en su relación paradigmática con el espacio y con el tiempo. Finalmente, propondré diferentes técnicas de organización sonora para la creación de esculturas e instalaciones sonoras. Espero que a través de esta investigación se comprenda mejor la complejidad de estos posibles lenguajes estéticos "nuevos", que ocasionan nuevos paradigmas sobre la percepción y la comprensión del sonido en su relación con las artes visuales y otros medios.

El motivo que impulsó este trabajo fue el deseo de estudiar las prácticas artísticas contemporáneas que operan en el espacio público, entendiendo que es sobre este escenario donde el arte actual ha vuelto la mirada en contraposición a la producción de obra de mercado, como consecuencia del descrédito en la idea de la autonomía del arte. No obstante, a través de una valoración de esta tendencia pudimos deducir que existen dos procesos de trabajo bien diferenciados. Por un lado, aquellos que utilizan el espacio público como espacio del consenso continuando la lógica del monumento. Por el otro, una postura animada a permanecer en el plano antagonista, desarrollando tácticas que mantengan el disenso con los discursos hegemónicos. Decimos dedicar el estudio, pues, a este tipo de creación antagonista, pero conscientes de que era necesario acotar el campo de trabajo por la carácter sinóptico requerido para la presente investigación, tras un breve período de documentación, nos dimos cuenta de que buen número de estas prácticas artísticas del disenso trabajaban en procesos de cartografiado.

...guardare le stelle mi fa sempre sognare, così come lo fanno i puntini
neri che rappresentano le città e i villaggi su una cartina. Perché,
mi chiedo, i puntini luminosi del cielo non possono essere accessibili
come quelli sulla cartina della Francia?
Vincent van Gogh

Arquitectura PUCP Publicaciones, Marzo 2019

Presentación:

A lo largo de Extravíos de la forma: vanguardia, modernismo popular y arte contemporáneo en Lima desde los 60, Mijail Mitrovic analiza la praxis artística como parte de los procesos sociales, políticos y culturales que configuran el Perú contemporáneo. Las coyunturas en las que el arte participó en las reflexiones críticas sobre el país se ven confrontadas con recientes teorizaciones y relatos históricos que, en retrospectiva, dan cuenta de la emergencia del arte contemporáneo en Lima. El autor propone atender a las transformaciones artísticas y culturales propiciadas por el régimen militar entre 1968 y 1980 como un momento crucial para comprender las redefiniciones del arte de vanguardia. Finalmente, el libro apunta a debatir el sustrato histórico e ideológico de la reciente articulación de la escena artística limeña al sistema del arte contemporáneo global.

|ES|
Esta investigación propone un análisis de planteamientos artísticos que llevan al límite la evitación de producir resultados consistentes al prescindir también de su documentación en formatos visuales y duraderos. La conjunción de ambas ausencias es observada como un paso más allá en el acercamiento a la mínima expresión artística, el cual constituye la otra búsqueda fundamental de esta tesis.
    Frente a la abundancia de estudios acerca de la documentación y de los archivos, ambas prácticas preeminentes en casi todos los ámbitos de la vida actual, el asunto concreto de la elusión consciente de la documentación en el proceso artístico ha sido por lo general ignorado en los desarrollos teóricos del arte de los siglos XX y XXI pese a sus estrechas conexiones con las circunstancias históricas, los avances científicos y corrientes de pensamiento centrales para su comprensión. Estas han dado lugar a expresiones de gran calado, como el profusamente aludido proceso de desmaterialización acuñado por Lucy Lippard y John Chandler. Sin embargo, la aproximación teórica de estos autores, al igual que otras que la han tomado como referente, resulta insuficiente para tratar los asuntos que aquí se exponen, en primer lugar, porque desmaterialización es un término inexacto que ha sido muy cuestionado por su ambigüedad e imprecisión a pesar de la falta de alternativas. Y, segundo, porque la documentación, característica de muchas de estas propuestas supuestamente desmaterializadas, terminó ocupando el lugar del objeto artístico con el paso del tiempo.
    Una de las observaciones de las que parte esta investigación es la constatable transición de los objetos a las experiencias que se ha dado en la mayoría de los ámbitos de la vida contemporánea, una situación que está muy ligada a la documentación y a la especialización profesional en la medida en que ambas demuestran una burocratización y un control de la existencia cada vez mayores. En este sentido, la prescindencia de la documentación es, a la vez, una respuesta a esta situación en forma de resistencia y un posicionamiento a favor de nuevas posibilidades expresivas motivado por factores tanto estéticos como políticos, entre los cuales se hallan reivindicaciones relacionadas con los feminismos, la sostenibilidad y aspectos relativos a la configuración institucional del arte o a la organización social. A lo largo del desarrollo se analizan tanto los aspectos problemáticos de estas prácticas como las posibilidades e intereses que estas encierran.
    Por lo anterior, esta tesis demuestra que existen múltiples causas por las que la documentación puede ser descartada del proceso artístico, y verifica la existencia de formas no visuales de documentación o transmisión de lo artístico igual de válidas que las imágenes, algunas de las cuales no quedan registradas en soportes duraderos. Estas formas alternativas, además de lograr una mayor apertura y autonomía de la obra, permiten desplegar otros modelos posibles de comunidad a través del intercambio, la negociación y la participación, a la vez que ponen de manifiesto formas de temporalidad que escapan de las lógicas productivistas, y de espacialidad, por cuanto no están exclusivamente vinculadas a los espacios designados para el arte.
    En consecuencia, es posible extremar la disminución del acontecimiento artístico a través de la elisión de la documentación, de modo que este quede reducido a elementos mínimos como el gesto y la actitud, evitando así llegar a su cancelación sin perder intensidad o efectividad.
    En definitiva, esta tesis, además de ofrecer un punto de vista inusual, plantea interrogantes acerca de dónde se sitúan los límites del arte y cuáles son sus modos de legitimación y de posesión,cuestionando la concepción de las vías oficiales como formas dominantes de validación de propuestas artísticas solventes en favor de opciones no dependientes de la consistencia del soporte, como puede ser el testimonio oral.

|EN|
"Toward an Extreme Reduction of the Artistic Event: Non-Object-Based and Undocumented Practices in Contemporary Art."
In an art system in which the visual, tangible and durable play a central role, the documentation of the artistic work is very helpful when it comes to facilitating the treatment of projects whose materialization is scarce and lacks a defined form. But what happens if documentation is intentionally absent? How would the work of art or the art system be affected?
    This research analyzes artistic approaches that take the avoidance of producing consistent results to the limit, including documentation in visual and long-lasting formats. The conjunction of these two absences is considered a step toward minimal artistic expression, which constitutes the other fundamental inquiry of this thesis.
    Contrary to numerous studies on art documentation and archives – both practices pervading almost all aspects of everyday life – the conscious avoidance of documentation in the artistic process has been generally ignored in the developments of art theory in the 20th and 21st centuries, despite its tight relationship to certain historical circumstances, scientific advances, and lines of thought that are central to its comprehension. These relationships have given rise to widely-used expressions such as the process of dematerialization, coined by Lucy Lippard and John Chandler. Nevertheless, these authors' theoretical approach, as well as many others who have taken it as a reference, turns out to be inadequate for the analysis of the issues addressed here. First, because, terminologically speaking, ‘dematerialization’ is a vague concept that has been highly questioned due to its ambiguity and imprecision, despite the lack of alternatives. And second, because documentation – which is present in many of these 'dematerialized' works – ended up taking the place of the work of art over time.
    One of the observations on which this study is based is the verification of the evident transition from objects to experiences – events – which has taken place in most spheres of contemporary life; a situation that is closely tied to documentation and professional specialization in the sense that both demonstrate an ever-greater bureaucratization and control over existence. In this regard, refraining from producing documentation is, on the one hand, a response to this situation in the form of resistance and, on the other hand, a positioning in favor of new expressive possibilities motivated by factors that are either aesthetic (as seen in the cases of James Lee Byars, Yves Klein, Max Neuhaus, Ian Wilson, Robert Barry and Yoko Ono) or political, among which we find claims related to feminisms (Margarita Azurdia, Josechu Dávila, Lee Lozano), sustainability (Lee Lozano, Tino Sehgal), and aspects related to the institutional configuration of art or social organization (Tehching Hsieh, Lee Lozano, János Major, Gustav Metzger, Laurie Parsons, Cesare Pietroiusti). Throughout the development of this thesis, problematic aspects of these practices are analyzed, as well as the possibilities and interests that these encompass.
    That being said, this thesis demonstrates the existence of multiple causes for which documentation can be removed from the artistic process. Therefore, we cannot say that this approach is merely a trend, despite its consistent use since at least the second half of the last century; they are, above all, personal stances. Furthermore, this study verifies the existence of non-visual forms of documentation, or the transmission of art, which are as valid as images, some of which are not recorded on durable media. These alternative forms, in addition to achieving a greater openness and autonomy for the work of art, can help provide insight into other possible models of community through exchange, negotiation and participation. At the same time, they reveal forms of temporality that escape the logic of production, and spatiality, since they are not exclusively linked to places designated for art.
    If one considers these alternative, unstable forms, it can be concluded that it is inevitable that some kind of documentation is produced. Nevertheless, the proposals analyzed in this thesis show that how or when this happens can be controlled to some extent.
    Consequently, it is possible to take the reduction of the artistic event to the extreme through the deliberate omission of documentation. This way it can be reduced to minimal elements such as gestures and attitudes, thus avoiding its total elimination without losing intensity or effectiveness.
    Finally, this thesis, besides offering an unusual perspective, looks at the limits of art and the ways it can be legitimized and owned, questioning the official channels of artistic validation in favor of options that are not dependent on the consistency of its support, such as oral testimony.

ARTÍCULOS

1) Viviana Suñol
(Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas,
Universidad Nacional de La Plata)

La educación musical en Aristóteles:
su correspondencia con la vida mejor en el mejor régimen

Resumen
La mousiké ocupa un lugar central en el programa educativo que Aristóteles diseña para el mejor régimen en Política VII-VIII. En concordancia con el desprecio que tradicionalmente ha recibido el estudio de la educación en su obra, la literatura académica tampoco reconoce la relevancia de esta disciplina (salvo escasas excepciones). Sin embargo, la mousiké es una pieza clave para comprender el pensamiento práctico aristotélico, puesto que es una parte esencial de la respuesta que el filósofo ofrece ante las preguntas ético-políticas fundamentales, que plantea al inicio de Política VII. El propósito del presente artículo es analizar la importancia filosófica del programa de educación musical que Aristóteles propone en el marco de su reflexión sobre la vida mejor en el mejor régimen, para lo cual se investigarán las correspondencias que pueden establecerse entre su proyecto político y el currículo musical que bosqueja.

2) Cécile Michaud
(Pontificia Universidad Católica del Perú)

Para los sentidos y el espíritu.
El lugar de la sensibilidad en los debates sobre la finalidad de la pintura en la Academia Real Francesa

Resumen
El artículo estudia la presencia del concepto de sensibilidad en los debates de la Academia Real Francesa de Pintura y Escultura en el último tercio del siglo XVII, en el contexto de la llamada Querelle du Coloris. Detrás de la discusión sobre la primacía del dibujo o del color en la pintura, se expresa una cuestión más profunda: ¿qué parte del ser humano debe ser atendida en prioridad por el acto pictórico: la mente o los sentidos? El estudio de estos peculiares debates, tanto desde los textos como desde los artistas involucrados, revela la imagen de una Francia que busca posicionarse ante el resto de Europa, no solamente a nivel artístico sino también teórico e intelectual.

ARCHIVO

Ricardo Ibarlucía
(Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas,
Universidad Nacional de San Martín)

Mariano Antonio Barrenechea:
Cursos de Estética 1922-1930

Resumen
El presente estudio es una contribución documental a la historia de la estética en Argentina. Recopila, comenta y contextualiza los programas de los cursos impartidos por Mariano Antonio Barrenechea como Profesor Titular de Estética en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires entre 1922 y 1930.

COMENTARIOS BIBLIOGRÁFICOS

Marcelo Antonelli (CONICET-UNSAM): Graham Harman. Hacia el realismo especulativo. Ensayos y conferencias, traducción de Claudio Iglesias, edición al cuidado de Florencio Noceti. Buenos Aires: Caja Negra Editora, 2015, 296 páginas.

Daiana Ruiz (UBA): Adrián Bertorello y María José Rossi (eds.). Esto no es un injerto. Ensayos sobre hermenéutica y barroco en América Latina. Buenos Aires: Miño y Dávila Editores, 2017, 296 páginas.

A partir de Identidad Disciplinaria de la Estética, parte de nuestra investigación para el Doctorado en Artes por la Universidad de Guanajuato, ha quedado claro que existen obras sobre los mecanismos de la percepción que deberían llamarse Estética, pero no están siendo correctamente identificadas. Tales como las aportaciones de Arnheim desde la psicología; Livingstone, como microbióloga o Ramachandran en neurociencias. Por otro lado, en Tijuana, hemos venido promoviendo el desarrollo de la Semiología como disciplina científica que investiga la semiosis en sus dos aspectos, formal –explicada por nuestra Teoría de las Reacciones Emotivas– y convencional, que abordamos a partir del concepto de Funciones Semiológicas. Así entendidas, la estética que investiga la percepción neurofisiológica del diseño, intersecta con la semiología que investiga la traducción de las configuraciones percibidas en respuestas emotivas asociadas a conceptos. De modo que podemos predecir hoy como el público va a interpretar e interactuar con el diseño.

“En Arte ya no es necesario hacer una cuenta del pasado de sensaciones. Puede convertirse en la organización directa de sensaciones más evolucionadas. Se trata de una cuestión de producir nosotros mismos, no las cosas que nos esclavizan."
Guy Debord en Internacional Situacionista (nº 1, París, junio de 1958)

Ensayo realizado en el marco de un acuerdo entre la Universidad de Buenos Aires (Facultad de Filosofía y Letras) y la Fundación Proa.

A principios del año 2014 se firmó un acuerdo de colaboración entre la Cátedra de Historia del arte Moderno y Contemporáneo de la UBA, a cargo del doctor Hugo Petruschansky y Fundación Proa para trabajar conjuntamente en la investigación y profundización del universo teórico de Joseph Beuys, uno de los creadores más particulares del siglo XX. El acuerdo consiste en el diálogo fluido entre los alumnos y el equipo educativo y de programación de Proa, quienes han realizado una intensa investigación y capacitación, sumando a la misma una numerosa bibliografía de textos en varios idiomas.

Trabajos seleccionados:
http://proa.org/esp/exhibition-joseph-beuys-acuerdo-uba-proa.php

François Fédier

Henri Matisse. Apuntes de un pintor 

Resumen: En este texto, y basándose sobre todo en una parte de Reflexiones sobre el arte —«Apuntes de un pintor»—, se procura delinear el concepto de obra de arte; en particular, en cuanto se refiere a la pintura. Para esclarecer el texto de Matisse se alude, por ejemplo, a Debussy y a Hölderlin.
Palabras Clave: Matisse, Reflexiones sobre el arte, obra de arte, pintura, el artista.


Henri Matisse. Notes of a painter

Abstract: In this paper, and based mainly on a section of Reflections on art — «Notes of a painter»—, the concept of work of art, painting, in particular, is intended to be outlined. To clarify Matisse’s text, there are allusions to, for instance, Debussy and Hölderlin.
Keywords: Matisse, Reflections on art, work of art, painting, the artist.





Traducción de Jorge Acevedo Guerra
Profesor titular de Filosofía
Universidad de Chile

Una metodología es un conjunto de procedimientos, formas de hacer o métodos para realizar un proceso de investigación, estudio o exposición. Los profesionales dedicados al campo de la investigación en temas de arte con frecuencia se enfrentan a la elección de un método como eje central de su análisis. Esta breve síntesis revisa las metodologías del arte más importantes

French blurb / quatrième de couverture:
Ce livre est le fruit d'un projet ambitieux visant à replacer l'émergence du portrait européen dans le contexte large d'une évolution où parmi d'autres facteurs les rites funéraires et les masques mortuaires jouent un rôle déterminant. L'« archéologie de la ressemblance » est ainsi la formule que l'auteur propose pour renouveler notre connaissance des débuts du portrait au XIIIe siècle, c'est-à-dire bien avant l'apogée du portrait individuel à la Renaissance. Par une transgression audacieuse des frontières du champ disciplinaire, l'enquête jette un éclairage inattendu sur l'environnement culturel qui favorisa l'apparition de ce genre visuel si caractéristique du continent européen. Le recours à la méthode étymologique enrichit tout particulièrement l'investigation en éclairant d'un jour nouveau les causes profondes de cette représentation figurée. Sur un sujet où tout déjà semblait avoir été dit, un arrière-plan aux multiples facettes se trouve ici mis au jour, qui d'une manière exemplaire révèle la complexité des facteurs intervenant dans l'histoire de la représentation figurée.

Hans Belting


German blurb / Klappentext:
Das Buch spannt einen weiten Bogen und ordnet die Herausbildung des europäischen Porträts in einen viel größeren Zusammenhang ein, in welchem auch Grabriten und die Totenmaske eine Rolle spielen. So ist etwa die „Archäologie der Ähnlichkeit“ ein Stichwort, um unsere Aufmerksamkeit für die Anfänge des Porträts im 13. Jahrhundert, lange vor der Blütezeit des Individualporträts in der Renaissance, neu zu wecken. Indem sie die Fachgrenzen kühn überschreitet, bietet die Untersuchung einen unerwarteten Einblick in das kulturelle Umfeld, in welchem es zur Entstehung dieser für Europa so charakteristischen Bildgattung kommen konnte. Das gilt auch für die Etymologie der Begriffe, die bei diesem Vorgang eine Rolle spielen und ein neues Licht auf die Motivation hinter diesem Bildnis werfen. In einem Thema, in dem alles schon gesagt schien, wird hier ein vielfach verzweigter Hintergrund freigelegt, der exemplarisch beweist, wie komplex die Gründe sind, die in der Bildgeschichte eine Rolle spielen.

Hans Belting

Para un arquitecto, el de Roma es un viaje al centro de lo que se ha estudiado durante mucho tiempo. Si está atento puede obtener mucha información útil. La ciudad, que es un amontonamiento de cosas, un palimpsesto, es una fuente inagotable de lecciones: lecciones romanas. Este libro es una colección de esos fragmentos romanos recogidos por el autor durante su estancia en la Real Academia de España en Roma como pensionado de Arquitectura del Ministerio de Asuntos Exteriores español. El autor quiere contar parte de lo que allí vivió y de lo que aprendió en su contacto con Roma y con la romanidad. Si de algo aprovecha a alguien su experiencia contada en este libro, el trabajo de reescribir y poner juntos los ‘fragmentos’ habrá valido la pena.
Con Prólogo de Alberto Campo Baeza.

RESUMEN
El propósito de este trabajo consiste en ofrecer una aproximación a la filosofía del pensador español José Ortega y Gasset, a través de tres escenarios contemporáneos. Tras una breve introducción donde se aclara la orientación y el enfoque del artículo, se introducen algunos conceptos clave del pensamiento orteguiano –circunstancia, perspectiva, razón vital– para ofrecer, a continuación, tres escenarios contemporáneos con sus respectivas problemáticas filosóficas: la reflexión en torno a España, su historia y su proyecto; los dilemas en torno al programa transhumanista y el problema de la naturaleza humana; y, por último, la cuestión contemporánea del arte, su definición, su alcance y el problema de su trascendencia.

ABSTRACT
It is this paper’s purpose to grant an approach to the philosophy of the Spanish thinker José Ortega y Gasset, getting this done by taking into consideration three contemporary scenarios. After a brief introduction in which both the orientation and focus of the article are settled, some Orteguian’s thought’s key concepts are displayed –circumstance, perspective, vital reason– so as to then be able to offer these three contemporary scenarios with also their respective philosophical problems: the reflection on Spain, its history and its project; the dilemmas surrounding the transhumanist program and the problem of human nature; and, finally, the contemporary question of art, its definition, its scope
and the problem of its transcendence.

El presente escrito indaga algunos canales de acceso a la estética materialista de Theodor W. Adorno a través de aquellos
indicios desperdigados en su obra que permiten reconstruir
una dialéctica abierta de la felicidad operante en las obras de arte de vanguardia. La interpretación que se abre a partir de la lectura de estos vestigios polemiza con la tesis que afirma que Adorno negaría en abstracto cualquier concepción de la felicidad terrenal o el momento desiderativo de la felicidad que encierra la promesa del arte moderno radical.

En la primera mitad del siglo XX, los filósofos de la Escuela de Frankfurt desarrollaron una teoría estética para comprender el cine y su relación con el contexto social del capitalismo tardío. De manera fragmentaria, Walter Benjamin, Siegfried Kracauer y Theodor W. Adorno aportaron elementos fundamentales para esta teoría, produciendo un acervo conceptual de gran riqueza, y muy consecuente con una postura epistemológica y ética que es general a este grupo de pensadores. Este ensayo propone una lectura que relaciona a los tres autores, para una consideración, más ambiciosa, de una teoría del cine desde la perspectiva de la Teoría Crítica.

El siguiente trabajo analiza cómo actúa la Teoría del velo con la intención de comprobar la hipótesis de que todo arte domina y trasciende la pasión primaria en que está inspirado. La polisemia del velo y su versatilidad metafórica entrañan una relación de miradas en una dialéctica de lo invisible y lo visible, que cifra de forma orgánica la fascinación del ser humano por lo escondido o intuido. Para el presente ensayo, enfocado en la estética y la teoría del arte, vamos a prescindir de la presencia física del velo en las obras de arte con el objetivo de centrar la reflexión estética de forma teórica con un sustrato filosófico con base en lo orgánico

La pose es la disposición que el cuerpo toma en una situación de conciencia de imagen. Pero es más que la postura o la posición que un sujeto adopta para ser visto o contemplado, y más que un esquema corporal que se ha vuelto significativo en una cultura o comunidad, es un acto que implica la resolución del cuerpo como imagen o como parte de ella. La caracterización de esta imagen será, pues, fundamental para determinar qué es propiamente la pose.