- Fribourg (Suisse)
- Art and Art History, Art History, Anthropology Of Art, History, Renaissance Studies, Cinema, and 46 moreArt and image theory, Structuralism/Post-Structuralism, Semiotics, Visual Studies, STORIA DELL'ARTE, Histoire de l'art, Histoire, Poetics, History of photography, History of Film Theory and Criticism, History and Theory of Photography, Cultural History, Semiology, Medieval History, Epistemology, Renaissance Humanism, Visual Culture, Visual Arts, Visual Anthropology, Visual Semiotics, History of the discipline of art history, Italian Renaissance Art, History of Art, Art Theory, Bildwissenschaft, Bildtheorie, Medieval Art, Titian, Tiziano Vecellio, Jacopo Tintoretto, Paolo Veronese, Tiziano, Autoportrait, Venetian Renaissance art, Titian, Self-Portraits, Self Portraiture, Portraiture, Ritratto, Dogen studies, Venetian Renaissance Painting, History of Venice, 16th century Venice, 16th Century Italian Art, Venetian History, Venetian art and architectural history, and Portraitsedit
Eating and drinking images may seem like an anomalous notion but, since Antiquity, in the European and Mediterranean worlds, people have swallowed down frescoes, icons, engravings, eucharistic hosts stamped with images, heraldic wafers,... more
Eating and drinking images may seem like an anomalous notion but, since Antiquity, in the European and Mediterranean worlds, people have swallowed down frescoes, icons, engravings, eucharistic hosts stamped with images, heraldic wafers, marzipan figures, and other sculpted dishes. Either specifically made for human consumption, or diverted from their original purpose so as to be ingested, these figured artifacts have been not only gazed upon, but also incorpo¬rated – taken into the body – as solids or liquids.
How can we explain such behavior? Why take an image into one’s own body, devouring it at the risk of destroying it, consuming rather than contemplating it wisely from a distance? What structures of the imagination underlie and justify these desires for incorporation? What are the visual configurations offered up to the mouth, and what are their effects? What therapeutic, religious, symbolic, and social functions can we attribute to these forms of relations with icons? These are a few of the questions raised in this investigation into iconophagy.
Iconophages aims to retrace, for the first time, the history of iconophagy. Jeremie Koering examines this unexplored facet of the history of images through an interdisciplinary approach that ranges across art history, cultural and material history, anthropology, philosophy, and the history of the body and the senses. He analyzes the human investment, in terms of culture and imagination, at stake in this seemingly paradoxical way of experiencing images. Beyond the hidden knowledge unearthed here, these pages bring to light a new way of understanding images, just as they illuminate the occasionally outlandish relations we maintain with them.
“This long-awaited transhistorical study of iconophagy is remarkable for its scope. With eloquence and erudition, Koering marshals an astonishing array of materials often seen as archaic, marginal, or primitive to demonstrate the ubiquity of image ingestion within the western tradition. Taking us far beyond the default ocularcentrism of art history, Iconophages engages current concerns with embodi¬ment and materiality in a study with significant implications for the consumption and conception of images in and before modernity.”
— Finbarr Barry Flood, director of Silsila: Center for Material Histories and William R. Kenan Jr. Professor of the Humanities, New York University
“Iconophages is a tremendously entertaining book, an exploration of a permeable boundary that has developed between recent art history, anthropology, and religious studies, permitting histories that can encompass living images: images that speak, ‘operate,’ kill, and eat. After an opening look at Egyptian and Greek practices, Koering goes on a tour of edible images in Europe. He considers representations of Saint Catherine drinking blood (‘the best of sauces’ according to a sixteenth-century source) directly from Christ's wounds, the unappetizing Sicilian pastries called ossa di morti (‘bones of the dead’), the idea of drinking the Virgin's milk, and iron presses for figured Eucharistic wafers.”
— James Elkins, chair of the Department of Art History, Theory, and Criticism, School of the Art Institute of Chicago
“Iconophages invites us to take a new and different look at the objects of art history. Far beyond our common understanding of images as primarily visual phenomena, Koering reveals a fascinating practice of touching, tasting, and ingesting images — from magical practices to modern art, from the sacred to the profane, from the natural to the supranatural world. Brilliantly written, this ground¬breaking study combines the vividness of historical case studies with the lucidity of philosophical reflection. By opening up hitherto little-known aesthetic, religious, and cultural dimensions of visual artifacts, Iconophages makes a fundamental contribution to a comprehensive anthropology of the image.”
— Peter Geimer, Director, German Center for Art History, Paris
How can we explain such behavior? Why take an image into one’s own body, devouring it at the risk of destroying it, consuming rather than contemplating it wisely from a distance? What structures of the imagination underlie and justify these desires for incorporation? What are the visual configurations offered up to the mouth, and what are their effects? What therapeutic, religious, symbolic, and social functions can we attribute to these forms of relations with icons? These are a few of the questions raised in this investigation into iconophagy.
Iconophages aims to retrace, for the first time, the history of iconophagy. Jeremie Koering examines this unexplored facet of the history of images through an interdisciplinary approach that ranges across art history, cultural and material history, anthropology, philosophy, and the history of the body and the senses. He analyzes the human investment, in terms of culture and imagination, at stake in this seemingly paradoxical way of experiencing images. Beyond the hidden knowledge unearthed here, these pages bring to light a new way of understanding images, just as they illuminate the occasionally outlandish relations we maintain with them.
“This long-awaited transhistorical study of iconophagy is remarkable for its scope. With eloquence and erudition, Koering marshals an astonishing array of materials often seen as archaic, marginal, or primitive to demonstrate the ubiquity of image ingestion within the western tradition. Taking us far beyond the default ocularcentrism of art history, Iconophages engages current concerns with embodi¬ment and materiality in a study with significant implications for the consumption and conception of images in and before modernity.”
— Finbarr Barry Flood, director of Silsila: Center for Material Histories and William R. Kenan Jr. Professor of the Humanities, New York University
“Iconophages is a tremendously entertaining book, an exploration of a permeable boundary that has developed between recent art history, anthropology, and religious studies, permitting histories that can encompass living images: images that speak, ‘operate,’ kill, and eat. After an opening look at Egyptian and Greek practices, Koering goes on a tour of edible images in Europe. He considers representations of Saint Catherine drinking blood (‘the best of sauces’ according to a sixteenth-century source) directly from Christ's wounds, the unappetizing Sicilian pastries called ossa di morti (‘bones of the dead’), the idea of drinking the Virgin's milk, and iron presses for figured Eucharistic wafers.”
— James Elkins, chair of the Department of Art History, Theory, and Criticism, School of the Art Institute of Chicago
“Iconophages invites us to take a new and different look at the objects of art history. Far beyond our common understanding of images as primarily visual phenomena, Koering reveals a fascinating practice of touching, tasting, and ingesting images — from magical practices to modern art, from the sacred to the profane, from the natural to the supranatural world. Brilliantly written, this ground¬breaking study combines the vividness of historical case studies with the lucidity of philosophical reflection. By opening up hitherto little-known aesthetic, religious, and cultural dimensions of visual artifacts, Iconophages makes a fundamental contribution to a comprehensive anthropology of the image.”
— Peter Geimer, Director, German Center for Art History, Paris
Research Interests:
Pochi storici dell’arte hanno scosso il corso tranquillo della nostra disciplina accademica quanto Leo Steinberg (1920-2011). Dagli affreschi del Rinascimento (Leonardo, Michelangelo), fino all’arte americana del dopoguerra (De Kooning,... more
Pochi storici dell’arte hanno scosso il corso tranquillo della nostra disciplina accademica quanto Leo Steinberg (1920-2011). Dagli affreschi del Rinascimento (Leonardo, Michelangelo), fino all’arte americana del dopoguerra (De Kooning, Rauschenberg), passando per l’architettura barocca (Borromini), per la scultura di Rodin e per l’arte di Picasso, non c’e stato artista noto, o movimento artistico, che non sia stato posto sotto una nuova luce dalle ricerche di Steinberg. Che lo si associ a Other Criteria, a Leonardo’s Incessant Last Supper, oppure a La sessualita di Cristo nell’arte rinascimentale e il suo oblio nell’epoca moderna, ogni suo libro colpisce per la sua originalità , per l’erudizione, per il modo in cui le opere sono restituite in tutta la loro complessità storica, plastica, formale e spaziale, e per un certo modo, alquanto singolare, inatteso e ironico, di esporre le sue osser- vazioni e interpretazioni. Se Steinberg gode oggigiorno di un’innegabile reputazione, i suoi scritti e la sua concezione della storia dell’arte, al contrario, sono stati poco indagati dal punto di vista della storia della Storia dell’arte. Nonostante il suo ruolo nella storia artistica, culturale e intellettuale del XX secolo, la sua vita, la sua formazione, il suo percorso accademico, la sua posizione storica, la sua scrittura e la sua pratica storico-artistica sono ancora scarsamente considerati. È questo l’obiettivo del presente libro che tenta di riattivare l’eredità intellettuale di Leo Steinberg per smuovere una pratica storico-artistica solitamente monotona, troppo poco audace e poco irriverente. Leo Steinberg Now! Un invito che ci auspichiamo possa condurre a pensare, leggere e osservare le opere d’arte in un modo diverso grazie a Leo Steinberg.
Research Interests:
Dans cet essai philosophique, Robert Klein s’attelle à une question majeure de l’éthique, celle du fondement de la responsabilité. Selon une logique aussi inédite que déroutante, l’auteur, en liant étroitement histoire de l’art et... more
Dans cet essai philosophique, Robert Klein s’attelle à une question majeure de l’éthique, celle du fondement de la responsabilité. Selon une logique aussi inédite que déroutante, l’auteur, en liant étroitement histoire de l’art et phénoménologie, convoque tour à tour théorie du droit, herméneutique et psychanalyse pour affirmer que la responsabilité se fonde dans le cogito, face au tribunal de la conscience. S’ils ne sont pas explicitement mentionnés, on devine les spectres de la Seconde Guerre mondiale et de la Shoah dans ce texte, écrit vers 1960 et précédant de peu les grands procès des responsables nazis. Klein, ce « “juste”, à qui le repos de la bonne conscience était spécialement interdit », comme le définit son directeur de thèse et collaborateur André Chastel, était jusqu’ici surtout connu pour ses textes d’histoire de l’art. Cette étude révèle la profondeur de sa pensée philosophique et permet de comprendre la continuité qu’il a toujours ménagée entre éthique et esthétique.
Research Interests:
Manger ou boire des images… quelle drôle d’idée ! Et pourtant, depuis l’Antiquité, on n’a cessé de se repaître de fresques, d’icônes, de sculptures, de gravures, d’hosties estampées, de gaufres héraldiques, de représentations en massepain... more
Manger ou boire des images… quelle drôle d’idée ! Et pourtant, depuis l’Antiquité, on n’a cessé de se repaître de fresques, d’icônes, de sculptures, de gravures, d’hosties estampées, de gaufres héraldiques, de représentations en massepain ou de mets sculptés… Spécifiquement produits pour être consommés ou détournés de leur destination première pour être ingérés, ces artéfacts figuratifs ont non seulement pu être regardés, mais encore incorporés sous forme solide ou liquide. Mais comment expliquer pareille attitude à leur égard ? Pourquoi prendre en soi une image, au risque de la détruire, plutôt que de la contempler à distance, sagement ? Quels imaginaires traversent ces désirs d’incorporations ? Quelles sont les configurations visuelles offertes à la bouche et quels en sont les effets ? Quelles fonctions thérapeutiques, religieuses, symboliques ou sociales peut-on attribuer à cette forme de relation iconique ? Voici quelques-unes des questions à partir desquelles cette enquête sur l’iconophagie se déploie.
Research Interests: Iconography, Art History, History of Religion, Visual Culture, History of the Senses, and 12 moreFood History, History of Art, Cultural Anthropology, Iconology, Bildwissenschaft, History of Food, Histoire de l'art, STORIA DELL'ARTE, Kunstgeschichte, Anthropology of Image, Histoire des sensibilités, and History of Images
Between January 1972 and December 1973 French art-historian/philosopher Hubert Damisch and American art-historian Meyer Schapiro exchanged forty-four letters. During this short period, the two scholars discussed many issues concerning the... more
Between January 1972 and December 1973 French art-historian/philosopher Hubert Damisch and American art-historian Meyer Schapiro exchanged forty-four letters. During this short period, the two scholars discussed many issues concerning the state of art history and its relationship to semiotics and psychoanalysis. A recurring topic was Freud's famous lapse of memory concerning the name of the Renaissance artist Luca Signorelli—what to make of the lapsus in art-historical terms and how to make use of it in analyzing Signorelli's cycle of frescoes at the Cathedral of Orvieto in Italy. Damisch was then beginning to work on a book devoted to the subject while Schapiro was writing a small essay on the topic.
Research Interests:
Là, dans l’angle inférieur gauche de la couverture du Caravage de Mia Cinotti, j’ai vu surgir, d’entre les méandres de la broderie qui orne le col du jeune homme figurant parmi les Tricheurs, un sexe masculin. Gribouillé, certes, mais un... more
Là, dans l’angle inférieur gauche de la couverture du Caravage de Mia Cinotti, j’ai vu surgir, d’entre les méandres de la broderie qui orne le col du jeune homme figurant parmi les Tricheurs, un sexe masculin. Gribouillé, certes, mais un sexe masculin tout de même…
Research Interests:
Au milieu du XXe siècle, Robert Klein s’est attelé à une tâche immense : repenser l’art et son histoire à partir de la notion aristotélicienne de technè. Loin d’être réductible à la représentation ou à la production du beau idéal, l’art... more
Au milieu du XXe siècle, Robert Klein s’est attelé à une tâche immense : repenser l’art et son histoire à partir de la notion aristotélicienne de technè. Loin d’être réductible à la représentation ou à la production du beau idéal, l’art est manière de faire, habitus ou disposition à produire selon une droite raison. Dans L’Esthétique de la technè, cette thèse placée sous la direction d’André Chastel et restée jusqu’à ce jour inédite, Klein montre de quelle façon cette conception artificialiste de l’art irrigue l’essentiel de la pensée et de la production artistique du XVIe siècle. L’œuvre maniériste, qu’il s’agisse d’une sculpture « terrible » de Michel-Ange, d’un tableau « capricieux » d’Arcimboldo ou d’un bronze « virtuose » de Cellini, a pour finalité de susciter la stupeur et l’émerveillement, conduisant le spectateur à s’interroger sur les procès techniques (alliance d’intelligence et d’habilité manuelle) qui l’ont fait advenir sous cette forme. En mettant ainsi l’accent sur le comment, Klein conteste le privilège de l’idée sur les moyens et offre une vision « aristotélicienne » de la Renaissance bien différente de celle, essentiellement néoplatonicienne et idéaliste, à laquelle on la réduit encore trop souvent.
Cette thèse inédite est transcrite, éditée et présentée par Jérémie Koering
Avec une préface de Henri Zerner
Cette thèse inédite est transcrite, éditée et présentée par Jérémie Koering
Avec une préface de Henri Zerner
Research Interests:
Présentation de Robert Klein, Esthétique de la technè. L'art selon Aristote et les théories des arts visuels au XVIe siècle, INHA, collection Inédits, 2017
Research Interests: Art History, Italian Studies, Renaissance Studies, Historiography (in Art History), Italian Renaissance Art, and 10 moreRenaissance Aristotelianism, Histoire de l'art, Kunstgeschichte, Theory of Art, Benedetto Varchi, Techné, History of Philosophy, Aesthetics and Theories of Art (A. Warburg, Histoire de l'histoire de l'art, and Robert Klein
Research Interests:
The fifteenth century Italian painter Andrea Mantegna is widely regarded as one of the most virtuosic and conceptually ambitious artists of the European tradition. Yet his place in the history of art has been a constant challenge to a... more
The fifteenth century Italian painter Andrea Mantegna is widely regarded as one of the most virtuosic and conceptually ambitious artists of the European tradition. Yet his place in the history of art has been a constant challenge to a teological history of style that has prevailed - in the form of the monograph or exhibition - since Giorgio Vasari. Andrea Mantegna : Making Art (History) features a collection of readings that reveal Mantegna as challenging the parameters of art history in the demands it makes upon historical interpretation, and which explore the artist's potentially transformative impact on the study of early Renaissance. Essays on the artist's devotional painting's, two of his monumental mural projects (The Camera Picta and Ovetari Chapel), signing practices, self-portraiture, and the meta-artistic character of his "stony" style provide a complement as well as an alternative to the narrowly iconographic tradition, concerned primarily with textual sources. Collectively, the essays serve to enrich the narrow and restrictive conceptions of the relationship of the text with new models positionned at the confluence of ancient, Renaissance and modern poetics. With its array of approaches and methodologies, Andrea Mantegna : Making Art (History) offers striking new insights into the life and works of one of the true definiting geniuses of the early Renaissance.
Research Interests:
Cet ouvrage constitue la première étude entièrement consacrée aux décors du palais ducal de Mantoue au xvie siècle. Ces ensembles peints et sculptés, réalisés par des artistes aussi importants que Giulio Romano, Titien ou Tintoret,... more
Cet ouvrage constitue la première étude entièrement consacrée aux décors du palais ducal de Mantoue au xvie siècle. Ces ensembles peints et sculptés, réalisés par des artistes aussi importants que Giulio Romano, Titien ou Tintoret, n’avaient jamais été abordés de manière aussi fine et approfondie. Adoptant plusieurs focales relatives au lieu (le palais comme résidence princière et centre politique), aux acteurs (le commanditaire, le conseiller, l’artiste et le spectateur), aux pratiques (le travail collaboratif ou le contrôle exercé sur les projets par les hommes de cour) et aux idées (politiques, poétiques et artistiques), l’auteur révèle les enjeux qui ont présidé à l’élaboration de ces décors, tout en analysant avec précision la variété des solutions ornementales et figuratives inventées par les artistes pour représenter, directement ou symboliquement, le prince.
L'ouvrage a reçu le prix François-Victor Noury de l'Institut de France en 2014
L'ouvrage a reçu le prix François-Victor Noury de l'Institut de France en 2014
Research Interests: Visual Studies, Art History, Renaissance Studies, Visual Culture, Courts, and 18 moreRenaissance Art, Political History, History of Political Thought, History of Art, Italian Renaissance Art, Courts and Elites (History), Mantua, Histoire de l'art, Histoire des idées politiques, Giulio Romano, Maneirism, Maneirismo, History of Mantova, Giulio Romano, Mirrors for princes, The Gonzaga of Mantua, The Prince, Italian frescoes of the High Renaissance and Mannerism, Renaissance Mantua, and Early modern princely courts
Peintre, dessinateur, sculpteur, ingénieur, architecte, Léonard de Vinci incarne l’homme universel de la Renaissance. Chacun s’y accorde. Mais derrière ce truisme et les commentaires impressionnistes qui l’accompagnent, que sait-on de... more
Peintre, dessinateur, sculpteur, ingénieur, architecte, Léonard de Vinci incarne l’homme universel de la Renaissance. Chacun s’y accorde. Mais derrière ce truisme et les commentaires impressionnistes qui l’accompagnent, que sait-on de l’homme, de sa pensée, de son temps ? Cet ouvrage entend guider le lecteur dans le dédale d’une vie errante et l’aider à redécouvrir une œuvre trop souvent obscurcie par le mythe qui entoure son créateur et par la méconnaissance d’une époque, la Renaissance.
L’ouvrage se divise en deux parties. La première, intitulée « De Vinci à Léonard », s’attache aux différentes activités de Léonard (peintre, sculpteur, ingénieur, anatomiste, homme de cour), à l’évolution de sa pensée, à son ambition sociale et artistique, par l’évocation du contexte culturel, politique et historique dans lequel il a œuvré, les commanditaires qui l’ont employé et les lieux où il a séjourné. La seconde partie, qui a pour titre « À l’œuvre », est une invitation à mieux y voir grâce à l’exploration thématique de l’art savant de Léonard (« Un peintre entre art et nature » ; « L’homme révélé » ; « En mouvement » ; « Un monde unifié »). Chaque thème fait l’objet d’un essai explicité par l’analyse d’un grand nombre de textes, de peintures et de dessins, plus de trois cent cinquante au total.
L’ouvrage se divise en deux parties. La première, intitulée « De Vinci à Léonard », s’attache aux différentes activités de Léonard (peintre, sculpteur, ingénieur, anatomiste, homme de cour), à l’évolution de sa pensée, à son ambition sociale et artistique, par l’évocation du contexte culturel, politique et historique dans lequel il a œuvré, les commanditaires qui l’ont employé et les lieux où il a séjourné. La seconde partie, qui a pour titre « À l’œuvre », est une invitation à mieux y voir grâce à l’exploration thématique de l’art savant de Léonard (« Un peintre entre art et nature » ; « L’homme révélé » ; « En mouvement » ; « Un monde unifié »). Chaque thème fait l’objet d’un essai explicité par l’analyse d’un grand nombre de textes, de peintures et de dessins, plus de trois cent cinquante au total.
Research Interests:
Andrea Mantegna: Making Art (History) presents the art of Mantegna as challenging the parameters of the history of art in the demands it makes upon historical interpretation, and explores the artist’s potentially transformative impact on... more
Andrea Mantegna: Making Art (History) presents the art of Mantegna as challenging the parameters of the history of art in the demands it makes upon historical interpretation, and explores the artist’s potentially transformative impact on the study of the early Renaissance.
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Étrange, extravagant, excentrique, bizarre, capricieux... Les adjectifs ne manquent pas pour décrire les œuvres et les artistes les plus singuliers de la Renaissance. Mais que recouvrent précisément ces qualificatifs ? Les historiens de... more
Étrange, extravagant, excentrique, bizarre, capricieux... Les adjectifs ne manquent pas pour décrire les œuvres et les artistes les plus singuliers de la Renaissance. Mais que recouvrent précisément ces qualificatifs ? Les historiens de l'art s'accordent-ils sur leur portée et leurs implications théoriques ? Face à l'instabilité de ces notions aux XVe et XVIe siècles, cet ouvrage, archéologie de l'« étrangeté », traite ces questions par une double perspective, historique et historiographique.
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À la Renaissance, la peinture n'est plus simplement l'affaire des artistes. Les princes et les mécènes engagent souvent des érudits qui fournissent aux peintres ce que l'on nomme habituellement une invenzione (autrement dit un sujet) ou... more
À la Renaissance, la peinture n'est plus simplement l'affaire des artistes. Les princes et les mécènes engagent souvent des érudits qui fournissent aux peintres ce que l'on nomme habituellement une invenzione (autrement dit un sujet) ou un programme. Aussi depuis la fin du XIXe siècle, la question du programme iconographique est au cœur des réflexions en l'histoire de l'art, en particulier sur cette période. On a ainsi beaucoup cherché à identifier les sources textuelles et figuratives, le sens voire les messages cachés propres aux œuvres d'art, en précisant les liens qu'ils pouvaient entretenir avec la culture de leur époque ou avec les intentions de leurs commanditaires. Mais la notion de programme ne rend pas nécessairement justice à la liberté de l'artiste face à un sujet littéraire qu'il interprète plus qu'il n'illustre. En privilégiant plusieurs axes de réflexion - l'élaboration de 1'invenzione, les relations entre les lettrés et les artistes, les échanges avec les modèles rhétoriques et poétiques, les formes de réception ou encore les rapports entre les éléments d'ornement et l'histoire représentée - les différentes contributions de cet ouvrage ont pour ambition de mieux définir les limites de la notion de programme et de mieux appréhender, dans son acception artistique, celle d'Invention". En outre, ces approches permettront de distinguer ce qui échappe au lettré et appartient en propre à l'artiste.
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During the Renaissance, the spider, as well as its mythological double Arachne, came to represent a form of technical exemplarity doubled by a form of practical intelligence. Some artists, such as Joris Hoefnagel and Tintoretto, made the... more
During the Renaissance, the spider, as well as its mythological double Arachne, came to represent a form of technical exemplarity doubled by a form of practical intelligence. Some artists, such as Joris Hoefnagel and Tintoretto, made the spider a figure of artistic subtlety, allowing them to situate art in an intertwining of making and thinking. But how could the activity of an insect become an artistic paradigm? What imaginaries could have favored this assumption? Under what conditions could a figure as vile and disturbing as the spider or as negative as its mythological double Arachne be set up as examples to follow? This essay attempts to answer these questions by bringing together mythological representation, emblematic thought, and natural philosophy.
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Entre 1572 et 1579, le duc de Mantoue Guglielmo Gonzaga demande à Giovanni Battista Bertani puis Pompeo Pedemonte de transformer en galerie la Loggia dei Marmi bâtie sous le règne de Federico II, son père. Le parti pris est alors de... more
Entre 1572 et 1579, le duc de Mantoue Guglielmo Gonzaga demande à Giovanni Battista Bertani puis Pompeo Pedemonte de transformer en galerie la Loggia dei Marmi bâtie sous le règne de Federico II, son père. Le parti pris est alors de dédoubler l’espace en dupliquant, à quelques détails près, le schéma décoratif mis au point par Giulio Romano en 1539-1540. Or ce prolongement n’aurait rien que de très banal, si le chantier n’avait été l’occasion d’une subtile variation sur le thème de la répétition. Le décor peint, les statues et les bas-reliefs forment en effet un ensemble où l’antique, le moderne et le présent s’entremêlent sans qu’il soit possible de distinguer immédiatement les différentes strates temporelles qui le composent : les statues antiques comportent des restaurations modernes, les bas-reliefs contemporains ressemblent à des artéfacts antiques et le décor peint en 1579 ne se distingue qu’imperceptiblement de celui de 1540. En opérant cette restauratio, où la restitution est en même temps un renouvellement, les artistes au service de Guglielmo font de la Galleria dei Mesi un miroir du temps princier. Ce temps replié sur lui-même qui, par sa forme et son mode d’attache, produit les conditions de son éternité.
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Incipit
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« La Renaissance a tué l'art français. » Cette phrase écrite en 1901 n'a pas été ciselée par un franc-tireur de l'histoire de l'art, mais par Paul Vitry (Vitry 1901, p. 36-37), un élève de Louis Courajod qui occupait alors un poste... more
« La Renaissance a tué l'art français. » Cette phrase écrite en 1901 n'a pas été ciselée par un franc-tireur de l'histoire de l'art, mais par Paul Vitry (Vitry 1901, p. 36-37), un élève de Louis Courajod qui occupait alors un poste d'assistant de conservation au musée du Louvre. C'est dans sa thèse consacrée à Michel Colombe, soutenue devant deux historiens de l'art parmi les plus influents de l'époque-Henri Lemonnier, le premier à avoir enseigné l'histoire de l'art à la Sorbonne, et André Michel, conservateur et professeur à l'École du Louvreque cette accusation trouve sa place. Ce point de vue pour le moins expéditif n'est donc pas subversif. Bien au contraire, il traduit un sentiment largement partagé par les historiens de l'art français en ce début de xx e siècle (seuls font significativement exceptions Eugène Müntz et, surtout, Louis Dimier). Héritée de Jules Deville ou de Léon Palustre, cette incompatibilité postulée entre la France et la Renaissance trouve son origine dans le refus du récit idéaliste et, surtout, italo-centré de Giorgio Vasari (Passini 2012, p. 5). Aux yeux des historiens de l'art hexagonaux, les Vies ont pour défaut de ne pas faire place aux artistes français et d'indexer la perfection de l'art à un
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It is well known that, very early on, Michelangelo was given the epithet divino. On the other hand, we have not yet considered the extent to which his drawings were perceived as artistic "relics". In fact, to qualify the master's studies,... more
It is well known that, very early on, Michelangelo was given the epithet divino. On the other hand, we have not yet considered the extent to which his drawings were perceived as artistic "relics". In fact, to qualify the master's studies, a number of artists, friends and biographers have resorted to a religious vocabulary (reliquia, cosa sacra…). This sacralization of his works is a sign of an almost devotional relation with Michelangelo. Like with Christ, to whom Christians turned ‘to regain the lost similitude of God’, artists conformed to Michelangelo’s art to attain perfection. The “relics could seem to be models with the power to cure the art of their followers. Furthermore, we can consider the re-use of “fragments” of Michelangelo’s works by Sebastiano del Piombo, Bronzino or Allori as a form of enshrining where the inclusion of the relic in a new composition as thus akin to a reliquary.
Research Interests:
Koering Jérémie, Texier Simon. Architecture et arts visuels : aspects d'une rencontre. In: Histoire de l'art, N°72, 2013. L’art de la façade. pp. 3-8
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The article presents an analysis which focuses on the Salle de Troie fresco paintings located at the Palais Ducal de Mantoue in Mantua, Italy. The author discusses how duc Frederic II Gonzague commissioned Italian painter Giulio Romano... more
The article presents an analysis which focuses on the Salle de Troie fresco paintings located at the Palais Ducal de Mantoue in Mantua, Italy. The author discusses how duc Frederic II Gonzague commissioned Italian painter Giulio Romano and Italian poet Benedetto Lampridio from 1536 to 1538 to create the painting entirely dedicated to the Trojan War. Topics discussed include the decor's historical context, the organizational complexity of the Trojan War painting's chronology, and the collaboration between Romano and Lampridio. Also discussed are Lampridio's poetic invention, or his decision to represent certain war scenes, and Giulio's scene layout and his representation of actions. The Trojan War drawings by Ippolito Andreasi are also mentioned.
Research Interests: Art History, Art, Renaissance Studies, Renaissance Humanism, Renaissance, and 11 moreVisual Semiotics, Poetics, Italian Renaissance Art, Renaissance literature, Mannerism, Giulio Romano, Renaissance Poetry, The Gonzaga of Mantua, Italian frescoes of the High Renaissance and Mannerism, Renaissance Mantua, and Histoire De L Art
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Bien que constituant un ensemble majeur de l'histoire de l'art de la Renaissance, les decors du palais ducal de Mantoue n'ont jamais fait l'objet d'un catalogue analytique. L'etablissement d'un tel outil... more
Bien que constituant un ensemble majeur de l'histoire de l'art de la Renaissance, les decors du palais ducal de Mantoue n'ont jamais fait l'objet d'un catalogue analytique. L'etablissement d'un tel outil scientifique pour tous les decors realises entre 1519 et 1587 a constitue la premiere etape de notre etude (vol. II). Sur cette base, nous avons mene une enquete (vol. I) visant a eclairer la production des grands decors dans les cours italiennes du XVIe siecle. Nous examinons d'abord le role de l'ornement dans la definition de l'espace palatial comme ecrin de la magnificence des Gonzague pour interroger ensuite les relations entre iconographie et pensee politique. Ce questionnement se poursuit par l'analyse des langages (poetique, rhetorique, didactique) mis au point par les auteurs d'inventions et les artistes. En dernier lieu, nous nous interessons a la question de la reception en particulier au travers d'une archeologie de la pratique de la visite commentee des decors.
Research Interests:
Research Interests: Art and The Renaissance
Research Interests:
Erührt, gestreichelt, geküsst, berochen, umarmt und natürlich betrachtet: Bilder beanspruchen den Körper seit Urzeiten auf grund-legende Weise. Dieses sensible Verhältnis zu figurativen Artefakten verschwindet weder im Mittelalter noch in... more
Erührt, gestreichelt, geküsst, berochen, umarmt und natürlich betrachtet: Bilder beanspruchen den Körper seit Urzeiten auf grund-legende Weise. Dieses sensible Verhältnis zu figurativen Artefakten verschwindet weder im Mittelalter noch in der Klassik, im Gegenteil. Von den Anfängen des Christentums bis ins 20. Jahrhundert werden Buchmalereien, Statuen, Wandgemälde, Ikonen oder Druckgrafiken manipuliert, bearbeitet und erlebt. Die Sinne sind so sehr in die Erfahrung von-insbesondere sakralen-Bildern einbezogen, weil diese nicht nur immaterielle Realitäten, sondern auch physische Instanzen sind, welche die Archetypen, die sie darstellen, repräsentieren. Ausgestattet mit Körperlichkeit wie die Heiligenreliquien, mit denen sie sozusagen konkurrieren, sind Bilder materielle Träger der Gnade und dienen gleichzeitig als sensibles Mittel, um ein Gebet an die himmlischen Wesen zu richten, die sie sichtbar machen 1. Diesen Erscheinungen nahe zu sein, ist also die Garantie für eine mögliche Begegnung mit dem Göttlichen.
Research Interests:
Touchées, caressées, embrassées, humées, enlacées et bien sûr contemplées, les images engagent fondamentalement le corps depuis la nuit des temps. Cette relation sensible aux artéfacts figuratifs ne disparaît pas au Moyen Âge, pas plus... more
Touchées, caressées, embrassées, humées, enlacées et bien sûr contemplées, les images engagent fondamentalement le corps depuis la nuit des temps. Cette relation sensible aux artéfacts figuratifs ne disparaît pas au Moyen Âge, pas plus qu'elle ne cesse à l'Âge Classique, loin s'en faut. Des premiers temps du Christianisme jusqu'au XX e siècle, enluminures, statues, peintures murales, icônes ou encore gravures sont manipulées, agies, vécues. Si les sens sont à ce point impliqués dans l'expérience des images, en particulier religieuses, c'est que ces dernières ne sont pas seulement des réalités immatérielles, mais aussi des instances physiques présentifiant les archétypes qu'elles représentent. Dotées d'une corporéité, à l'instar des reliques des saints auxquelles elles font pour ainsi dire concurrence, les images sont les vecteurs matériels de la Grâce, en même temps qu'elles servent de canal sensible pour adresser une prière aux entités célestes qu'elles portent à la visibilité 1. Être proche de ces manifestations est ainsi le gage d'une possible rencontre avec le divin.
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Self-reflexive dimensions of El Greco's Saint Luke (Toledo, Cabildo Catedral Primada).
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Here we evaluate the reception of Michelangelo's genius as a matter of sacred behavior on the part of numerous contemporaries, who treated Michelangelo's drawings as relics belonging to the entirety of his work. Just as a relic confirmed... more
Here we evaluate the reception of Michelangelo's genius as a matter of sacred behavior on the part of numerous contemporaries, who treated Michelangelo's drawings as relics belonging to the entirety of his work. Just as a relic confirmed its sacred origin within the reliquary, so too did Michelangelo's adepts borrow from his art with the tacit understanding that the final, resulting work would resemble Michelangelo's art and relay creativity in the sacred ways of relic dissemination.
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Research Interests: Semiotics, Epistemology, Art History, Historiography, Drawing, and 13 moreBildwissenschaft, Histoire de l'art, Piet Mondrian, STORIA DELL'ARTE, Kunstgeschichte, Visual Cultures, Sémiologie, Art and image theory, Semiotica, Meyer Schapiro, Matisse, Historiography of Art History, and Meyer Schapiro, Historiography, Art History
French art-historian/philosopher Hubert Damisch and American art-historian Meyer Schapiro maintained an intellectual friendship of rare intensity for nearly forty years. Their many letters bear witness to this: From art history to... more
French art-historian/philosopher Hubert Damisch and American art-historian Meyer Schapiro maintained an intellectual friendship of rare intensity for nearly forty years. Their many letters bear witness to this: From art history to psychoanalysis, philosophy, anthropology, sociology, and literature, they exchanged ideas in almost every field of the humanities and social sciences. The special issue which this text introduces focuses on the years 1972 and 1973, a period during which Damisch spent much time in the United States and met, in addition to Schapiro, Michel Foucault, Max Black, M. H. Abrams, and Norman Malcolm. “The Other ‘sch,’ or When Damisch Met Schapiro” seeks to put into perspective the forty-four letters gathered here as well as the several essays devoted to the Freud-Signorelli case.
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Hubert Damisch and Meyer Schapiro have maintained a friendly and intellectual relationship of rare intensity for nearly forty years. Their many letters bear witness to this: from art history to psychoanalysis, philosophy, anthropology,... more
Hubert Damisch and Meyer Schapiro have maintained a friendly and intellectual relationship of rare intensity for nearly forty years. Their many letters bear witness to this: from art history to psychoanalysis, philosophy, anthropology, sociology or literature, they have exchanged ideas in almost every field of the humanities and social sciences. Focusing on the years 1972-1973, a period during which Damisch spent a long time in the United States and met, in addition to Schapiro, Michel Foucault , Max Black, Mike H. Abrams and Norman Malcolm, this introduction seeks to put into perspective the forty-four letters and the various essays devoted to the Freud-Signorelli case gathered in the special issue "Damisch/Schapiro", October, 167, (Winter) 2019
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To drink the ashes of one's ancestors to make them eternal, and to paint, to the glory of god, the vault of a chapel where the Eucharist is celebrated, are, if one believes Mad Men's protagonists, two acts that could not be more different... more
To drink the ashes of one's ancestors to make them eternal, and to paint, to the glory of god, the vault of a chapel where the Eucharist is celebrated, are, if one believes Mad Men's protagonists, two acts that could not be more different and belong to two more distinct ages of humanity. But these two cultural expressions, which, in the mind of Don and Betty-two characters representing the racist and ethnocentric America of the early sixties-appear as utterly irreconcilable, have not always been considered foreign to each other. To eat one's ancestors and to paint the Sistine Chapel are both ways of perpetuating tradition. Of course, no one in the Renaissance would have directly compared the ingestion of ancestors in a 'drinkable solution' to the representation of the Genesis and the genealogy of Christ. But no humanist or scholar of the Renaissance would have dismissed this model of filial piety just because it belongs to ancient times. Quite the contrary.
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Lire Marin, bien sûr. Mais le regarder, la chose est moins évidente. Et pourtant, il a produit un grand nombre de dessins accompagnant ses études des systèmes de la représentation. Quelle place et quelles fonctions accordait-t-il à... more
Lire Marin, bien sûr. Mais le regarder, la chose est moins évidente. Et pourtant, il a produit un grand nombre de dessins accompagnant ses études des systèmes de la représentation. Quelle place et quelles fonctions accordait-t-il à l’outil graphique dans l’enquête ? Comment dessin et écriture dialoguent-ils dans l’élaboration de l’analyse ? C’est en observant un certain nombre de dessins consacrés aux fresques de Pinturicchio à Spello ou de Filippo Lippi à Prato que ces questions sont affrontées.
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Art historian Meyer Schapiro was a skilled draftsman. His archives, preserved at Columbia University, contain thousands of pages dedicated to the study of medieval and modern art. In this paper I wish to analyse a group of drawings... more
Art historian Meyer Schapiro was a skilled draftsman. His archives, preserved at Columbia University, contain thousands of pages dedicated to the study of medieval and modern art. In this paper I wish to analyse a group of drawings devoted to romanesque art (Moissac), neo-impressionism (Seurat) and twentieth-century art (Matisse, Picasso, Pollock, De Kooning…), in order to reveal their various epistemological uses (documentary, analytical, phenomenological, heuristic...).
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The twentieth century saw various opposing interpretations of Mannerism. The followers of modern art first sought to rehabilitate this art, which had been disdained for so long, by seeing it as a "proto-avant-garde" freed of the classical... more
The twentieth century saw various opposing interpretations of Mannerism. The followers of modern art first sought to rehabilitate this art, which had been disdained for so long, by seeing it as a "proto-avant-garde" freed of the classical model. However, in a conservative and nationalist spirit, art historians made it a symbol of artistic decadence. After 1945, when Europe was in full reconstruction, Mannerism was seen as a truly European art that had enabled different nations to "speak" a same "language"...
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The self portrait of Rembrandt in the collection of the Wallraf-Richartz Museum in Cologne is generally considered to be a representation of the artist either as Democritus or as Zeuxis. These two identifications have been proposed one... more
The self portrait of Rembrandt in the collection of the Wallraf-Richartz Museum in Cologne is generally considered to be a representation of the artist either as Democritus or as Zeuxis. These two identifications have been proposed one after the other in the 20th century, and while Democritus was favored by art critics before 1973, it is the name of Zeuxis that has most often been imposed, after the publication of an outstanding article by Albert Blanquet, at this date. One or the other of these identifications, therefore, but never both: art history having some difficulty with ambivalence or ambiguity. This study intends to reconsider this “problem” of identification by proposing to recognize in this portrait a complex and plural image: that of Rembrandt Democritus-Zeuxis. Having put forward this identification, it will be possible to observe the work of figuration-disfiguration put in place by the artist; work that would seem to postulate the ultimate power of painting: that of giving death, after having had the power of giving life.
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En entreprenant d’écrire une histoire du sac de Rome, Chastel marque sa différence avec l’École des Annales pour laquelle, en dehors de la « longue durée », il n’y a point de salut. Pour autant, en focalisant son attention sur cet... more
En entreprenant d’écrire une histoire du sac de Rome, Chastel marque sa différence avec l’École des Annales pour laquelle, en dehors de la « longue durée », il n’y a point de salut. Pour autant, en focalisant son attention sur cet événement marquant de l’histoire de l’Italie, Chastel n’entend pas renouer avec la vieille histoire événementielle et positiviste qui fut justement critiquée par les historiens des Annales. Bien au contraire, l’histoire de l’imaginaire qu’il propose, par sa forme et ses ressorts diégétiques, semble tirer profit des réflexions historiographiques les plus neuves et les plus critiques à l’égard du positivisme : celles de Paul Veyne, de Michel de Certeau ou de Carlo Ginzburg. Au renfort de documents d’archives et par une lecture serrée des opérateurs narratifs du Sac de Rome, nous espérons montrer que, selon Chastel, l’écriture de l’histoire de l’art (et plus généralement celle des images) ne peut faire l’économie d’une « mise en intrigue ».
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A great number of Greco’s artworks have been composed and painted from existing images. Whether in Crete, Italy or Spain, the artist has drawn from a repertory of engravings, sculptures and paintings (Michelangelo, Titian, Parmigiano,... more
A great number of Greco’s artworks have been composed and painted from existing images. Whether in Crete, Italy or Spain, the artist has drawn from a repertory of engravings, sculptures and paintings (Michelangelo, Titian, Parmigiano, Raphael…), using them to create through the cutting and pasting of images. Yet this process has never been analyzed in detail. Of course Greco’s borrowings have been listed, but they have been seen as testimonies to the influence of this or that artist rather than as the clue of a method of creation, a poïesis…
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Art historian Meyer Schapiro was a skilled drawer. His archives, preserved at Columbia University, contain thousands of pages dedicated to the study of medieval and modern art. In this paper I analyse a group of drawings devoted to... more
Art historian Meyer Schapiro was a skilled drawer. His archives, preserved at Columbia University, contain thousands of pages dedicated to the study of medieval and modern art. In this paper I analyse a group of drawings devoted to romanesque art (Moissac), neo-impressionism (Seurat) and twentieth-century art (Picasso, Pollock…), in order to reveal their various epistemological uses (documentary, analytical, phenomenological, heuristic...).
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Graffiti can be found in numerous Roman settings (Vatican stanza and loggia, the Carracci gallery in the palazzo Farnese, the Santa Andrea Oratorio in San Gregorio al Celio…). Executed between the 15th and the 20th centuries, these... more
Graffiti can be found in numerous Roman settings (Vatican stanza and loggia, the Carracci gallery in the palazzo Farnese, the Santa Andrea Oratorio in San Gregorio al Celio…). Executed between the 15th and the 20th centuries, these inscriptions form a palimpsest of names and dates, where famous men and anonymous citizens are found side a side, Poussin’s contemporaries next to men of the Romantic era. Among the “writers”, one category interests us the most : that of the artists. Indeed the painters, sculptors and architects visiting Rome often left their names in the margins of the decorations and the monuments they were studying. And these marks, far from being the result of an act of vandalism, are the signs of a veritable artistic devotion. The semiotic and anthropological investigation proposed here allows us to demonstrate the importance and complexity of this phenomenon too often ignored or overlooked by art historians.
Research Interests: History, Cultural Studies, Visual Studies, Art History, Cultural Heritage, and 23 moreNineteenth Century Studies, Renaissance Studies, Visual Culture, Historic Preservation, Eighteenth Century History, Seventeenth Century, Heritage Conservation, Anthropology Of Art, Graffiti in history, Graffiti, 17th Century French Baroque Artist Nicolas Poussin, Ancient Graffiti (Archaeology), Painting Conservation, Historia, Histoire de l'art, Italian late medieval and Renaissance devotional art, ritual, and patronage, Histoire, Medieval Rome, History of graffiti and wall-writing, Medieval graffiti, Early Modern Graffiti, Conservation Du Patrimoine Architectural Et Culturel, and Devotion In Middle Ages
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Hidden in the vegetal ornament of one of the pilasters of the Camera Picta, Mantegna placed his self-portrait in the form of a leafy mask. In so doing, he introduced the sign of his authorship at the heart of a germinative process. This... more
Hidden in the vegetal ornament of one of the pilasters of the Camera Picta, Mantegna placed his self-portrait in the form of a leafy mask. In so doing, he introduced the sign of his authorship at the heart of a germinative process. This essay reconsiders the insertion of the self-portrait as an image of the generative power of the artist. Together with the room’s dedicatory inscription (in particular the term absoluvit), the date 1465 inscribed in the marble, as well as several pictorial inventions signalling the porosity between art and nature, the secret, changing and subtle poietical programme in the Camera Picta can be revealed.
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Sur L'origine du monde de Courbet
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Compte rendu groupé de Clifford M. Brown, “Per dare qualche splendore a la gloriosa città di Mantua” Documents for the Antiquarian Collection of Isabella d’Este, Bulzoni, Rome, 2002 ; Clifford M. Brown, Isabella d’Este in the Ducal Palace... more
Compte rendu groupé de Clifford M. Brown, “Per dare qualche splendore a la gloriosa città di Mantua” Documents for the Antiquarian Collection of Isabella d’Este, Bulzoni, Rome, 2002 ; Clifford M. Brown, Isabella d’Este in the Ducal Palace in Mantua : an overview of her rooms in the Castello di San Giorgio and the Corte Vecchia, Bulzoni, Rome, 2005 ; Stephen J. Campbell, The Cabinet of Eros : Renaissance Mythological Painting and the Studiolo of Isabella d’Este, Yale University Press, New Haven-Londres, 2006
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Il fut un temps – mais est-il seulement révolu ? – où certaines images n’étaient pas simplement regardées, mais mangées. Produites pour être avalées, elles étaient consommées par la bouche plutôt que par les yeux. Il s’agira de rendre... more
Il fut un temps – mais est-il seulement révolu ? – où certaines images n’étaient pas simplement regardées, mais mangées. Produites pour être avalées, elles étaient consommées par la bouche plutôt que par les yeux. Il s’agira de rendre compte de cette autre manière d’être aux images en réinscrivant la consommation des artefacts comestibles (peintures corporelles, hosties, gaufres, mets sculptés, gâteaux figurés) dans la longue durée, et en mettant en évidence les enjeux anthropologiques qui en traversent la pratique. Relevant d’une logique de la participation, l’ingestion de l’image permet en effet à celui qui en fait l’expérience d’entrer dans une communauté ou de contribuer à en maintenir la cohésion. Cette présentation, qui mènera de l’Égypte ancienne à l’Europe de la période contemporaine, en passant par Byzance, l’Italie de la Renaissance ou encore l’occident médiéval, sera l’occasion d’observer que le partage de l’image, loin d’avoir été un simple programme théorique, a pu prendre des formes aussi inattendues que concrètes dans notre histoire.
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Il fut un temps, pas si lointain, où les images n’étaient pas simplement regardées ou contemplées, mais ingérées. Produites pour être avalées (hosties, cialde, mets figurés…) ou détournées de leur destination première pour être... more
Il fut un temps, pas si lointain, où les images n’étaient pas simplement regardées ou contemplées, mais ingérées. Produites pour être avalées (hosties, cialde, mets figurés…) ou détournées de leur destination première pour être incorporées (icônes, fresques et images de dévotion), elles étaient « consommées » par la bouche et non par les yeux. Cette autre manière d’être aux images nous est à peu près incompréhensible aujourd’hui. Il convient, dès lors, d’y regarder de plus près en procédant d’abord à un inventaire. Les images peuvent, en effet, être en matières comestibles ou non, bi ou tridimensionnelles, consommées entière ou en partie (grattées, broyées, mélangées ou diluées), elles peuvent être par ailleurs incorporées pour des raisons rituelles (hostie), dévotionnelles et apotropaïques (santini et talismani eduli, Schluckbildchen), ou encore culturelles (les mets « sculptés » des compagnies florentines). Leur variété de conception et d’emploi appelle donc un peu de distinction. Mais au-delà de ces spécificités, il importe également d’aborder ces images et ces pratiques de manière globale en conjuguant questionnements anthropologique et historique : quelle connaissance peut nous apporter ce « phénomène » sur le statut des images, leur matérialité, leur relation au corps ou encore la puissance dont elles ont parfois été investies ?
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Art historian Meyer Schapiro was a skilled drawer. His archives, preserved at Columbia University, contain thousands of pages dedicated to the study of medieval and modern art. In this paper I wish to analyse a group of drawings devoted... more
Art historian Meyer Schapiro was a skilled drawer. His archives, preserved at Columbia University, contain thousands of pages dedicated to the study of medieval and modern art. In this paper I wish to analyse a group of drawings devoted to romanesque art (Moissac), neo-impressionism (Seurat) and twentieth-century art (Matisse, Picasso, Pollock, De Kooning…), in order to reveal their various epistemological uses (documentary, analytical, phenomenological, heuristic...).
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In commemoration of the 100th anniversary of the birth of Robert Klein (1918-2018), this conference will bring together scholars to reconsider the published and unpublished works of one of the most erudite and inventive art historians of... more
In commemoration of the 100th anniversary of the birth of Robert Klein (1918-2018), this conference will bring together scholars to reconsider the published and unpublished works of one of the most erudite and inventive art historians of the twentieth century. At stake is the question of defining Klein’s historiographical, critical, and theoretical positioning, as well as his contribution to the history of art and philosophy.
To date, no sustained study has yet been dedicated to Klein and his work, in part due to his tragic death in Florence in 1967, and the subsequent disappearance of a large part of his manuscripts (including his work on ars and technè from Plato to Giordano Bruno, his thesis on the aesthetics of technè in the sixteenth century, his study of the so-called Mantegna Tarocchi, and an essay on responsibility). The rediscovery of Klein’s unpublished papers, donated to the library of the INHA in 2013, document his contribution to the redefinition of the discipline of art history and invite a reconsideration of his work. As the recent publication of his thesis L’esthétique de la technè (INHA, 2017) has shown, Klein undertook in particular to rethink Renaissance art and its history, bringing to bear the Aristotelian notion of technè and offering a vision of Renaissance artistic production quite different from the Neoplatonic ideals to which it is often linked. This conference will shed more light on these investigations as well as on the intellectual journey of an important art historian and philosopher of the past century.
Organized by:
Alina Payne (I Tatti – The Harvard University Center for Italian Renaissance Studies)
Jérémie Koering (Centre André Chastel)
Alessandro Nova (Kunsthistorisches Institut in Florenz Max-Planck-Institut)
To date, no sustained study has yet been dedicated to Klein and his work, in part due to his tragic death in Florence in 1967, and the subsequent disappearance of a large part of his manuscripts (including his work on ars and technè from Plato to Giordano Bruno, his thesis on the aesthetics of technè in the sixteenth century, his study of the so-called Mantegna Tarocchi, and an essay on responsibility). The rediscovery of Klein’s unpublished papers, donated to the library of the INHA in 2013, document his contribution to the redefinition of the discipline of art history and invite a reconsideration of his work. As the recent publication of his thesis L’esthétique de la technè (INHA, 2017) has shown, Klein undertook in particular to rethink Renaissance art and its history, bringing to bear the Aristotelian notion of technè and offering a vision of Renaissance artistic production quite different from the Neoplatonic ideals to which it is often linked. This conference will shed more light on these investigations as well as on the intellectual journey of an important art historian and philosopher of the past century.
Organized by:
Alina Payne (I Tatti – The Harvard University Center for Italian Renaissance Studies)
Jérémie Koering (Centre André Chastel)
Alessandro Nova (Kunsthistorisches Institut in Florenz Max-Planck-Institut)
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À l’occasion de la célébration du 100e anniversaire de la naissance de Robert Klein (1918-2018), historiens de l’art, historiens et philosophes se réunissent pour reconsidérer les travaux publiés et les inédits de l’un des historiens de... more
À l’occasion de la célébration du 100e anniversaire de la naissance de Robert Klein (1918-2018), historiens de l’art, historiens et philosophes se réunissent pour reconsidérer les travaux publiés et les inédits de l’un des historiens de l’art les plus savants et inventifs du XXe siècle. L’Institut national d’histoire de l’art les accueille du 5 au 6 novembre autour de différentes manifestations : atelier, colloque et conférence.
La question de la définition de son positionnement historiographique, critique et théorique, ainsi que de son apport à l’histoire de l’art et à la philosophie sera au cœur de ces différents rendez-vous qui se poursuivront à Florence les 8 et 9 novembre lors d’un colloque organisé par le Centre André Chastel/Sorbonne Université, le centre de Harvard pour les études de la Renaissance (villa I Tatti) et l’Institut allemand d’histoire de l’art de Florence (KHI).
À ce jour aucune manifestation scientifique n’a été consacrée à Robert Klein, et ses études ne sont que trop rarement commentées. Sa mort tragique à Florence en 1967 et la disparition consécutive d’une grande partie de ses manuscrits (mémoire sur Ars et technè de Platon à Giordano Bruno ; thèse sur L’esthétique de la technè au XVIe siècle ; étude sur les Tarots dits de Mantegna, essai sur La responsabilité…) ne sont probablement pas étrangers à cette éclipse partielle.
La redécouverte récente de ses archives déposées à la bibliothèque de l’INHA en 2013 permet de rompre avec cette fatalité. Non seulement les documents retrouvés modifient substantiellement l’ampleur et les contours de son œuvre, mais leur examen montre que cette part inconnue des travaux de Klein aurait probablement été de nature à changer le cours des études sur l’art de la Renaissance si elle avait été connue plus tôt. La réception de la récente publication de sa thèse inédite L’esthétique de la technè (INHA, 2017) le laisse en tout cas supposer. Le pan aristotélicien de l’art de la Renaissance mis en évidence par Klein dans son ouvrage permet en effet de rééquilibrer et de complexifier notre vision de cette période artistique trop souvent indexée, sur le plan philosophique, au retour du platonisme (Panofsky, Wind, Chastel…). On comprendra, dès lors, qu’il soit nécessaire de se pencher, à nouveau, sur son œuvre.
La question de la définition de son positionnement historiographique, critique et théorique, ainsi que de son apport à l’histoire de l’art et à la philosophie sera au cœur de ces différents rendez-vous qui se poursuivront à Florence les 8 et 9 novembre lors d’un colloque organisé par le Centre André Chastel/Sorbonne Université, le centre de Harvard pour les études de la Renaissance (villa I Tatti) et l’Institut allemand d’histoire de l’art de Florence (KHI).
À ce jour aucune manifestation scientifique n’a été consacrée à Robert Klein, et ses études ne sont que trop rarement commentées. Sa mort tragique à Florence en 1967 et la disparition consécutive d’une grande partie de ses manuscrits (mémoire sur Ars et technè de Platon à Giordano Bruno ; thèse sur L’esthétique de la technè au XVIe siècle ; étude sur les Tarots dits de Mantegna, essai sur La responsabilité…) ne sont probablement pas étrangers à cette éclipse partielle.
La redécouverte récente de ses archives déposées à la bibliothèque de l’INHA en 2013 permet de rompre avec cette fatalité. Non seulement les documents retrouvés modifient substantiellement l’ampleur et les contours de son œuvre, mais leur examen montre que cette part inconnue des travaux de Klein aurait probablement été de nature à changer le cours des études sur l’art de la Renaissance si elle avait été connue plus tôt. La réception de la récente publication de sa thèse inédite L’esthétique de la technè (INHA, 2017) le laisse en tout cas supposer. Le pan aristotélicien de l’art de la Renaissance mis en évidence par Klein dans son ouvrage permet en effet de rééquilibrer et de complexifier notre vision de cette période artistique trop souvent indexée, sur le plan philosophique, au retour du platonisme (Panofsky, Wind, Chastel…). On comprendra, dès lors, qu’il soit nécessaire de se pencher, à nouveau, sur son œuvre.
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LEO STEINBERG NOW. Il pensiero attraverso gli occhi. Prima conferenza internazionale dedicata a Leo Steinberg (1920-2011) 17 maggio 2017 h 14.00 University of Notre Dame (Global Gateway), via Ostilia, 15 18 maggio 2017 h 09.30 Académie... more
LEO STEINBERG NOW. Il pensiero attraverso gli occhi.
Prima conferenza internazionale dedicata a Leo Steinberg (1920-2011)
17 maggio 2017 h 14.00
University of Notre Dame (Global Gateway), via Ostilia, 15
18 maggio 2017 h 09.30
Académie de France à Rome - Villa Medici, viale della Trinità dei Monti, 1
19 maggio 2017 h 09.30
Sapienza Università di Roma, Facoltà di Lettere e Filosofia
Dipartimento di Storia dell’arte e Spettacolo,
Aula I Adolfo Venturi, piazzale Aldo Moro, 5
Leo Steinberg (1920-2011) ha lasciato una traccia significativa nella storia dell’arte. I suoi studi sul Rinascimento, sul Barocco e sull’arte contemporanea hanno fatto apparire sotto una nuova luce alcuni artisti come Leonardo, Michelangelo, Borromini, Picasso, De Kooning, Rauschenberg e Johns.
I suoi libri ancora stupiscono per le novità metodologiche e per l’apertura verso nuovi campi d’indagine. Si pensi a "Other Criteria", "The Sexuality of Christ in Renaissance Art and in Modern Oblivion" o, ancora, a "Leonardo’s Incessant Last Supper".
“Leo Steinberg Now” - la prima conferenza internazionale dedicata allo studioso - propone un’inedita lettura ad ampio raggio della sua opera evidenziando il ruolo che essa ha svolto nel dibattito culturale europeo e statunitense del XX secolo e le questioni teoriche e di metodo che ha sollevato negli studi storico-artistici.
Prima conferenza internazionale dedicata a Leo Steinberg (1920-2011)
17 maggio 2017 h 14.00
University of Notre Dame (Global Gateway), via Ostilia, 15
18 maggio 2017 h 09.30
Académie de France à Rome - Villa Medici, viale della Trinità dei Monti, 1
19 maggio 2017 h 09.30
Sapienza Università di Roma, Facoltà di Lettere e Filosofia
Dipartimento di Storia dell’arte e Spettacolo,
Aula I Adolfo Venturi, piazzale Aldo Moro, 5
Leo Steinberg (1920-2011) ha lasciato una traccia significativa nella storia dell’arte. I suoi studi sul Rinascimento, sul Barocco e sull’arte contemporanea hanno fatto apparire sotto una nuova luce alcuni artisti come Leonardo, Michelangelo, Borromini, Picasso, De Kooning, Rauschenberg e Johns.
I suoi libri ancora stupiscono per le novità metodologiche e per l’apertura verso nuovi campi d’indagine. Si pensi a "Other Criteria", "The Sexuality of Christ in Renaissance Art and in Modern Oblivion" o, ancora, a "Leonardo’s Incessant Last Supper".
“Leo Steinberg Now” - la prima conferenza internazionale dedicata allo studioso - propone un’inedita lettura ad ampio raggio della sua opera evidenziando il ruolo che essa ha svolto nel dibattito culturale europeo e statunitense del XX secolo e le questioni teoriche e di metodo che ha sollevato negli studi storico-artistici.
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Antonella Fenech Kroke , « L'homme à contresens. Inversion et reversement du corps en image », intervention dans le cadre de 'Regards croisés. Atelier de recherche avec Philippe Descola', co-organisé par Jérémie Koering, Hervé Brunon et Antonella Fenech, Centre André Chastel, Paris, 16 janvier 2017.more