Crítica De Arte

Este ensaio discute a necessidade de proceder a uma releitura da história da arte a partir de uma lente decolonial, isto é, que considera os efeitos nefastos do racismo e da colonialidade na deslegitimação de perspectivas artísticas e historiográficas não eurocêntricas. Objetiva-se refletir como as estéticas afro-decoloniais impactam no campo das artes, apontando para as amarras coloniais ainda não ultrapassadas. Daí a análise de alguns trabalhos contemporâneos, com vistas a pensar como determinados procedimentos artístico-narrativos podem contribuir para a reelaboração ativa da memória das violências historicamente endereçadas aos corpos negros e aos seus modos de resistência, bem como para constituição de uma visualidade radicalizada.

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This essay discusses the need for a re-reading of art history, from a decolonial lens, that is, that considers the harmful effects of racism and coloniality in the delegitimization of non-Eurocentric artistic and historiographic perspectives. The objective is to reflect on how an Afro-decolonial aesthetics can shed light to the field of the arts surpasses colonial ties. Therefore the analysis of some contemporary works, with the aim of to understanding how their narrative procedures rework the memory of the violence historically addressed to black bodies and their modes of resistance, as well as for the constitution of a racialized visuality.

Breve crítica de arte, produzida como resultado da visita à 30a Bienal de São Paulo, promovida pelo Colegiado de Artes Visuais da Universidade Federal do Recôncavo da Bahia e mediada pelos professores Dilson Midlej e Antonio Carlos Portela. Realizado para a avaliação do módulo “Crítica de Arte”, do componente CAH 582 Teoria, Curadoria e Crítica de Arte, Semestre V, 2012.

Crítica de Arte:
VOLUNTAD MÁS ALLÁ DE LA PIEL EN LUCIAN FREUD
Considerado el maestro por excelencia del retrato realista moderno, Lucian Freud (1922-2011) no solo celebró mediante su obra de manera franca e irreverente la forma humana sino que, también, por su enfoque enérgico y físico marcó un hito que raramente ha sido visto después de él en la escena artística.
El crítico de arte, Juan Carlos Flores Zúñiga, ofrece en Ars Kriterion E-Zine un retrato sobre este introvertido y reclusivo artista y la vulnerabilidad humana que explotó con base en la muestra de su obra "Vidas Verdaderas" expuesta actualmente en el Tate Liverpool, Inglaterra.

“Lenguaje sucio” es una antología en dos tomos, coordinada por el crítico cubano, radicado en Madrid, André Isaac Santana, que reúne textos críticos y ensayos sobre arte cubano contemporáneo, firmados por distintas voces dentro y fuera de la Isla. En este primer volumen fueron incluidos dos artículos de mi autoría, publicados originalmente en “Galería 305” de El Nuevo Herald. En el índice podrán ver al resto de los colaboradores (coautores).

“Francisco Masó: el indiscreto uniforme de la vigilancia”, aborda una curiosa variante del abstraccionismo  geométrico, utilizado por el artista para denunciar a los cuerpos represivos del Estado cubano, inspirándose en ciertos patrones textiles, que son recurrentes en la ropa de estas fuerzas como advertencia útil para la población civil. Estamos frente a un arte político y de resistencia, que decodifica los mecanismos de control y poniéndolos al servicio de la sociedad desde la pintura.

“Gory, el color de la distancia”, por su parte, es un artículo panorámico, que revisita la producción simbólica del fotógrafo cubano Rogelio López Marín (Gory), a partir de una exposición personal retrospectiva, que se exhibió en Miami en 2015. El artículo recoge testimonios del artista, analiza piezas claves de su repertorio, su trabajo en el exilio y polemiza sobre el tema migratorio, entre otros asuntos.

Vasili Kandinsky (1866-1944), precursor del arte abstracto lírico, liberó a la pintura de su dependencia del mundo natural, pero se convirtió en el proceso en un marginado que dedicó su carrera a profundizar en la abstracción para comunicar la "necesidad interior" del artista por un arte espiritual transformador.
El crítico de arte, Juan Carlos Flores Zúñiga, explica en su nueva crítica para Ars Kriterion E-Zine sobre la última retrospectiva de su producción en el Museo Guggenheim de Bilbao, España, que la propuesta emocional y espiritual de Kandinsky es el resultado de la alienación y su lucha por el alma en un mundo materialista.

Adalice Araújo (1931-2012) foi a mais importante crítica e historiadora da arte do Paraná, e a maior conhecedora da arte paranaense. Ao longo de décadas, lançou inúmeros artistas, formou gerações de críticos, dirigiu museus, sacudiu a cena local. E lutou incessantemente, como pesquisadora e arquivista, pela preservação da arte do Estado. Foi uma luta pela memória. Uma luta, contudo, que logo revelou seu impasse: uma super-memória marcada, de um lado, pela obsessão pelo presente, e de outro, pelo furor de arquivo. Por muitos anos, Adalice dedicou-se a inventariar, narrar e defender cada átomo da arte paranaense. E sonhou com a publicação de uma obra definitiva sobre o tema. Veremos um pouco dessa história, que será também um pretexto para percorrermos uma trajetória de vida. Abrirei o texto com uma querela: é a ponta de um iceberg. Para ambientá-la, recuaremos em seguida aos anos de formação de Adalice. Depois conheceremos seu período mais ativo, quando dominou o campo crítico e historiográfico do Paraná. E finalizaremos – se é que isso é possível – com uma história sem fim.

Este libro, con selección de textos e introducción de Rubens Riol y prólogo de Francisco López Sacha, rinde homenaje al intelectual cubano años después de su desaparición física. Se trata de una valoración múltiple, de diversos autores a propósito de la obra de Rufo Caballero (1966-2011), uno de los críticos de arte y de cine más polémicos y brillantes durante los últimos 20 años en Cuba. Esta compilación recoge los mejores acercamientos, tanto a su obra literaria como a su desempeño en los medios audiovisuales; información que aparecía diseminada en innumerables publicaciones. El volumen incluye además valiosas imágenes de archivo que ilustran la trayectoria del escritor, junto a celebridades como Gabriel García Márquez, Roberto Fernández Retamar, Pedro Almodóvar, entre otros.

El libro cuenta con testimonios de intelectuales cubanos como Julio García Espinosa, Rafael Acosta de Arriba, Alberto Garrandés, Tomás Piard, Eduardo del Llano, Frank Padrón, Joel del Río, Mario Masvidal, Rafael Hernández, Abel Sierra Madero, Gina Picart, Juan Antonio García Borrero, Arturo Arango, Arturo Sotto, Orlando Cruzata, José Alberto Lezcano, Duanel Díaz, Alberto Abreu, Píter Ortega, Jorge Yglesias, Désirée Díaz, Gabriel Caparó, Mabel Machado, Elizabeth Díaz, Alberto Acosta Pérez, Mayra Sánchez Medina, Taylí R. Zúñiga, Jorge Luis Llópiz Cudel, Rolando Mesa, Suset Sánchez, Yelsy Hernández y Hamlet Fernández.

«Rufo Caballero encarnó la agudeza, el juicio frontal y el sentido del humor (pura gracia criolla). La profundidad de sus análisis era desconcertante y provocadora. Su escritura era sensual, enjundiosa, chispeante. Manejó la semiótica, la narratología y el psicoanálisis como principales herramientas. Poseía una inteligencia peligrosa, y seguía con fiereza su intuición crítica, que en ocasiones lo llevó al borde del abismo».

"This paper tracks Walter Benjamin' s conception of art criticism
as it appears in his early work, discussing with the readings that emphasize the continuities among the most important texts of that period and showing, instead, the discontinuities. We deal with the fluctuations of his thought concerning several problems, as the justification of the appriopriateness of art criticism in relation to its object, the kind of connection between art works and conceptual thought and the clarification of the foundations of the historical character of the art works. The hypothesis proposed is that his conception of knowledge as redeeming guides the changes of the concept of criticism."

¿Cual es el propósito del coleccionismo estatal en las artes visuales?  En una era de cambios incesantes en el entorno sociocultural, en general, y en las artes visuales en lo particular, la respuesta a la pregunta ha sido pobremente articulada por coleccionistas públicos y privados, historiadores, curadores y políticos que han creado una narrativa disfuncional que poco o nada contribuye a los prometidos procesos de "construcción de identidades y reflejo de la sociedad". 
Una de las razones, ha sido el silencio de la crítica de arte que además ha sido ignorada deliberadamente en los programas de adquisiciones, donaciones artísticas, sistemas de premiación y políticas estatales. 
El crítico de arte, Juan Carlos Flores Zúñiga, se ocupa en Ars Kriterion E-Zine de desmitificar el coleccionismo estatal exponiendo su reciente estrategia de "recuperar y reimaginar" como una narrativa para acopiar sin mayor criterio la producción artística nacional y foránea para cobijarla bajo un manto curatorial que la preserve y consagre acríticamente.

O presente livro debruça-se sobre o pensamento estético de Theodor W. Adorno (1903-1969) e procura esclarecer aquele que é porventura o seu desafio mais decisivo: a captação e a exploração críticas do «teor de verdade» de obras de arte. Que a verdade da arte, segundo Adorno – para quem esta questão se declina no singular, em torno de obras de arte concretas –, seja inseparável do seu potencial crítico, da sua negatividade, é insofismável. Contudo, este potencial – de que não seria possível dar conta abstraindo da imanência dos processos artísticos – revela-se irredutível aos ditames de uma arte explicitamente política.

Na esteira da insistência de Adorno na tese de que o potencial crítico e a autonomia da arte não se contradizem, a dialéctica entre verdade e aparência ocupou um lugar central na recepção da estética adorniana. Nos termos dessa dialéctica, a arte seria crítica não só na medida em que certas obras de arte exibem a negatividade do real, mas também por nelas despontar o que no meio da aparência artística escapa a essa mesma negatividade. O «teor de verdade» seria então a «aparência do não-aparente», que mais não seria do que a aparência da reconciliação de contradições históricas e sociais que atravessam tanto o plano do real quanto a esfera das artes. Ora, é para desequilibrar esta dialéctica entre verdade e aparência – e, por conseguinte, para impedir que a pesquisa de Adorno seja confundida com uma estética utópica enquadrada por uma filosofia da reconciliação – que se deslocará a atenção para o conceito de enigma.

Segundo a hipótese que norteia este ensaio, o «teor de verdade» de obras de arte jogar-se-ia no facto de estas resistirem à interpretação em virtude do seu «carácter enigmático». Em vários casos – nomeadamente nos estudos dedicados a Beethoven, Kafka, Hölderlin, Beckett e Mahler – o âmago da estética adorniana residiria no desdobramento dos efeitos críticos de um tal confronto com o «enigmático». Seguindo por vias menos trilhadas na estética de Adorno, dir-se-á que a arte não se limita a denunciar o real – sob a figura do «protesto» – ou a antecipar um outro real por vir – sob a figura da «utopia» – mas, enquanto «enigma», lança a razão numa crise de compreensão que perturba a inteligibilidade do real e, consequentemente, desloca as condições da sua possível transformação. Chega-se assim à hipótese, na qual se joga quer a singularidade quer a actualidade da proposta de Adorno, segundo a qual o seu pensamento estético constitui, a despeito da sua suposta ancoragem nas heranças filosóficas associadas aos conceitos de belo e de sublime, uma «estética do enigmático».

Luego de sus primeros cincuenta años de existencia, la crítica musical llega en Caracas a una etapa definitivamente madura. Este período no sólo se caracteriza por una vida menos efímera de los medios hemerográficos de vocación cultural, sino por la presencia de profesionales de la crítica, de cuya preparación musical no se tiene hoy ninguna duda. Esa crítica, en respuesta a las necesidades del medio social que le dio vida, y de conformidad a una costumbre arraigada desde los primeros cincuenta años de ejercicio, se ejerce de manera amplia, de modo que no se queda en lo estrictamente técnico de la creación e interpretación musical (cosa que tampoco evade), sino que opina, cuestiona y forma opinión en torno a los más diversos asuntos que atañen a la cultura musical; a saber: las ideas estéticas venidas de las vanguardias europeas de fines del siglo XIX y principios del XX; la políticas culturales del Estado venezolano en materia de música; la conducta que deben seguir los ciudadanos al visitar los teatros públicos; el cultivo de lo nacional en la música, así como la promoción de la nuevas figuras del arte patrio; la crítica de la crítica, etc.

Trabalho final da disciplina de Crítica de Arte do curso superior de Artes Visuais da Universidade Federal de Minas Gerais. A pintura analisada pertence ao acervo do Museu Mineiro, em Belo Horizonte, e foi adquirida por doação do próprio artista um ano após a sua produção.

El trabajo consiste en una Sistematización de Experiencia Profesional de los años 2008 al 2012. Inicia con una relatoría sobre intereses académicos que me llevaron a estudios en Historia del Arte.
En el segundo apartado, dedicado a los Servicios Educativos en Museos, se recuperan diferentes conceptos y metodologías de la práctica educativa, al tiempo que se realiza esta lectura a la luz del trabajo realizado en el Centro Cultural Clavijero (Morelia, Michoacán).
El apartado tercero se construye vinculando la práctica de la mediación y la crítica de arte, a partir de experiencias y textos publicados en la columna de opinión 'Mir(í)ada' en el Diario Cambio de Michoacán, Suplemento 'Letras de Cambio'. La selección de textos se organiza en las siguientes categorías: exposiciones individuales, colectivas, certámenes estatales, infraestructura cultural y arte público, exposiciones fuera de Michoacán, y otros. Cada categoría incluye una conceptualización a manera de introducción.
El cuarto apartado es una referencia a labores realizadas en el CDIA-SECUM y textos producidos para exposiciones.

O presente trabalho apresenta um estudo de caso sobre os discursos da crítica de arte a respeito das gravuras de Renina Katz. A produção analisada, composta por xilogravuras e linoleogravuras, corresponde aos anos de 1948 a 1956, período em que a artista se dedicou à temática social, marcada pelas representações das figuras de camponeses, retirantes e favelados. Posteriormente, tais séries foram organizadas e compiladas na publicação do álbum Antologia Gráfica (1977), editado cerca de duas décadas após a produção das matrizes, que teve o importante papel de resgatar a produção da juventude
da artista e reinseri-la no circuito comercial e artístico. Desse modo, tendo por base tal publicação, este trabalho buscará apresentar um estudo centrado na singularidade das primeiras produções de Renina Katz, no delinear de sua trajetória, mas também a recepção crítica que seu trabalho recebeu na década 1950.

El crítico de arte, autor, profesor universitario y coach en liderazgo, Magister Juan Carlos Flores Zúñiga (Heredia, n. 1958) cumplió cuatro décadas de hacer crítica de artes visuales dentro y fuera de Costa Rica. Graduado a nivel de maestría en comunicación y lenguaje, empezó a escribir en 1976 en el Semanario Universidad, de donde pasó a Radio Nacional, Canal 7, Radio Monumental, luego al matutino La Nación y finalmente a la E-Zine Ars Kriterion que edita.
Ha escrito para revistas nacionales y extranjeras y publicado cuatro obras en artes visuales contemporáneas y centenares de artículos de crítica de artes visuales.  Es directivo internacional de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) basada en París, Francia y presidente del Círculo de Críticos de las Artes de Costa Rica.
El poeta, semiólogo y crítico de arte, Emmanuel Calvo Canossa, lo entrevistó sobre su carrera profesional, sus experiencias como crítico de arte, el medio cultural latinoamericano y su papel al frente del Círculo de Críticos de las Artes de Costa Rica que cofundó en 1986.

RESUMO: Álvaro de Campos é, no plano dramático do heteronimismo pessoano, a figura cujo pensamento mais se aproxima das reflexões artísticas do próprio Fernando Pessoa. Ambos, junto com outro heterônimo – António Mora – assinam textos em prosa que procuram definir a natureza de diversas manifestações artísticas: Literatura, Artes Plásticas e, sobretudo, Música. Tais escritos são coligidos, desde a primeira metade do século XX, pela crítica literária pessoanista, em suas diversas variantes: Páginas de Doutrina Estética (1946), Páginas de Estética e de Teoria e Crítica Literárias (1973), Ideias Estéticas (1974), Estética, Teoria e História da Literatura (1986). Tratam-se de textos que, numa segunda instância, preocupam-se em responder questões em torno da essência das Artes, do mesmo modo como fazem a poesia ortônima e a poesia heterônima de Campos. Solicitamos, nessa comunicação, as ideias estéticas de Campos-Pessoa-Mora, o pensamento de Walter Benjamin (2011, 2013) e os juízos de Theodor Adorno (2008) para examinar como a “Ode Marcial”, de Álvaro de Campos pode se configurar, numa primeira instância, como proposição teórica sobre o lugar da Música no seu próprio paradigma poético, cumprindo, desta maneira, a compreensão benjaminiana-adorniana de que obras de arte da modernidade são artefatos crítico-reflexivos e responsivos à própria arte.
PALAVRAS-CHAVE: Álvaro de Campos. Estética. Poética. Música. Crítica de Arte.

ISBN: 978-65-89821-09-0

RESUMEN Este trabajo se centra en una "constelación" de intelectuales argentinos de horizontes inevitablemente eurocentricos que, mediante la propia contribución ofrecida en la revista Sur (1931-1992) a través de ensayos sobre crítica de arte, intentan comprender las dificultades del momento artístico local. Con el inicio de una secuencia de eventos, se propone una reflexión que entiende el cine y la arquitectura como un "espacio pedagógico". Por medio del análisis y la interpretación del papel cultural de Victoria Ocampo (Buenos Aires 1890-1979) y la "herramienta-revista" Sur, se presentan una serie de eventos y estrategias unidos por un fil rouge orientado a crear la unidad cultural argentina; desde el apoyo personal y privado, brindado a Le Corbusier durante su viaje por Argentina y el proyecto documental que inicia en el marco del cine sovietico de Sergej Ėjzenštejn hasta abarcar el neorrealismo italiano de Vittorio De Sica y Cesare Zavattini. El enfoque en Ocampo, escritora, mecenas y directora de Sur, lleva el análisis crítico al marco moderno de los estudios de género, abriendo-a la cultura y sociedad argentina de los años en cuestión-un panorama de ideas complejo y fructífero, respecto al horizonte de desarrollo del propio patrimonio cultural.

Antología de críticas y ensayos sobre arte cubano y de otras latitudes, publicados por Rubens Riol entre 2005 y 2017, a propósito de exhibiciones acontecidas en La Habana, Miami y Nueva York, con la cual celebra 12 años de carrera periodística. Con prólogos y valoraciones de eminentes críticos cubanos dentro y fuera de la Isla, como Rafael Acosta de Arriba, Andrés Isaac Santana, Suset Sánchez, Janet Batet y Píter Ortega, el volumen ―dividido en 6 capítulos― incluye análisis sobre temas candentes, entre ellos: la representación del cuerpo desnudo, las tensiones entre arte y política, el paisaje en sus diversas variantes genéricas, así como la función social de la crítica, monografías de artistas célebres y un curioso panorama de estéticas insólitas.

«Se trata de un libro fino, urgente, polémico, visceral, catártico, lleno de exorcismos, riesgos y provocaciones. Así describiría, modestamente, mi primera contribución a la historiografía del arte cubano, ha señalado el autor».

FREITAS, Artur. Opacidade e transparência em Antonio Arney. In: MORAES, Giselle de (Org.). Comparação de Valores: Antonio Arney. São Paulo: Intermeios, 2019.

À primeira vista, as obras de Antonio Arney consistem na tensão deliberada entre a mentalidade projetual, de vocação construtiva, rigorosa, e a paixão incorrigível pela matéria bruta e deteriorada. Nesse registro, vemos que a estrutura planejada e invariavelmente cuidadosa de suas obras, baseada no arranjo de áreas geométricas simples, não oblitera, todavia, a atenção concedida à memória dos objetos. Entretanto, a tensão entre geometria e matéria é somente o sintoma mais evidente de uma questão primeira, de ordem geral, a qual eu gostaria de comentar. Em linhas gerais, a poética de Arney guarda em seu núcleo um determinado regime de visibilidade que consiste na relação deliberada entre transparência e opacidade. Central na história da pintura, tal regime, como se verá, pressupõe a interação, por vezes conflituosa, entre dois modelos ou teorias do visível.

RESUMO: Este trabalho focaliza o artista que é considerado por alguns estudiosos como o mais influente do século xx, e tem como objetivo compreender esse revolucionário e a revolução que ajudou a desencadear. A fim de proporcionar a visualização do contexto artístico da época, pretendeu reconstruir o cenário no qual marcel duchamp viveu e atuou, além de revisitar suas influências e motivações. Valeu-se do método dialético e da pesquisa bibliográfica para cotejar o que dizem alguns dos admiradores e dos antagonistas do homem que mudou a forma de se pensar e de se fazer arte na atualidade. Os resultados demonstraram que estabelecer um contato próximo com o pensamento e as ideias do homem marcel foi fundamental para colher os subsídios que permitiram desvelar o mito duchamp. PALAVRAS-CHAVE: Marcel Duchamp. Trajetória. História Social da Arte. Arte Moderna. Ready-made. ABSTRACT: This paper focuses on the artist who is regarded by some scholars as the most influential of the twentieth century, and aims to understand this revolutionary and the revolution he helped unleash. In order to provide visualization of the artistic context of the time, sought to reconstruct the scene in which Marcel Duchamp lived and worked, and revisit their influences and motivations. It was worth to the dialectical method and bibliographic research to collate what some of admirers and antagonists of the man who changed the way of thinking and doing art today. The results showed that establish close contact with the thoughts and ideas of man Marcel was crucial to reap the benefits that helped to uncover the myth Duchamp. KEYWORDS: Marcel Duchamp. Trajectory. Social History of Art. Modern Art. Ready-made. Introdução Uma leitura atenta da história permite perceber que a arte, desde os primeiros registros feitos pelo homem nas cavernas do Paleolítico, sempre esteve atrelada a certos princípios de

¿Cómo dar cuenta de la diversidad de factores que, en el México de los años noventa, determinó el desplazamiento de una manera de hacer arte que se llamó neomexicanismo a otra vinculada con el arte-objeto-conceptual? ¿De qué modo se articularía esta nueva modalidad artística con el progresivo abandono de marcos de sentido nacionales, a favor de relatos que ya no buscaban inscribir las obras en el terreno de lo geográfico, sino en el horizonte de lo contemporáneo?
El cubo de Rubik. Arte mexicano en los años noventa, de Daniel Montero (2014), analiza de qué manera se concatenaron varios fenómenos ocurridos en la escena artística mexicana para transformar el campo local del arte a partir de la redefinición tanto de lo artístico como de las formas de producción plástica y narrativa. Los diversos frentes que analiza Montero (los múltiples lados del cubo de Rubik) esbozan la configuración de una zona en la que lo artístico es también política y economía.

Em 1515, Albrecht Dürer realizou desenho e gravura daquela que logo se tornou uma
das imagens mais impactantes e longevas da história da arte. Baseado em descrições, o artista desenhou aquilo que nunca viu: um rinoceronte. Impressiona até os dias de hoje o impacto que essa imagem de segunda mão teve, considerando-se o fato de o artista não ter tido acesso à imagem direta de um rinoceronte. A criação foi determinada, portanto, por descrições, pela disposição imaginativa do artista e sua incansável pesquisa plástica. O caso é exemplar como metáfora sobre o impacto cada vez maior que as imagens de segunda mão e a realidade virtual tem sobre o cotidiano, inclusive o ensino em tempos de pandemia. Pergunto-me, seguidamente, o quanto nossa habilidade crítica possa estar sofrendo frente a esse distanciamento cada vez maior de percepção direta do mundo. Assim, propomos refletir sobre o lugar da arte e a função da crítica em seu potencial de contribuição para a justiça social. Em nosso entendimento, a justiça social passa necessariamente pelo acesso ao mundo e pelo acesso ao conhecimento. No que tange ao acesso e recepção das produções artísticas, os mesmos podem contribuir para o desenvolvimento de competências críticas, que dependerão da relação dos sujeitos com o universo das palavras, das imagens, mas principalmente pelo acesso ao trânsito incansável entre elas. A crítica como esforço perpétuo nesse trânsito exemplarmente indicado por Alberto Manguel, poderá contribuir para a identificação e compreensão da diferença entre imagens primárias e secundárias; imagens de um mundo apreendido diretamente e daquele apreendido a partir das imagens produzidas por outrem. Essa, por sua vez, distinção necessária em tempos de exacerbamento de nossa relação com o mundo através de realidades e meios de comunicação virtuais.
Palavras-chave: Crítica de Arte; Imagens; Relação Palavra-imagem.
ISBN 978-65-87783-02-4

O artigo investiga como o método de crítica de arte de Gilda de Mello e Souza (1919-2005) se articula com a hermenêutica filosófica de Hans-Georg Gadamer, a partir de aproximação feita por Bento Prado Júnior em “Entre o Narciso e o colecionador ou o ponto cego do criador”, publicado em 2006 na Revista do IEB. Associado, conforme a própria Mello e Souza, à iconologia da Escola de Warburg, em especial a Erwin Panofsky e Ernst Gombrich, seu método possui um sentido filosófico que, muitas vezes, passou desapercebido por trás de um estilo aparentemente despretensioso, como ressalta Prado Júnior. Assim, procuramos mostrar que o estilo da professora de Estética da USP possui afinidade com o “diálogo” proposto por Gadamer como método das ciências humanas, em especial para a interpretação da obra de arte.

Este artículo, basado en la teoría de la “ontología aplicada” de Roger Pouivet, estudia el efecto de las cajas de jabón Brillo de Warhol, una obra que no pudo convencer al mundo del arte, en su estreno, de ser aceptada como obra de arte. Nos esforzamos por responder a dos preguntas: en la era contemporánea, ¿Qué criterios estéticos convierten una obra hecha por el hombre en una obra de arte? Y a partir de la teoría de la “ontología aplicada” de Pouivete, ¿Cómo se considera una obra de arte contemporánea como símbolo personal del artista y cómo se perciben las características estéticas de la obra? Una obra de arte en cualquier estilo, forma y contenido, incluye símbolos contextuales y formales. En la era contemporánea, esto se convierte en una mezcla de símbolos personales y símbolos colectivos, ya conocidos, de una cultura, que juntos juegan un papel definitorio en la creación de la obra de arte. Es decir, una obra será reconocida como obra de arte cuando sea objeto de discusiones entre expertos en arte, incluso sin necesidad de llegar a un consenso.

"Los colores del ánimo" (Detras del Muro Ediciones, 2015) es una antología de textos críticos sobre arte cubano contemporáneo de la filósofa y curadora independiente Elvia Rosa Castro. El volumen analiza problemáticas generales del arte e incluye ensayos monográficos sobre artistas emergentes, así como entrevista a la propia autora. Es un libro útil en referencias para estudiosos del arte cubano actual.

Resumo O crítico de arte Mário Pedrosa destacou-se, entre o final de década de 1940 e o início da década de 1950, ao contribuir para a formação de um núcleo de arte concreta no Rio de Janeiro, juntamente com o artista e professor Ivan Serpa. Enquanto Serpa reuniu esses artistas em suas aulas de pintura, debatendo os trabalhos que eram ali apresentados, Pedrosa fez de sua casa um espaço para apresentar as ideias que estava desenvolvendo em sua tese sobre a percepção da forma na obra de arte. O objetivo deste trabalho é analisar o papel ocupado por Pedrosa na construção de um projeto artístico, em relação àquele desempenhado por Serpa, atuando como mediador em diversos níveis: apresentando os novos artistas ao público na condição de crítico, e atuando como um “teórico” no interior de um grupo de artistas.

Los excesos cometidos en el arte contemporáneo lo han llevado a un estado de anarquía y confusión. Diferentes autores proclaman el postarte, el antiarte y, en el peor de los casos, la muerte del arte. Algunos lo proponen apocalípticamente. Arthur Danto argumenta que el fin del arte no significa que no se produzca más, sino que se hace sin ningún tipo de narrativa que pueda ser considerada como la etapa siguiente. No hay un estilo identificable. No hay un periodo estilístico.

APRESENTAÇÃO DO VOLUME:
Se no Volume I de “Acervo: outras abordagens” foram reunidos
textos sobre obras pertencentes ao acervo do MAC USP escritos por
pesquisadores que então atuavam como estudantes de Programas de
Pós-Graduação na Universidade de São Paulo, este Volume II reúne
outro tipo de autores. Aqui, para discutirem obras das coleções do
Museu por eles escolhidas, foram convidados estudiosos de várias
gerações, alguns já com merecido protagonismo na cena artística brasileira
e outros em talentoso início de carreira.
A ideia central deste Volume é propiciar ao leitor interessado um
panorama das obras pertencentes ao Museu, a partir de escolhas e
abordagens originais. De maneira geral, os verbetes que se seguem
sublinham as mais importantes tendências do acervo, revendo obras
de artistas fundamentais para o Museu, como Boccioni e Tarsila do
Amaral, e apresentando novas aquisições de obras de artistas ainda em
processo de emersão na cena brasileira e internacional, como Jonathas
de Andrade e Albano Afonso. Os verbetes aqui selecionados acabam
por demonstrar não apenas a significação do acervo do MAC USP, mas,
igualmente, a sofisticação alcançada pela crítica de arte atual.
Os coordenadores deste Volume agradecem aos autores que aceitaram
participar graciosamente deste projeto que ora se concretiza.

Recognized for his extensive and award-winning poetry production, Lindolf Bell (1938-1998) also worked intensively as a curator, gallery owner and art critic, while affiliated to ABCA and ICLA. Bell worked mainly in the city of Blumenau, municipality of the State of Santa Catarina, exercising art criticism as a columnist in newspapers such as Jornal de Santa Catarina, where, for more than 10 years, he delivered weekly articles which are the central object of this investigation, that aims to identify his critical profile. Central issues in his critical exercise are a practice that recognizes and problematizes the relationship between the local, Blumenau; and a project to promote, enhance and professionalize the arts considered in relation to their history and avant-garde movements. In this sense, Bell’s critical exercise configures itself as a “possible criticism”, attentive to the recurring tension between the local reality and the broader context of modern and contemporary artistic systems.
Keywords: Lindolf Bell. Art Critique in Brasil. Art in the State of Santa Catarina. Blumenau.
ISBN 978-65-87783-00-0

El tipo de Estado dominante en Colombia en el siglo XX resultante del proceso político del siglo XIX, buscó asimilar, atenuando, la ideología de la modernidad que se iba gestando en el contexto internacional, para lo cual fomentaron un doble discurso sobre la identidad colombiana: una política externa “moderna” y una política interna de rasgos rurales y semifeudales. Artistas e intelectuales sintieron y representaron las consecuencias de esa paradoja.

"El peso de una isla en el amor de un pueblo" (2005) es una antología personal del crítico de arte y curador cubano, Píter Ortega, que aborda las poéticas de artistas de diferentes generaciones desde la reseña y el ensayo monográfico: Wilfredo Prieto, Carlos Martiel Delgado, Andrés Serrano, Rocío García, Juan Roberto Diago, Carlos Ernesto García, Jorge Santos Marcos, Lidzie Alvisa, Dionel Delgado, Joel Corrales o el grupo Stainless, entre otros. El volumen no solo analiza exhibiciones realizadas en Miami o Nueva York, sino otros temas de actualidad como el reguetón.