Documentário

Este trabalho parte de uma análise reflexiva sobre o documentário: dividida em duas partes, uma primeira parte historiográfica e desconstrutiva focada nas décadas de 1920-1930, em que, à luz de uma bibliografia recente sobre o tema, abordamos e problematizamos a configuração do gênero discursivo “documentário” como herança colonialista, como vanguarda modernista e como aparelho de estado, inscrevendo neste mapa, ao fim, dois pioneiros brasileiros esquecidos; na segunda parte, destinada ao documentário contemporâneo, fazemos uma cartografia que circunscreve nossas eleições afetivas dentro do documentário contemporâneo brasileiro, passando à análise de um filme em específico – As Hipermulheres (2011), que incorpora e responde, acredito, em grande medida à problemática e os questionamentos anteriores sobre o documentário no sentido estético e político.

5 Casas, de Bruno Gularte Barreto,  traz personagens muito diferentes uns dos outros. Da professora, passando pela freira, ao gay. O que mais dá certo no filme é como o roteiro e a montagem passam de um para outro e como, no conjunto, funcionam como  uma só unidade a dar sentido à principal história contada, a da infância de perdas do protagonista.

O presente artigo tem como objetivo analisar brevemente os documentários televisivos cujo tema central seja a questão do Jesus Histórico. Para isso, foi escolhido previamente um filme dentre os muitos existentes ("A Vida Desconhecida de Jesus", produzido pelo canal Discovery Channel), a fim de se fazer um estudo de caso. Nos dias de hoje, tais películas são transmitidas em diversas mídias, o que tem facilitado cada vez mais o acesso da população ao tal gênero cinematográfico. Dessa forma, essa análise será realizada com foco sobretudo no discurso proposto pelo filme e como a produção se utiliza de diversas ferramentas-tanto audiovisuais quanto acadêmicas-visando o convencimento do espectador acerca de determinado ponto de vista. Tal estudo faz parte da pesquisa de Mestrado da autora.

Resumo: O artigo traz apontamentos metodológicos para a realização de análise fílmica de documentários. A partir da elaboração de eixos analíticos para uma pesquisa de mestrado, buscamos elucidar o caminho percorrido de modo a dar perspectivas de como elaborar categorias de análise para quem busca aplicar a metodologia, já que a análise fílmica é interpretativa, não possuindo um caminho único a ser percorrido.

Abstract: The article presents methodological notes for the realization of the documentary film analysis. With the development the analytical axes for a research of Master, we seek to elucidate the route followed to give perspective about the elaboration of analysis categories for those seeking to apply the methodology, since the film analysis is interpretative, not having a single way to be explored.

A agência Ogilvy Brasil foi responsável por criar dois casos de publicidade compartilháveis: a campanha Retratos da Real Beleza (Real Beauty Sketches), da marca Dove, que se tornou o vídeo publicitário mais assistido na história do YouTube, superando 164 milhões de acessos e a campanha Ame de Novo, da marca Petz, que ultrapassou 5 milhões de visualizações nas redes sociais, em sua página do Facebook foram mais de 7 mil comentários e 62 mil compartilhamentos da peça. A estética do documentário é facilmente reconhecida em ambos os vídeos, e apesar de serem de segmentos diferentes, os casos levantados neste estudo tiveram certo sucesso de compartilhamento e divulgação de seus posicionamentos para os consumidores. Desta forma, o presente artigo propôs uma análise comparativa dos dois vídeos para que semelhanças e diferenças pudessem ser observadas.

O presente trabalho busca delinear as polifonias existentes na construção da personagem
Elena, no documentário “Elena” (2012), dirigido por sua irmã, Petra Costa. No filme,
Petra busca construir o sujeito representativo Elena, retomando alguns caminhos feitos
pela irmã, e também por meio de entrevistas de amigos e familiares; imagens de arquivo
de peças teatrais e apresentações de danças; imagens de arquivo feitas pela família e por
Elena, quando Petra ainda era criança e áudio-cartas que Elena enviava à família, quando
morava em Nova Iorque. Nesse ínterim, os próprios sentidos sobre si mesma são
modificados na constituição do sujeito Petra. Bakhtin delimita o conceito de polifonia ao
analisar, dentre outras, a obra de Dostoievski. Nessa delimitação, o autor entende que os
sujeitos se constituem na e pela interação de diversos discursos, que por sua vez, são
compostos por uma polifonia de outros discursos. Sendo assim, o conceito em si diz
respeito a essa multiplicidade de vozes presentes na construção de sentidos; para o
presente artigo, iremos abordar a polifonia na construção de personagem no documentário
em questão. No filme, não só a voz de Elena, de amigos e de familiares, mas a própria
voz de Petra, como diretora, é uma voz complementar de diálogo polifônico entre
personagem, a forma de Elena e o espectador. Sendo assim, os sentidos sobre quem é
Elena nunca se fecham. Em suma, o objetivo do artigo é identificar essas polifonias
apresentadas nas tecnologias utilizadas na composição da personagem Elena. Para isso,
será realizada análise das áudio-cartas deixadas por Elena, refletindo também como Petra
escolhe utilizá-las na composição fílmica. Além disso, pretende-se pensar a própria
polifonia do espectador, gerada a partir da sensibilização dos olhares nas diversas
posições estéticas.

O livro estrutura-se em três capítulos: “O webdocumentário: Cinema e novas lógicas de produção cultural”,
que discute o ambiente que possibilitou o surgimento dos webdocs; “Duas décadas de webdocs – cartografias
possíveis”, analisa os dados coletados na amostra e identifica as principais características do gênero
na primeira (2002-2011) e segunda (2012-2020) décadas do gênero e,, “O webdoc e as narrativas em paralaxe”,
que pretende conceituar narrativa em paralaxe e apresentar uma primeira tipologia.
Além desta introdução e de algumas considerações finais, procurou-se apresentar uma lista de webdocumentários
que poderá subsidiar novas pesquisas.
O intuito, portanto, é o de contribuir, em alguma medida, para os estudos acerca das novas linguagens
audiovisuais e seus desdobramentos, tanto para o campo da realização quanto para a perspectiva crítico/
educativa que a produção de conteúdo digital deve/pr

O objetivo deste artigo é discutir o papel central da Banda Sonora na construção de sentido e na compreensão da violência institucional retratada no documentário Titicut Follies (1967), de Frederick Wiseman. Primeiramente, discutiremos o contexto de produção do filme e sua
exclusão do circuito cinematográfico por razões éticas e políticas. A seguir, analisaremos a banda sonora do filme tendo como referência as categorias sonoras e suas funções
identificadas pelos teóricos Michel Chion e Johnny Wingstedt, focalizando o papel determinante da banda sonora sobre a montagem do filme e seu papel no delineamento da violência presente na Instituição Mental de Bridgewater. Após, discutiremos a poética e a ética da representação no Cinema Direto, observando como Titicut Follies desconstrói os princípios daquele cinema e delineia outra forma de construção de sentido e outra ética através do uso de sua banda sonora.

Tendo em vista o indiscutível apagamento da comunidade bissexual na sociedade contemporânea, esse artigo busca abordar o tema da bissexualidade analisando como se dá a sua representação social e quais preconceitos e estereótipos enfrenta neste enquadramento. O intuito é de apresentar informações sobre a invisibilidade, os estereótipos, a representação no audiovisual e as diferenças enxergadas no recorte de gênero para melhor compreender e fortalecer o discurso em defesa dessa sexualidade que vê-se muito marginalizada tanto na sociedade heterossexual hegemônica quanto na própria comunidade LGBT+.

Neste trabalho é apresentada uma pesquisa original: a revisão da categoria complexa do Realismo na Teoria do Cinema, a partir de novas matrizes filosóficas (Jacob von Uexküll e a Teoria do Umwelt / Universo Subjetivo; a Teoria do Conhecimento; a Semiótica e a Metafísica Realista de Charles Sanders Peirce; o Cognitivismo no Cinema; a Teoria da Amostragem, no âmbito da Teoria Matemática da Informação de Shannon e Weaver). Ressalte-se também a contribuição do autor na revisão bibliográfica, fazendo um balanço das Teorias do Cinema (Bazin, Krakauer, Arnheim, Eisenstein, Munsterberg, Metz, Baudry, etc.). Uma análise das tecnologias fotoquímicas e eletrônicas, analógicas e digitais, também é desenvolvida, demonstrando sua adequação à representação da Realidade. Estes pressupostos servem como ponto de partida para uma reafirmação da Tradição Documentária. Assim, uma nova Teoria Realista do Documentário torna-se possível, restituindo e fundamentando o potencial do documentário, como forma legítima de investigação a respeito da realidade do mundo. Trata-se de um texto instigante e aberto ao conhecimento puro ao nos apresentar a competência semiótica dos filmes documentários.

O podcast é uma mídia que permite a distribuição de informação em áudio por demanda. Em sintonia com as mudanças nas relações de poder do consumidor na era digital, o indivíduo é livre para consumir o conteúdo quando, onde e no dispositivo que desejar. O propósito deste trabalho é analisar um dos gêneros presentes nessa mídia: os programas não ficcionais de longo formato e alta produção, como documentários ou reportagens especiais em áudio. São variadas as possibilidades, mas, no geral, o objetivo é combinar informação e credibilidade jornalística com formas criativas e doses de subjetividade. Aproveitando­se dos recursos do áudio e de mecanismos de storytelling, realiza­se uma abordagem acessível, porém, não superficial de um assunto ou história, que pode ou não ser também voltada ao entretenimento. Existente em rádios de países do hemisfério norte há décadas, o modelo foi para o podcast e crescia estavelmente. Serial, um programa americano do tipo lançado em 2014, obteve enorme sucesso e, combinado a outros fatores, ajudou a alterar o cenário da mídia, a começar pelos Estados Unidos, onde o podcast passa por um ressurgimento criativo e econômico.

Resumo: Análise do documentário Bixa Travesty (Kiko Goifman e Claudia Priscilla, 2018), centrado na artista multimídia Linn da Quebrada, com participação de Jup do Bairro, a partir da abordagem do queerlombismo. Essa justaposição gera um termo conceitual para pen-sar o cinema negro, no campo do documentário, que elabora artisticamente sua expressão visual e sonora por meio da performatividade artística transexual/travesti. Figurações não identitárias como invenção de mundo negras. Palavras-chave: Bixa Travesty, Linn Da Quebrada, Queerlombismo, documentário.
Abstract: Analysis of the documentary Bixa Travesty (Kiko Goifman and Claudia Priscilla, 2018), centered on the multimedia artist Linn da Quebrada, with the participation of Jup do Bairro, by queerlombismo approach. This juxtaposition generates a conceptual term for thinking black cinema in the field of documentary, which artistically elaborates its visual and sound expression through transsexual / transvestite artistic performativity. Non-identity fig-urations as black world invention.

Anais de Textos Completos do XXIII Encontro SOCINE [recurso eletrônico] / Organização editorial Angela Freire Prysthon... [et al.]. São Paulo: SOCINE, 2020.

A presente tese é o resultado de um estudo sobre os animais não humanos e humanos no contexto do turismo no Pantanal Mato-grossense, desenvolvido na região de Pocóné (MT) e ao longo da rodovia da Transpantaneira. Trata-se de trabalho interdisciplinar que se divide em três pesquisas que trazem em comum o embasamento das teorias dos direitos dos animais e dos estudos animais. O estudo investiga a representação dos animais não humanos na mídia, a partir da análise de conteúdo de documentários audiovisuais, e na publicidade, a partir da metodologia de estudo de caso, de forma a refletir sobre os imaginários construídos a respeito de suas relações com os animais humanos e seu papel nos comportamentos e pontos de vista assumidos por turistas. Utilizando os conceitos da etnografia multiespécies e da Sociologia do Cotidiano, foi realizado, ainda, um trabalho de campo tendo como foco as relações entre os animais humanos e não humanos no turismo do Pantanal Mato-grossense, discutindo os encontros entre espécies e práticas como a ceva e interação física/manipulação. A partir dos dados obtidos foi traçada uma discussão sobre a influência midiática nas formas de consideração que os turistas dedicam aos animais não humanos e sobre a necessidade de políticas públicas que regulamentem de forma efetiva as práticas de observação como a importância da inserção dos animais não humanos na esfera ética da mídia.
Palavras-chave: Estudos animais e mídia. Comunicação e cultura. Documentário. Relações entre animais humanos e não humanos. Turismo. Pantanal mato-grossense.

Este trabalho estuda as representações da cidade de Salvador e de seus habitantes presentes no documentário O Capeta Carybé. Produzido entre 1995 e 1996, e lançado no mercado exibidor no ano de 1997, com roteiro adaptado do livro homônimo de Jorge Amado e dirigido pelo cineasta Agnaldo Siri Azevedo, narra a relação entre o artista plástico Hector Júlio Paride Bernabó, mais conhecido como Carybé, com a cidade de Salvador. Tanto o livro de Jorge Amado quanto as obras plásticas de Carybé não podem ser dissociados da análise do documentário, pois devem ser vistos concomitantemente como linguagens que são retraduzidas para a narrativa fílmica, mas principalmente como representações escrita e artística desses sujeitos históricos e suas temporalidades que foram deslocados ou retraduzidos historicamente para constituir uma visão da cidade de Salvador e de seus habitantes manejados pela lente do cineasta a partir do seu tempo presente. Neste sentido, deslocar ou retraduzir significa ao mesmo tempo captar o modo com as imagens em movimento do cinema são construídas em uma narrativa e descobrir as temporalidades que a engendram, isto é, o documentário como uma película do e no tempo. Para chegar na análise do filme, vamos primeiramente apresentar a inserção de Agnaldo Siri Azevedo na trama social e cultural de Salvador entre os anos 1950 a 1970. Posteriormente, vamos mergulhar em sua produção cinematográfica, identificando seus principais temas e procedimento estético-políticos entre os anos 1960 e 1990. Por último, apresentamos a análise do documentário, onde identificamos as representações construídas por “Siri” a partir do referencial construído por Jorge Amado e Carybé. Percebemos que ambos os artistas desejavam registrar uma memória da cidade do Salvador, compatível com suas experiências, tendo consciência de que as coisas sempre se renovam com o tempo.

Narrazione del dualismo tra Natura e Uomo, che ben esemplifica ciò che la civiltà dell'Uomo rischia di fargli perdere. Narrazione della vita che muta e si trasforma, consumando la natura e le forze vitali di altri esseri per promuovere la propria. Alla scoperta della trilogia "Quatsi" di Godfrey Reggio

MA Thesis
Che Guevara is one of the most popular icons in post-modern culture.
The bereted image of Che gazing at the horizon is the epitome of his
mythological fame and is one of those images people around the world
instantly recognize. Dead at thirty-nine, he has become the face of
youthful rebellion, his image associated with the 1968 uprising and with
political posters. However, as Guevara's image came to be used
commercially, illustrating anything from T-shirts to mugs, one
wonders if there is still any political and historical meaning associated
with it. In fact, several scholars – discussed in the introductory chapter –
have raised the issue of Che's reification, usually with negative
conclusions. I beg to differ. In this Master Thesis, I challenge the idea of
Che Guevara as a frozen and empty image, actualizing it in the sense of
Walter Benjamin, by considering the process of mythologizing Guevara
and by investigating his representation in two biographical movies, The
Motorcycle Diaries (Walter Salles 2004) and El Che: Investigating a
Legend (Maurice Dugowson 1998).
Keywords: Che Guevara; Latin American Cinema; Documentary;
Biopic

Playlist Para conhecer o Rio e a Herança Africana de Zózimo Bulbul
https://open.spotify.com/playlist/4bvlCmsrrWwlCxE6fXu0dD?si=RNP2TaKYQCKt_BKpc2OCSg&utm_source=whatsapp


Resumo: Cineasta e precursor do Cinema Negro no Brasil, Zózimo Bulbul constrói arquivos, registra a memória e retira o véu de uma cidade escondida até então, ao mesmo tempo em que aponta suas potencialidades e dilemas. Este artigo tem como objetivo analisar as histórias contadas por Zózimo Bulbul sobre o Rio de Janeiro e sua herança africana, a partir dos seus curtas-metragens produzidos e dirigidos em um período de vinte e cinco anos e antes da criação do Encontro de Cinema Negro Brasil, África, Caribe e outras diásporas: Aniceto do Império – Em Dia de Alforria? (1981, 11’), Pequena África (2002, 14’), República Tiradentes (2005, 36’), Samba no Trem (2005, 18’) e Zona Carioca do Porto (2006, 28’).


Palavras-chave: Zózimo Bulbul, cineastas negros, Rio de Janeiro, Pequena África, resistência.

Citação: Ribeiro, Ana Paula Alves (2020). Rio de Janeiro e sua herança africana: histórias contadas por Zózimo Bulbul. Todas as Artes: Revista Luso-Brasileira de Artes e Cultura, 3(3), pp. 66-84. ISSN: 2184-3805. 
DOI: 10.21747/21843805/tav3n3a5

Disponível em:
https://ojs.letras.up.pt/index.php/taa/article/view/10753

La Red Iberoamericana de Investigación en Narrativas Audiovisuales (Red INAV) realizó juntamente con la Universidad Estadual Paulista (UNESP), el III Congreso Internacional y V Encuentro Iberoamericano de Narrativas Audiovisuales de la Red INAV, en la ciudad de Bauru -SP- (Brasil), los pasados 28, 29 y 30 de marzo de 2016.

Año: 2016
692 páginas
Rosario
Editorial: UNR Editora
ISBN 978-987-702-195-

O objetivo deste trabalho é traçar um paralelo entre a reportagem e
a transmissão ao vivo de telejornalismo e o documentário, analisando a
relação entre imagem e palavra no episódio do seqüestro de um ônibus
na cidade do Rio de Janeiro, ocorrido no ano de 2000. O seqüestro
foi acompanhado ao vivo pela Globo News, foi exibido pelo Jornal
Nacional e serviu como base para o documentário Ônibus 174 (José
Padilha, 2002), ambos constituintes do corpus desta análise. As estruturas
narrativas verbal e imagética do documentário, da transmissão ao
vivo e da reportagem servem de base para esta pesquisa, levando-se em
conta a presença e a ausência de um narrador com voz fora de campo
e sua relação com outras vozes do texto. A interferência subjetiva do
autor e do repórter, enquanto realizadores, é refletida nesta dissertação.

Tesi di laurea magistrale corso di laurea in Traduzione Specialistica e Interpretazione di conferenza - Università degli Studi di Trieste con relatore prof. Marco Rucci.
Analisi del sottotitolaggio del documentario cileno "Lemebel" (2019), della regista Joanna Reposi Garibaldi. La tesi parte da una panoramica teorica della traduzione audiovisiva in generale e del sottotitolaggio in particolare, tracciando un parallelo fra norme teoriche e esigenze pratiche del mondo del lavoro. Si passa poi a un'analisi linguistica dettagliata della variante cilena dello spagnolo e all'analisi testuale, morfosintattica e lessicale del parlato in "Lemebel", capitoli in cui si discutono anche le scelte traduttive più ardue.

A pesquisa trata da destruição e do estatuto da documentação de trabalhos artísticos efêmeros. Propondo como recorte uma série de intervenções urbanas realizadas no Rio de Janeiro desde os anos 2000 (dos grupos/artistas Atrocidades Maravilhosas, Ducha, Alexandre Vogler e Tupinambá Lambido), são tomados como principais objetos de estudo as imagens que restaram dessas ações, colocando em questão os limites entre objeto artístico e documentação. Parte-se da hipótese de que essas imagens poderiam ser consideradas prolongamentos dos trabalhos, que, após destruídos, sobreviveriam em outras mídias. São privilegiadas intervenções realizadas de maneira clandestina (devido a sua ilegalidade) e que usufruem da imagem técnica (sobretudo fotografia e documentário) como principal meio de fruição, uma vez que sua curta duração no espaço público limita o acesso às mesmas. Os artistas em questão também têm em comum o fato de utilizarem certos esquemas para fazerem circular seus trabalhos na mídia de massa, adotando artifícios da chamada mídia tática - a apropriação e uso subversivo dos meios de comunicação hegemônicos, de modo a criar ruídos em sua programação, utilizando-os a favor de si. Dessa maneira, os trabalhos não apenas sobrevivem por meio da imagem técnica, como adquirem novo estatuto e novos sentidos ao invadirem esses espaços midiáticos.

A tese O testemunho e suas formas: historiografia, literatura, documentário (Brasil, 1964-2017) tem por objetivo compreender as formas de expressão do testemunho da resistência à ditadura civil-militar brasileira e, especialmente, de descendentes imediatos da geração que enfrentou o autoritarismo. A pesquisa percorre a literatura elaborada em primeira pessoa e a filmografia que utiliza o testemunho como figura central ou coadjuvante. O panorama destaca os relatos em torno de trajetórias dos que se opuseram ao regime, os quais incluem os registros de filhas(os) acerca de suas lembranças ou do que lhes fora contado sobre as experiências de seus pais. No entendimento de que o cinema é um dos vetores da lembrança que compõe a memória pública sobre as ditaduras do Cone Sul, a análise proposta por essa pesquisa emerge dos filmes Diário de uma Busca (2010) e Os dias com ele (2013), roteirizados e dirigidos, respectivamente, pelas cineastas Flávia Castro e Maria Clara Escobar, filhas de atingidos pela repressão ditatorial. Os conteúdos abordados pelos longas-metragens trazem à luz questões de ordem teórica e metodológica em torno do testemunho articulado em documentários e as (im)possibilidades de retratar essas experiências. As análises serão orientadas pela tríade proposta por Michel de Certeau (1974) acerca da operação historiográfica, retomada por Paul Ricœur (2000), nas suas reflexões sobre a epistemologia da história e por Sylvie Lindeperg (1996) em investigações sobre filmes, para os quais propõe uma operação cinematográfica. Na primeira parte, o enfoque está na configuração do testemunho para a historiografia após a Shoah e sua referência para os estudos dirigidos às ditaduras. Desse modo, proponho que no Brasil após o golpe de 1964, as declarações testemunhais foram originadas em diferentes condições, que caracterizo como voluntária, obrigada, convocada e induzida por um dever de justiça. Por fim, apresento o testemunho sobrevivente na literatura e no cinema desde o golpe civil-militar até 2017. Na segunda parte, centralizo as discussões nos filmes selecionados e abordo o percurso testemunhal provocado pelos protagonistas de Os dias com ele em que apontam o fragmentário retrato da tortura. Além disso, identifico as tensões entre as narrativas testemunhais em Diário de uma busca e o itinerário sobre as lacunas que permeiam a trama. No intuito de desenvolver as problemáticas elencadas, foram cotejados, além dos filmes selecionados, entrevistas cedidas pelas cineastas à autora desta tese, notícias e reportagens veiculadas pela imprensa, documentos elaborados pelos órgãos de repressão da ditadura civil-militar brasileira, relatórios ou acervos dos projetos estatais de memória e reparação. Destaco que a conjunção de lembranças que conferem forma ao testemunho sobrevivente, aportada nas narrativas originadas em condições voluntárias, permite a circularidade da experiência individual, bem como de suas marcas subjetivas, para o vivido partilhado socialmente. O tema familiar que reside, invariavelmente, na perspectiva filial irrompe nas imagens dos documentários, os quais propõem uma quebra dos silêncios históricos, pessoais e infinitos para si e para o país. Assim, os testemunhos dos descendentes daquela oposição ao inscreverem seus enfrentamentos em favor do inaudito contribuem, igualmente, para uma forma de representação da história.

Palavras-chave: Testemunho. Ditadura civil-militar. Filhas(os). Resistência. Historiografia. Literatura. Documentário. Diário de uma busca. Os dias com ele.

ABSTRACT

The thesis The testimony and its forms: historiography, literature, documentary (Brazil, 1964-2017) aims at understating the shape that testimonies regarding the resistance to the Brazilian civil military dictatorship took, and, especially, those of the direct descendants of the generation who fought authoritarianism. This research goes through literary discourses narrated in the first person and the filmography that focuses on testimony as a central or tangential aspect of the narrative. The overview of this analysis highlights reports on the trajectories of those who opposed the dictatorial regime, including records of daughters and sons sharing their memories of stories about their parents’ experience.  Provided that cinema is one of the vectors of remembrance that constitutes public memory on dictatorship regimes of the Southern Cone, the proposed analysis in this research stems from the films Diário de uma Busca (“Diary, Letters, Revolutions”) from 2010 and Os dias com ele (“The Days With Him”) from 2013, written and directed by filmmakers Flávia Castro and Maria Clara Escobar, respectively. Both are daughters of people who suffered dictatorial repression. The content of both feature films brings light to questions of theoretical and methodological nature, when it comes to testimony articulated into documentary form and the (in)possibilities to portray such experiences. These analyses are oriented by the triad proposed by Michel de Certeau (1974) on the historiographical operation, took up by Paul Ricoeur (2000), on his reflections about epistemology of History, and by Sylvie Lindeperg (1996) in her investigations about movies, in which she proposes a cinematic operation. First, the focus is on the configuration of testimony to the historiography after Shoah and its centrality to the studies about dictatorships. Along these lines, my proposition is that, in Brazil after the military coup of 1964, the testimonial declarations arose from different conditions, ones that I characterize as voluntary, obligated, summoned and induced by a duty of justice. Lastly, I present the survival testimony in literature and cinema since the civil military coup until 2017. Secondly, I condense the debate on the selected films, and approach the fragmented portrayal of torture pointed out by the path of testimony raised by the protagonists of Os dias com ele. Furthermore, I identify the tensions between testimonial narratives and the itinerary of the gaps that permeate the plot in Diário de uma busca.  Having in mind the goal to explore all the former problems, I analyzed, besides the selected films, interviews I conducted with the filmmakers, media news and reports, documents produced by official repression enforcement offices and reports or archives of State projects on memory and atonement. I highlight that the combination of memories that shape the survival testimony produced in the narratives, originated in voluntary conditions, allows a circularity of individual experiences - and their subjective traces - to the socially shared living experiences. The familiar topic that invariably resides in the narrative perspective of the direct descendants comes to light in the images of the documentaries, and proposes a crack in historical silences, personal and infinite both individually and for the country. Therefore, the testimony of daughters and sons of the generation who opposed the regime also contribute, by inscribing themselves into the unprecedented, with a way of historical representation.

Key-words: testimony; civil military dictatorship; direct descendants; resistance; historiography; literature; documentary; Diário de uma busca; Os dias com ele.

O texto articula dois campos ao mesmo tempo próximos e distintos: o discurso jornalístico  em forma de reportagens televisivas e o discurso cinematográfico em forma de filmes documentários. A proposta tem como objetivo o estudo de discursos audiovisuais de caráter referencial a fim de estabelecer uma análise contrastiva entre eles, especialmente em narrativas híbridas voltadas à temática dos estigmas sociais.

Estudo da produção independente de documentários na televisão brasileira a partir do Programa DocTV, projeto criado e executado desde 2003 pela Secretaria do Audiovisual - órgão subordinado ao Ministério da Cultura. Os documentários do DocTV são produzidos em cada estado e exibidos em rede nacional através das emissoras públicas. Esse caráter regional da produção e da exibição é raro na história da relação entre televisão e produção independente no Brasil e torna-se oportunidade singular para se analisar o efeito que a descentralização pode provocar na produção audiovisual do país, no que se refere às categorias temáticas e às características estilísticas dos documentários produzidos em cada estado. Ao detalhar o funcionamento do DocTV - suas ações, metas e resultados -, verifica-se o papel ainda pouco definido da TV pública no Brasil e a vulnerabilidade de programas instituídos na esfera pública, que se tornam sujeitos a interrupções por governos que se sucedem. O estudo traça ainda um painel comparativo da relação entre produção independente e televisão em outros países e no Brasil.

Nel presente scritto propongo, attraverso l’illustrazione di un caso di studio sulla pellicola "Grey Gardens", alcune considerazioni sull’esperienza estetica dello straniamento. Parto dall'originaria concettualizzazione šklovskijana di straniamento per poi vagliare la possibilità di dialogo fra questa e altre nozioni o esperienze letterarie; in particolare il perturbante freudiano e l'attenzione al ruolo dell'emozione all'interno del progetto genealogico foucaultiano. Secondo la metodologia del caso di studio il movimento della riflessione è dunque doppio: da un lato concentrato sull'analisi dell'oggetto prescelto, dall'altro impegnato a verificare, a partire da tale analisi, la possibilità di applicazione ed estrapolazione di nozioni riconducibili a un orizzonte concettuale più ampio e comprensivo.

Este trabalho parte de uma análise reflexiva sobre o documentário: dividida em duas partes, uma primeira parte historiográfica e desconstrutiva focada nas décadas de 1920-1930, em que, à luz de uma bibliografia recente sobre o tema, abordamos e problematizamos a configuração do gênero discursivo “documentário” como herança colonialista, como vanguarda modernista e como aparelho de estado, concluindo com a hipótese de uma dialética estética-política injuntiva do gênero e inscrevendo neste mapa, ao fim, dois pioneiros brasileiros esquecidos; na segunda parte, destinada ao documentário contemporâneo, fazemos uma cartografia que circunscreve nossas eleições afetivas dentro do documentário contemporâneo brasileiro,  centrada nos modos de produção e processos de criação assentados no tripé colaborativo-coletivo-comunitário, passando então à análise reflexiva de um filme em específico – As Hipermulheres (2011), direção conjunta de Carlos Fausto, Leo Sette e Takumã Kuikuro, realizado na aldeia Ipatse do povo indígena kuikuro do Alto Xingu, com produção de Vincent Carelli e do Vídeo nas Aldeias - que por sua vez incorpora e responde, acredito, em grande medida à problemática e os questionamentos anteriores sobre o documentário no sentido estético e político.

Exibição do curta documental Vigília (2019, 22’) no LASA Film Festival, no contexto do XXXVIII International Congress of the Latin American Studies Association, LASA Améfrica Ladina: vinculando mundos y saberes, tejiendo esperanzas, em Guadalajara, no México, em maio de 2020. Vigília, correalizado por Rafael Urban, Isabella Lanave e João Menna Barreto, filma o grupo em vigília que – estabelecido a menos de cem metros do cárcere de Luiz Inácio Lula da Silva, então preso político em Curitiba – acompanha o resultado das eleições presidenciais brasileiras de outubro de 2018. Lula havia sido excluído da disputa  eleitoral após decisão do juiz que, eventualmente, viria a ser o Ministro da Justiça do projeto de governo vencedor no pleito. A Vigília Lula Livre – registrada no filme e fortemente politizada – parecia antever que o resultado da eleição levaria o Brasil a uma trágica crise humanitária e de ruptura democrática.

Vigília teve sua estreia na 16ª edição do IndieLisboa – Festival Internacional de Cinema, em Portugal, e foi exibido pela primeira vez no Brasil na 13ª CineBH – Mostra de Cinema de Belo Horizonte.

LASA Film Festival com curadoria de Maria Eugenia Ulfe [diretora], Pontificia Universidad Católica del Perú; Susana Kaiser, University of San Francisco; Gabriela Zamorano Villarreal, Colegio de Michoacán; Fernando Vílchez Rodríguez, FILMADRID. Aqui, catálogo completo do evento que, dada a pandemia do COVID-19, se realizou de modo online.

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Screening of the short documentary film Vigil at the LASA Film Festival, in the context of the XXXVIII International Congress of the Latin American Studies Association, LASA Améfrica Ladina: vinculando mundos y saberes, tejiendo esperanzas, in Guadalajara, Mexico, in May 2020. Vigília, by Rafael Urban, Isabella Lanave and João Menna Barreto, depicts the vigil group that – established less than two hundred feet away from the prison cell of former president and now political prisoner Lula da Silva, then a political prisoner in Curitiba – follows the outcome of the Brazilian presidential elections of October 2018. Lula had been excluded from the electoral dispute after a decision by the judge who would eventually become the Minister of Justice of the elected project. The group in vigil – recorded in the film and heavily politicized – seemed to foresee that the result of the election would lead Brazil to a tragic humanitarian crisis and democratic rupture.

Vigília had its World Première in the 16th edition of IndieLisboa –International Film Festival, in Portugal, and was shown for the first time in Brazil in the 13th CineBH – BH International Film Festival.

LASA Film Festival curated by Maria Eugenia Ulfe [director], Pontificia Universidad Católica del Perú; Susana Kaiser, University of San Francisco; Gabriela Zamorano Villarreal, Colegio de Michoacán; Fernando Vílchez Rodríguez, FILMADRID. Here the complete catalog of the event that, given the pandemic of COVID-19, took place online.

Resumo: Através da apresentação dos conceitos de estrela e mito, organizados nos estudos de Edgar Morin (1989) e Roland Barthes (1985), o presente trabalho tem como ponto de partida expor o processo de mitificação pelo qual a trajetória da atriz Leila Diniz foi permeada, em conjunto às transformações culturais que borbulhavam no Brasil entre 1960 e 1970 para, depois, analisar a presença de Leila no documentário de estreia de Ana Maria Magalhães, Mulheres de cinema (1977), que busca resgatar atrizes importantes do cinema brasileiro. Considerando o status também de estrela da diretora, o objetivo é refletir sobre a representação de Leila dentro do filme em diálogo comparativo com a sua representação na mídia e observar, ainda, se existe uma desconstrução ou reafirmação do seu mito.

RESUMO

Este artigo traça um breve panorama sobre a história do cinema documentário no Brasil, desde os primeiros anos até os dias atuais; sob quais condições políticas e econômicas do país os documentaristas desenvolveram seus filmes, ao longo dos tempos e como essas condições influenciaram a história do documentário
e caracterizaram os filmes de cada época; os cineastas mais importantes e os filmes que marcaram gerações; algumas discussões sobre a representação da realidade e os aparatos tecnológicos disponíveis em cada época também estão presentes nesta reflexão.

[English Version below]
Esta tese de doutorado (defendida em 2008 no Programa de Pós Graduação em Comunicação da UFMG) foi catalisada pela frase “A Jamaica é aqui”, ouvida e lida em produtos audiovisuais que apresentam como tema principal as relações entre o gênero musical conhecido como reggae e determinados territórios geopolíticos. Ela visa compreender como a transposição territorial expressa naquela frase é tornada possível em certos filmes, vídeos e programas televisivos. A tese parte do pressuposto de que os produtos audiovisuais pertencentes ao corpus de análise são parte de um processo de comunicação transcultural. Por meio dessa perspectiva, entendemos que as coletividades são constituídas pelo contato recíproco e contínuo, uma dinâmica relacional que foi escamoteada durante a formação das entidades geopolíticas nacionais, como Brasil e Jamaica. Nesse contexto, os sistemas culturais não são tomados como dados, assim como as relações entre música e território expressas nos produtos audiovisuais, como aqueles analisados neste estudo. Os seis produtos audiovisuais que compõem o corpus de análise são os seguintes: Jamaica - Paraíso do Reggae / Baila Caribe: Jamaica / Música Libre: Jamaica / Documento Especial: Maranhão em ritmo de reggae / Netos do Amaral e O Bonde do Rastafari: histórias do reggae carioca. Outros filmes, produzidos na Jamaica, também foram analisados, como This is Ska e The Harder They Come. Cada um deles produz relações complexas entre música e território. Por meio da investigação das combinações entre som e imagem realizadas nestes produtos audiovisuais, notadamente aquelas que envolvem a música, foi possível avançar até alguns apontamentos conclusivos. O principal deles é que tais filmes e vídeos produzem territórios sonoros, brechas que se apresentam nas performances gravadas em direto e em outras situações, construídas pela espacialidade e temporalidade da combinação entre imagem e música, constituindo arranjos audiovisuais. Dessa forma, a expressão musical produz territórios sonoros nos filmes e vídeos, expandindo o número de pessoas afetadas pela música. Tal situação possibilitou a frase que dá nome a este trabalho e catalisou a realização deste estudo e de novos produtos audiovisuais. Estes produtos apresentam o potencial de tornar visíveis e audíveis as redes transculturais e rizomáticas, abafadas pela cultura institucionalizada.

ABSTRACT

“Jamaica is here”: audiovisual arrangements of music driven territories

This thesis was catalyzed by the phrase "Jamaica is here", which was heard and read in audiovisual products which have, as their main theme, the relationship between the musical genre known as reggae and specific geopolitical territories. Its main goal is to understand how this territorial transposition was made possible in certain movies, videos and television programs. This work departs from a transcultural perspective, which considers the multiplicities of the unique cultural systems as consisting of various relations between different elements of human expression in its various points of contact, a dynamic relationship that was concealed during the formation of the geopolitical entities, such as Brazil and Jamaica. In this context, these cultural systems are not taken for granted, as well as the relationship between music and territory found in films and videos, like the ones analyzed in this study. Six audiovisual products made up this corpus: Jamaica - Paraíso do Reggae / Baila Caribe: Jamaica / Música Libre: Jamaica / Documento Especial: Maranhão em ritmo de reggae / Netos do Amaral e O Bonde do Rastafari: histórias do reggae carioca. Other movies, produced in Jamaica, were also examined, such as This is Ska and The Harder They Come. Each of them produces complex relationships between music and territory. Through the investigation of combinations between sound and image held in audiovisual products, especially those involving music, it was possible to reach some conclusion remarks. The main one is that such films and videos produce sound territories, loopholes that were present in musical performances recorded live, among other situations, built by the spatiality and temporality of the combination between image and music, constituting audiovisual arrangements. Thus, the musical expression produces sound territories in films and videos, expanding the number of people affected by the music. Such situation allowed for the expression of the phrase that gives name to this work and catalyzed the development of this study and new audiovisual products. These products have the potential to make visible and audible the transcultural and rhizomatic networks stifled by institutionalized culture.

Este trabalho de mestrado propõe, a partir de descrições etnográficas produzidas entre o povo Maxakali, um breve exame de sua recente realização cinematrográfica no contexto cosmopolítico percebido e produzido durante a formação de cineastas e a realização de filmes. Tento conciliar uma reflexão a respeito de ações cosmopolíticas Maxakali, partindo principalmente das contribuições do antropólogo Renato Sztutman, com entendimentos acerca do cinema como experiência estética e política, conforme nos propõe o filósofo Jacques Rancière, e como possibilidade de criação etnográfica compartilhada, como sugerido pelo etnólogo-cineasta Jean Rouch. O objetivo é apresentar uma etnografia dos processos de formação de cineastas e nos quais esses filmes são feitos: os momentos de negociação, elaboração, produção das imagens e dos encontros que essas imagens provocam, nos quais tal tecnologia é apropriada por eles em ressonância com seus próprios modos de pensamento e organização. Veremos de que modo os pajés e os caciques parecem ter encontrado um lugar que parece sugerir uma íntima aproximação entre linguagens e ações no âmbito da política, do xamanismo e do cinema. Afinal, o cinema parece apropriado para a experiência de eventos-encontros que se produzem nas aldeias, e para o estabelecimento de novas alianças e trocas de saberes fora delas.

Palavras-chave: Maxakali, Cosmopolítica, Cinema.

Neste trabalho [dissertação de mestrado], aproximo os campos do cinema e da história verificando de que maneiras o cinema documentário brasileiro contemporâneo aborda as questões da escala de abordagem e da construção das personagens em sua narrativa fílmica. Ao fazer isso, inspiro-me em conceitos e reflexões da micro-história italiana e apoio-me em alguns conceitos e reflexões do
cinema e da história e das ciências humanas, de maneira geral, para analisar o filme O rap do pequeno príncipe contra as almas sebosas (Paulo Caldas e Marcelo Luna, 2000). Ao partir desse filme em específico, busco compará-lo com demais produções brasileiras do gênero documentário – principalmente da segunda metade do século XX e do século XXI. Dedico, assim, especial atenção ao Cinema Novo, passando por algumas obras referenciais dos anos 1970 e 1980, para me deter com nova atenção ao período contemporâneo (pós-Retomada). No que diz respeito ao referencial teórico, trabalho principalmente com as discussões em torno da microanálise e da variação de escalas de abordagem, além dos conceitos de personagens
como: “tipos sociológicos”, “locutores auxiliares” e personagens individualizadas.

No filme Reassemblage, de 1982, a cineasta Trinh T. Minh-Ha tece críticas ao
filme documentário como meio de representação cultural e faz isso apostando na
experimentação formal para destacar o caráter estético do cinema. Aqui ela
apresenta sua proposição de “falar ao lado”, ao invés do “falar sobre”, típico do
documentário clássico. Em 1991 ela publica o texto “The totalizing quest of
meaning”, onde critica a busca por objetividade no documentário e retoma sua
proposição de “falar ao lado”. Buscamos aqui cotejar o filme e o texto para
apontar os princípios do projeto crítico da cineasta.

O documentário em primeira pessoa, Elena (2015), da diretora Petra Costa, retrata a
busca da diretora por sua irmã mais velha, Elena. Por meio da utilização de imagens de
arquivo, filmes caseiros, áudios, entrevistas e narração em voz over em primeira pessoa, Petra
retoma os caminhos de Elena, buscando a ela e a si mesma. Esse movimento de Petra chamou
a atenção pela proximidade com os conceitos bakhtinianos sobre o excedente da visão
estética: compenetração e acabamento. A compenetração diz respeito a um primeiro momento
da atividade estética, que é o de vivenciar, se colocar no lugar do outro, se coincidir com o
outro. Já o acabamento vem em um segundo momento, que seria um retorno a si mesmo,
dando um acabamento ao material da compenetração. Portanto, o presente texto tem como
objetivo fazer uma análise fílmica do documentário Elena, à luz dos conceitos bakhtinianos
citados, pensando não só a relação de Petra com Elena, mas a relação e a experiência do
espectador com o filme.