Antropologia da Arte

Resumo O artigo descreve a dança e os movimentos no principal ritual dos guarani do Chaco boreal paraguaio: o arete guasu. Por meio de uma descrição detalhada da festa, se analisam os sentidos performativos da dança, dos movimentos e do rito como um todo. Por sentido performativo refere-se a aos efeitos da forma e da estética particular do rito nesse contexto histórico e social. Desse modo, e em diálogo com a antropologia e a etnomusicologia que tratam das artes e rituais dos povos guarani falantes, se pontuam algumas características que definem as especificidades culturais dos guarani chaquenhos.

Nesta tese analiso as relações engendradas por imagens de santos, ex-votos e outros objetos de devoção em situações nas quais os mesmos são mobilizados para outros fins que não o culto religioso. Além das trajetórias dos objetos em questão, discuto as motivações de quem os retira de espaços onde eles são expostos para finalidades devocionais e os desloca para outros, como museus e locais privados nos quais as coleções são elaboradas. A elucidação de tais questões vale-se principalmente de dados produzidos a partir de Natal-RN, onde realizei um longo investimento na observação participante do cotidiano de um colecionador, ex-galerista, estudioso e comerciante de arte e suas interações em práticas de busca, comercialização, colecionamento e exposição de objetos. Através dessa interlocução mais específica em torno de um conjunto de obras classificadas, em sua maioria, como “arte popular” —  convivi com diversas outras peças entendidas neste trabalho como emaranhados de relações tecidas no decurso de sua produção, circulação, exposição e mesmo destruição. São esculturas, como os já aludidos santos e ex-votos, passando por exposições e publicações delas decorrentes, tais como livros e catálogos; pensadas como imiscuídas no fluxo da ação social de agentes diversos: fornecedores de material, artistas, marchands, colecionadores, folcloristas, intelectuais, restauradores, curadores, inventariadores, museus, professores universitários, órgãos culturais etc.  A abordagem etnográfica privilegia processos (colecionamento, artificação, patrimonialização, exposição etc.) em vez de estados reconhecidos dos objetos (obra-prima, artefato, obra de arte, coleção etc.). Desse modo, destaco a rentalibilidade de ritualizar atos de criar, ver, manipular, transacionar e mostrar certos objetos. Essa proposta envolve a descrição do processo de musealização de parte de um acervo particular. A análise da exposição de santos e ex-votos decorrente desse processo culmina na discussão sobre a possibilidade de criação (ou reatualização) da força ritual presente nessas coisas em suas utilizações pretéritas.

O presente trabalho é uma autoetnografia que se debruça sobre os festivais de psytrance. A análise socioantropológica do tema busca evidenciar um ponto de vista nem sempre comum para quem não vive esses eventos: o caráter místico e espiritual dessa realidade. Nesse sentido, ao trazer luz para essa questão, faz-se uma comparação com eventos espirituais ancestrais, muito presente na cosmologia primeva da cultura das américas e do mundo: o xamanismo. Nesse sentido, a pesquisa pontua os distanciamentos e discorre diante das similaridades, contendo um vídeo etnográfico que ilustra as observações de campo da pesquisadora.

Mystic means of social reproduction: Art and style in funerary ceramics from ancient Amazon

This thesis explores the role of funerary ceramics as both  mediators of social relations and means to reproduce cosmological beliefs from the point of view of their agency.

A pesquisa aqui apresentada é o resultado de diversas transformações de objetivos, temáticas e também hipóteses. Tendo como ponto de partida a captura de nosso olhar para as obras de arte plástica de Hushahu, do povo Yawanawa do Rio Gregório/AC, buscamos trazer à compreensão etnológica os processos criativos nos quais são criadas imagens capazes de ensinar e também de construir corpos. Aqui, percebemos que a construção de imagens e corpos estão diretamente associadas, assim como a diversos outros elementos da cultura Yawanawa. A pajelança aparece aqui como um pano de fundo que norteia diversas relações entre os Yawa e os não-Yawa, desde os brancos aos espíritos chamados Yuxi. A relação com o “outro” aparece de forma estruturante, fazendo tecer-se relações e comunicações entre o modo dos antigos e os contemporâneos de fazer as coisas nos padrões Yawanawa. Acreditamos, assim, conseguir trazer o nosso caso etnográfico para dar suporte às noções antropológicas que compreendem a transformabilidade da cultura ameríndia enquanto uma qualidade sine qua non da construção de corpos e modos de existência.

Este trabalho intenta compreender em que medida as pinturas corporais anacé podem ser pensadas enquanto “roupas”. Os Anacé são um povo indígena habitante da Região Metropolitana de Fortaleza, no município de Caucaia, divididos entre Terra Indígena (Japuara e Santa Rosa) e a Reserva Indígena (Taba dos Anacé). Essa pesquisa foi realizada junto aos Anacé da aldeia Japuara, durante o período de um mês de trabalho de campo, intercalado à visitas e participações específicas em eventos externos e internos. Busco interrogar as práticas artísticas pictóricas anacé enquanto práticas vestimentares, ou seja, que forças e agências são mediadas pela ação de pintar o corpo. Por meio de problematizações tocantes à ordem política e cosmológica, investigo como a pintura consiste em uma ação de vestir-se com os corpos dos antepassados, explorando as relações para com os Encantados, um dos elementos compositores do universo do pensamento anacé. Por fim, apresentamos os modos de relação entre as pinturas espirituais e seus modos de difusão enquanto ponte de conexão entre corpos e espíritos.

Ementa da disciplina: FLS 5282-1 – Antropologia Visual: políticas e poéticas da prática audiovisual
Professores: Mihai Leaha e Vitor Grunvald
N. de Créditos: 8
Carga Horária: 12 semanas (4h/semana de aula + horas extra de estudos e exercícios de realização a serem combinadas com estudantes)

Objetivos:
O curso visa oferecer um panorama das discussões que constituíram o campo da Antropologia Visual, com especial ênfase aos processos de realização audiovisual. Os objetivos centrais são (1) criar um espaço de reflexão sobre o lugar da imagem na Antropologia, enfatizando tanto os aspectos teóricos que envolvem o estudo da cultura visual quanto algumas estratégias de produção de imagens na disciplina, utilizando exemplos clássicos e contemporâneos e (2) realizar estudos e exercícios práticos de forma a capacitar pesquisadoras/es na produção de documentários etnográficos a partir de seus campos de investigação.

Justificativa:
O curso busca promover uma integração entre reflexão teórica e prática de realização de imagens em Antropologia. Dessa maneira, contribui com a capacitação de pesquisadoras/es no sentido de se apropriarem de técnicas de produção de imagens que têm ocupado um lugar cada vez mais central nos processos de construção etnográfica.

< Versão pré-publicação. Não citar sem a autorização dos editores e do autor >
Gell (1945-1997) foi um dos principais antropólogos britânicos da geração posterior à de Edmund Leach, sendo contemporâneo, portanto, de Marilyn Strathern, Tim Ingold, Joanna Overing, Adam Kuper, entre outros (para não mencionar James Clifford, Paul Rabinow e Roy Wagner, associados à tradição norte-americana).
    Seu mais conhecido livro, Art and Agency. An anthropological theory, publicado postumamente em 1998, foi em grande parte produzido durante os dramáticos últimos meses de sua vida.

Esta pesquisa analisa, do ponto de vista etnográfico, os visitantes da Pinacoteca do Estado, em São Paulo. Embora seja o museu de arte mais antigo da cidade, a Pinacoteca se encontra, junto a outras instituições culturais da região da Luz, no meio de processos de revitalização por meio da cultura. Tais processos fazem parte de fenômenos urbanos globais que vêm redefinindo o papel dos museus no contexto urbano e relacionando-os com processos econômicos mais abrangentes. No entanto, a presente pesquisa busca um afastamento das análises que entendem os museus como parte de uma cultura de consumo e vê seus frequentadores apenas como consumidores. Contudo, não se propõe aqui uma antropologia do consumo, que – em que pese a notável superação de uma abordagem moral do tema – se baseia numa ruptura entre sujeito e objeto e compreende as relações materiais apenas como formas de representação de classificações e divisões culturais mais profundas de grupos sociais. Tenta-se, na verdade, compreender o comportamento dos visitantes da Pinacoteca em suas formas de sociabilidade, bem como a relação desses visitantes com os objetos de arte tendo como base uma perspectiva antropológica da arte e da cultura material. Tal perspectiva permite conceber as obras de arte como pessoas, o que dinamiza e complexifica as relações com objetos materiais. Assim, analisa-se, situacionalmente, as relações dos visitantes da Pinacoteca de modo que, por meio das obras de arte e dos laços de sociabilidade, as interações sociais possam ser ampliadas e, em vez de ocasião para distinção simbólica e social, a visita possa ser entendida como oportunidade de construção pessoal.

Tomando como ponto de partida os comentários de dois filmes, O sonho do nixi pae – O Movimento dos Artistas Huni Kuin (Amilton Mattos, 2015) e Nixpu pima – Rito de passagem Huni Kuin (Pãteani Huni Kuin, 2015), o artigo trata dos desafios colocados pelo contexto de Universidades amazônicas em que os povos indígenas já não são objeto de conhecimento e sim passam a se utilizar dos recursos da investigação acadêmica para inventar novos espaços, novas composições, novas linguagens para seguirem praticando seus saberes menores e indisciplinados. Procura mostrar assim que a autonomia conceitual dos povos amazônicos, isto é, a sua autonomia de pensamento, tem se dado pela afirmação de suas próprias formas de investigar, de dar sentido à pesquisa, de inventar novos devires. A prática da produção de conhecimentos coletivos e a constituição de grupos de pesquisadores-artistas indígenas aponta novos campos de força para instituições de ensino, superior ou não, que parecem cada vez mais distantes da realidade amazônica. Nesses coletivos apresentados aqui, que estão dentro e fora da academia, a produção de conhecimento se dá enquanto agenciamento maquínico, em que o saber minoritário toma o majoritário como condição de afirmação da diferença, possibilidade de devir, e não espera dele a distribuição dos direitos que lhe caberia. Os velhos conhecimentos huni kuin dos rituais, dos cantos da ayahuasca se associam à arte e ao audiovisual para comporem máquinas, agenciamentos maquínicos que não servem para serem lidos ou interpretados, mas para engajar a própria Universidade em seus devires-huni kuin.

A presente dissertação versa sobre a emergência de “livros de literatura LGBT” promovidos por autores, Editoras e editores engajados no processo de sua criação e defesa. As perguntas gerais que nortearam a pesquisa foram: quais as possíveis experiências que as pessoas desenvolvem com os livros? Como e por que estabelecem relações com este objeto? De que maneira aspectos de gênero e sexualidade passam a compor estes vínculos? O que a emergência ou novas formas de nomeação de tais artefatos nos permitem perceber? Para dar conta destes questionamentos, desenvolvi trabalho de campo com observação participante em lançamentos de livros, debates literários e saraus de literatura organizados por inúmeros indivíduos nos mais variados espaços da cidade do Rio de Janeiro e em São Paulo. Deste modo foi possível apreender as pessoas dos livros e os livros das pessoas com fins a compreender e explicar o sentido de suas ações, responsáveis por conformar uma rede de relações que visam construir o que denomino por “mundo dos livros LGBTs”, no qual circulam objetos, pessoas e valores.

Esse artigo focaliza a reinvenção de práticas artísticas e do espaço urbano promovidas por duas manifestações artivistas em Belo Horizonte: a Praia da Estação e o Sarau Vira-Lata. Organizadas principalmente por jovens ativistas e artistas, essas articulações se inserem, desde o início da atual década (respectivamente, 2010 e 2011), em lutas simbólicas – estéticas e políticas – em torno da ressignificação de paisagens urbanas, transformando formas de ver e experienciar os espaços públicos através de atividades performáticas politicamente engajadas. Nota-se, a partir de dados de primeira mão – recolhidos durante uma pesquisa de campo iniciada em meados de 2013 – e segunda mão – interpretados a partir de uma dissertação de mestrado defendida recentemente (MOTTA, 2014) – que as duas mobilizações estético-políticas produzem uma linguagem simbólica própria, articulando metáforas e símbolos específicos nas suas respectivas experiências ritualizadas. Porém, as duas manifestações compartilham uma estrutura comum, colocando em ação uma lógica que inverte tanto esteticamente como experiencialmente, as relações convencionalmente estabelecidas nos espaços urbanos (praças, ruas, parques etc.). Essas articulações contribuem para a invenção de novos contextos através de novos olhares e novos usos dos espaços urbanos (WAGNER, 2010; CERTEAU, 2012). Reinventando as práticas artísticas e a paisagem urbana cotidianas, esses jovens, mobilizando a supracitada "lógica da inversão", produzem um deslocamento sensível através da reapropriação performática da cidade.

Palavras-chave: Heterotopias; Práticas Artísticas; Paisagem Cultural.

Resumo O artigo apresenta uma abordagem comparativa da pintura corporal entre povos Jê, mais especificamente entre os Mebêngôkre (Kayapó), Ramkokàmekrà (Canela), os PykopCatiji (Gavião), os Mehin (Krahô) e os Panin (Apinajé). Partindo das etnografias sobre estes povos, destaco uma faceta da pintura corporal pouco explorada em termos analíticos e comparativos. Trata-se de entender como, para diferentes povos Jê do Brasil Central, a pintura corporal assume uma dimensão terapêutica, profilática e mesmo protetiva dos corpos, fazendo das suas conhecedoras (em sua maioria mulheres), especialistas nos poderes curativos (e porque não, xamânicos) que as pinturas possuem em contextos específicos, principalmente, aqueles relativos a situações de resguardos, gestação, parto, doença e luto. Essa abordagem praxiológica, centrada na ação da pintura e não em sua representação, permite compreender a pintura corporal enquanto uma arte da cura.

Neste artigo explicito algumas formas de atuação política do Movimento dos  Artistas Huni Kuin (MAHKU). Partindo de um evento ocorrido em 2014, a compra por parte do MAHKU de dez hectares de terra no Acre com recursos obtidos com a venda de uma pintura, reflito sobre os caminhos abertos, as conexões possibilitadas e a agência causada pelas imagens-pontes produzidas pelo coletivo no contato entre mundos.

O propósito deste artigo é descrever um campo de discussões sobre o fazer artístico, o caráter social da arte e o papel do artista, a partir do pensamento e trajetória de Lygia Pape , destacando seu diálogo com o cinema e o conceito de “anti-filme”. Procuro demonstrar a relevância do diálogo com o cinema na compreensão de suas formulações estético-filosóficas e na construção de seu “eu” como artista, destacando seus filmes como elementos de seu pensamento, procurando delinear as questões que conformam o fundo para o conjunto de sua criação, os fios condutores que atravessa a sua obra, as linhas capazes de guiar no labirinto de técnicas, linguagens e materiais, o ardil do fio de Ariadne. Faço isso destramando e tecendo o discurso que a artista faz sobre si, ciente que o narrador exerce uma seletividade de elementos que constituem o caráter caótico de uma trajetória para dar-lhe uma inteligibilidade, uma unicidade. Neste caso, o objetivo não é apenas levantar os fatos da história de Lygia Pape, mas destacar a construção do seu “eu” a partir da narrativa autobiográfica (Mattar, 2003) e em algumas entrevistas (Cocchiarale e Geiger, 1987; Pape, 1998; Sobral, 2004; Pape, 2009). Como Lygia Pape se coloca em relação ao debate estético de seu tempo? Qual narrativa ela destaca para entender sua trajetória? Como a artista se a si própria? Procuro nos textos históricos as evidências do devir, do tempo presente, pois é a atualidade das questões que envolvem a historia, pensamento e obra de Lygia Pape que movimenta a curiosidade investigativa desta pesquisa, livre da incumbência de fazer uma história dos fatos passados. “A história, na medida em que está a serviço da vida, está a serviço de uma potência a-histórica e por isso nunca, nessa subordinação, poderá e deverá tornar-se ciência pura, como; digamos a matemática” (Nietzsche, 1983, p.60). Assim, também pretendo uma história da Lygia Pape que possibilite pensar o presente e organizar um futuro, não uma mera catalogação de fatos ocorridos. Trata-se da construção de uma narrativa que busca dar inteligibilidade ao discurso da artista num dado espaço social de discussão do tempo presente. Porém, não deve abandonar a tarefa de fazer emergir certos discursos, contrapor vozes, sobrepô-las, dar um lugar a essas vozes, propiciar a polifonia característica dos “objetos” indisciplinados e pouco rentáveis. O cultivo dessa sensibilidade se faz, em termos metodológicos, pelo propósito da descrição, em primeiro lugar, obedecendo a dúvida: “o mundo não é um objeto do qual possuo comigo a lei de constituição; ele é o meio natural e o campo de todos os meus pensamentos e de todas as minhas percepções explícitas” (Merleau-Ponty, 2006, p.6).

RESUMO O texto trata da realização do vídeo etnobiográfico Pascual Toro, flautero. Refiro, em primeiro lugar, a proposta teórico-metodológica do cineasta e antro-pólogo argentino Jorge Prelorán (1933-2009) que inspirou o trabalho. Num segundo momento, descrevo as características do repertório e do gênero executado pelo protagonista do filme no ritual arete guasu para explicitar as razões que guiaram a organização do projeto de edição. Por sua vez, discorre-se sobre o valor da individualidade no âmbito da música de flautas do arete guasu argumentando que o método etnobi-ográfico é um caminho fecundo para compreender as conexões que sustentam as habilidades para ser um bom instrumentista nesse universo. ABSTRACT The text deals with the production of the ethno-biographic video Pascual Toro, flautero. I refer, in the first place, to the theoretical and methodological proposal of the Argentine filmmaker and anthropologist Jorge Prelorán (1933-2009) that inspired the work. Secondly, I describe the characteristics of the repertoire and the genre performed by the film's protagonist in the arete guasu ritual to explain the reasons that guided the organization of the editing project. In turn, the value of individuality is discussed in the context of arete guasu flute music, arguing that the ethnobiographic method

Históricamente, en la región del Rio de la Plata, muchos discursos han enfatizado la existencia de un patrimonio cultural y musical compartido por uruguayos y argentinos. Desde esta perspectiva, las continuidades históricas y culturales entre los dos países separados por las aguas del río, trascienden la división que ese límite representa. Las migraciones de personas entre uno y otro país, que se intensifican marcadamente a partir de los años setenta del siglo XX-especialmente en dirección Uruguay-Argentina-, sin duda contribuyen de distintas maneras en la elaboración de este sentido de regionalidad que trasciende fronteras. Como parte de esta tendencia puede observarse en las últimas décadas una apropiación creciente de géneros uruguayos por parte de músicos y del público argentino, que se revela fundamentalmente a través de la incorporación de elementos asociados a la murga uruguaya y al candombe uruguayo en conjuntos locales de rock, de tango, jazz o folclore. Sin embargo, esa tendencia convive con otra, donde las prácticas musicales recrean marcas que distinguen lo que es "propio" de una y otra nación. Pensando este proceso y retomando conceptos elaborados desde la antropología para pensar las fronteras y la delimitación de categoría sociales, este ensayo presenta una reflexión sobre las relaciones entre prácticas musicales y la elaboración de nociones de continuidad regional y de diferencia nacional. Palabras clave: fronteras, región, nación, música rioplatense. Abstract: Historically, in Rio de la Plata' s región, different discourses have emphasized the existence of a shared cultural and musical heritage among uruguaians and argentinians. From this point of view, historical and cultural continuities between the two countries speak louder than the international border. Intensified migration flows since the 1970' s, especially in the Uruguai-Argentina direction, may have helped in the articulation of a sense o regionality that transcends borders. As a part of this tendency we may observe the increasing appropriation of uruguaian genres by argentinian musicians and audiences. These practices, however, appear side by side with their counterpart, where national differences are reinforced. Revis-iting anthropological discussions about borders and social categories, this essay examines the relationships between musical practices and the ways in which regional continuity and national differences are performed.

Por meio de uma etnografia conduzida junto a um coletivo de ar-tistas exploramos a noção de conectividade para elicitarmos a lógi-ca a reger a criatividade funk que opera por meio do englobamento de seu contrário. Essa lógica dual conduz diferentes subgêneros do movimento musical, entre eles o proibido e a putaria. Podemos vê-la igualmente atuante nas produções de artistas individuais, a partir de apropriações particulares. Debruçamos-nos sobre as pa-ródias musicais de Mr. Catra para notarmos como essa lógica é carregada para a festa. O artista as executa essencialmente ao vivo, no momento da performance. Tomamos estas paródias como um 'modelo reduzido' por meio do qual ele nos dá acesso ao mundo complexo do funk ao mesmo tempo em que se utiliza desse obje-to de arte para estabelecer uma conversa com sua audiência. Por meio do riso e da ironia ele produz conectividade, uma relação ambígua na qual o conflito surge como um modo de estabelecer relações e que nos fala da dimensão política do fazer artístico.

RESENHA. Quimeras em diálogo, volume organizado por Carlo Severi e Els Lagrou, reúne onze artigos que buscam refletir sobre os grafismos e a figuração nas artes indígenas e a sua relação com a performance ritual e a ontologia xamanística ameríndia. Aqui, os auto-res, apoiando-se na relação dos grafismos com os mais diversos corpos nos quais são aplicados, propõem uma antropologia da percepção cuja análise recai sobre o estatuto e a agentividade das imagens. De grande relevância para a arqueologia brasileira, os estudos contidos neste livro certamente trarão muita luz e inspiração aos estudiosos de iconografia cerâmica e arte rupestre. As discussões sobre o conceito de quimera que norteiam esta obra tiveram como origem o debate formulado por Carlo Severi (2007) em seu livro Le Principe de la chimère, onde se define quimera como uma imagem múltipla, composta por caracte-rísticas heterogêneas e mesmo contraditórias, provenientes de seres diferentes. Este tipo de imagem, caracterizada por apenas alguns traços visuais, ofereceria poucas pistas ao olhar e, portanto, levaria o observador a completá-la mentalmente, projetando seus tra-ços invisíveis de forma a fazer surgir uma imagem que implica na presença de diferentes seres simultaneamente. Trata-se, portanto, de uma forma de representação plural, onde o que é mostrado estimula necessariamente a interpretação do que é implícito. Severi sugere que, nas sociedades convencionalmente denominadas de tradi-ção oral, esta forma de representação, caracterizada por indícios, confere à imagem uma peculiaridade que lhe possibilita desempenhar um papel crítico nas práticas sociais

Com o objetivo de compreender como que o olhar sobre a arte Kadiwéu mudou em sintonia seja com a mudança do fitar daquele que os observava, em seu tempo, seja com a transformação do próprio grupo, este artigo se propõe a refazer o caminho de construção do olhar sobre a arte Kadiwéu, Mato Grosso do Sul/ Brasil, em Guido Boggiani, Claude Lévi-Strauss e Darcy Ribeiro.

Ganhar o olhar analisa trabalhos de mediação levados a cabo em exposições de artes visuais na cidade de Porto Alegre/RS entre 2003 e 2005. Naqueles anos, em um contexto de proliferação de eventos artísticos destinados a públicos massivos e leigos em arte, a figura do mediador ganhou visibilidade. Tradicionalmente pensado como o guia que conduz um grupo de visitantes em uma exposição, a nova nomenclatura revela mudanças de entendimento significativas: com a crescente profissionalização de ações educativas em arte no país, o mediador passa a ser concebido como um educador e não mais apenas como guia, e o trabalho de condução do público ganha o status de ação de arte-educação. A partir de etnografias de cursos de formação de mediadores e dos trabalhos das equipes de mediação de três importantes instituições culturais da cena artística local – 4.ª e 5.ª Bienal do Mercosul, Museu de Arte do Rio Grande do Sul e Santander Cultural – o livro demonstra que, apesar de não existir um modelo único de mediação, configurou-se um entendimento geral de o que deve ser uma ação tal, assim como um conjunto frequente de recursos e técnicas disponíveis ao mediador para realizar sua tarefa de aproximar o público da arte, em consonância com valores, noções e referências próprias à arte contemporânea.

Como analisado na literatura etnológica recente, a guerra do Chaco (Bolívia/ Paraguai 1932-1935) foi o disparador de uma série de deslocamentos espaciais que reconfiguraram o mapa étnico da região. Este artigo se refere, inicialmente, aos des-locamentos que levaram os Guarani e Isoseño da Bolívia ao Chaco boreal paraguaio e descreve, na sequência, a formação das cinco comunidades guarani que existem atualmente na área. Logo, trata de alguns aspectos da sociabilidade dos Guarani do Chaco boreal paraguaio por meio da reflexão sobre o lugar do ritual na sua história e vida social. Através de uma análise que interpreta o rito-e, com ele, a arte indígena-na sua performatividade, argumenta-se que o ritual opera aqui como um dispositivo fundamental para transformar o espaço chaquenho num lugar guarani.

As already established in ethnological literature, Chaco War (Bolivia/Paraguay 1932-1935) launched a range of spatial displacements that reshaped the local ethnic map. This paper sketches out the displacements that took the Guarani and Isoseño people from Bolivia to Northern Paraguayan Chaco, and then describes the establishment of five communities in the area. Secondly, it refers to Guarani sociality by examining the role of ritual in their history and social life. Through a performative approach to ritual and indigenous art practices, the paper argues that in this context, ritual acts as a powerful means to build Chacoan space as a Guarani place.

Este trabalho consiste em uma pesquisa realizada no acompanhamento etnográfico com três grafiteiros de primeira e segunda geração que têm como espaço de intervenção a localidade de Porto Alegre/RS. Primeiramente procuro demonstrar como os processos de globalização de tecnologias digitais influenciaram o modo de produção da street art na cidade, mas também como elas foram adaptadas e agenciadas por estes grafiteiros. A etnografia tem muito a contribuir com os estudos de cibercultura quando mostra a versão particular, cotidiana e como está sendo apropriada. Refletindo sobre questões como a " pixelização " e a " artificação " da arte urbana trago a plataforma digital do Fotolog como um elemento importante nas memórias das intervenções artísticas na capital gaúcha. Concluo que a ideia de construção de um trabalho autoral pode ser a chave de entendimento de um saber fazer localizado. Os " monstros dentuços " de Celo Pax refletem um entendimento de como artistas urbanos se apropriam e reinventam designações globalizantes. Abstract This work consists of a research carried out in the ethnographic accompaniment with three graffiti artists of first and second generation that have as intervention space the locality of Porto Alegre / RS. First, I try to demonstrate how the processes of globalization of digital technologies influenced the way street art is produced in the city, but also how they were adapted and managed by these graffiti artists. Ethnography has much to contribute to cyberculture studies when it shows the particular, everyday version and how it is appropriate. Reflecting on issues such as " pixelization " and the " artification " of urban art, I bring Fotolog's digital platform as an important element in the memories of artistic interventions in the capital of the state of Rio Grande do Sul. I conclude that the idea of building an authorial work can be the key to understanding a localized know-how. Celo Pax's " toothy monsters " reflect an understanding of how urban artists appropriate and reinvent global designations.

Este  texto  presenta  una  reflexión  sobre  las  versiones  como  procedimiento  compositivo  que conduce  a  la  intermusicalidad.  (Monson,  1997)  Partiendo  de  la  perspectiva  relacional elaborada  por  el  americanismo  musical,  y  entendiendo  las  versiones  como  resultantes  de prácticas  de  apropiación  (Schneider,  2006),  se  destaca  la  dimensión    pragmática  de  las versiones en la medida en que permiten crear y reconocer relaciones (López Cano, 2011). Me interesa,  a  su  vez,  pensar  la  versión  como  práctica  que  disuelve  el  límite  entre autor/compositor  e  intérprete.  Versionar  canciones –práctica  que,  si  entendida  como apropiación,  implica  en  un  aprendizaje  por  parte  del  sujeto  que  se  apropia-es  una  forma  de transformarse en integrante de una comunidad de intérpretes. Esas prácticas, sin embargo, no conducen  a  la  homogeneidad  anunciada  en  algunos  estudios  sobre  aculturación,  mestizaje  o hibridismo. Las versiones de antiguos tangos, milongas, murgas o candombes por parte de los músicos del Rio de la Plata  (cuyas prácticas fueron objeto del estudio etnográfico que inspira esta  reflexión)  también  permiten  elaborar  contrastes  y  jerarquías –es  decir,  diferencias-que estructuran esa musicalidad.

This article focuses on archaeological artifacts from Amazonia beyond their original contexts to introduce the concept of resistant objects based on the analysis of some of their agentive attributes. Considering the agency of Marajoara objects and images it seeks to understand which material and visual qualities allow them to be re-signified across times and cultures in diverse identity-building narratives. Among the elements identified as ‘technologies of enchantment’, we highlight the complexity of decorative fields and graphic motifs and the particular means of representing beings and their bodies as the technologies that were reutilized and adapted to occidental, historical, and contemporary contexts. We argue that such exercises are necessary as archaeological practice, as a tool to improve our understanding of the agency and resistance of certain archaeological objects, and as means to reclaim the protagonism of indigenous arts from the past that have been reappropriated through historical times in both colonial and decolonizing narratives.

RESUMO: Partindo dos conceitos de armadilhas, quimeras e caminhos propostos respectivamente por Alfred Gell, Carlo Severi e Els Lagrou, o presente ensaio bibliográfico apresenta as características, semelhanças e especificidades de três abordagens da arte na antropologia contemporânea. Um dos focos do trabalho recai sobre as rupturas que essas abordagens realizam em relação a análise simbólica que por muito tempo dominou os estudos antropológicos sobre arte. Rompendo com o entendimento da arte enquanto linguagem simbólica, os estudos analisados enfatizam, cada um a sua maneira, a ação cognitiva da arte em contextos nativos, privilegiando categorias como agência, eficácia, contra-intuitividade e presentificação. Na última parte, mostro como essas categorias são aplicadas à arte ameríndia através do trabalho de Els Lagrou sobre a arte kaxinawa. ABSTRACT: Based upon the concepts of traps, chimera and pathways proposed by Alfred Gell, Carlo Severi and Els Lagrou respectively, this bibliographic essay presents the characteristics, similarities and specificities of three approaches on art in contemporary anthropology. The work focuses on the ruptures created by these approaches, concerning the symbolic analysis that has long dominated the anthropological art studies. Breaking away from the conception of art as a symbolic language, the studies we analyzed emphasized, in different ways, the cognitive action of art in native contexts, privileging categories such as agency, efficacy, counter-intuitiveness, and presentification. In the conclusion, we demonstrate how these categories are applied to Amerindian Art through the work of Els Lagrou on Cashinahua Art.

Resumen Presento un análisis de red social compuesta por artistas, antropólogas e historiadores que se involucraron de diferentes maneras en la realización de la exhibición Arte Plumária do Brasil (Arte Plumario de Brasil) que, después de inaugurada en 1980 en el Museo de Arte Moderno de São Paulo, fue montada en otras instituciones de arte y etnología en ciudades del país y del exterior hasta 1989. A partir del enmarañado de trayectorias de cosas, personas e ideas trazado, busqué seguir algunos hilos que permiten una reflexión acerca del proceso de «artificación» de los adornos plumarios de determinados grupos étnicos nativos de Brasil. Palabras clave: arte plumario, etnoestética, artificación, arte brasileño, exhibiciones

Revista Kaypunku / Volumen 4 / Número 1 / Junio 2019, pp. 311-364 Documento disponible en línea desde: www.kaypunku.com